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Justin Hayward
Justin David Hayward (14 de octubre de 1946) es un músico y compositor británico, popular por su trabajo como vocalista y guitarrista de la banda de rock The Moody Blues. También ha grabado alrededor de diez álbumes como solista.
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Compuso grandes éxitos de The Moody Blues como «Nights in White Satin», «Tuesday Afternoon» y «The Story in Your Eyes».
Discografía
Blue Jays (1975) con John Lodge
Songwriter (1977)
Night Flight (1980)
Moving Mountains (1985)
Classic Blue (1989) con Mike Batt
Justin Hayward and Friends Sing the Moody Blues Classic Hits (1996)
The View from the Hill (1996)
Live in San Juan Capistrano (1998)
Spirits of the Western Sky (2013)
Spirits… Live (2014)
Julie Driscoll
Julie Driscoll (8 de junio de 1947) es una cantante y actriz británica, conocida por sus versiones de las canciones «This Wheel’s on Fire» de Bob Dylan y «Season of the Witch» de Donovan, ambas con el teclista Brian Auger y su banda, The Trinity. Junto a The Trinity, hizo parte del especial televisivo 33 1/3 Revolutions Per Monkee, cantando «I’m a Believer» en estilo soul junto a Micky Dolenz. Ella y Auger habían trabajo previamente en Steampacket, con Long John Baldry y Rod Stewart.
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«This Wheel’s on Fire» alcanzó la posición número 5 en el Reino Unido en junio de 1968. Se casó con el músico de jazz Keith Tippett, por lo que actualmente usa el nombre Julie Tippetts, adoptando el apellido de su esposo. Lanzó un álbum como solista titulado Sunset Glow en 1975; y fue la vocalista en el álbum Tropic Appetites de Carla Bley y en «HeXtet» de John Wolf Brennan.
A comienzos de los años ochenta, Julie cantó la canción «Storm of Light» de la banda de pop Working Week.
Julian Lennon
John Charles Julian Lennon (Liverpool, Inglaterra, 8 de abril de 1963) es un músico inglés. Hijo único del matrimonio conformado por el beatle John Lennon y Cynthia Powell y hermano por parte de padre de Sean Lennon. Su nombre es un homenaje a su difunta abuela, Julia.
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Brian Epstein, representante de The Beatles y padrino de Julian, sugirió a John ocultar su matrimonio y paternidad por un tiempo para no afectar la popularidad del grupo. Fue así que Julian vivió alejado de los medios y de la publicidad de la beatlemanía. A raíz de ello, Julian vivió su infancia con un padre ausente, por lo que solía mostrarse frío al hablar de su padre John, y sentía enemistad con Yoko Ono. Al morir su padre, decidió abandonar esa enemistad, y actualmente tiene una cordial relación con Yoko y se lleva muy bien con su medio hermano Sean, a quien adora: «I just love Sean, and I didn’t want to hurt him…». («Yo amo a mi hermano Sean, y yo jamas querria lastimarlo »)
Julian inspiró ciertas composiciones musicales de The Beatles, como la conocida canción de su padre Lucy in the Sky with Diamonds, a partir de un dibujo que él había hecho; John también escribió Good Night como una canción de cuna para Julian, la cual fue cantada por Ringo Starr. Asimismo, inspiró a Paul McCartney en la canción Hey Jude para consolarlo por el divorcio de sus padres, causado por el romance de John Lennon con Yoko Ono. En la emisión de American Top 40 the 80’s del 9 de febrero de 1985, Casey Kasem mencionó que Cynthia Powell quedó embarazada en julio de 1962 y junto con John decidieron mantener en secreto el nacimiento de Julian.
El debut musical de Julian fue a temprana edad, a los 11 años, tocando la batería en la canción Ya-Ya del álbum Walls and Bridges de John Lennon. Su carrera artística se hizo popular con el debut de su disco Valotte y con la canción Too late for Goodbyes en 1984. Luego del gran éxito, hubo tiempos de ventas bajas y Julian recurrió al alcohol y drogas.
Su voz, aspecto y estilo musical son idénticos a los de John Lennon, por lo que se especuló alguna vez con el retorno de The Beatles con él como integrante, lo que nunca sucedió.
Julian Lennon es también el productor del documental WhaleDreamers que trata acerca de una tribu aborigen de Australia y de su relación especial con las ballenas. Este documental también trata acerca de muchos asuntos del medio ambiente. Esta película ha recibido muchos premios y fue presentada en la Fiesta Cinematográfica de Cannes 2007.
Álbumes de estudio
Valotte (1984)
The Secret Value of Daydreaming (1986)
Mr. Jordan (1989)
Help Yourself (1991)
Photograph Smile (1998)
Lennon… and Proud of It – A Conversation with Julian Lennon (1999)
VH-1 – Behind the Music – The Julian Lennon Collection (2001)
Everything Changes (2011)
José María Cano
José María Cano Andrés (Madrid, 21 de febrero de 1959) es un músico, compositor, productor discográfico y artista plástico español que formó parte, junto con su hermano Nacho y Ana Torroja, del grupo pop Mecano entre 1981 y 1998. Desde entonces es un artista visual.
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José María Cano nació en Madrid. Tiene dos hermanos (Modesto y Nacho) y una hermana (Pilar) siendo José María el segundo. Su padre (Modesto Diego Cano Hurtado) desarrolló su labor profesional en el sector textil y es licenciado en ICADE. Su madre (Emilia Andrés) es licenciada en Ciencias Políticas. Durante su infancia estudió en el Colegio Nuestra Señora del Recuerdo, de cuyo coro formó parte como solista. También tomaba clases de dibujo en una academia.
Los Cano recuerdan que a sus padres no les gustaba la música y, de hecho, en su casa no había ni radio ni tocadiscos. No obstante, sí había una guitarra que su padre había comprado para aprender a tocar flamenco, proyecto que nunca llevó a cabo, y que sería el primer instrumento con el que tendrían contacto los hermanos. Su descubrimiento real de la música fue con trece años, cuando, durante unas vacaciones en Valencia, escuchó el tema Imagine de John Lennon. A partir de ese momento empieza a desarrollar una gran afición por la música que contagia a su hermano Nacho cuatro años menor pero al que estaba muy unido. Compran todo tipo de discos y comienza a aprender a tocar la guitarra con un libro de canciones de los Beatles y toca también temas de Cat Stevens y James Taylor. Sigue entre tanto perfeccionando su técnica de dibujo.
Siendo un adolescente de unos 15 años, en 1974 aproximadamente, conoce en una fiesta que se celebraba en el madrileño paseo de la Habana a Ana Torroja. Ana era una chica de su edad y de su barrio. Al poco tiempo de conocerse José y Ana entablaron una relación de noviazgo que duró unos tres años.
A los diecisiete años (1976) comienza a estudiar la carrera de Arquitectura en Valencia, donde va en gran parte huyendo del ambiente familiar en lo referente a su afición por la música. Destaca en la asignatura de análisis de formas cuya base es el dibujo artístico. Tras solo dos cursos decide abandonar la carrera de arquitectura y regresar a Madrid. Según afirmó él mismo (en una entrevista realizada en la primavera de 2008) el motivo fue que su padre pasaba por una situación profesional complicada y José María quiso ayudarle trabajando con él como representante textil. Siguió haciéndolo sin cobrar nada hasta que fue sustituido por su hermana Pilar ya en pleno éxito de Mecano.
A su regreso a la capital (1979) comienza a estudiar Ciencias Empresariales. Ana Torroja, ya convertida en solo amiga después de terminar el noviazgo de ambos, comienza a hacerle los coros cuando José María interpreta, normalmente en fiestas, alguna canción en público. En Madrid, José María empieza a sondear la posibilidad de grabar un disco con varios temas que ha compuesto. También se reencuentra con su hermano Nacho, que ha abandonado la guitarra por los teclados y toca música más electrónica. José María toca la guitarra y canta, Ana hace los coros y Nacho los solos. Progresivamente Ana, que no había mostrado particular afición por cantar en su infancia, va desarrollando un timbre de voz muy bello que hizo que ambos hermanos Cano terminasen componiendo para ella.
En solitario:
1998: Luna
2000: Josecano
Sencillos:
«Y ahora tengo un novio»
«India veracruzana/Linda veracruzana»
Extracto de Wikipedia
José Feliciano
José Monserrat Feliciano García (Lares, Puerto Rico; 10 de septiembre de 1945), más conocido como José Feliciano, es un músico, cantante y compositor puertorriqueño, considerado el primer hispanoamericano en introducirse al mercado de la música en inglés.
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Está considerado como un virtuoso ejecutante de la guitarra española y con su potente e inconfundible voz, ha interpretado y publicado más de 600 canciones. Sus ventas de discos se estiman en 50 millones de copias.
Si en el mercado latino sus mayores éxitos provienen del bolero y las baladas, Feliciano es más reconocido en el mundo por sus influencias y ejecuciones en el ámbito del Soul, el Jazz, el Rock y los ritmos latinos. Posee infinidad de canciones conocidas pero hay tres que marcaron su trayectoria musical: “Light my fire”, que le abrió las puertas de la popularidad con la canción y l’LP que la incluyó que fue Hit en muchos países del mundo como USA, Canadá, Brasil, Australia y Uk entre otros; “Che Sarà”, cantada en el Festival de San Remo, que fue éxito en Europa, Asia y América; y “Feliz Navidad”, una canción de su autoría considerada una de las más escuchadas durante la época navideña en el mundo entero.
Como compositor tiene más de 100 canciones registradas, entre las que pueden mencionarse: “No hay sombra que me cubra”, “Ay, cariño”, “Paso la vida pensando”, “Me has echado al olvido”, «Destiny», «Come Down Jesus», «Angela», «Rain», «Chico & The Man», «Hard Times In El Barrio» y los instrumentales: «Pegao» y «Affirmation». Fue uno de los primeros artistas en incluir duetos dentro de sus discos, entre los que destacan: “Para decir adiós” con Ann Kelly (1982), “Por ella” con José José, “Un amor así” con Lani Hall, y “Tengo que decirte algo” con Gloria Estefan.
Discografía
Inglés
1964 The Voice and Guitar of José Feliciano
1966 A Bag Full of Soul
1966 Fantastic Feliciano
1968 Feliciano!
1968 Souled
1969 Feliciano/10 To 23
1969 Alive Alive O!
1970 Fireworks
1970 Feliz Navidad
1971 Encore!
1971 Che sarà
1971 That the Spirit Needs
1971 Another Record
1972 Sings
1972 Memphis Menu
1973 Compartments
1973 Peter Stuyvesant presents José Feliciano in concert with the London Symphony Orchestra
1974 For My Love, Mother Music
1974 And The Feeling’s Good
1975 Affirmation
1975 Just Wanna Rock’n’Roll
1976 Angela
1977 Sweet Soul Music
1981 José Feliciano
1983 Romance in the Night
1989 I’m Never Gonna Change
1990 Steppin’ Out (Optimism Records)
1994 Goin’ Krazy’ (MJM Records) (12″ Dance Remix Single recorded under the pseudonym JR)
1996 Present Tense
1996 On Second Thought
2006 Six-String Lady (the instrumental album)
2007 The Genius of José Feliciano
2008 Soundtrax of My Life
2009 The Paris Concert (live)
2009 American Classics (only for digital download)
2009 Djangoisms (only for digital download)
2011 The Genius of José Feliciano, Vol.2
2012 The King, José Feliciano tribute to Elvis Presley
2017 As You See Me Now (with Jools Holland
Español
1966 El sentimiento la voz y la guitarra
1967 Sombras, una voz, una guitarra
1967 Más éxitos de José
1968 Felicidades con lo mejor de José Feliciano
1970 ¡El Fantástico!
1971 En mi soledad / No llores más
1971 José Feliciano Otros éxitos
1982 Escenas de amor
1983 Me enamoré
1984 Como tú quieres
1985 Ya soy tuyo
1986 Te amaré
1987 Tu inmenso amor
1990 Niña
1992 Latin Street ’92
1996 Americano
1998 Señor bolero
2000 Guitarra mía Tribute
2003 Señor bolero 2
2004 A México, con amor
2006 José Feliciano y amigos
2007 Señor bachata
2008 Con México en el corazón
2009 José Feliciano en vivo
2017 My Latin Street Vol. 1
Jorma Kaukonen
Jorma Kaukonen (Washington D.C, 23 de diciembre de 1940) es un guitarrista norteamericano de folk, blues y rock, conocido por su trabajo con las bandas Jefferson Airplane y Hot Tuna. La revista Rolling Stone lo incluyó en el puesto 54 de su lista de 100 mejores guitarristas de todos los tiempos.
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Nació en Washington D.C el 23 de diciembre de 1940, hijo de Beatrice y Jorma Ludwik Kaukonen, pasó buena parte de su infancia viviendo en Filipinas, debido al trabajo de su padre, hasta que finalmente regresó a su lugar de nacimiento donde comenzó a tocar la guitarra ya de adolescente. Junto a su futuro compañero en Jefferson Airplane, Jack Casady, formó su primera banda en Washington llamada The Triumphs. En esta época comienza a tocar la guitarra con la técnica del Fingerpicking.
En 1962, Kaukonen se mudó a la Bahía de San Francisco para estudiar en la Universidad de Santa Clara. Comenzó a tocar blues en solitario por bares y cafés, a veces acompañado por una jovencísima Janis Joplin. De esta época queda como testimonio la grabación de 1964 titulada The Typewriter Tapes. En la universidad conoció a Paul Kanter, que lo invitó a asistir a un ensayo de Jefferson Airplane y tras una jam session lo invitó a formar parte de la banda. Kaukonen, como guitarrista de blues, nunca pensó en tocar en una banda de rock, sin embargo le atrajeron los múltiples efectos sonoros que le ofrecía la guitarra eléctrica y no dudó en unirse al grupo.
Discografía
Quah (1974)
Jorma (1979)
Barbeque King” (1981)
Too Hot to Handle (1985)
Embryonic Journey (1994)
The Land of Heroes (1995)
Christmas (1996)
Too Many Years (1998)
Blue Country Heart (2002)
Stars in My Crown (2007)
River of Time (2009)
Ain’t In No Hurry (2015)
Jon Lord
John Douglas Lord, más conocido como Jon Lord (Leicester, 9 de junio de 1941-Londres, 16 de julio de 2012), fue un músico británico famoso por haber pertenecido al grupo Deep Purple. Tocaba el órgano Hammond y el piano y es considerado uno de los mejores de la historia en su campo. Comenzó practicando este último instrumento a la edad de cinco años, cuando su padre decidió que el pequeño Jon debería ser un pianista clásico.
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Comenzó a tocar el piano con nueve años de edad, recibiendo enseñanza de piano clásico. Después de adaptarse al instrumento encontró en el jazz y el blues una fuente más variada de música formando así su primer grupo en los años 1960: The Bill Ashton Combo. Más tarde, en 1963 se unió a una banda, liderada por Art Wood, hermano mayor del actual integrante de los Rolling Stones, Ron Wood, que se llamó The Art Wood Combo y a partir de 1964 The Artwoods.
En 1968, ingresó al proyecto de banda Roundabout que meses más tarde cambiaría su nombre a Deep Purple. Con Deep Purple alcanzó el estrellato logrando fama y éxito en uno de los mejores grupos de la historia del rock mundial. Deep Purple se disolvió momentáneamente en julio de 1976 lo cual aprovechó Lord para emprender algunos proyectos como solista.
Desde el año 1978, tocó en Whitesnake hasta el mes de abril de 1984 cuando volvió a Deep Purple, donde estuvo hasta el año 2002. En ese año se separó nuevamente de Deep Purple y en el 2005 comenzó a trabajar como solista en Jon Lord & The Gemini Band.
Su padre, músico de jazz, permitió al pequeño Jon tocar en el piano de su abuelo a la temprana edad de cinco años. Luego de dos años de tomar lecciones con su profesor de música local Philip Lang, Lord recibió el arte y el amor por la música de parte de Frederick Alt. Algo más tarde, recibiría algunas lecciones del pianista John Palmer.
Discografía como solista
1972 Gemmini Suite
1974 Windows
1976 Sarabande
1982 Before I Forget
1998 Pictured Within
2004 Beyond The Notes
2008 Durham Concerto
2008 Boom Of The Tingling Strings
2009 Bucharest (Live)
2010 To Notice Such Things
2011 Jon Lord Blues Project (Live)
Jon Anderson
Jon Roy Anderson (Accrington, Lancashire, Inglaterra, 25 de octubre de 1944), más conocido como Jon Anderson, es un cantante, compositor y músico inglés. Es fundador del grupo de rock progresivo británico Yes, además de su trabajo como solista y con Vangelis (dúo Jon and Vangelis).
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Anderson nació en el pueblo de Accrington, en Lancashire, Reino Unido. Es hijo de Albert y Kathleen Anderson. Asistió de pequeño a la St. John’s Infants School, en Accrington, y comenzó sus primeros ensayos musicales a temprana edad, tocando la tabla de lavar en Little John’s Skiffle Group, donde interpretaban canciones de Lonnie Donegan, entre otros.
Abandonó la escuela a los 15 años, y realizó una serie de trabajos variados, incluidos el de peón de granja, el de conductor de camiones y el de lechero.
Solista:
Olias of Sunhillow (1976),
Song of Seven (1980),
Animation (1982),
3 Ships (1985),
In The City of Angels (1988),
The Best of South America (1994),
Deseo (1994),
Change We Must (1994),
Angels Embrace (1995),
Toltec (1996),
Lost Tapes of Opio (1996),
The Promise Ring (1997),
Earth Mother Earth (1997),
The More You Know (1998),
Survival And Other Stories (2010)
1000 hands: Chapter One (2019).
Con Vangelis (Jon and Vangelis):
Short Stories (1980),
The Friends of Mr. Cairo (1981),
Private Collection (1983),
The Best of Jon & Vangelis (1984),
Page of Life (1991),
Chronicles (1994).
Con Kitaro:
Dream (1992).
Con Rick Wakeman (Anderson/Wakeman):
The Living Tree (2010),
The Living Tree: In Concert (Part One) (2011).
Con Jean Luc Ponty (Anderson Ponty Band):
Better Late Than Never (2015).
Con Roine Stolt (Anderson/Stolt):
Invention of Knowledge (2016).
Jon & Vangelis
Dúo musical integrado por el cantante y compositor Jon Anderson y el instrumentista y compositor Vangelis. Sus álbumes publicados hasta la fecha son Short Stories, The Friends of Mr. Cairo, Private Collection y Page of Life (el último en dos versiones diferentes para Europa y Estados Unidos), además de los recopilatorios The Best of Jon and Vangelis y Chronicles.
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Jon Anderson, vocalista y miembro fundador de uno de los grupos musicales más influyentes del rock progresivo, Yes, y Vangelis, nombre esencial del mundo de las nuevas músicas, se conocieron alrededor del año 1976.
Anderson tocó el arpa en un álbum de Vangelis, Opera Sauvage, además de intervenir como cantante en Heaven and Hell. Vangelis, a su vez, fue invitado a ser el teclista para actuaciones en vivo de Yes cuando Rick Wakeman abandonó la agrupación. Vangelis, sin embargo, rechazó la oferta al considerar que, en un momento reciente del pasado, había abandonado otra banda (Aphrodite’s Child) precisamente en busca de libertad para componer con independencia. Además, la buena acogida de sus primeras obras en solitario (en especial L’Apocalypse des animaux) le auguraba un exitoso porvenir.
En 1980, Anderson deja Yes momentáneamente para formar junto al griego el dúo Jon and Vangelis, una unión paralela a las carreras individuales de ambos, cuyos cuatro trabajos aparecerían de forma intermitente a lo largo de poco más de una década. Sus primeros éxitos,»I Hear You Now», «I’ll Find my Way Home» y «The Friends of Mr. Cairo» demostraron la gran creatividad musical del combo. Muchas de las composiciones del dúo fueron fruto de experimentación e improvisación, y sirvieron como válvula de escape para la creatividad de Anderson, que podía explorar registros más minimalistas que en Yes, y para la de Vangelis, que encontró la oportunidad de componer canciones de corte pop, distintas a sus extensas obras como solista instrumental. En cualquier caso, la identidad estilística del dúo Jon and Vangelis está más cercana a la sensibilidad del griego, puesto que la composición e interpretación de cada tema es generalmente tan compleja técnicamente como las llevadas a cabo en sus propias obras, si bien la estructura conceptual y unitaria de los álbumes del dúo es menos evidente que en los discos en solitario de Vangelis. Como dato anecdótico, es muy interesante tener en cuenta la gran influencia que la música del griego debió tener en la composición del primer álbum en solitario de Jon Anderson, Olias of Sunhillow, con un alto contenido electrónico que lo sitúa mucho más cerca de Vangelis que de Yes.
Short Stories presenta una serie de temas muy experimentales, difícilmente comerciales, en las que la voz de Anderson se mueve entre la canción propiamente dicha y el recitado de textos de manera un tanto teatral.
The Friends of Mr. Cairo, segundo trabajo del dúo, resultó algo más accesible para un público amplio, sobre todo porque sus temas eran más adecuados para la radiodifusión. I’ll Find my Way Home, tema estrella del disco, no pertenecía originalmente al álbum, sino que fue añadido al mismo en una segunda edición, dado el éxito cosechado por el tema, que fue lanzado como single de cara a la campaña navideña de aquel año. A la buena acogida del álbum también contribuyó el enorme éxito de la banda sonora de Vangelis para Carros de Fuego, publicada poco tiempo antes, por la que el músico obtuvo el Oscar de Hollywood.
Private Collection es, probablemente, el mejor trabajo de Jon and Vangelis. A ello contribuye la excepcional belleza melódica de los temas cortos (Deborah, He Is Sailing) y la grandiosidad del tema largo Horizon. La producción del álbum está especialmente cuidada, y el sonido del conjunto de los temas le da un carácter más unificado.
Page of Life, en sus dos versiones, resultó una decepción comercial, tal vez debido al sonido algo distinto con el que por entonces trabajaba Vangelis en álbumes como Direct. De hecho, las notables variaciones en los temas (y en la longitud de los mismos) que se puede observar entre las ediciones europea y americana denota una cierta indecisión creativa por parte del dúo, traducida también en una producción menos cuidada que en su trabajo anterior.
Los últimos lanzamiento de Jon and Vangelis fueron álbumes recopilatorios que no incluyeron temas nuevos. El dúo nunca se ha disuelto oficialmente.
Discografía
Álbumes
Short Stories (1980)
The Friends of Mr. Cairo (1981)
Private Collection (1983)
Page of Life (1991)
Álbumes recopilatorios
The Best of Jon & Vangelis (1984)
Chronicles (1994)
Johnny Rivers
Johnny Rivers (nacido como John Henry Ramistella, Ciudad de Nueva York, Estados Unidos, 7 de noviembre de 1942) es un cantante y músico de rock and roll estadounidense.
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La familia Ramistella se mudó de Nueva York a Baton Rouge, Louisiana aun siendo niño. Johnny fue influenciado por el distintivo estilo musical de Louisiana y comenzó a tocar la guitarra a la edad de ocho años, enseñado por su padre y su tío. Aunque todavía iba a la escuela secundaria, comenzó a sentarse en la escena musical local, con una banda llamada The Rockets, dirigidos por Dick Holler , quien más tarde escribió una serie de canciones que incluyen «Abraham, Martin and John» y «Snoopy vs. the Red Baron».
Ramistella formó su propia banda, The Spades, y grabó su primer disco a los 14 años, cuando todavía era estudiante en la secundaría de Baton Rouge. Toda su música fue grabada por la etiqueta Suede ya en 1956.
Discografía
Johnny Rivers at the Whiskey A-Go-Go, live (1964)
Johnny Rivers in Action! (1965)
Meanwhile Back at the Whiskey A-Go-Go, live (1965)
Johnny Rivers Rocks the Folk (1965)
And I Know You Wanna Dance (1965)
Johnny Rivers’ Golden Hits (1966)
Changes (1966)
Rewind (1967)
Realization (1968)
Slim Slo Slider (1970)
Home Grown (1971)
L.A. Reggae (1972)
Blue Suede Shoes (1973)
Last Boogie Paris (1974)
Road (1974)
New Lovers And Old Friends (1975)
The Very Best of Johnny Rivers (1975)
Wild Night (1976)
Outside Help (1979)
Borrowed Time (1980)
Not A Through Street (1983)
The Best of Johnny Rivers (1987)
Memphis Sun (1991)
Anthology, 1964-1977 (1991)
Last Train To Memphis (1998)
Back at the Whisky, live (2001)
Reinvention Highway (2004)
Shadows on the Moon (2009)
Johnny Hallyday
Johnny Hallyday (París, Francia, 15 de junio de 1943-Marnes-la-Coquette, Altos del Sena; 5 de diciembre de 2017) fue un cantante, compositor y actor francés. Nacido como Jean-Philippe Léo Smet, de padre belga y madre francesa, es considerado como un icono en el mundo francófono desde los inicios de su carrera. Para algunos es el equivalente francés de Elvis Presley.
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Jean-Philippe Léo Smet nació en el París de la Francia ocupada, fruto del breve matrimonio de León Smet con Huguette Clerc, ambos artistas de cabaré. A los pocos meses de su nacimiento fue abandonado por su padre y su madre, incapaz de sacar al bebé adelante por sí sola, lo entregó en adopción a sus tíos paternos, que se hicieron responsables del pequeño. Su tía Desta, con la que se crio, estaba casada con otro artista de variedades llamado Lee Hallyday, de quien Jean-Philippe tomó su apellido artístico. Pasó buena parte de su infancia en Londres, donde su familia se instaló durante unos años para evitar represalias en Francia por colaboracionismo con los nazis. Tras ver la película Loving you de Elvis Presley decidió ser cantante de rock and roll y a los 16 compró su primera guitarra con su sueldo de cargador de camiones en el Mercado Central de París y comenzó a actuar en clubes nocturnos en la capital francesa.
Discografía
Álbumes de estudio
Hello Johnny (1960, Vogue)
Nous les Gars, Nous les Filles (1961, Vogue)
Tête a Tête avec Johnny (1961, Vogue)
Salut les Copains! (1961, Philips)
Johnny Hallyday sings America’s Rockin’ Hits (1962, Philips)
Les Bras en Croix (1963, Philips)
Les Rocks les Plus Terribles (1964, Philips)
Halleluyah (1965, Philips)
Johnny Chante Hallyday (1965, Philips)
La Génération Perdue (1966, Philips)
Johnny 67 (1967, Philips)
Jeune Homme (1968, Philips)
Rêve et Amour (1968, Philips)
Rivière… Ouvre ton Lit (1969, Philips)
Vie (1970, Philips)
Flagrant Délit (1971, Philips)
Country-Folk-Rock (1972, Philips)
Insolitudes (1973, Philips)
Je t’Aime, Je t’Aime, Je t’Aime (1974, Philips)
Rock’n Slow (1974, Philips)
Rock a Memphis (1975, Philips)
La Terre Promise (1975, Philips)
Derrière l’Amour (1976, Philips)
Hamlet (1976, Philips)
C’est la Vie (1977, Philips)
Solitudes a Deux (1978, Philips)
Hollywood (1979, Philips)
A Partir de Maintenant.. (1980, Philips)
En Pièces Détachées (1981, Philips)
Pas Facile (1981, Philips)
Quelque Part un Aigle (1982, Philips)
La Peur (1982, Philips)
Entre Violence et Violon (1983, Philips)
Hallyday 84: Nashville en Direct (1984, Philips)
En V.O (1984, Philips)
Rock’n’Roll Attitude (1985, Philips)
Gang (1986, Philips)
Cadillac (1989, Philips)
Ca Ne Change Pas un Homme (1991, Philips)
Rough Town (1994, Philips)
Lorada (1995, Philips)
Ce Que Je Sais (1998, Philips)
Sang pour Sang (1999, Philips)
A la Vie, a la Mort (2002, Mercury)
Ma Vérité (2005, Mercury)
Jamais seul con Matthieu Chedid (y una reanudación de la canción «Tanagra» escrita por Brigitte Fontaine)
Le Coeur d’un Homme (2007)
Ça Ne Finira Jamais (2008)
Jamais Seul (2011)
L’Attente (2012)
Rester vivant (2014)
De l’amour (2015)
Álbumes en directo
Johnny et Ses Fans au Festival de Rock’n’Roll (1961, Vogue)
A l’Olympia (1962, Philips)
Olympia 64 (1964, Philips)
Olympia 67 (1967, Philips)
Au Palais des Sports (1967, Philips)
Que Je t’Aime (1969, Philips)
Live at the Palais des Sports (1971, Philips)
Palais des Sports (1976, Philips)
Pavillon de Paris (1979, Philips)
Live (1981, Universal Music)
Palais des Sports 1982 (1982, Universal Music)
Au Zénith (1984, Universal Music)
A Bercy (1987, Universal Music)
Dans la Chaleur de Bercy (1990, Universal Music)
Bercy 92 (1992, Universal Music)
Parc des Princes (1993, Universal Music)
A La Cigale (1994, Universal Music)
Lorada Tour (1995, Universal Music)
Destination Vegas (1996, Universal Music)
Johnny Allume le Feu: Stade de France 98 (1998, Universal Music)
100% Johnny: Live a La Tour Eiffel (2000, Universal Music)
Olympia 2000 (2000, Universal Music)
Parc des Princes 2003 (2003, Universal Music)
Flashback Tour Live (2006, Warner Music)
La Cigale (2007, Warner Music)
Extracto de Wikipedia
Johnny Cash
Johnny J.R Cash (Kingsland, Arkansas; 26 de febrero de 1932-Nashville, Tennessee; 12 de septiembre de 2003) fue un cantante, compositor, guitarrista, actor y autor estadounidense. Considerado como uno de los músicos más influyentes del siglo XX. Considerado el «rey de la música country» y un icono de ese género. Cantautor de country, gospel, rock and roll y rockabilly, fue y es uno de los máximos representantes de la música country, aunque creó su propio subgénero musical.
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Cash fue conocido por su profunda voz, por el característico sonido boom-chick-a-boom de su banda de acompañamiento -los Tennessee Three-, y por vestir ropa oscura lo que le valió el apodo de «El Hombre de Negro» («The Man in Black»). Era muy típico de él empezar todos sus conciertos con la sencilla frase: «Hola, soy Johnny Cash» («Hello, I’m Johnny Cash»).
Muchas de las canciones de Cash como «I Walk The Line», «Folsom Prison Blues», «Man in Black» tratan temas como la pena, la culpa, las tribulaciones morales y la redención, una tendencia que se acentuó en la última etapa de su carrera. Pero también compuso muchas canciones humorísticas (como «One Piece At A Time», «The One On The Right Is On The Left» y versionó «A Boy Named Sue», canción de Shel Silverstein), llenas de vitalidad («Get Rhythm») o con otras temáticas típicas del country como el ferrocarril («The Rock Island Line» o la famosa «Orange Blossom Special»). Curiosamente, algunos de sus temas más conocidos son versiones de otros artistas, pero versionadas con un estilo propio y que lleva su sello por todas partes como es el caso de «Hurt» (de Nine Inch Nails), Personal Jesus de Depeche Mode, One de U2, o el tema grabado junto con Joe Strummer, «Redemption Song», que Bob Marley había compuesto poco antes de su muerte.
Vendió cerca de noventa millones de álbumes en sus casi cincuenta años de carrera. Es presentado habitualmente como uno de los músicos más importantes en la historia de la música country. Es uno de los tres únicos músicos que han sido admitidos en más de un «Salón de la Fama»: en el Salón de la Fama del Rock and roll, del Country y del Góspel, de modo que, junto con Elvis Presley, es el único artista que está en Salones de la Fama de tres estilos diferentes (Rock, Country y Góspel). Aunque es recordado principalmente como un icono de la música country, sus canciones y el sonido que abarca abrazaron otros géneros como el rock and roll, el rockabilly, el blues, el folk, y el góspel. Fue introducido al Salón de la Fama en todos aquellos múltiples géneros musicales.
Sun Records
Los álbumes de Sun contienen material grabado entre 1955 y 1958.
Johnny Cash with His Hot and Blue Guitar (1957)
Sings the Songs That Made Him Famous (1958)
Greatest! (1959)
Sings Hank Williams (1960)
Now Here’s Johnny Cash (1961)
All Aboard the Blue Train (1962)
Columbia Records
Johnny Cash desarrolló la mayor parte de su carrera con Columbia Records. Algunos de estos álbumes incluyeron material ya publicado junto con nuevo material.
Álbumes de estudio
The Fabulous Johnny Cash (1958)
Hymns by Johnny Cash (1959)
Songs of Our Soil (1959)
Ride This Train (1960)
Now, There Was a Song! (1960)
The Lure of the Grand Canyon (1961)
Hymns from the Heart (1962)
The Sound of Johnny Cash (1962)
Blood, Sweat and Tears (1963)
Ring of Fire: The Best of Johnny Cash (1963)
The Christmas Spirit (1963)
I Walk the Line (1964)
Bitter Tears: Ballads of the American Indian (1964)
Orange Blossom Special (1965)
Sings the Ballads of the True West (1965)
Everybody Loves a Nut (1966)
Happiness is You (1966)
Carryin’ on with Johnny Cash and June Carter (1967)
From Sea to Shining Sea (1968)
At Folsom Prison (en vivo) (1968)
Heart of Cash (1968)
The Holy Land (1968)
At San Quentin (en vivo) (1969)
Hello, I’m Johnny Cash (1970)
The Johnny Cash Show (en vivo) (1970)
I Walk the Line – Movie Soundtrack (1970)
Little Fauss and Big Halsy – Movie Soundtrack (1970)
Man in Black (1971)
A Thing Called Love (1972)
America: A 200-Year Salute in Story and Song (1972)
The Johnny Cash Family Christmas (1972)
International Superstar (1972)
På Österåker (en vivo) (1973)
Any Old Wind That Blows (1973)
The Gospel Road (1973)
Johnny Cash and His Woman (1973)
Ragged Old Flag (1974)
Junkie and the Juicehead Minus Me (1974)
The Johnny Cash Children’s Album (1975)
Sings Precious Memories (1975)
John R. Cash (1975)
Look at Them Beans (1975)
Strawberry Cake (en vivo) (1975)
One Piece at a Time (1976)
The Last Gunfighter Ballad (1977)
The Rambler (álbum) (1977)
I Would Like to See You Again (1978)
Gone Girl (1978)
Silver (1979)
Rockabilly Blues (1980)
Classic Christmas (1980)
The Baron (1981)
The Adventures of Johnny Cash (1982)
Johnny 99 (1983)
Rainbow (Johnny Cash) (1986)
Recopilaciones
Mean as Hell (1966)
Johnny Cash’s Greatest Hits, Vol.1 (1967)
Old Golden Throat (1968)
More of Old Golden Throat (1969)
The World of Johnny Cash (1970)
Johnny Cash’s Greatest Hits, Vol. 2 (1971)
Sunday Morning Coming Down (1972)
Five Feet High and Rising (1974)
Johnny Cash’s Greatest Hits, Vol.3 (1978)
Encore (1981)
Biggest Hits (1984)
Harmony Records
Estos discos, editados por Harmony Records, una división de Columbia Records, estaban formados por material ya aparecido en los álbumes editados por esta última.
Golden Sounds of Country Music (1968)
This is Johnny Cash (1969)
The Walls of a Prison (1970)
Understand Your Man (1972)
Give My Love to Rose (1972)
The Johnny Cash Songbook (1972)
Ballads of the American Indian (1973)
This is Johnny Cash (1973)
Álbumes de gospel en sellos pequeños
A Believer Sings the Truth (Cachet Records, 1979)
I Believe (Cachet Records, 1984)
Believe in Him (Word Records, 1986)
Return to the Promised Land (Renaissance Records, 1993)
Álbumes de rarezas: poco después de ser fundado, el sello alemán publicó tres LPs con rarezas grabadas durante el periodo entre 1958 y 1967.
The Unissued Johnny Cash (1978)
Johnny & June (1978)
Tall Man (1979)
Box sets: durante los 90 publicaron cuatro box sets que alegan recopilar todo lo grabado por Cash durante 1954 y 1969, incluyendo algunas de las rarezas ya editadas por el sello en los álbumes de los 70.
The Man in Black 1954-1958 (1990)
Come Along and Ride this Train (1991)
The Man in Black 1959-1962 (1991)
The Man in Black 1963-1969 (1995)
Mercury Records
Johnny Cash is Coming to Town (1987)
Classic Cash: Hall of Fame Series (1988)
Water from the Wells of Home (1988)
Boom Chicka Boom (1989)
The Mystery of Life (1991)
Wanted Man (1994)
Johnny Cash: The Hits (1996)
The Best of Johnny Cash (1998)
The Mercury Years (2000)
Johnny Cash & Friends (2002)
American Recordings
American Recordings (1994)
Unchained (1996)
VH1 Storytellers: Johnny Cash & Willie Nelson (1998)
American III: Solitary Man (2000)
American IV: The Man Comes Around (2002)
Unearthed (2003)
My Mother’s Hymn Book (2004)
American V: A Hundred Highways (2006)
American VI: Ain’t No Grave (2010)
Recopilatorios desde 1990
The Essential Johnny Cash 1955-1983 (Legacy Recordings, 1992)
Super Hits (Legacy Recordings, 1994)
Johnny Cash: Crazy Country (1998)
16 Biggest Hits (Legacy Recordings, 1999)
Love, God and Murder (2000)
16 Biggest Hits: Volume II (2001)
Man In Black: The Very Best Of Johnny Cash (2002)
The Essential Johnny Cash (Legacy Recordings, 2002)
Johnny Cash at Madison Square Garden (2002)
Live Recordings from the Louisiana Hayride]](2003)
Christmas with Johnny Cash(2003)
Life (2004)
The Complete Sun Recordings, 1955-1958(2005)
Walking the Line: The Legendary Sun Recordings (2005)
The Legend (Legacy Recordings, 2005)
The Legend of Johnny Cash (2005)
Duets (2006)
Personal File (Legacy Recordings, 2006)
The Legend of Johnny Cash Vol. II (2006)
John Wetton
John Kenneth Wetton (Derbyshire, 12 de junio de 1949-31 de enero de 2017) fue un cantante, bajista y guitarrista británico.
Nació Derbyshire, Inglaterra, sin embargo, creció en Bournemouth, Dorset. Wetton destacó rápidamente por sus habilidades tanto para sacar un sonido muy personal al bajo como por su capacidad de improvisación (como se evidencia en algunos shows en directo como en el «The Great Deceiver» de King Crimson), aunque sus grabaciones siempre estuvieron pasadas por un tamiz más comercial. Desde el primer momento también tocó la guitarra, el piano e incluso fue compositor.
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Fue músico profesional desde finales de los años 1960, habiendo sido miembro de los siguientes grupos: Mogul Thrash, Family, King Crimson, el grupo de Roxy Music/Bryan Ferry, Uriah Heep, UK, Asia y Wishbone Ash. Grabó varias de las que se consideran «grandes obras maestras» del rock progresivo, como el Lark’s Tongues in Aspic (1973) de King Crimson, el disco homónimo de UK o el disco homónimo de Asia.
En los últimos años Wetton llevó a cabo una lucha contra sus problemas de alcoholismo, los cuales parece haber superado. Durante 2006 se inició una reunión de Asia para celebrar los 25 años de la banda, en la cual participó. Se inició un tour mundial en cual incluyó a Europa, Estados Unidos, Sudamérica y Japón, en donde llegó a tocar con el dúo RX ex integrantes del grupo Seikima-II.
A finales de 2007, en un examen de rutina se le descubre por medio de una imagen por Resonancia Magnética Nuclear MRI una seria oclusión cardiaca del 99 %, la cual pone en riesgo su vida, teniendo que internarse de urgencia para ser intervenido en una operación a corazón abierto. La operación fue un éxito y Wetton lentamente retomó su trabajo con Asia, quienes firman un contrato con EMI para lanzar un nuevo álbum llamado Phoenix para abril de 2008.
El 31 de enero de 2017, fallece a causa de un cáncer de colon por el que ya tuvo que ser operado en 2015.
Álbumes
Caught in the Crossfire, 1980, E’G/Polydor Records.
King’s Road, 1972-1980, 1987, E’G/Virgin Records.
One World (con Phil Manzanera), 1987, Geffen Records.
Battle Lines, 1994, Eclipse Records.
Chasing the Dragon (Live), 1995, Eclipse Records.
Akustika (Live), 1996, Blueprint Records.
Arkangel, 1997, Eagle Records.
Chasing the Deer (BSO), 1998, Blueprint Records.
Hazy Money Live in New York, 1998, Blueprint Records.
Live in Tokyo, 1998, Blueprint Records.
Monkey Business (con Richard Palmer-James), 1998, Blueprint Records.
Sub Rosa Live in Japón, 1998, Blueprint Records.
Nomansland Live in Polonia, 1999, Giant Electric Pea Records.
Welcome to Heaven, 2000, Avalon Records.
Sinister, 2001, Giant Electric Pea Records.
Live in Argentina, 2002, Blueprint Records.
Live in Estocolmo 1998, 2003, Blueprint Records.
Rock of Faith, 2003, Giant Electric Pea Records.
Live in Osaka, 2003, Blueprint Records.
From the Underworld, 2003, Classic Rock Legends.
One Way or Another (con Ken Hensley), 2003, Classic Rock Legends.
Amata, 2004, Metal Mind Records.
Icon (con Geoff Downes), 2005, Melodic Symphony/Frontiers Records/UMe Digital (US).
Raised in Captivity 2011, Symphony Rock.
EP
Heat of the Moment ’05 (con Geoff Downes), 2005, Frontiers Records.
John Phillips
John Edmund Andrew Phillips (Parris Island, Carolina del Sur, 30 de agosto de 1935 – Los Ángeles, California, 18 de marzo de 2001) fue un cantante, guitarrista y compositor estadounidense. También conocido como Papa John, Phillips fue un miembro y líder de la banda The Mamas & the Papas. Era el padre de Jeffrey Phillips, Mackenzie Phillips, Chynna Phillips, Tamerlane Phillips y Bijou Phillips.
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La primera banda de Phillips fue The Journeymen, un trío dedicado a la música folk. Tiempo después, durante el American folk music revival, conoció a Denny Doherty y Cass Elliot y en un tour por California, a Michelle Gilliam, con quien se casó en 1962. Con ellos formará, en 1965, The Mamas and The Papas, grupo que llegará a su fin al mismo tiempo que su unión con Michelle en 1970. El matrimonio tuvo una hija, Chynna Phillips, futura integrante del exitoso grupo Wilson Phillips.
Phillips y Michelle fueron los responsables de escribir la mayoría de las canciones de The Mamas and The Papas; John comúnmente empezaba a escribir las canciones y luego Michelle las completaba. Después de firmar contrato con Dunhill Records tuvieron numerosos hits en el top ten de Billboard, tales como: California Dreamin’, Monday, Monday, I Saw Her Again, Creeque Alley, 12:30 (Young Girls Are Coming to the Canyon) y Words of love.
Como Solista
1970: John Phillips (John, the Wolf King of L.A.)
1970: Brewster McCloud – Soundtrack con Merry Clayton en la voz
2001: Pay Pack & Follow
2001: Phillips 66
2008: Pussycat
2009: Man On The Moon
Compilaciones
2007: Jack Of Diamonds
Extracto de Wikipedia
John Paul Jones
John Baldwin (n. Sidcup, Inglaterra, 3 de enero de 1946), más conocido como John Paul Jones, es un músico multinstrumentista y compositor británico, reconocido principalmente por haber sido bajista del grupo Led Zeppelin.
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En 1960, con catorce años, formó parte del grupo de danza de su padre, Joe Baldwin, y un año más tarde creó su propia banda.
En los años 60 comenzó a ser director y arreglista de otros grupos, así como pianista y bajista, incluyendo entre estos a los Outlaws, Mickey Most, the Mindbenders, the Everly Brothers, The Supremes, Rolling Stones, Jeff Beck, Donovan, entre otros.
Se destaca también su gran habilidad como pianista y teclista.
Como solista
Scream For Help (con Jimmy Page) (1985)
The Sporting Life (Diamanda Galas 1994)
Zooma (1999)
The Thunderthief (2001)
Con Them Crooked Vultures
Them Crooked Vultures (2009)
Con Seasick Steve
You Can’t Teach an Old Dog New Tricks (2011)
Hubcap Music (2013)
Extracto de Wikipedia
John Miles
John Ethrington, más conocido como John Miles (Jarrow, Tyne y Wear, 23 de abril de 1949) es un cantautor, guitarrista y tecladista inglés.
Es especialmente conocido por su hit Music (en español, Música), del año 1976 que alcanzó el Top 3 de las listas del Reino Unido, además del Top 10 en varias otras listas del mundo.
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En su juventud Miles fue miembro de una banda de música local denominada «The Influence» («La influencia», en español), de la cual también eran miembros Paul Thompson, posteriormente baterista de Roxy Music y Vic Malcolm, luego guitarrista de Geordie. También formó su propia banda denominada «The John Miles Set» antes de comenzar su carrera solista en 1971.
Durante la década de 1970 lanzó dieciocho sencillos y cuatro álbumes de estudio, entre los que se podrían mencionar Rebel (1976), Stranger In The City (1977) y Zaragon (1978). Sin embargo, Miles tuvo mayor éxito con sus sencillos: además de Music, Highfly (1975), Remember Yesterday (1976) y Slow Down (1977) también alcanzaron buenas posiciones en las listas. Muchas de sus canciones fueron co-escritas en conjunto con su bajista Bob Marshall. «Slow Down» apareció en la película Players (1979) protagonizada por Ali MacGraw y Dean Paul Martin.
Entre 1976 y 1977 hizo varias apariciones en el programa de televisión británico «Supersonic».
En la década de 1980 continuó grabando y haciendo giras. En 1983, una nueva radio del sur de Inglaterra utilizó partes de su tema «Music» como cortina musical, costumbre que se repetiría en varios programas radiales alrededor del mundo, en el caso de la televisión, se usó como cortina musical del programa Más Música de Canal 13 de Chile, y en Argentina se usó para el programa periodístico Mónica Presenta.
Miles ha hecho giras con Tina Turner desde 1987, remplazando frecuentemente a Bryan Adams cuando este no se hallaba disponible. Miles es también vocalista frecuente en varios temas de The Alan Parsons Project. Apareció también en el álbum de Jimmy Page Outrider (1988).
Durante fines de los años ’80 y los ’90, Miles tocó en varios álbumes de Tina Turner y también tocó el órgano Hammond en el álbum de Joe Cocker, Night Calls (1992).
En 2002, lanzó el DVD John Miles – Live In Concert. En 2007, dio un concierto junto a la banda alemana Pur, en Gelsenkirchen, Alemania.
Discografía
Rebel (1976)
Stranger in the city (1977)
Zaragon (1978)
More miles per hour (1979)
Sympathy (1980)
Miles high (R.U.) (1981)
Miles high (EE.UU.) (1981)
John Miles’ Music (1982) (recopilación)
Play on (1983)
Transition (1985)
John Miles Live in concert (1992) (recopilación) (concierto)
Anthology (1993) (recopilación)
Upfront (1993)
Master series (1998) (recopilación)
Tom and Catherine (1999) (musical)
Millennium edition (1999) (recopilación)
John Miles – His very best (2000) (recopilación)
John Miles – Live in concert (2002) (DVD) (recopilación) (concierto)
Extracto de Wikipedia
John McLaughlin
John McLaughlin (nacido el 4 de enero de 1942, Doncaster, Reino Unido), también conocido como Mahavishnu John McLaughlin, es un guitarrista, bandleader y compositor proveniente del movimiento originado en los 70 llamado jazz-fusión o jazz-rock. Sin embargo, su aporte musical trasciende los géneros y las culturas, siendo pionero en movimientos de integración del jazz con la música del Norte y el Sur de la India (Shakti), con el flamenco (Guitar Trio), con el rock (primero con Miles Davis en In a Silent Way y Bitches Brew y desde la década de 1970 en adelante, con sus grupos Mahavishnu Orchestra, The Heart of Things, Five Peace Band y actualmente John McLaughlin y la 4.ª Dimension) y con la música clásica (en su Concierto para guitarra y orquesta y en el disco Thieves and Poets).
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Proveniente de una familia de músicos (su madre era concertista de violín), McLaughlin de niño estudió violín y piano, pero se interesó más en la guitarra a partir de los once años de edad, explorando estilos como de flamenco y el jazz de Stéphane Grappelli. McLaughlin se trasladó a Londres desde Yorkshire para involucrarse en la escena próspera de música de los inicios de los 60, comenzando con The Marzipan Twisters, después estuvo con la banda de Georgie Fame, en la banda de Brian Auger, y por fin con Graham Bond Quartet en 1963. Durante toda esta época, a menudo tuvo que soportar largas sesiones de trabajo, con lo que no estaba muy conforme, pero consiguió mejorar su modo de tocar y sus habilidades de ejecución.
Antes de trasladarse a EUA, McLaughlin realizó el álbum Extrapolation con Tony Oxley y John Surman en 1969, en el cual demostró ser un virtuoso en su técnica, su gran inventiva y su singular habilidad para tocar y superar cualquier dificultad que presentara el instrumento. Ya en Estados Unidos en 1969 se unió al grupo de Tony Williams The Tony Williams Lifetime. También tocó junto con Miles Davis en sus álbumes In A Silent Way, Bitches Brew, On The Corner, Big Fun, donde McLaughlin fue presentado como solista en «Go Ahead John» y en «A Tribute to Jack Johnson».
En los primeros 70 forma la banda eléctrica Mahavishnu Orchestra, junto al violinista Jerry Goodman (ex-The Flock), banda que se distinguió por su estilo, técnicamente virtuosísimo y complicado de música. El nombre Mahavishnu le fue dado por su gurú Sri Chinmoy, Mclaughlin se había convertido al hinduismo a comienzos de la década de los 70. En 1975 forma un grupo de fusión con la música hindú, llamado Shakti, con quienes permanece hasta 1978. A principios de los años 80 se unió al guitarrista flamenco Paco de Lucía y Al Di Meola formando el Guitar Trio. El trío se reunió nuevamente en 1996 para una segunda sesión de grabación y una gira mundial.
John se distingue al tocar la guitarra, ya que ofrece versatilidad y un variado rango de estilos y géneros, como jazz, la música clásica india, jazz fusion, y la música clásica del oeste. McLaughlin ha influenciado a muchos guitarristas, también ha incorporado la música flamenca en bastantes grabaciones acústicas. El maestro hindú de la Tabla Zakir Hussain dice que McLaughlin es «uno de los músicos más grandes y más importantes de nuestros tiempos». En 2003, McLaughlin estuvo en el lugar 49, según la revista Rolling Stone, en la lista 100 Greatest Guitarists of All Time
Su reputación primero fue de músico de sesión, y como resultado de esto colaboró en grabaciones, aunque de secundario con Miroslav Vitous, Larry Coryell, Joe Farrell, Wayne Shorter, Carla Bley, The Rolling Stones, Carlos Santana entre otros.
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John Mayall
John Mayall (Macclesfield, Cheshire, 29 de noviembre de 1933), OBE, es un cantante, instrumentista (especialmente, teclista y guitarrista) y compositor británico de blues y pop-rock. Precursor de la invasión del blues inglés junto con Alexis Korner.
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En 1955 fundó su primer grupo, The Powerhouse Four, y posteriormente su más famosa banda: The Bluesbreakers, en la que contó con la colaboración de guitarristas como Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor. Su banda fue la alma mater de diversas formaciones posteriores. Mick Fleetwood y John McVie formaron parte de la banda y participaron en la grabación de A hard road, junto con el guitarrista Peter Green, formando, tras dejar los Bluesbreakers, Fleetwood Mac.
The Bluesbreakers consiguió hacer magníficos discos en la década de los 60, como el famoso álbum Bluesbreakers, en cuya portada aparece Eric Clapton hojeando un ejemplar del cómic Beano. Después de la salida de Clapton para formar el trío de blues-rock Cream, Mayall buscaría un nuevo guitarrista, Peter Green. Después de grabar con Green el disco A hard road, Green se marcha para formar Fleetwood Mac. Según el propio Mayall: «Un día, teníamos un concierto y no teníamos guitarrista, entonces apareció Mick Taylor». Mayall quedó alucinado con el joven guitarrista, pero terminó el concierto y Taylor se marchó. John lo buscó por todos lados, hasta que consiguió localizar a Taylor y le ofreció el puesto de guitarra en su banda. Él y Taylor grabarían juntos el legendario Crusade, donde Taylor brilla con luz propia, y en 1969, el psicodélico Bare Wires. Taylor se iría después a sustituir a Brian Jones en los Rolling Stones.
A partir de 1969 Mayall grabará los discos bajo su propio nombre. No obstante, ocasionalmente agrega el «and The Bluesbreakers», para sus músicos de apoyo, en discos y actuaciones.
La banda deja definitivamente a existir en el 2008 y Mayall se rodea de otros músicos.
Discografía
1966: Blues Breakers with Eric Clapton
1967: A hard road
1967: Bluesbreakers with Paul Butterfield (EP de cuatro temas, invitado Paul Butterfield)
1967: The blues alone
1967: Crusade
1968: Bare wires
1968: Blues from Laurel Canyon
1969: Looking back
1969: Thru the years
1970: Empty rooms
1970: USA Union
1971: Back to the roots (doble)
1971: Memories
1973: Ten years are gone (doble)
1974: The latest edition
1975: New year, new band, new company
1975: Notice to appear
1976: Banquet in blues
1977: A hard core package
1979: The bottom line
1980: No more interviews
1981: Road Show Blues
1987: Chicago line
1988: Archives to Eighties
1990: A sense of place
1992: Cross Country Blues
1993: Wake up call
1995: Spinning Coin
1997: Blues for the lost days
1999: Padlock on the Blues
2001: Along for the ride
2002: Stories
2005: Road dogs
2007: In the palace of the king
2009: Tough
2014: A special life.
2015: Find a way to care
2017: Talk about that
2019 Nobody Told Me
Directos
1965: John Mayall plays John Mayall
1968: Diary of a band. Vol. I y II
1969: The turning point
1972: Jazz-blues fusion
1973: Moving on
1977: Lost of people
1977: Primal solos
1978: The last of the British blues
1985: Behind the iron curtain
1988: The power of the blues
1994: 1982 Reunion concert
1999: Live at the Marquee 1969
1999: The masters (doble)
1999: Rock the blues tonight (doble)
2003: 70th birthday concert (doble)
2003: Rolling with the blues (doble + dvd)
2007: Live from Austin, TX
2007: Live at the BBC
2015: John Mayall’s Bluesbreakers – Live in 1967 vol. 1
2016: John Mayall’s Bluesbreakers – Live in 1967 vol. 2
John Lodge
John Charles Lodge (nacido el 20 de julio de 1945, Erdington, Birmingham) es un músico inglés, más conocido como bajista, vocalista y compositor de la banda de rock The Moody Blues. También ha trabajado como productor discográfico y ha colaborado con otros músicos fuera de la banda. En 2018, Lodge fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Moody Blues.
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John Charles Lodge nació en Charles and Olive Lodge en 17 Inland Road, Erdington, Birmingham, el 20 de julio de 1945. Fue el segundo de dos hijos que nació en la familia después de su hermana mayor, June. Asistió a la escuela en Birches Green Junior School, Central Grammar School y luego fue a la universidad en el Birmingham College of Advanced Technology para ingeniería. Sus primeras influencias fueron músicos como Buddy Holly y Jerry Lee Lewis. A los 14 años, Lodge conoció al futuro compañero de banda Ray Thomas.
Studio albums
Blue Jays (1975) with Justin Hayward UK No. 4
Natural Avenue (1977)
10,000 Light Years Ago (2015)
Live albums
Live from Birmingham: The 10,000 Light Years Tour (2017)
John Lennon
John Winston Ono Lennon (Liverpool, 9 de octubre de 1940-Nueva York, 8 de diciembre de 1980), de nacimiento John Winston Lennon, fue un artista, músico, multinstrumentista, cantautor, compositor, poeta, dibujante, escritor, pacifista, activista y actor inglés, famoso por ser uno de los miembros fundadores de la banda de rock The Beatles, reconocida como la banda más exitosa comercialmente y más aclamada por la crítica en la historia de la música popular. Junto con Paul McCartney formó una de las parejas de compositores más exitosas del siglo xx.
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Nació y se crio en Liverpool, donde siendo adolescente se vio inmerso en el boom británico del skiffle, formando la banda The Quarrymen en 1956, que posteriormente en 1960 se convertiría en The Beatles. Cuando el grupo se desintegró a finales de esa década, Lennon inició una carrera como solista, marcada por varios álbumes aclamados por la crítica, incluyendo John Lennon/Plastic Ono Band e Imagine, e icónicas canciones como «Give Peace a Chance» e «Imagine» la mayoría de ellas conteniendo sus ideas liberales y pacifistas. Después de contraer matrimonio con Yoko Ono en 1969, cambió su nombre a John Ono Lennon. Lennon se retiró de la escena musical en 1975 para criar a su pequeño hijo Sean, pero resurgió junto con Ono en 1980 con el nuevo álbum Double Fantasy. Fue asesinado tres semanas después de su lanzamiento.
Demostró un carácter rebelde y un ingenio mordaz en su música, el cine, la literatura y el dibujo, así como en sus declaraciones en conferencias de prensa y entrevistas. Además, la polémica lo persiguió debido a su constante activismo por la paz junto a Ono. En 1971 se mudó a Manhattan, donde su oposición a la guerra de Vietnam dio lugar a numerosos intentos por parte del gobierno de Richard Nixon de expulsarlo del país; mientras, sus canciones fueron adoptadas como himnos por el movimiento contra la guerra y la contracultura.
Hasta 2012, en los Estados Unidos las ventas de Lennon como solista superaban los catorce millones de unidades, y ya sea como intérprete, autor o coautor, es responsable de veinticinco sencillos número uno en el Billboard Hot 100. En 2002, fue colocado en el octavo puesto en una encuesta de la BBC sobre los «100 mejores británicos», mientras que en 2008 fue calificado por la revista Rolling Stone como el quinto mejor cantante de todos los tiempos. Además, figura como el tercer mejor compositor de todos los tiempos de la misma publicación solamente superado por Paul McCartney y Bob Dylan. Después de su muerte fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores en 1987 y en el Salón de la Fama del Rock en 1994.
Lennon nació durante la Segunda Guerra Mundial, el 9 de octubre de 1940 en el Hospital Materno de Liverpool, hijo de Julia y Alfred Lennon, un marino mercante de ascendencia irlandesa, que estaba ausente durante el nacimiento de su hijo. debido a su deber como soldado y marino en plena guerra. Sus padres le llamaron John Winston Lennon en honor a su abuelo paterno, John «Jack» Lennon, y por el primer ministro de ese entonces, Winston Churchill. Su padre se hallaba a menudo lejos de casa, pero regulamente enviaba cheques de pago al número 9 de Newcastle Road, Liverpool, donde Lennon vivía con su madre; sin embargo, los cheques dejaron de llegar cuando fue arrestado en febrero de 1944 por ser un «ausente sin permiso». Seis meses después regresó a casa y se ofreció a cuidar de su familia, pero Julia —por entonces embarazada de otro hombre— rechazó la idea. Bajo una presión considerable, Julia le otorgó el cuidado de Lennon a su hermana, Mimi Smith, después de que esta denunciara la situación familiar del niño en varias ocasiones ante los servicios sociales de Liverpool. En julio de 1946, el padre de Lennon visitó a Smith y secretamente se marchó con su hijo a Blackpool, con la intención de llevarlo a Nueva Zelanda con él. Julia los siguió —junto a su actual pareja, «Bobby» Dykins— y, después de una acalorada discusión entre ambos, Alfred obligó al niño, de tan solo cinco años, a elegir con quién se quedaría. Lennon escogió a su padre dos veces, pero conforme su madre se alejaba, comenzó a llorar y la siguió. Desde ese momento tendrían que pasar veinte años para que Lennon volviese a ver a su padre.
Durante el resto de su infancia y adolescencia vivió con sus tíos Mimi y George Smith, quienes no tenían hijos, en una casa de su propiedad llamada Mendips, ubicada en 251 Menlove Avenue, Woolton. Su tía solía comprarle volúmenes de cuentos, mientras que su tío, ganadero de una granja familiar, le compró una armónica y lo ponía a resolver crucigramas.? Su madre visitaba Mendips casi todos los días y cuando Lennon cumplió los once años solía ser él quien la visitaba a ella. De carácter jovial y liberal, representó una figura muy diferente de la personalidad conservadora y muchas veces prejuiciosa de la tía Mimi.
En el vecindario cercano de Mendips, John hizo desde muy niño, sus primeras amistades que mantendría toda la vida. A la vuelta de su casa, en Vale Road, vivían Pete Shotton, Ivan Vaughan y Nigel Walley; los tres serían miembros originales de The Quarry Men. Sobre todo establecería una íntima relación con Shotton, con quien compartía un espíritu rebelde y un sentido del humor que más de una vez les valió ser castigados y humillados con golpes de vara en la escuela (práctica promovida por la educación inglesa de la época), siendo conocidos por los maestros como «Shennon and Lotton», o «Lotton and Shennon». Uno de los lugares preferidos de Lennon y sus amigos durante la niñez, era un jardín arbolado que pertenecía a un orfanato del Ejército de Salvación, llamado Strawberry Field, ubicado a menos de 500 metros de su casa.
Discografía
Two Virgins (1968)
John Lennon/Plastic Ono Band (1970)
Imagine (1971)
Some Time in New York City (con Yoko Ono) (1972)
Mind Games (1973)
Walls and Bridges (1974)
Rock ‘n’ Roll (1975)
Double Fantasy (con Yoko Ono) (1980)
Milk and Honey (con Yoko Ono) (1984)
Álbumes recopilatorios
Shaved Fish 1975
The John Lennon Collection 1982
Menlove Ave. 1986
Lennon Legend: The Very Best of John Lennon 1997
Wonsaponatime 1998
Acoustic 2004
Peace, Love & Truth 2005
Working Class Hero: The Definitive Lennon 2005
Power To The People: The Hits 2010
Icon (John Lennon Álbum) 2014
Álbumes en directo
Live Peace in Toronto 1969 1969
Live in New York City 1986
Bandas sonoras
Imagine: John Lennon 1988
The U.S. vs. John Lennon 2006
Box sets
Lennon 1990
John Lennon Anthology 1998
John Lennon Signature Box 2010
Imagine The Ultimate Collection 2018
Álbumes experimentales
Unfinished Music No.1: Two Virgins 1968
Unfinished Music No.2: Life with the Lions 1969
Wedding Album 1969
Sencillos
«Give Peace a Chance» 1969
«Cold Turkey» 1969
«Instant Karma!» 1970
«Mother» 1971
«Power To The People» 1971
«Imagine» 1971
«Happy Xmas (War Is Over)» 1971
«Woman is the Nigger of the World» 1972
«Mind Games» 1973
«Whatever Gets You Thru The Night» 1974
«#9 Dream» 1975
«Stand By Me» 1975
«Imagine» 1975
«(Just Like) Starting Over» 1980
«Happy Xmas (War Is Over)» 1980
«Give Peace a Chance» 1980
«Imagine» 1980
«Woman» 1981
«Watching The Wheels» 1981
«Happy Xmas (War Is Over)» 1981
«Love» 1982
«Nobody Told Me» 1984
«Borrowed Time» 1984
«I’m Stepping Out» 1984
«Every Man Has A Woman Who Loves Him» 1984
«Jealous Guy» 1985
«Imagine»/»Jealous Guy»
«Imagine» 1999
«Happy Xmas (War Is Over)» 2003
John Lee Hooker
John Lee Hooker (22 de agosto de 1912 – 21 de junio de 2001) fue un cantante y guitarrista de blues estadounidense.
Nació en una granja cerca de Clarksdale, Misisipi, del matrimonio formado por William Hooker y Minnie Ramsey. Su padre era aparcero y pastor de la iglesia bautista. Tuvo seis hermanos y cuatro hermanas.
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Siendo niño, su familia se trasladó a otra granja en una plantación bananera cercana, donde conoció a los bluesman Snooky Pryor y Jimmy Rogers. En 1928 sus padres se separaron y John fue el único hermano que quedó al cuidado de su madre.
Su madre se volvió a casar, esta vez con el músico local de blues William Moore, que enseñó a John a tocar la guitarra cuando tenía trece años. Hooker relató posteriormente que gracias a él conoció, de pequeño, a leyendas como Blind Lemon Jefferson o Charlie Patton, que iban de visita a su casa.
En 1931 decide emigrar hacia el norte industrial, al igual que hacían muchos otros negros del sur en aquella época. Primero recaló en Memphis, donde vivió en casa de una tía, trabajó en cines locales y tocó con Robert Lockwood. En 1935 se trasladó a Cincinnati, donde alternaba trabajos de limpiabotas o de acomodador en teatros con actuaciones en grupos de gospel. Después de un período en el ejército, se instaló en Detroit durante la II Guerra Mundial, en 1943, donde consigue un empleo en la industria del automóvil, cuyo sueldo consigue completar cantando en bares de suburbios. Allí se casó dos veces. Con su segunda mujer, Maude Mathis, tuvo seis hijos.
Discografía
Álbumes
1959 – Folk Blues
1959 – House Of The Blues
1959 – The Country Blues of John Lee Hooker
1960 – Blues Man
1960 – I’m John Lee Hooker
1960 – That’s My Story
1960 – Traveling’
1961 – John Lee Hooker Sing The Blues
1961 – Plays And Sings The Blues
1961 – The Folk Lore of John Lee Hooker
1962 – Burnin’
1962 – Drifting the Blues
1962 – The Blues
1962 – Tupelo Blues
1963 – Don’t Turn Me from Your Door: John Lee Hooker Sings His Blues
1964 – Burning Hell
1964 – Great Blues Sounds
1964 – I Want to Shout the Blues
1964 – The Big Soul of John Lee Hooker
1964 – The Great John Lee Hooker (Japan only)
1965 – Hooker & The Hogs
1966 – It Serves You Right to Suffer
1966 – The Real Folk Blues
1967 – Live at Cafè Au Go-Go
1968 – Hooked on Blues
1969 – Get Back Home (Black & Blue, 1999)
1969 – If You Miss’Im I Got’Im
1969 – Simply The Truth
1969 – That’s Where It’s At!
1969 – Get Back Home (First Issue)
1970 – If You Miss ‘Im… I Got ‘Im
1970 – John Lee Hooker on the Waterfront
1970 – Moanin’ and Stompin’ Blues
1970 – Hooker ‘n’ Heat (Recorded Live at the Fox Venice Theatre)
1971 – Endless Boogie
1971 – Goin’ Down Highway 51
1971 – Half A Stranger
1971 – Hooker’n’Heat/Infinite boogie
1971 – I Feel Good
1971 – Never Get Out Of These Blues Alive
1972 – Detroit Special
1972 – Live At Soledad Prison
1973 – Born In Mississippi, Raised Up In Tennessee
1974 – Free Beer And Chicken
1974 – Mad Man Blues
1976 – Alone
1976 – In Person
1977 – Black Snake
1977 – Dusty Road
1978 – The Cream
1979 – Sad And Lonesome
1980 – Everybody Rockin’
1980 – Sittin’ Here Thinkin’
1987 – Jealous
1988 – Trouble Blues
1989 – Highway Of Blues
1989 – John Lee Hooker’s 40th Anniversary Album
1989 – The Detroit Lion
1989 – The Healer con Carlos Santana, Bonnie Raitt…
1990 – Don’t You Remember Me
1991 – More Real Folk Blues: The Missing Album
1991 – Mr. Lucky con Ry Cooder, Johnnie Johnson, Keith Richards…
1992 – Boom Boom
1992 – This Is Hip
1992 – Urban Blues
1993 – Nothing But The Blues
1994 – King of the Boogie
1994 – Original Folk Blues… Plus
1994 – Dimples (Classic Blues)
1995 – Alternative Boogie : Early Studio Recordings – 1948-1952
1995 – Chill Out
1995 – Whiskey & Wimmen
1995 – Blues for Big Town
1996 – Moanin’ the Blues (Eclipse)
1996 – Alone: The First Concert
1997 – Don’t Look Back
1997 – Alone: The Second Concert
1998 – Black Man Blues
2000 – On Campus
2001 – Concert at Newport
2001 – The Cream (Re-issue)
2001 – The Real Blues : Live in Houston 1979
2002 – Live At Newport
2003 – Face to Face
2003 – Burning Hell (Our World)
2003 – Rock With Me
2003 – Blues is my soul
2004 – Jack O’ Diamonds: The 1949 Recordings
Recopilatorios
1974 – Mad Man Blues (Chess 1951-1966)
1987 – Don’t Look Back
1989 – The Hook : 20 Years of Hits
1991 – Hobo Blues
1991 – The Chess Masters
1991 – The Complete Chess Folk Blues Sessions (The Real Folk Blues/More Real Folk Blues)
1991 – The Ultimate Collection 1948-1990
1992 – Best Of: 1965-1974
1992 – The Ultimate Collection (Universal)
1992 – The Vee-Jay Years – 1955-1964
1993 – Boom Boom (UK only)
1993 – Boogie Man
1993 – The Legendary Modern Recordings – 1948-1954
1994 – Blues Collection (Boogie Man)
1994 – John Lee Hooker (LaserLight)
1994 – The Early Years
1994 – Wandering Blues
1995 – Red Blooded Blues
1995 – The Very Best Of
1996 – Blues Legend
1996 – Live at Cafe au Go-Go (and Soledad Prison)
1997 – His Best Chess Sides
1997 – Live In Concert
1997 – The Essential Collection
1998 – The Best of Friends
1998 – The Complete 50’s Chess Recordings
1999 – Best of John Lee Hooker: 20th Century Masters
1999 – This Is Hip [The Best Of]
2000 – The Definitive Collection
2001 – Born With The Blues
2001 – Gold Collection
2001 – Legendary Blues Recordings: John Lee Hooker
2001 – John Lee Hooker presents his House Rent Boogie (Ace)
2002 – Blues Before Sunrise
2002 – The Complete – Vol. 1 [Body & Soul]
2002 – The Complete – Vol. 2 [Body & Soul]
2002 – The Complete – Vol. 3 [Body & Soul]
2002 – The Complete – Vol. 4 [Body & Soul]
2002 – The Real Folk Blues/More Real Folk Blues
2002 – Timeless Collection
2003 – Blues Kingpins
2003 – Final Recordings – Vol. 1 : Face to Face
2003 – The Collection 1948-52
2004 – Don’t Look Back: Complete Blues
2004 – The Complete – Vol. 5 : [Body & Soul]
2005 – The Complete – Vol. 6 : [Body & Soul]
2006 – John Lee Hooker (Specialty Profiles)
2006 – Too much boogie (Blue label)
John Illsley
John Illsley (Leicester, Inglaterra, Reino Unido, 24 de junio de 1949) es un músico británico. Bajista y miembro fundador de la banda de rock Dire Straits.
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Nacido en Leicester el 24 de junio de 1949, John fue el bajista de Dire Straits desde su fundación en 1977 hasta su desaparición en 1995.
John conoció a Mark Knopfler (que en ese momento vivía con su hermano, David) a mediados de la década de los 70 en una fiesta en Londres. Formaron la banda Cafe Racers junto con el batería Pick Withers (que Mark había conocido de una experiencia anterior en la banda Booze Brothers). Después cambiaron su nombre a Dire Straits. Publicaron su primer álbum en 1978 y a mediados de los años 1980 llegaron a ser uno de los grupos más conocidos. Su toque tremendamente rítmico y su aspecto desgarbado hicieron de John Illsley el integrante de Dire Straits más reconocible por el gran público tras Mark Knopfler.
Gracias a la fama alcanzada por la banda, John consiguió publicar dos discos en solitario (Never Told A Soul, 1984 y Glass, 1988) a la vez que formaba parte de los Dire Straits, sin lograr ninguno de ellos excesiva repercusión.
Tras la ruptura de los Dire Straits en 1995, John Illsley se dedicó a cultivar su hobby favorito: la pintura. En 2005 formó un grupo denominado Cunla, cuya actividad principal es dar conciertos con fines benéficos.
Ha publicado otros discos: 2007 – Live in Les Baux de Provence (with Cunla and Greg Pearle) 2008 – Beautiful You (with Greg Pearle) 2010 – Streets of Heaven 2014 – Testing the Water 2015 – Live in London 2016 – Long Shadows
En solitario
Never Told A Soul (1984)
Glass (1988)
Beautiful You ( with Greg Pearle) (2008)
Streets Of Heaven (2010)
Live In Les Baux De Provence (2010)
Testing The Water (2014)
Live in London (2015)
Long Shadows (2016)
John Entwistle
John Alec Entwistle (Chiswick, Londres, Inglaterra, 9 de octubre de 1944-Las Vegas, Nevada, Estados Unidos, 27 de junio de 2002) fue un músico, compositor y productor británico, más conocido por su trabajo como bajista del grupo británico de Rock The Who. Fue el único miembro del grupo en tener una formación musical formal, y su sonido característico influyó a otros bajistas de Rock. Entró en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de The Who en 1990.
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Entwistle logró hacer que el bajo pasara de ser mero acompañante rítmico a ser un elemento con vida propia, capaz de aportar un sonido diferencial en una canción, su técnica ha influido a una cantidad de bajistas como Geddy Lee de Rush, Steve Harris de Iron Maiden, Michael Anthony de Van Halen y Adam Clayton de U2.
En 2011, Entwistle fue seleccionado como el mejor bajista de todos los tiempos en una encuesta elaborada por lectores de la revista Rolling Stone. En el mismo sentido, The Biography Channel denominó a Entwistle el mejor bajista y comentó que hizo por el bajo lo mismo que Jimi Hendrix por la guitarra. John tenía un ritmo de acompañamiento muy similar al de Steve Harris de Iron Maiden y al de John Paul Jones de Led Zeppelin.
Discografía
Smash Your Head Against the Wall (1971)
Whistle Rymes (1972)
Rigor Mortis Sets In (1973)
Mad Dog (1975)
Too Late the Hero (1981)
The Rock (1996)
Thunderfingers: The Best of John Entwistle (1996)
King Biscuit Flower Hour Presents in Concert (1996)
Left for Live (1999)
So Who’s The Bass Player? The Ox Anthology (2005)
John Denver
John Denver, nacido como Henry John Deutschendorf, Jr. (Roswell, Nuevo México, 31 de diciembre de 1943-Bahía de Monterey, cerca de Pacific Grove, California; fecha de deceso: 12 de octubre de 1997), fue un cantante country, compositor, músico y actor estadounidense. Denver murió a los 53 años de edad cuando pilotaba un Rutan Long-EZ, un avión experimental de fibra de vidrio.
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John Denver nació en Roswell, Nuevo México. Su padre, Henry Deutschendorf, Sr., era oficial de las fuerzas aéreas e instructor de vuelo. Denver nació cuando su padre estaba en el Roswell Army Air Field. Creció en numerosas bases del sudoeste estadounidense. Denver entró en el instituto en Fort Worth, Texas y más tarde en el Texas Tech donde fue miembro de la fraternidad Delta Tau Delta. a empezar una carrera en solitario.
Este mismo año lanzó su primer LP, Rhymes and Reasons. Durante los cuatro años siguientes, álbumes como Whose Garden Was This, Take Me to Tomorrow y Poems, Prayers and Promises se estableció como una estrella de la canción estadounidense popular.
Discografía
En orden cronológico 1969-1991 (publicaciones en EE.UU.)
RCA Records
1969 – Rhymes & Reasons †
1970 – Take Me To Tomorrow
1970 – Whose Garden Was This?
1971 – Poems, Prayers, and Promises †
1972 – Aerie
1972 – Rocky Mountain High †
1973 – Farewell Andromeda
1973 – Greatest Hits ††
1974 – Back Home Again †
1975 – An Evening with John Denver (2) (live)
1975 – Windsong †
1975 – Rocky Mountain Christmas †
1976 – Spirit
1977 – Greatest Hits Vol. 2
1977 – I Want To Live
1978 – John Denver (JD)
1979 – A Christmas Together (with The Muppets)
1980 – Autograph
1981 – Some Days Are Diamonds
1982 – Seasons of the Heart
1983 – It’s About Time
1983 – Rocky Mountain Holiday (with The Muppets)
1984 – Greatest Hits Vol. 3
1985 – Dreamland Express
1986 – One World
Windstar Records
1989 – Higher Ground
1990 – Earth Songs
1990 – The Flower That Shattered the Stone
1990 – Christmas, Like a Lullaby
1991 – Different Directions
† Álbumes considerados sus más importantes trabajos.
†† El primer Greatest Hits fue importante históricamente porque contenía nuevas grabaciones de varios de sus temas más exitosos.
John Coltrane
John William Coltrane (Hamlet, ciudad en el condado de Richmond, en Carolina del Norte, 23 de septiembre de 1926-Nueva York, 17 de julio de 1967), también conocido como Trane, fue un músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor y saxo soprano. Ocasionalmente, tocó el saxo alto y la flauta.
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Aunque también muy controvertido, se trata de uno de los músicos más relevantes e influyentes de la historia del jazz, a la altura de otros artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y Miles Davis. Se casó, en segundas nupcias, con la pianista de jazz Alice Coltrane (1937-2007).
Su trayectoria musical estuvo marcada por una constante creatividad y siempre dentro de la vanguardia, abarca los principales estilos del jazz posteriores al bop: hard bop, free jazz y jazz modal. La discografía de Coltrane es considerable: grabó alrededor de cincuenta discos como líder en doce años y apareció en más de una docena de discos guiado por otros músicos.
La obra de Coltrane está conscientemente vinculada al contexto sociohistórico en que fue creada (en concreto, a la lucha por los derechos civiles de los negros) y, en muchas ocasiones, busca una suerte de trascendencia a través de determinadas implicaciones religiosas, como se puede advertir en la que es considerada por la crítica su obra maestra, A Love Supreme.
Una de las aportaciones más reseñables de Coltrane es la que se refiere a la extensión de los solos de jazz, al eliminar cualquier límite temporal a los mismos y dejar su extensión al arbitrio de las necesidades del intérprete (de ahí que algunos temas de Coltrane sobrepasen, por ejemplo, los treinta minutos).
Nacido en un pueblo de Carolina del Norte, Coltrane fue hijo de John R. Coltrane, sastre e intérprete de varios instrumentos de cuerda, y de Alice (Blair) Coltrane, costurera y sirvienta, aunque con estudios superiores y con capacidad para cantar y tocar el piano. Sus abuelos eran pastores metodistas, motivo por el cual John estuvo desde muy pequeño en contacto con los himnos y música de la iglesia.
Dos meses después de nacer, su abuelo materno, el reverendo William Blair, también líder político en su comunidad, fue nombrado regidor anciano de la A. M. E. Zion Church, por lo que la familia se trasladó a High Point, lugar donde crecería John.
Tras graduarse en 1939 en primaria, su padre, sus abuelos y su tío fallecieron, dejando diezmada la familia. Su madre tuvo que trabajar como criada para sostener a la familia. El mismo año, Coltrane se unió a una orquesta de la comunidad en la que vivía y en la que tocó el clarinete y el bombardino en mi bemol; en su orquesta del instituto tocaría ya el saxofón. A comienzos de la Segunda Guerra Mundial, su familia se mudó a Nueva Jersey en busca de trabajo, dejando a John con unos amigos.
La casa de John Coltrane en Filadelfia.
Cuando en 1943 se graduó en el instituto, se trasladó en junio a Filadelfia donde la familia entera quedó reunida de forma provisional.
Fue reclutado por la Marina en 1945 y un año más tarde volvería a Estados Unidos. Coltrane trabajó en varios empleos durante los años cuarenta (siendo saxo alto) hasta que se unió a la big band de Dizzy Gillespie en 1949. Permaneció con Gillespie hasta la separación de la banda en mayo de 1950 (ahora tocando saxo tenor) y luego se unió a un pequeño grupo de Gillespie hasta abril de 1951, cuando volvió a Filadelfia para asistir a la escuela.
A principios de 1952 se unió a la banda de Earl Bostic, y en 1953, después de algunos roces con Eddie Vinson, se unió a un pequeño grupo de Johnny Hodges (durante un tiempo libre de este saxofonista de la orquesta de Duke Ellington), quedándose hasta mediados de 1954.
Johann Strauss
Johann Strauss I (Viena, 14 de marzo de 1804-ibídem, 25 de septiembre de 1849) hijo de Franz Borgias Strauss. Fue un compositor austriaco conocido particularmente por sus valses, que rivalizaron en su época con los de Josef Lanner. Fue el primero de una dinastía musical de la que formaron parte sus hijos Johann Strauss II, Josef Strauss y Eduard Strauss I.
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Su obra más famosa es probablemente la Marcha Radetzky (llamada así por Joseph Radetzky von Radetz), mientras que quizás su vals más famoso sea Loreley-Rhein-Klänge op. 154.
Johann Strauss fue el padre de Johann Strauss II, Josef Strauss y Eduard Strauss I. Además tuvo dos hijas, Ana que nació en 1829, y Teresa que nació en 1831, y su tercer hijo Ferdinand, quien nació en 1834 y alcanzó a vivir sólo 10 meses. Los padres de Strauss eran dueños de una posada.
La tragedia golpeó a su familia, ya que su madre murió cuando apenas tenía 7 años de «fiebre larvada». A la edad de 12 años, su padre Franz Borgias (quien se había vuelto a casar) fue encontrado ahogado en el río Danubio. Su madrastra le metió de aprendiz de encuadernador con Johann Lichtscheidl, pero recibió lecciones de violín y viola, además de cumplir con su aprendizaje. Contrariamente a lo que se afirma, nunca dejó su aprendizaje de encuadernador y lo terminó con éxito en 1822. También estudió música con Johann Polischansky durante ese período y finalmente obtuvo un puesto en la orquesta local de Michael Pamer con el fin de participar en un popular cuarteto de cuerdas conocido como el Cuarteto Lanner, formado por sus potenciales rivales: Josef Lanner y los hermanos Drahanek, Karl y Johann. El cuarteto de cuerdas interpretaba valses vieneses y rústicas danzas alemanas, y en 1824 fue ampliado a orquesta de cuerdas.
Eventualmente se convirtió en director adjunto de la orquesta para ayudar a Lanner en las comisiones después de que se popularizara su imagen durante los Carnavales de 1824. Strauss fue puesto pronto al mando de una orquesta más pequeña que se formó como resultado del éxito de la orquesta de Lanner. En 1825, decidió formar su propia banda y comenzó a escribir música (principalmente de baile) y se dio cuenta de que podría igualar el éxito de Lanner, además de poner fin a sus problemas financieros. Al hacerlo, Strauss se convirtió en un serio rival de Lanner, y esta competencia musical fue muy productiva para el desarrollo del vals, así como de otros bailes en Viena. Pronto se convirtió en uno de los más conocidos y queridos compositores en Viena. Realizó una gira con su banda por Alemania, los Países Bajos, Bélgica, Inglaterra y Escocia. La dirección y gestión de la «Orquesta Strauss» en un momento dado pasó a manos de los hijos en diversas ocasiones, hasta que Eduard Strauss la disolvió en 1901.
En un viaje a Francia en 1837, escuchó una cuadrilla y se interesó en su composición, convirtiéndose en gran medida en el responsable de la introducción de aquella danza en Austria en el Carnaval de 1840, donde se hizo muy popular. Fue en este mismo viaje cuando quedó demostrada la popularidad de Strauss en diferentes estratos sociales, lo cual allanó el camino para presentar su música en Inglaterra durante la Coronación de la Reina Victoria en 1838. Strauss adaptó además diversas melodías populares de su época en sus obras, a fin de garantizarse un público más amplio, como lo demuestra la incorporación de la obertura Oberón en uno de sus primeros valses, «Wiener Karneval» (Carnaval Vienés) op. 3 y también el himno nacional francés «La Marsellesa» en su Paris-Walzer (vals París) op. 101.
Obras de Johann Strauss I
Valses
Täuberln-Walzer op. 1 Vals Palomitas (1827)
Wiener Karneval op. 3 Carnaval Vienés (1828)
Kettenbrücke-Walzer op. 4 Vals Puente Colgante (1828)
Tivoli-Rutsch Walzer op. 39 Vals Tobogán Tivoli (1830)
Das Leben ein Tanz oder Der Tanz ein Leben! Walzer op. 49 ¡La vida es baile!
Elisabethen-Walzer op. 71
Philomelen-Walzer op. 82
Paris-Walzer op. 101 (1838)
Huldigung der Königin Victoria von Grossbritannien op. 103 Homenaje a la Reina Victoria de Gran Bretaña
Wiener Gemüths-Walzer op. 116 Sentimientos Vieneses (1840)
Loreley-Rhein-Klänge op. 154 Sonidos del Rhin y del Lorelei (1843)
Polcas
Seufzer-Galopp op. 9 Galope Suspiro
Chineser-Galopp op. 20 Galope de los Chinos
Einzugs-galopp op. 35 Galope Entrada
Sperl-Galopp op. 42 Galope Sperl
Fortuna-Galopp op. 69 Galope Fortuna
Jugendfeuer-Galopp op. 90 Galope Espíritu Joven
Cachucha-Galopp op. 97 Galope Cachucha
Indianer-Galopp op. 111 Galope Indio
Sperl-Polka op. 133 Polca Sperl
Beliebte Annen-Polka op. 137 Polca Querida Ana
Piefke and Pufke Polka op. 235 Polca Piefke y Pufke
Marcha
Radetzky-Marsch op. 228 Marcha Radetzky
Johann Sebastian Bach
Johann Sebastian Bach (Eisenach, en la actual Turingia, Sacro Imperio Romano Germánico, 21 de marzojul./ 31 de marzo de 1685 -Leipzig, en la actual Sajonia, Sacro Imperio Romano Germánico, 17 de juliojul./ 28 de julio de 1750) fue un compositor, organista, clavecinista, violinista, violista, maestro de capilla y cantor alemán del periodo barroco.
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Fue el miembro más importante de una de las familias de músicos más destacadas de la historia, con más de 35 compositores famosos. Tuvo una gran fama como organista y clavecinista en toda Europa por su gran técnica y capacidad de improvisar música al teclado. Además del órgano y del clavecín, tocaba el violín y la viola da gamba.
Su fecunda obra es considerada la cumbre de la música barroca; destaca en ella su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, además de la síntesis de los diversos estilos nacionales de su época y del pasado. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, y fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos, desde Wolfgang Amadeus Mozart pasando por Ludwig van Beethoven, Félix Mendelssohn, Robert Schumann, Franz Liszt, Johannes Brahms, Richard Wagner, Richard Strauss y Gustav Mahler hasta músicos más recientes como Arnold Schönberg, Anton Webern, Paul Hindemith, Ígor Stravinski, Heitor Villa-Lobos o Astor Piazzolla, entre muchos otros.
Entre sus obras más conocidas se encuentran los Conciertos de Brandeburgo, El clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, Ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, varios ciclos de cantatas (entre ellas las célebres BWV 140 y BWV 147), el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo, los Conciertos para teclado y las Suites para orquesta.
Johann Sebastian Bach perteneció a una de las más destacadas familias musicales de todos los tiempos. Durante más de doscientos años la familia Bach produjo buenos intérpretes y compositores. En aquella época, la Iglesia luterana, el gobierno local y la aristocracia daban una significativa aportación para la formación de músicos profesionales, particularmente en los electorados orientales de Turingia y Sajonia. El padre de Johann Sebastian, Johann Ambrosius Bach, era un talentoso violinista y trompetista en Eisenach, una ciudad con cerca de 6000 habitantes en Turingia. El puesto involucraba la organización de la música profana y la participación en la música eclesiástica. Los tíos de Johann Sebastian eran todos músicos profesionales, desde organistas y músicos de cámara de la corte hasta compositores. Bach era consciente de los logros musicales de su familia, y hacia 1735 esbozó una genealogía, Ursprung der musikalisch-Bachischen Familie (Origen de la familia musical Bach), buscando la historia de las generaciones de los exitosos músicos de su familia.
Joe Jackson
David Ian «Joe» Jackson (11 de agosto de 1954, Burton upon Trent, Staffordshire, Reino Unido) es un músico británico, representante de la llamada New Wave junto con otros como Elvis Costello.
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Apareció en escena con el LP Look Sharp!, en el que se incluyen obras como la canción Is She Really Going Out With Him. Otro de sus temas es It’s Different For Girls. Otras de sus obras son Steppin’ Out, I’m the man, On your Radio, Kinda Kunte, Beat Crazy, Crime Don’t Pay, The band wore blue shirt y You can’t get what you want, en los que mezcla el jazz con la música new wave. Lleva editados más de 19 discos y varias bandas sonoras. Ha obtenido 5 nominaciones al premio Grammy, en la que resultó ganador en 2001 en la categoría Mejor álbum de pop instrumental por Symphony No. 1.
Álbumes de estudio
Look Sharp! (1979, A&M) #20 U.S., #40 UK
I’m the Man (1979, A&M) #22 U.S., #12 UK
Beat Crazy (1980, A&M) #41 U.S., #42 UK
Joe Jackson’s Jumpin’ Jive (1981, A&M) #42 U.S., #14 UK
Night and Day (1982, A&M) #4 U.S., #3 UK
Mike’s Murder [banda sonora] (1983, A&M) #64 U.S.
Body and Soul (1984, A&M) #20 U.S., #14 UK
Will Power (1987, A&M) #131 U.S.
Tucker [banda sonora] (1988, A&M)
Blaze of Glory (1989, A&M) #61 U.S., #36 UK
Laughter & Lust (1991, Virgin) #116 U.S., #41 UK
Night Music (1994, Virgin)
Heaven & Hell (1997, Sony)
Symphony No. 1 (1999, Sony)
Night and Day II (2000, Sony)
Two Rainy Nights (2002, Great Big Island)
Volume 4 (2003, Rykodisc)
Rain, (2008, Rykodisc)
The Duke (2012, Razor & Tie)
Fast Forward (2015, Caroline/Universal)
Álbumes en vivo
Big World (1986, A&M) #34 U.S., #41 UK
Live 1980/86 (1988, A&M) #91 U.S., #66 UK
Laughter & Lust Live (1991 Sharp Practice Inc. ; Warner Music Vision) [Grabado en vivo en el State Theatre de Sídney, Australia, 20 de septiembre de 1991]
Summer in the City: Live in New York (2000, Sony)
Two Rainy Nights (2002, Great Big Island)
AfterLife (2004, Rykodisc)
Live at the BBC (2009, Spectrum)
Live Music (2011, Razor & Tie)
Live in Germany 1980 (2011 Immortal)
Live at Rockpalast (2012 Mig Made in Germany Music (Sony Music))
Compilaciones
Stepping Out: The Very Best of Joe Jackson 1990
Joe Jackson Greatest Hits (1996)
This Is It! (The A&M Years 1979-1989) (Joe Jackson) (1997, A&M)
Joe Jackson – Collected (2010, Universal Nashville)
Joe Cocker
John Robert Cocker, más conocido como Joe Cocker (Sheffield, Inglaterra, 20 de mayo de 1944-Crawford, Colorado, Estados Unidos, 22 de diciembre de 2014), fue un cantante y músico de rock, blues y soul británico. Conocido por su voz áspera y por el gran sentimiento que ponía en sus interpretaciones, centró parte de su carrera musical en versionar canciones de otros artistas, particularmente de The Beatles. Al respecto, su versión de la canción «With a Little Help from My Friends» alcanzó el número uno en la lista UK Singles Chart en 1968 y fue utilizada como tema principal de la serie de televisión The Wonder Years.
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Recibió también varios premios a lo largo de su trayectoria musical, incluyendo el Grammy a la mejor actuación pop vocal de grupo, así como el Óscar y el Globo de oro a la mejor canción original por «Up Where We Belong», un dúo con Jennifer Warnes número uno en la lista estadounidense Billboard Hot 100. En 1993 fue nominado a un premio Brit al mejor artista británico y fue galardonado con una placa Sheffield Legends en su ciudad natal. En 2008 recibió la Orden del Imperio británico en el Palacio de Buckingham por sus «servicios a la música». Fue también situado en el 97.º puesto de la lista de los cien mejores cantantes según la revista Rolling Stone.
Discografía
Álbumes de estudio
With a Little Help from My Friends (1969)
Joe Cocker! (1969)
Mad Dogs and Englishmen (1970)
Joe Cocker (1972)
I Can Stand a Little Rain (1974)
Jamaica Say You Will (1975)
Stingray (1976)
Live in L.A. (1976)
Space Captain (1976)
Luxury You Can Afford (1978)
Sheffield Steel (1982)
Civilized Man (1984)
Cocker (1986)
Unchain My Heart (1987)
One Night of Sin (1989)
Joe Cocker Live (1990)
Night Calls (1991)
Have a Little Faith (1994)
Organic (1996)
Across from Midnight (1997)
No Ordinary World (1999)
Respect Yourself (2002)
Heart & Soul (2004)
Hymn for My Soul (2007)
Hard Knocks (2010)
Fire It Up (2012)
Fire It Up Live (2013)
Joaquín Sabina
Joaquín Ramón Martínez Sabina (Úbeda, Jaén, 12 de febrero de 1949), conocido como Joaquín Sabina, es un cantautor, poeta y pintor español.
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Ha publicado diecisiete discos de estudio, cinco en directo y tres recopilatorios y colaborado con distintos artistas cantando dúos y realizando otras colaboraciones. Se estima que ha vendido más de diez millones de discos y también ha compuesto para otros artistas como Ana Belén, Andrés Calamaro o Miguel Ríos, entre otros. Los álbumes en directo son grabaciones de actuaciones en las que ha intervenido en solitario o junto con otros artistas: La mandrágora (1981), junto a Javier Krahe y Alberto Pérez; Joaquín Sabina y Viceversa en directo (1986), junto a la banda Viceversa; Nos sobran los motivos (2000); Dos pájaros de un tiro (2007), La orquesta del Titanic (2012), y El simbolo y el cuate (2014) junto a Joan Manuel Serrat. En su faceta literaria ha publicado nueve libros con recopilaciones de letras de canciones o poemas publicados en el semanario Interviú.
En 2001 sufrió un leve infarto cerebral que puso su vida en peligro, recuperándose unas pocas semanas más tarde sin sufrir secuelas físicas, pero el incidente influyó en su forma de pensar y se vio inmerso en una importante depresión, lo que le llevó a abandonar los escenarios un tiempo. Tras superarla, publicó Dímelo en la calle (2002), al que seguiría su decimoctavo álbum, Alivio de luto (2005). El 17 de noviembre de 2009 publicó Vinagre y rosas, del que se vendieron 200.000 copias en tan sólo un mes de su lanzamiento, consiguiendo tres discos de platino. El 10 de marzo de 2017 estrenó Lo niego todo.
Discografía
Álbumes de estudio
Inventario (1978)
Malas compañías (1980)
Ruleta rusa (1984)
Juez y parte (1985), con Viceversa
Hotel, dulce hotel (1987)
El hombre del traje gris (1988)
Mentiras piadosas (1990)
Física y química (1992)
Esta boca es mía (1994)
Yo, mi, me, contigo (1996)
Enemigos íntimos (1998), con Fito Páez
19 días y 500 noches (1999)
Ciento volando de catorce (2001), audiolibro
Dímelo en la calle (2002)
Alivio de luto (2005)
Vinagre y rosas (2009)
La orquesta del Titanic (2012), con Joan Manuel Serrat
Lo niego todo (2017)
Álbumes en directo
La mandrágora (1981), con Alberto Pérez y Javier Krahe
Joaquín Sabina y Viceversa en directo (1986), con Viceversa y otros artistas invitados
Nos sobran los motivos (2000)
Dos pájaros de un tiro (2007), con Joan Manuel Serrat
En el Luna Park (2012), con Joan Manuel Serrat
500 noches para una crisis (2015)
Lo niego todo en directo (2018)
Rarezas
Piratas en La Mandrágora (1981), con Alberto Pérez y Javier Krahe
Demos de Enemigos íntimos (1998), con Fito Páez (maquetas del álbum)
Concierto en el Café Berlín de Madrid (2003), con Charly García
Recopilatorios
Joaquín Sabina y todos sus éxitos (1987)
Querido Sabina (1993)
Diario de un peatón (2003), reedición de Dímelo en la calle más un CD extra de canciones inéditas
Todos hablan de ti (2004)
Punto… y seguido (2006), discografía recogida en dos cajas de 9 CD cada una, más un CD extra de rarezas y un DVD
Esencial (2014), doble CD
Puro Sabina (2015), discografía recogida en una caja de 16 CD
Homenajes
Donde más duele (2002), 12 temas de Sabina interpretados en clave flamenca por María Jiménez
…Entre todas las mujeres (2003), 13 temas de Sabina interpretados por mujeres; entre otras, Chavela Vargas, Rosario Flores, Ana Belén, Soledad Giménez, Pasión Vega y Julieta Venegas
Pornografía (2010), una canción homenaje a Joaquín Sabina y Bob Dylan compuesta por el cantautor José Riaza, incluida en su álbum «El folk es el hogar».
La Habana canta a Sabina (2011), músicos cubanos interpretan canciones de Joaquín Sabina
Más de cien mentiras (2011), musical basado en las canciones de Joaquín Sabina
De purísima y oro (2012), 13 canciones de Joaquín Sabina interpretados por músicos del cante flamenco; entre otros, Niña Pastori, José El Francés y José Mercé
DVD
Joaquín Sabina y Viceversa en directo (1986)
En concierto desde el Teatro Gran Rex de Buenos Aires (1999)
Nos sobran los motivos (2000)
Dos pájaros de un tiro (2007), con Joan Manuel Serrat
En el Luna Park (2012), con Joan Manuel Serrat
Lo niego todo en directo (2018)
Libros
Cancioneros
Memoria del exilio (Londres: Nueva Voz, 1976), libreto de canciones publicado durante su exilio
De lo cantado y sus márgenes (Granada: Diputación de Granada, 1986), letras de su disco Inventario
El hombre del traje gris (Madrid: Ripio, 1989), partituras
Con buena letra (Barcelona: Temas de Hoy, 2002; ampliado en 2005 y 2010), recopilación de letras
Poemarios
Ciento volando de catorce (Madrid: Visor, 2001), sonetos
Esta boca es mía (Barcelona: Ediciones B, 2005), versos satíricos publicados en el semanario Interviú
Esta boca sigue siendo mía (Barcelona: Ediciones B, 2007), versos satíricos publicados en el semanario Interviú
El grito en el suelo (Madrid: Visor, 2012), poemas editados en el diario Público
Muy personal (Barcelona: Planeta, 2013), dibujos, poemas empezados y letras de canciones inacabadas
Garagatos (Barcelona: Artika, 2016), cuaderno de artista que incluye un libro de arte, el libro Garagatos y un desplegable de casi tres metros de largo
En román paladino (Úbeda: Juancaballos de Poesía, 2018), versos publicados en la revista mensual tintaLibre
Joaquín Díaz González
Joaquín Díaz González (Zamora, 14 de mayo de 1947) es un músico y folclorista español, presidente titular honorífico de la Cátedra de Estudios sobre la Tradición en la Universidad de Valladolid y académico numerario de la Real Academia de Bellas Artes de la Purísima Concepción, con sede en Valladolid, de la que fue presidente.
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Ha dedicado su vida a trabajos de interpretación, investigación y divulgación de la cultura tradicional y folclore que dio a conocer con la publicación de libros y grabación de discos cuyos temas versan sobre romances, canciones, dichos populares, cuentos legendarios y leyendas de difusión oral. Fue el creador del Centro Etnográfico de Urueña, proyecto que culminó en junio de 1994 con la Fundación Joaquín Díaz.
Joan Manuel Serrat
Joan Manuel Serrat Teresa (Barcelona, 27 de diciembre de 1943) es un cantautor, compositor, actor, escritor, poeta y músico español.
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Su obra tiene influencias de otros poetas, como Mario Benedetti, Antonio Machado, Miguel Hernández, Rafael Alberti, Federico García Lorca, Pablo Neruda, Joan Salvat-Papasseit y León Felipe entre otros; así como de diversos géneros, como el folklore catalán, la copla española, el tango, el bolero y del cancionero popular de Latinoamérica, pues ha versionado canciones de Violeta Parra y de Víctor Jara. Es uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la Nova Cançó catalana. Joan Manuel Serrat es conocido también con los sobrenombres de El noi del Poble-sec (‘el chico del Pueblo Seco’, su barrio natal) y el Nano.
Ha sido reconocido con nueve doctorados Honoris Causa por su contribución a la música y literatura española, además del Grammy Latino “Persona del Año” en 2014, entre otros importantes galardones.
Joan Manuel Serrat Teresa nació el 27 de diciembre de 1943 en el barrio barcelonés del Pueblo Seco, en una familia obrera. Su padre, José Serrat, fue un anarquista español afiliado a CNT y su madre, Ángeles Teresa, era una ama de casa originaria de Belchite (Zaragoza). Su niñez, en la que pudo disfrutar del ambiente de las calles de su barrio, lo marcó profundamente, hasta tal punto que un gran número de sus canciones narran la cotidianidad de Cataluña tras la Guerra Civil (ejemplos son: «La Carmeta», «La tieta» y «El drapaire» como personajes estereotipo de su barrio). A los doce años, Serrat se matriculó como alumno interno en la Universidad Laboral Francisco Franco de Tarragona, donde cursó el Bachillerato Laboral Superior, en la especialidad «Industrial Minera», titulándose en la modalidad de tornero fresador.
Inicios musicales
Serrat realizó estudios de perito industrial a la vez que tocaba la guitarra como aficionado. En 1965 se graduó en el área de la agronomía como perito agrícola y, en la misma época, se presentó en el programa Radioscope de Salvador Escamilla en Radio Barcelona, en el que interpretó sus primeras canciones. Salvador Escamilla fue quien le ofreció la primera oportunidad de presentarse en público; poco tiempo después, le llamaron para ofrecerle un contrato y grabar su primer disco. Su primer concierto lo realizó en el teatro L’Avenç de Esplugas de Llobregat (España).
Se le reconoce como uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la Nova Cançó catalana y fue miembro del grupo Els Setze Jutges (ingresó como el decimotercero de los dieciséis), un grupo de cantantes en lengua catalana que tenía como referente a la chanson francesa (con exponentes como Jacques Brel, Georges Brassens o Léo Ferré, entre otros), y que defendieron la lengua catalana durante la dictadura franquista, aunque sin olvidar que amaba profundamente a su España natal.
En 1965 se editó su primera grabación, el EP denominado Una guitarra, con cuatro canciones: «Una guitarra», «Ella em deixa», «La mort de l’avi» y «El mocador». En 1966 apareció su segundo EP Ara que tinc vint anys con las canciones: «Ara que tinc vint anys», «Quan arriba el fred», «El drapaire» y «Sota un cirerer florit».
Discografía
Sencillos de la primera época
Una guitarra (Edigsa, 1965)
Estudio
En castellano
La paloma (Zafiro/Novola, 1969)
Dedicado a Antonio Machado, poeta (Zafiro/Novola, 1969)
Mi niñez (Zafiro/Novola, 1970)
Mediterráneo (Zafiro/Novola, 1971)
Miguel Hernández (Zafiro/Novola, 1972)
Para vivir (Canción infantil…para despertar a una paloma morena de tres primaveras) (Zafiro/Novola, 1974)
…Para piel de manzana (Ariola, 1975)
1978 (Ariola, 1978)
En tránsito (Ariola, 1981)
Cada loco con su tema (Ariola, 1983)
El sur también existe (Ariola, 1985)
Bienaventurados (Ariola, 1987)
Utopía (Ariola, 1992)
Nadie es perfecto (Ariola, 1994)
Liliana, Historia de Babar y Viaje a la luna (narraciones con música, Audivis Ibérica, 1997)
Sombras de la China (Ariola, 1998)
Cansiones (Ariola, 2000)
Versos en la boca (2002)
Hijo de la luz y de la sombra (2010)
La orquesta del Titanic (2012), con Joaquín Sabina
En catalán
Ara que tinc vint anys (Edigsa, 1967)
Cançons tradicionals (Edigsa, 1968)
Com ho fa el vent (Edigsa, 1968)
Serrat/4 (Edigsa, 1970)
Per al meu amic (Edigsa, 1973)
Res no és mesquí (Edigsa, 1977)
Tal com raja (Ariola, 1980)
Fa vint anys que tinc vint anys (Ariola, 1984)
Material sensible (Ariola, 1989)
Banda sonora d’un temps, d’un país (Ariola, 1996).
Mô (2006)
Directo
En directo (Ariola, 1984)
El gusto es nuestro (con Ana Belén, Miguel Ríos y Víctor Manuel) (Ariola, 1996), publicado en formado CD y DVD.
Sinfónico (2003)
Dos pájaros de un tiro (con Joaquín Sabina) (2007)
En el Luna Park (2012), con Joaquín Sabina.
En Bellas Artes (2015).
El gusto es nuestro. 20 años. (2016).
Recopilatorios
Música sola (instrumental) (1969)
E as Suas Cançoes (En idioma portugués, 1969)
El triunfador de Europa (1969)
Joan Manuel Serrat (1970)
Lo mejor de Joan Manuel Serrat (1972)
Retratos (1976)
Canciones de amor (1976)
La mujer que yo quiero (1977)
Canta a los poetas (1978)
Antología catalana 1966-78 (1978)
Serrat canta a Serrat (1979)
Encontre (1980)
12 anys (1980)
Álbum de Oro (1981)
Antología 67-81 (1982)
Grandes temas (1983)
La colección (1983)
Los éxitos de Joan Manuel Serrat (1983)
Para la libertad (1984)
Sinceramente teu (en idioma portugués con María Bethania, Raimundo Fagner, Gal Costa, Caetano Veloso y Toquinho) (Ariola, 1986)
Poema de amor (1991)
24 páginas inolvidables (1993)
Antología desordenada (2014), con varios artistas.
Extracto de Wikipedia
Joan Báez
Joan Chandos Báez (Staten Island, Nueva York, Estados Unidos, 9 de enero de 1941), más conocida como Joan Báez, es una cantante, compositora y activista estadounidense, cuya música folk contemporánea incluía a menudo canciones protesta o de justicia social. Caracterizada por una voz potente, aguda, próxima a la de una soprano, y con un vibrato controlado para potenciar la dramatización de las letras de las canciones, fue una de las mayores figuras de la canción protesta surgida en los años sesenta, al calor de la Guerra de Vietnam. Su repertorio, no obstante, abarca también lo tradicional, el country y el pop rock, y además de ser compositora, es generalmente considerada como una intérprete del trabajo de otros artistas, habiendo grabado canciones de Allman Brothers Band, The Beatles, Jackson Browne, Leonard Cohen, Bob Dylan, Violeta Parra, Woody Guthrie, The Rolling Stones, Pete Seeger, Paul Simon y Stevie Wonder, entre otros. En los últimos años, obtuvo cierto éxito al interpretar canciones de compositores modernos como Ryan Adams, Josh Ritter, Steve Earle y Natalie Merchant.
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Báez comenzó su carrera musical en 1960 y logró un éxito inmediato. Sus tres primeros discos, Joan Baez, Joan Baez, Vol. 2 y Joan Baez in Concert, han sido certificados como discos de oro y estuvieron en las listas de éxitos durante dos años. En la década de 1970, Báez logró nuevos éxitos con su canción «Diamonds & Rust» y con versiones de «There But for Fortune» de Phil Ochs y «The Night They Drove Old Dixie Down» de The Band. Otras canciones asociadas a Báez incluyen «Farewell Angelina», «Love Is Just a Four-Letter Word», «Joe Hill», «Sweet Sir Galahad» y «We Shall Overcome». Interpretó tres de estas canciones en el Festival de Woodstock en 1969, promocionó las canciones de Bob Dylan a nivel nacional y mostró su compromiso con el activismo político y social en los campos de la no violencia, los derechos civiles, los derechos humanos y la defensa del medio ambiente.
Discografía
1960: Joan Baez
1961: Joan Baez, Vol. 2
1962: Joan Baez in Concert (en directo)
1963: Joan Baez in Concert, Part 2 (en directo)
1964: Joan Baez/5
1965: Farewell, Angelina
1966: Noël
1967: Joan
1968: Baptism: A Journey Through Our Time
1968: Any Day Now
1969: David’s Album
1970: One Day at a Time
1971: Carry It On (banda sonora)
1971: Blessed Are…
1972: Come from the Shadows
1973: Where Are You Now, My Son?
1974: Gracias a la vida
1975: Diamonds & Rust
1976: From Every Stage (en directo)
1976: Gulf Winds
1977: Blowin’ Away
1979: Honest Lullaby
1984: Live Europe ’83 (en directo)
1987: Recently
1988: Diamonds & Rust in the Bullring (en directo)
1989: Speaking of Dreams
1992: Play Me Backwards
1995: Ring Them Bells (en directo)
1997: Gone From Danger
2003: Dark Chords on a Big Guitar
2005: Bowery Songs (en directo)
2008: Day After Tomorrow
Jimmy Somerville
James Williams «Jimmy» Somerville (Glasgow, 22 de junio de 1961) es un cantante de pop y compositor escocés. Fue vocalista de Bronski Beat y The Communards antes de continuar su carrera en solitario. Es conocido por su particular voz en falsete.
En 1983, Somerville co-fundó la banda de synth pop Bronski Beat, la cual cosechó varios éxitos en las listas británicas. Su mayor éxito fue Smalltown Boy, el cual alcanzó el tercer puesto en dichas listas. En el videoclip del sencillo, Somerville hace el papel de un joven homosexual que abandona su pueblo hostil por una ciudad más tolerante y amigable. Esto fue reflejo de la experiencia del propio cantante cuando llegó a Londres en 1980, participando en la escena gay de la ciudad y colaborando con el Movimiento LGTB.
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Somerville abandonó Bronski Beat en 1985 y formó The Communards con el pianista Richard Coles (en la actualidad vicario de la Iglesia de Inglaterra). El grupo gozó de un par de éxitos, incluyendo un cover de la canción Don’t Leave Me This Way de Harold Melvin & The Blue Notes, el cual alcanzó la primera posición en las listas inglesas y se convirtió en el sencillo más vendido en el Reino Unido en 1986. Jimmy además fue corista en la canción Suspicious Minds de Fine Young Cannibals, alcanzando el top 10.
The Communards se disolvió en 1988 y Somerville comenzó una carrera en solitario al año siguiente. Lanzó su álbum debut Read My Lips en noviembre de 1989 con tres éxitos que alcanzaron el top 30, incluyendo el cover de You Make Me Feel de Sylvester, alcanzando el decimocuarto puesto en la listas británicas. También colaboró con el proyecto Band Aid a finales de ese mismo año.
En noviembre de 1990, lanza su primer álbum recopilatorio The Singles Collection 1984-1990, mezclando sus sencillos en solitario con otros de Bronski Beat y The Communards, cosechando un notable éxito y alcanzando el cuarto puesto en las listas de su país. El álbum incluye un cover de la canción To Love Somebody de Bee Gees, alcanzando el top 10. Además, en el mismo año, Somerville contribuyó en el tributo a Cole Porter con la canción From This Moment On del álbum Red Hot + Blue, producido por Red Hot Organization, donando los beneficios a la investigación para la cura del sida.
En 1991 fue corista de la canción Why Aren’t You in Love With Me? del álbum Ripe de la banda vástago de The Communards llamada Banderas. El dúo de Banderas, Caroline Buckley y Sally Herbert, habían formado parte de la banda de Somerville.
Tras esto, desapareció de los medios durante varios años, regresando en 1995 con el álbum Dare To Love, que incluyó Heartbeat (top 30 y número uno en las listas dance de Estados Unidos), Hurts So Good y By Your Side, aunque el éxito comercial estaba empezando a agotarse y su contrato con London Records, el cual había firmado durante más de una década, llegó a su fin.
Un nuevo sencillo, Dark Sky, fue lanzado en 1997 y alcanzó el top 100 en las listas inglesas. Su tercer álbum, Manage The Damage, fue lanzado en 1999 por Gut Records, aunque no alcanzó éxito alguno. Su cuarto álbum, Home Again, fue lanzado en 2004.
Discografía
1989 Read My Lips
1995 Dare To Love
1999 Manage The Damage
2004 Home Again
2009 Suddenly Last Summer
2015 Homage
Otros
1984 The Age Of Consent (con Bronski Beat)
1986 Communards (con The Communards)
1987 Red (con The Communards)
Jimmy Page
James Patrick «Jimmy» Page, OBE (Heston, Middlesex, Inglaterra, 9 de enero de 1944) es un músico multiinstrumentista y un virtuoso guitarrista de rock clásico británico; fundador del grupo Led Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles músicos y guitarristas de todos los tiempos.
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Ha sido músico de sesión y guitarrista de Led Zeppelin, banda con la que vendió más de trescientos millones de discos, y The Firm. Además, ha colaborado, en calidad de músico de sesión, con multitud de formaciones y autores, entre los que destacan The Rolling Stones, The Who, The Kinks, Eric Clapton o Jeff Beck. Grabó álbumes con artistas como David Coverdale, Roy Harper o Joe Cocker.
Está posicionado en el segundo lugar entre los mejores guitarristas de todos los tiempos por la Gibson Guitar Corporation. Por su parte, la revista Rolling Stone lo ubicó en el tercer puesto.? Su solo de guitarra en Stairway to heaven esta considerado como el mejor en la historia del rock para Rolling Stone5? y Guitar World.
Ganador de dos Premios Grammy,? Page tiene el honor de haber sido incluido dos veces al Salón de la Fama del Rock and roll. En 1992 lo hizo como miembro de los Yardbirds, mientras que en 1995 lo hizo con Led Zeppelin. En 2005, fue galardonado como miembro de la Orden del Imperio Británico por su labor de caridad en ayuda de las personas más desfavorecidas de Brasil.
Discografía
Con The Yardbirds
Little Games (1967)
Con The New Yardbirds
London Blues, bootleg (1968)
Con Led Zeppelin
Led Zeppelin (1969)
Led Zeppelin II (1969)
Led Zeppelin III (1970)
Led Zeppelin IV (1971)
Houses of the Holy (1973)
Physical Graffiti (1975)
The Song Remains the Same (1976)
Presence (1976)
In Through the Out Door (1979)
Coda (1982)
Con The Honeydrippers
The Honeydrippers: Volume One (1984)
Con The Firm
The Firm (1985)
Mean Business (1986)
En solitario
She Just Satisfies / Keep Moving, single (1965)
Outrider (1988)
Bandas sonoras
Death Wish II (1982)
Scream for Help (1985, con John Paul Jones)
Godzilla: The Album (1998, tema: «Come With Me» con Puff Daddy)
Lucifer Rising and Other Sound Tracks (2012)
Jimi Hendrix
James Marshall «Jimi» Hendrix (nacido Johnny Allen Hendrix, 27 de noviembre de 1942-18 de septiembre de 1970) fue un músico estadounidense. A pesar de que su carrera profesional solo duró cuatro años, es considerado uno de los guitarristas más influyentes de la historia del rock. El Salón de la Fama del Rock and Roll lo describe como «Indiscutiblemente uno de los músicos más grandes de la historia del rock».
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Nació en Seattle, Washington y comenzó a ejecutar la guitarra a los 15 años de edad. En 1961, se enroló en el ejército de los Estados Unidos como paracaidista en la 101.ª División Aerotransportada y se licenció al año siguiente. Poco después, se mudó a Clarksville, Tennessee y comenzó a tocar en algunos conciertos conocidos como Chitlin’ Circuit, donde consiguió un hueco tocando como músico de apoyo de The Isley Brothers y después para Little Richard, con quien continuó hasta mediados de 1965. Más adelante pasó a tocar con Curtis Knight and The Squires antes de mudarse a Inglaterra a finales de 1966 gracias a Linda Keith, quien además llamó la atención del bajista de The Animals Chas Chandler para convertirse en su mánager. En cuestión de meses, Hendrix ya había obtenido tres sencillos Top 10 en el Reino Unido con su banda The Jimi Hendrix Experience: «Hey Joe», «Purple Haze» y «The Wind Cries Mary». Saltó a la fama en Estados Unidos después de su actuación en el Monterrey Pop Festival de 1967. Al año siguiente, en 1968, su tercer disco de estudio, «Electric Ladyland», llegó al primer puesto de la lista estadounidense de éxitos; fue su éxito comercial más grande y único número uno en dicho país. En su momento fue el artista mejor pagado por su concierto en el Festival de Woodstock (1969) y el Festival de la Isla de Wight (1970), antes de su muerte por ingesta de barbitúricos el 18 de septiembre de 1970 a los 27 años de edad.
Las influencias musicales de Hendrix se inspiraron en el rock and roll y blues eléctrico de Estados Unidos. Es conocido por usar amplificadores con distorsión, alto volumen y ganancia, además de que fue un innovador en aprovecharse de los acoples generados por la guitarra. También ayudó a popularizar el uso del pedal con wah-wah y fue el primero en utilizar efectos phaser estereofónicos en sus grabaciones. Holly George-Warren de la revista Rolling Stone comentó: «Hendrix fue pionero en el uso del instrumento como una fuente de sonido electrónico. Los guitarristas anteriores a él habían experimentado con acoples y distorsión, pero Hendrix convirtió esos efectos y otros en un vocabulario controlado y fluido igual de personal que el blues con el que comenzó».
Hendrix recibió varios premios durante su vida y también de forma póstuma. En 1967, los lectores de Melody Maker le votaron como el mejor músico popular del año, en 1968, Rolling Stone lo nombró músico del año, Disc and Music Echo le distinguió con el título de mejor músico de 1969, mientras que, en 1970 Guitar Player le otorgó el voto de mejor guitarrista del año.
The Jimi Hendrix Experience ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll en 1992 y en el UK Music Hall of Fame en 2005. Rolling Stone posicionó sus tres discos Are You Experienced, Axis: Bold as Love y Electric Ladyland entre los 100 mejores discos de la historia y a él como el mejor guitarrista y sexto mejor artista de todos los tiempos.
Álbumes originales
Are You Experienced (1967)
Axis: Bold as Love (1967)
Electric Ladyland (1968)
Band of Gypsys (1970; en vivo)
Álbumes póstumos
Estudio
The Cry of Love (1971)
Rainbow Bridge (1971)
War Heroes (1972)
Loose Ends (1974)
Crash Landing (1975)
Midnight Lightning (1975)
Nine to the Universe (1980)
First Rays of the New Rising Sun (1997)
South Saturn Delta (1997)
Valleys of Neptune (2010)
People, Hell and Angels (2013)
Both Sides of the Sky (2018)
En vivo
Jun 1967 Jimi Plays Monterey 1986
Feb-Dec 1967 Radio One 1988
May 1968 Miami Pop Festival 2013
Oct 1968 Live at Winterland 1987
Feb 1969 Experience 1971
Feb 1969 More Experience 1972
Ago 1969 Woodstock 2 (varios artistas) 1971
Ago 1969 Woodstock 1994
May 1970 Live at Berkeley 2003
Dic 1969 a May 1970 Band of Gypsys 2 1986
May-Jul 1970 Johnny B. Goode 1986
Sep 1967 a Jul 1970 Stages 1991
Jul 1970 Freedom: Atlanta Pop Festival 2015
Ago 1970 Isle of Wight 1971
Ago 1970 Live Isle of Wight ’70 1991
Feb 1969 a Ago 1970 Hendrix in the West 1972
1968-70 The Jimi Hendrix Concerts 1982
1967-69 BBC Sessions 1998
Recopilaciones
1968: Smash Hits
1978: The Essential Jimi Hendrix
1979: The Essential Jimi Hendrix Volume Two
1983: The Singles Album
1984: Kiss the Sky
1990: Cornerstones: 1967-1970
1993: The Ultimate Experience
1994: Blues
1995: Voodoo Soup
1997: Experience Hendrix: The Best of Jimi Hendrix
2001: Voodoo Child: The Jimi Hendrix Collection
Sencillos
Purple Haze
Hey Joe
All Along the Watchtower
The Star Spangled Banner
Little Wing
Spanish Castle Magic
Voodoo Child (Slight Return)
Jim Morrison
James Douglas «Jim» Morrison (Melbourne, Estados Unidos, 3 de diciembre de 1943-París, Francia, 3 de julio de 1971) fue un cantautor y poeta estadounidense, célebre por ser el vocalista de la mítica banda de rock The Doors. Debido a sus canciones, personalidad y actuaciones salvajes, es considerado por críticos y fanes como uno de los cantantes más icónicos e influyentes de la historia del rock, y, debido a las circunstancias dramáticas que rodean su vida y muerte, en la última parte del siglo XX, fue uno de los iconos más rebeldes de la cultura popular, representando la brecha generacional y la contracultura juvenil.
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Fue también muy conocido por improvisar pasajes de poesía de palabra hablada mientras la banda tocaba en vivo. Morrison se ubicó en el número 47 en la lista de Rolling Stone de los «100 mejores cantantes de todos los tiempos», y el número 22 en los «50 mejores cantantes de rock» de la revista Classic Rock. Ray Manzarek dijo que Morrison «personificó la rebelión de la contracultura hippie». Morrison es referido a veces por otros apodos, como «The Lizard King» («El rey lagarto»).
En su vida posterior, Morrison desarrolló una dependencia al alcohol. Murió a la edad de 27 años en París; se alega que pudo haber muerto de una sobredosis de heroína, pero como no se realizó autopsia, se discute la causa exacta de su muerte.? La tumba de Morrison se encuentra en el cementerio del Père-Lachaise en el este de París.
Jim Kerr
Jim Kerr (nacido James Kerr, el 9 de julio de 1959) es un cantante escocés, conocido por ser el vocalista de la banda de rock escocesa Simple Minds desde sus inicios en 1977. Se ha desarrollado también como solista, editando un disco bajo el nombre de Lostboy! AKA Jim Kerr en 2010.
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Nacido en Toryglen, Escocia con ascendencia irlandesa, Kerr acudió a la escuela Holyrood. Durante su infancia y parte de la adolescencia padeció de tartamudez.
En 1977, funda con otras seis personas la banda de punk rock Johnny and the Self Abusers. Haciéndose llamar así mismo Pripton Weird, Jim toca los teclados y comparte voz principal con John Milarky. El grupo dura 8 meses, durante este tiempo Kerr emerge como uno de los compositores principales. En noviembre de 1977, cambian su nombre a Simple Minds, reduciendo el número de componentes a cinco.
Kerr continúa grabando discos y haciendo giras con Simple Minds, cuyo disco más reciente es Walk Between Worlds, lanzado en primavera de 2018. Actualmente vive Taormina, Sicilia, donde dirige un hotel, Villa Angela.
Jim Croce
James Joseph Croce (Filadelfia, Estados Unidos, 10 de enero de 1943-Natchitoches (Luisiana), 20 de septiembre de 1973) fue un cantante y compositor estadounidense.
Croce compuso varias canciones de éxito en los primeros años 70, pero falleció en un accidente de aviación justo cuando empezaba a conseguir el éxito. Se le recuerda fundamentalmente por las canciones «Time in a Bottle» y «Bad, Bad Leroy Brown,» las cuales fueron número 1 en el Billboard Hot 100 en 1973.
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Croce nació en South Philadelphia, en el condado de Filadelfia, Pensilvania. Se graduó en la Upper Darby High School localizada en Drexel Hill, Pennsylvania, en 1960. En 1966, y de forma póstuma, se convirtió en el primer estudiante en ser incluido en el cuadro de honor (Wall of Fame) de la Upper Darby High School. Tras graduarse, Croce acudió durante un año a la Malvern Preparatory School, en Malvern, Pensilvania. De allí marchó a estudiar a la Universidad Villanova donde se graduó en psicología y con estudios en alemán. Durante su etapa universitaria Croce fue miembro de los Villanova Singers y de los Villanova Spires y ejerció como disc-jockey en la radio universitaria WXVU. En esta época conoció a la que fue su esposa Ingrid Jacobson. Tras su boda Croce se convertiría al judaísmo.
Jim Chappell
James William Chappell (nacido en Michigan en 1955), conocido profesionalmente como Jim Chappell, es un pianista estadounidense de la Nueva Era y el jazz. A fines de la década de 1980 y principios de la década de 1990, Chappell colocó cinco álbumes en la lista Top Twenty of Billboard’s Top New Age Albums, y colocó otro álbum en la lista Top Twenty de sus Top Contemporary Jazz Albums.
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El primer álbum de Chappell, Tender Ritual, fue una colección de solos de piano lanzados en 1985 en su propio sello Unspeakable Freedom. En 1986, Chappell se firmó con los recién formados Music West Records.
Ese mismo año, Chappell lanzó Dusk, otra colección de solos de piano. Sería el primero de los álbumes de Chappell en aparecer en una lista de Billboard, llegando al número 19 en su lista de Top New Age Albums.
Con su tercer álbum, los registros de Chappell comenzaron a incluir acompañamiento de conjunto pequeño y (en la Rapsodia del sábado de 1990) una orquestación completa. Sus tres álbumes en este estilo: Living in the Northern Summer de 1989, Rhapsody del sábado y Nightsongs and Lullabies de 1991, todos aparecieron en la lista de álbumes Billboard Top New Age.
En 1992, Chappell cambió al sello Real Music, donde su música se orientó más hacia el jazz. Había cuatro de esos álbumes: In Search of the Magic (1992), Over the Top (1993), Manila Nights (1994) y The Earthsea Series, Volumen 1 (1994). En los últimos tres, Chappell fue respaldado por HearSay, un cuarteto de jazz. El primero de ellos, Over the Top de 1993, apareció en la lista de álbumes de jazz contemporáneo de Billboard. Este álbum también tuvo éxito en Filipinas, lo suficiente como para que Chappell reservó una gira de tres fechas por las islas en el verano de 1993 y agotó todos los espectáculos.
El último álbum de Chappell con Real Music fue Laughter at Dawn de 1994. Vio a Chappell regresar a su estilo original de piano solo y fue el último de sus álbumes en aparecer en una lista de Billboard.
Chappell se mudó a Gallery Records en 1996 y grabó un álbum allí. No lanzó nada más hasta 2002, cuando comenzó a lanzar álbumes en su propio sello Unspeakable Freedom. Ninguno de ellos ha aparecido en las listas de Billboard.
Jim Capaldi
Jim Capaldi (2 de agosto de 1944 – 28 de enero de 2005) fue un músico y compositor inglés con una extensa carrera de más de cuarenta años. Fue uno de los fundadores de la banda de rock Traffic en 1967 con Steve Winwood, con quien compuso la mayor parte del material de la banda. Fue presentado en el Salón de la Fama del Rock and Roll como parte de la alineación original de Traffic.
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Capaldi también tocó con Jimi Hendrix, Eric Clapton, George Harrison, Alvin Lee, Cat Stevens y Mylon LeFevre, además de componer material para otros artistas, como «Love Will Keep Us Alive» y «This is Reggae Music». Como solista grabó más de media docena de sencillos, siendo los más reconocidos «That’s Love» y su versión de «Love Hurts».
Estudio
Oh How We Danced (1972)
Whale Meat Again (1974)
Short Cut Draw Blood (1975)
Daughter of the Night (1978)
The Contender (1978)
Electric Nights (1979)
The Sweet Smell of … Success (1980)
Let The Thunder Cry (1981)
Fierce Heart (1983)
One Man Mission (1984)
Some Come Running (1988)
Prince of Darkness (1995)
Live: The 40,000 Headmen Tour (1999)
Living On The Outside (2001)
Poor Boy Blue (2004)
Dear Mr Fantasy: The Jim Capaldi Story (2011)
Jethro Tull
Jethro Tull es una banda de rock progresivo británica, que comenzó a finales de 1967 y hasta su separación en el 2014, siendo uno de los grupos de rock más longevos. Desde sus inicios, este grupo ha vendido más de 60 millones de copias de sus más de 30 álbumes, siendo uno de los grupos con mayores ventas de la historia del rock.
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Siempre ha sido liderado por el cantante y flautista escocés Ian Anderson, que es el autor de prácticamente todas las canciones del grupo, y de hecho el grupo se comporta como el apoyo de este músico, dado que es el único que ha estado en toda la historia de la banda desde el primer disco, y solo el guitarrista Martin Barre se le acerca, estando desde el segundo.
La banda logró mucha popularidad en la primera mitad de los años setenta con álbumes emblemáticos en la historia del rock como Aqualung y Thick as a Brick, y con el tiempo llegó a convertirse en un grupo de culto. Jethro Tull fue la primera banda en recibir un premio en los años 70 por vender más entradas en el Madison Square Garden (Nueva York) que ningún otro grupo, generalmente teniendo que añadir un cuarto show en sus visitas dada la altísima demanda.
Su música, encuadrada en el rock progresivo, constituye una mezcla muy original de blues, folk inglés y hard rock, con pinceladas de música barroca, música medieval inglesa e incluso renacentista. El grupo desarrolla además una vertiente dedicada a originales canciones acústicas de difícil clasificación. En su sonido, destaca de forma particular la flauta de Ian Anderson, tocada de una forma magistral, que ha sido y sigue constituyendo una de las inconfundibles características de la banda, así como el sonido desgarrado de la guitarra eléctrica de Martin Barre, finamente entrelazado con el de la flauta de Anderson.
Durante algunos años, el grupo incluyó dos brillantes teclistas conjuntamente, con lo que obtuvo un sonido de particular colorido y dimensión: los maestros John Evan y David Palmer. Este último realizaba además los arreglos orquestales. La participación del sobresaliente bajista y cantante John Glascock, -fallecido en 1979- dotó a la banda de una tímbrica muy personal, con una segunda voz y un excelente apoyo vocal y armónico. La formación también ha utilizado una gran variedad de instrumentos, barrocamente combinados, en su mayoría tocados por el propio Ian Anderson, como el laúd, la mandolina, la balalaica, el saxofón, la armónica, la gaita, el acordeón y diversas clases de flautas. Salvo contadas excepciones, todos los temas interpretados por el grupo han sido compuestos por Ian Anderson, auténtico líder y factótum del grupo. Anderson es un personaje camaleónico, tanto en su aspecto como en su capacidad para reinventar continuamente su propia música, lo cual ha permitido a Jethro Tull mantenerse joven a pesar de los años. El grupo ha pasado por diversas formaciones y estilos.
Discografía
1968: This Was
1969: Stand Up
1970: Benefit
1971: Aqualung
1972: Thick as a Brick
1973: A Passion Play
1974: War Child
1975: Minstrel in the Gallery
1976: Too Old to Rock ‘n’ Roll: Too Young to Die!
1977: Songs from the Wood
1978: Heavy Horses
1979: Stormwatch
1980: A
1982: The Broadsword and the Beast
1984: Under Wraps
1987: Crest of a Knave
1989. Rock Island
1991: Catfish Rising
1995: Roots to Branches
1999: J-Tull Dot Com
2003: The Jethro Tull Christmas Album
Jerry Lee Lewis
Jerry Lee Lewis (Ferriday, Luisiana; 29 de septiembre de 1935) es un pianista y cantante estadounidense, pionero del Rock and Roll, apodado «The Killer» («El Asesino») por su fuerte personalidad y su puesta en escena, y tras ser considerado una seria alternativa frente a Elvis Presley, el Rey del Rock, su popularidad decayó durante los años sesenta y setenta por diversos escándalos.
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Su figura ha sido rehabilitada en las últimas décadas, entrando a formar parte en 1986 del Salón de la Fama del Rock dentro del primer grupo, junto con otros pioneros del rock, y posteriormente del Salón de la Fama del Rockabilly. En 2003, la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 24.º de los mejores músicos del siglo.? Su vida fue llevada la gran pantalla en la película Gran bola de fuego, donde fue encarnado por el actor Dennis Quaid.
Jerry Lee Lewis nació en una familia muy pobre de Ferriday, en la parroquia de Concordia, al este de Luisiana. Comenzó a tocar el piano en su juventud junto a sus primos Mickey Gilley y Jimmy Swaggart, posteriormente uno de los primeros teleevangelistas. Debido al talento mostrado por Jerry Lee ya desde su infancia, sus padres hipotecaron su granja para comprarle un piano. Influenciado por la música popular entonces emitida por la radio en programas como The Louisiana Hayride o Grand Ol’ Opry, mezcló los estilos de la época (country, rhythm and blues, boogie-woogie y gospel) para crear el suyo propio.
En sus primeros años de adolescencia comenzó a acudir a los guetos negros para escuchar a los cantantes de blues y el 29 de septiembre de 1949 realizó su primera aparición pública en un espectáculo montado por la compañía de automóviles Ford en su ciudad natal, interpretando el tema «Drinkin wine, spoo-dee-o-dee».2?
En 1952, con 16 años, contrajo matrimonio con Dorothy Barton, dos años mayor que él (en esa época, en el sur de Estados Unidos, eran comunes los matrimonios a temprana edad). Ese mismo año grabó sus primeras canciones: una composición para piano llamada «New Orleans boogie» y un cover de la balada country de Lefty Frizze «Don’t stay away (‘til love grows old)». En septiembre de ese año su madre lo envía a una escuela religiosa de Waxahachie, Texas, para que interpretase música exclusivamente religiosa, pero pronto fue expulsado por tocar una versión de «My God is real» en estilo boogie-woogie.
En 1953, sin divorciarse de su primera esposa, se casa con Jane Mitcham cuando ésta queda embarazada del que sería el primer hijo de Lewis, Jerry Lee Lewis Jr. En 1954 volvió a grabar, haciendo versiones de canciones country como «If I ever needed you» y «I don’t hurt anymore».? En estos primeros años actuó en clubes en Ferriday, Natchez, Misisipi y Nashville (Tennessee). Al intentar aparecer en The Louisiana Hayride es rechazado ya que según los ejecutivos del programa debía tocar la guitarra y no el piano.
En 1956, después de leer un artículo sobre Elvis Presley en una revista, viaja a Memphis para probar suerte grabando en su misma compañía discográfica, Sun Records. En ese momento, el dueño de la discográfica, Sam Phillips, se encontraba en un viaje en Florida así que fue Jack Clement quien grabó sus primeras canciones para el sello: una versión de «Crazy arms» de Ray Price y una composición propia llamada «End of the road».
Álbumes
1958 High School musical
1962 Jerry Lee Lewis Vol. 2/Jerry Lee’s Greatest
1964 Live at the Star Club, Hamburg
1964 Golden Hits of Jerry Lee Lewis
1964 The Greatest Live Show on Earth
1965 The Return of Rock
1965 Country Songs for City Folks/All Country
1966 Memphis Beat
1967 Soul My Way
1968 Another Place, Another Time
1969 She Still Comes Around
1969 Sings the Country Music Hall of Fame Hits, Vol. 1
1969 Sings the Country Music Hall of Fame Hits, Vol. 2
1969 Together (duets with Linda Gail Lewis)
1969 Original Golden Hits, Vol. 1
1969 Original Golden Hits, Vol. 2
1970 The Golden Cream of the Country
1970 She Even Woke Me Up to Say Goodbye
1970 A Taste Of Country
1970 Best Of
1970 Live at the International, Las Vegas
1971 In Loving Memories
1971 There Must Be More to Love Than This
1971 Touching Home
1971 Monsters
1971 Would You Take Another Chance on Me
1972 The Killer Rocks On
1972 Who’s Gonna Play This Old Piano?
1973 The Session (double album; gold record)
1973 Sometimes a Memory Ain’t Enough
1973 Southern Roots
1974 I-40 Country
1974 Breathless (High Heel Sneakers + Roll Over Beethoven)
1975 Boogie Woogie Country Man
1975 Odd Man In
1976 Country Class
1977 Country Memories
1978 Best of/Vol. 2
1978 Jerry Lee Keeps Rockin’
1979 Duets
1979 Jerry Lee Lewis
1980 When Two Worlds Collide
1980 Killer Country
1981 Best of/Vol. 3
1982 The Survivors Live (con Johnny Cash y Carl Perkins)
1983 My Fingers Do the Talkin’
1986 Class of ’55 (con Johnny Cash, Carl Perkins y Roy Orbison)
1989 Great Balls of Fire
1993 Solid Ground
1993 All Killer, No Filler: The Anthology
1994 Whole Lotta Shakin’ Goin’ On
1995 Young Blood 31
2006 Last Man Standing
2010 Mean Old Man 30
2014 Rock & Roll Time
Extracto de Wikipedia
Jerry Garcia
Jerome John «Jerry» Garcia (1 de agosto de 1942 – 9 de agosto de 1995) fue un cantautor y guitarrista estadounidense más conocido por su trabajo como guitarrista y vocalista de la banda Grateful Dead, que ganó prominencia durante la era de la contracultura (1960). Aunque desautorizó el papel, García fue visto por muchos como el líder o «portavoz» del grupo.
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Uno de sus fundadores, García actuó con los Grateful Dead durante sus treinta años de carrera (1965-1995). También fundó y participó en una variedad de proyectos paralelos, incluyendo la banda Saunders-Garcia (con su amigo Merl Saunders), la «Jerry Garcia Band», «Old and in the Way», el dúo acústico Garcia / Grisman, «Legion of Mary» y «New Riders of the Purple Sage» (que García co-fundó con John Dawson y David Nelson). Lanzó varios álbumes como solista, y contribuyó a numerosos álbumes de otros artistas durante años como músico de sesión. Es muy conocido por su característica forma de tocar la guitarra y fue clasificado el 13º por la revista Rolling Stone en los «100 Guitarristas más grandes de toda la historia».
A lo largo de su vida, García estaba a veces enfermo debido a su diabetes, y en 1986 entró en un coma diabético que casi le costó la vida. Aunque su salud general mejoró un poco después de eso, también luchó con su adicción a la heroína y la cocaína, y permaneció en una instalación de rehabilitación de drogas en California cuando murió de un ataque al corazón en agosto de 1995 a la edad de 53 años.
Discografía
Jerry Garcia
Garcia – 1972
Compliments – 1974
Reflections – 1976
Run for the Roses – 1982
Jerry Garcia Band
Cats Under the Stars – 1978
Jerry Garcia Band – 1991
How Sweet It Is – 1997
Don’t Let Go – 2001
Shining Star – 2001
Pure Jerry: Theatre 1839, San Francisco, July 29 & 30, 1977 – 2004
After Midnight: Kean College, 2/28/80 – 2004
Pure Jerry: Lunt-Fontanne, New York City, October 31, 1987 – Jerry Garcia Band and Jerry Garcia Acoustic Band – 2004
Pure Jerry: Lunt-Fontanne, New York City, The Best of the Rest, October 15–30, 1987 – Jerry Garcia Band and Jerry Garcia ;Acoustic Band – 2004
Pure Jerry: Merriweather Post Pavilion, September 1 & 2, 1989 – 2005
Pure Jerry: Warner Theatre, March 18, 1978 – 2005
Pure Jerry: Coliseum, Hampton, VA, November 9, 1991 – 2006
Pure Jerry: Bay Area 1978 – 2009
Let It Rock: The Jerry Garcia Collection, Vol. 2 – 2009
Garcia Live Volume One – 2013
June 26, 1981, Warfield Theatre, San Francisco, CA – 2013
Garcia Live Volume Two – 2013
Fall 1989: The Long Island Sound – 2013 – Jerry Garcia Band and Bob Weir & Rob Wasserman
Garcia Live Volume Four – 2014
Garcia Live Volume Five – 2014
On Broadway: Act One – October 28th, 1987 – Jerry Garcia Band and Jerry Garcia Acoustic Band – 2015
Jerry Garcia Acoustic Band
Almost Acoustic – 1988
Ragged but Right – 2010
New Riders of the Purple Sage
New Riders of the Purple Sage – 1971
Before Time Began – 1986
Vintage NRPS – 1986
Glendale Train – 2003
Old and in the Way
Old and in the Way – 1975
That High Lonesome Sound – 1996
Breakdown – 1997
Live at the Boarding House – 2008
Live at the Boarding House: The Complete Shows – 2013
Legion of Mary
Legion of Mary: The Jerry Garcia Collection, Vol. 1 – 2005
Garcia Live Volume Three – 2013
Jerry Garcia and Merl Saunders
Heavy Turbulence – 1972
Fire Up – 1973
Live at Keystone – 1973
Keystone Encores – 1988
Fire Up Plus – 1992
Pure Jerry: Keystone Berkeley, September 1, 1974 – 2004
Keystone Companions: The Complete 1973 Fantasy Recordings – 2012
Jerry Garcia and David Grisman
Garcia/Grisman – 1991
Not for Kids Only – 1993
Shady Grove – 1996
So What – 1998
The Pizza Tapes – 2000
Grateful Dawg – 2001
Been All Around This World – 2004
Jerry Garcia and John Kahn
Pure Jerry: Marin Veterans Memorial Auditorium, San Rafael, California, February 28, 1986 – 2009
Jeremy Spencer
Jeremy Cedric Spencer (Hartlepool, Reino Unido, 4 de julio de 1948) es un músico y compositor inglés, conocido por ser uno de los dos guitarristas fundadores de la banda de rock Fleetwood Mac. Permaneció en el grupo londinense desde 1967 a 1971, cuando se retiró abruptamente luego de ingresar al grupo religioso Children of God, del cual aún pertenece. Tras su salida del grupo inició su carrera en solitario y en 2013 se unió al trío de música folk Steetley. Por otro lado, en 1998 ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Fleetwood Mac.
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Nació en la ciudad de Hartlepool en el Condado de Durham, pero se crio en la zona sur de Londres. Allí estudió en el colegio Strand, donde conoció la guitarra por primera vez y aprendió rápidamente a tocar el slide con gran habilidad. En 1967 fundó junto a dos amigos el power trio de blues The Levi Set, con el que se presentaban en pequeños bares de la ciudad y es en una de estas que conoció al guitarrista Peter Green que lo convocó para fundar un nuevo proyecto musical llamado Fleetwood Mac.
Debutó con la banda en el disco Fleetwood Mac de 1968, escribiendo tres de las canciones y fue el artífice de los covers realizados de Elmore James, ya que es un ferviente seguidor del artista estadounidense. Seis meses después salió a la venta Mr. Wonderful, que inició algunos problemas con Green porque él no estaba interesado en ayudar en las composiciones del líder de la banda, mientras que Green siempre lo ayudó en las suyas. Dicho problema fue el principal motivo de la contratación del joven músico Danny Kirwan, a pesar de su negación.
En 1969 lanzaron Then Play On, donde no escribió ninguna canción y además solo colaboró en el piano del sencillo «Oh Well». Al año siguiente y luego de la salida de Peter Green, asumió junto a Kirwan la composición de las canciones de Kiln House inspiradas en el sonido de Elmore James y Buddy Holly. En febrero de 1971 mientras estaban de gira por el estado de California, desapareció del hotel en el que hospedaban sin dar avisos a sus compañeros. Luego de buscarlo por la ciudad de Los Ángeles, se enteraron que había ingresado al grupo religioso Children of God y que no tenía ganas de retornar a la banda. Con el pasar de los años, confirmó que se había retirado porque no le había gustado la inclusión de Christine McVie, ya que según él; «el sonido con ella era horrible, una basura».
Discografía
con Fleetwood Mac
1968: Fleetwood Mac
1968: Mr. Wonderful
1969: English Rose
1969: Then Play On
1970: Kiln House
1995: Live at the BBC (en vivo)
solista
1970: Jeremy Spencer
1972: Jeremy Spencer and the Children
1979: Flee
1999: In Concert – India 1998 (en vivo)
2006: Precious Little
2012: Bend in the Road
2014: Coventry Blue
2016: Homebrewed Blues
con Steetley
2013: The Moment She Fell
Jefferson Starship
Jefferson Starship es una banda estadounidense de rock formada en los comienzos de los años 70 por varios ex-miembros de la banda de rock psicodélico Jefferson Airplane. La banda ha pasado por muchos cambios en su formación y géneros musicales a través de los años. La formación actual, liderada por su co-fundador Paul Kantner, se encuentra en un estilo mucho más cercano al que tuvieran en sus comienzos, entre el rock psicodélico y electro folk y no en el que les diera reconocimiento mundial en los años 80, orientado al pop rock más comercial. No debe confundirse a Jefferson Starship con Starship, una banda derivada de esta, liderada por el también ex-cantante de Jefferson Starship, Mickey Thomas, cuyo estilo si es más frecuentemente identificado como aquel pop rock de los 80 de Jefferson Starship.
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En comienzos de los 70s, durante un período de transición en que Jefferson Airplane estaba en proceso de deshacer su formación, su guitarrista-cantante Paul Kantner, graba el disco Blows Against the Empire, un álbum conceptual, presentando una reunión de músicos conformada por Kantner, Grace Slick, Joey Covington y Jack Casady de Jefferson Airplane; Crosby & Nash; y miembros de Grateful Dead y Santana. Kantner da a la formación el nombre de Paul Kantner/Jefferson Starship, siendo esta la primera aparición del nombre Starship.
Luego de la completa disolución de Jefferson Airplane entre 1972 y 1973, en 1974, Kantner forma Jefferson Starship junto con Grace Slick y David Freiberg (otros ex-miembros de Jefferson Airplane), sumando otros músicos que habían tocado previamente con ellos como John Barbata, Papa John Creach, Peter Kaukonen (reemplazado luego de la primera gira en 1974 por Pete Sears), Craig Chaquico y Marty Balin.
Esta alineación de la banda probó ser la más exitosa comercialmente. El disco de 1975 Red Octopus, alcanzó el status de múltiple platino por sus ventas y llegó a ubicarse en la posición número 1 del ranking de la revista Billboard. En 1978, Marty Balin abandona la banda, dejando a Kantner y compañía sin una primera voz, es entonces cuando se une a la banda quien sería su nuevo cantante principal, Mickey Thomas.
Discografía
Dragon Fly (1974)
Red Octopus (1975)
Spitfire (1976)
Earth (1978)
Freedom at Point Zero (1979)
Modern Times (1981)
Winds of Change (1982)
Nuclear Furniture (1984)
Windows of Heaven (1998)
Jefferson’s Tree of Liberty (2008)
Extracto de Wikipedia
Jefferson Airplane
Jefferson Airplane fue una banda estadounidense de rock surgida en la ciudad de San Francisco (California), pionera del movimiento psicodélico influenciado por el LSD. Fue una de las primeras bandas de la escena de San Francisco en gozar de éxito comercial y crítico.
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A fines del decenio de la década de los 60, Jefferson Airplane era una de las bandas mejor pagadas de todo Estados Unidos. Sus discos fueron internacionalmente exitosos y se vendieron en gran cantidad, y tuvieron dos hits en el Top 10 estadounidense más una seguidilla de álbumes que se ubicaron en el Top 20. Su disco de 1967, Surrealistic Pillow, sigue siendo considerado como una de las principales obras del llamado «Verano del Amor», y trajo el reconocimiento internacional del grupo (así como dos hits, «Somebody to Love» y «White Rabbit»).
Las bandas sucesoras a Jefferson Airplane incluyen a Jefferson Starship y Starship, y bandas paralelas Hot Tuna (formada por Jorma Kaukonen y Jack Casady) y KBC Band (formada por Paul Kantner, Marty Balin y Jack Casady).
Jefferson Airplane fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame en 1996.
Jefferson Airplane se formó en San Francisco durante el verano de 1965, surgiendo de la Bahía de San Francisco durante el auge de la música Folk. A pesar de que la banda fue considerada como un grupo de San Francisco, Paul Kantner era el único nativo de dicha ciudad.
El fundador del grupo fue el vocalista de 23 años Marty Balin, quién había establecido una pequeña carrera como cantante pop en los primeros años sesenta y había hecho varias grabaciones bajo su propio nombre. Graba (sin éxito) para Challenge Records en 1962 y siendo miembro de un grupo Folk llamado The Town Criers. Con los Beatles dirigiendo la llamada Invasión Británica de 1964, Balin se inspiró en la fusión de música Folk con Rock a principios de 1965, encabezada por el éxito de The Byrds y Simon & Garfunkel, decidiendo formar un grupo para tocar un estilo híbrido, y también abrir un club, The Matrix, para tocar allí.
Balin conoció al músico de folk Paul Kantner en otro club local, The Drinking Gourd. Kantner había comenzado a tocar en el Área de la Bahía en el popular circuito de principios del decenio de 1960, junto a compañeros como Jerry García, David Crosby y Janis Joplin. Kantner ha citado a los grupos Folk, The Kingston Trio and The Weavers como tempranas influencias. Brevemente se trasladó a Los Ángeles, California, en 1964 para trabajar en un dúo como futuro miembro de Airplane/Starship, David Freiberg (que posteriormente se sumaría a Quicksilver Messenger Service).
Luego de contratar a Kartner, ambos y con un conjunto de músicos seleccionados, conformaron la banda local del club Matrix. Balin, luego de oír a la vocalista femenina Signe Toly Anderson en el Drinking Gourd, la invitó a formar parte del grupo como segunda cantante y co-líder. Anderson estuvo con la banda durante un año, y formó parte en el álbum debut, pero salió del grupo en octubre de 1966 tras el nacimiento de su primer hijo.
Kantner contrató a un viejo amigo, el guitarrista de blues Jorma Kaukonen. Originalmente de Washington, Kaukonen se había trasladado a California en la década de 1960 y se había reunido con Kantner en la Universidad de Santa Clara en 1962. Kaukonen fue invitado a una jam session con la nueva banda, y aunque inicialmente fue reacio a unirse, aceptó después de tocar en su guitarra a través de un dispositivo de cinta en que la demora era parte del sistema de sonido utilizado por Ken Kesey en sus fiestas ácidas. El baterista Jerry Peloquin y el bajista acústico, Bob Harvey, completaron la alineación original.
El origen del nombre del grupo es a menudo controvertido. «Jefferson Airplane» es, en la jerga, el papel usado para la marihuana que se ha fumado demasiado como para agarrarlo sin quemarse las manos. Una leyenda urbana reclama que ese fue el origen del nombre de la banda, pero de acuerdo al miembro de la banda, Jorma Kaukonen, el nombre fue inventado por su amigo Steve Talbot como una parodia de los nombres típicos del blues como Blind Lemon Jefferson.
Discografía
1966: Jefferson Airplane Takes Off
1967: Surrealistic Pillow
1967: After Bathing at Baxter’s
1968: Crown of Creation
1969: Bless Its Pointed Little Head (en vivo)
1969: Volunteers
1970: The Worst of Jefferson Airplane (recopilatorio)
1971: Bark
1972: Long John Silver
1973: Thirty Seconds Over Winterland (en vivo)
1974: Early Flight (recopilatorio)
1989: Jefferson Airplane
Extracto de Wikipedia
Jeff Wayne
Jeffry «Jeff» Wayne (nacido el 1 de julio de 1943) es un compositor, músico y letrista británico naturalizado nacido en Estados Unidos. En 1978 lanzó la versión musical de Jeff Wayne de La guerra de los mundos, su adaptación musical de la novela de ciencia ficción de H. G. Wells La guerra de los mundos.
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Wayne escribió aproximadamente 3.000 jingles publicitarios en la década de 1970 que aparecieron en la televisión en el Reino Unido, en particular un comercial de Gordon Gin que fue cubierto por The Human League. [No verificado en el cuerpo] Wayne también compuso numerosos temas de televisión conocidos, incluyendo Good Morning Gran Bretaña (TV-am), The Big Match y World of Sport de ITV, Sixty Minutes de la BBC, y durante 24 años, la primera estación de radio de noticias del Reino Unido, LBC.
Wayne escribió partituras de largometrajes y documentales y fue director musical de varios artistas. Wayne publicó un libro llamado The Book of Tennis y creó, produjo y anotó ocho episodios de treinta minutos de The Book of Tennis Chronicles que Fox Sports distribuyó en aproximadamente veinte países y se transmitió en los Estados Unidos por The Tennis Channel entre 2005 y 2008
Discografía
Jeff Wayne’s Musical Version of The War of the Worlds (1978)
«Jubilation» (1978 television theme for The Big Match)
Highlights from Jeff Wayne’s Musical Version of The War of the Worlds (1981)
«Matador» (1982 television theme for the World Cup)
Jeff Wayne’s Musical Version of Spartacus (1992)
Jeff Wayne’s Musical Version of The War of the Worlds – The New Generation (2012)
Pianos, Strings and Some Other Things (EP) (2018)
Extracto de Wikipedia
Jeff Lynne
Jeffrey Lynne (n. Birmingham, Inglaterra, 30 de diciembre de 1947) es un músico, compositor, cantante, guitarrista y productor musical británico célebre por ser líder y miembro del grupo Electric Light Orchestra así como del supergrupo Traveling Wilburys junto a George Harrison, Bob Dylan, Roy Orbison y Tom Petty.
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La música de Lynne, cuya carrera comenzó en los grupos The Idle Race y The Move, evolucionó tras la formación de Electric Light Orchestra desde el rock sinfónico en sus primeros trabajos junto a Roy Wood hasta el rock progresivo y el art rock en trabajos más celebres como Eldorado, A Symphony, A New World Record y Out of the Blue. El grupo obtuvo su mayor auge comercial con trabajos como Discovery, más cercanos a la música disco, y con su participación en la banda sonora de Xanadu junto a Olivia Newton-John. Sin embargo, los continuos cambios de formación de la ELO, así como su decreciente fama a mediados de la década de 1980, llevó a Lynne a centrar su carrera como productor, que comenzó con trabajos de Dave Edmunds y que consolidó durante la década de 1990 trabajando con George Harrison, Paul McCartney, Ringo Starr, Tom Petty, Duane Eddy, Roy Orbison y Del Shannon, entre otros.
En 2008, The Washington Times nombró a Lynne el cuarto mejor productor de la historia musical. En 2014, recibió una estrella en el Paseo de la Fama de su ciudad natal.
Discografía
Con The Idle Race
1968: The Birthday Party
1969: Idle Race
Con The Move
1970: Looking On
1971: Message from the Country
Jeff Beck
Geoffrey Arnold «Jeff» Beck (Wallington, Gran Londres, 24 de junio de 1944) es un guitarrista inglés de rock/blues que ha tocado en varias bandas influyentes en las décadas de 1960 y 1970. Es uno de los tres notables guitarristas que tocaron en The Yardbirds, siendo Eric Clapton y Jimmy Page los otros dos. Durante 25 años ha mantenido una esporádica carrera en solitario. A pesar de no haber alcanzado nunca la proyección comercial de sus contemporáneos, Beck ha tenido un gran reconocimiento, especialmente en la comunidad de guitarristas. Nunca nadie le ha encasillado en un género. Beck ha experimentado con el blues rock, el rockabilly, el heavy metal y jazz fusión y recientemente ha absorbido influencias del techno, creando una innovadora mezcla de música heavy metal y música electrónica.
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Comenzó su carrera musical con un breve paso por la Escuela de Arte de Wimbledon, Londres. Se ganó la reputación apoyando a Lord Sutch, quien le ayudó a buscar trabajo como guitarrista líder de los Yardbirds, tras la salida de Eric Clapton. Beck permaneció en los Yardbirds durante casi dos años dejándolos a finales de 1966 con la disculpa de abandonar la música.
Volvió meses más tarde con Love is Blue, un single en el cual tocó mal adrede porque odiaba la canción. Más adelante, en 1967, formó The Jeff Beck Group con el vocalista Rod Stewart, el bajista Ron Wood y el baterista Aynsley Dunbar, sustituido rápidamente por Mickey Waller, y el teclista Nicky Hopkins, agregado a principios de 1968. Con sus potentes arreglos de temas de blues y sus intercalamientos de guitarra y voz, Jeff Beck estableció las bases del heavy metal. Ninguno de los discos de la banda como Truth (1968) o Beck-Ola (1969) (grabado con el nuevo baterista Tony Newman) fueron particularmente exitosos. La banda solía pelearse a menudo, especialmente en sus frecuentes tours en los EE UU. En 1970, Stewart y Wood la dejaron para unirse a los Faces, y Beck disolvió el grupo.
Beck intentó formar un potente trío con los miembros de Vanilla Fudge, Carmine Appice (batería) y Tim Bogert (bajo), pero sus planes se frustraron cuando Beck sufrió un grave accidente de tránsito en 1970. Para cuando se recuperó en 1971, Bogert y Appice estaban tocando en Cactus, así que el guitarrista formó una nueva versión del Jeff Beck Group con el tecladista Max Middleton, el baterista Cozy Powell, el bajista Clive Chapman y el vocalista Bobby Tench, la banda grabó Rough and Ready (1971) y Jeff Beck Group (1972). Ninguno de ambos discos atrajo mucho la atención.
Cactus se disolvió a finales de 1972 y Beck, Bogert & Appice formaron un potente trío al año siguiente. El único álbum de estudio del grupo –más una grabación en directo publicada solo en Japón – fue ignorado debido a sus pesados arreglos y débiles voces y el grupo se disolvió al año siguiente.
Álbumes
Truth, c/Jeff BECK GROUP. Columbia (julio de 1968) – POP #15
Beck-Ola, c/Jeff BECK GROUP. Columbia (julio de 1969) – POP #15; UK #39
Rough And Ready, c/Jeff BECK GROUP. Epic (octubre de 1971) – POP #46
The Jeff Beck Group, c/Jeff BECK GROUP. Epic (mayo de 1972) – POP #19
Beck, Bogert & Appice, c/BECK, BOGERT & APPICE. Epic (abril de 1973) – POP #12; UK #28
Beck, Bogert & Appice Live (en vivo), c/BECK, BOGERT & APPICE. Epic (enero de 1974)
Blow By Blow. Epic (marzo de 1975) – POP #4
Wired. Epic (junio de 1976) – POP #16; UK #38
Jeff Beck With The Jan Hammer Group Live (en vivo). Epic (marzo de 1977) – POP #23
There And Back. Epic (julio de 1980) – POP #21; UK #38
Flash. Epic (julio de 1985) – POP #39; UK #83
Jeff Beck’s Guitar Shop, c/Jeff BECK with Terry BOZZIO & Tony HYMAS. Epic (octubre de 1989) – POP #49
Beckology (3xcd recopilación). Epic (noviembre de 1991)
Frankie’s House (banda sonora), c/Jeff BECK with Jed LEIBER. Epic (noviembre de 1992)
Crazy Legs, c/Jeff BECK & The BIG TOWNPLAYBOYS. Epic (junio de 1993) – POP #171
The Best Of Beck (recopilación). Epic (agosto de 1995)
Who Else!. Columbia (marzo de 1999) – POP #99; UK #74
You Had It Coming. Epic (febrero de 2001) – POP #110
Jeff. Epic (agosto de 2003) – POP #122
Live At B.B. King’s Blues Club & Grill (en vivo). Sony (julio de 2006)
Emotion & Commotion Jeff Beck (2010)
Loud Hailer Jeff Beck (2016)
POP: Billboard 200 Album Chart; UK: UK Album Chart
Sencillos
«Hi Ho Silver Lining / Beck’s Bolero». Columbia (marzo de 1967) – POP #123; UK #14
«Tally Man / Rock My Plimsoul». Columbia (julio de 1967) – UK #30
«Love Is Blue (L’Amour Est Bleu) / I’ve Been Drinking». Columbia (febrero de 1968) – UK #23
«Plynth (Water Down The Drain) / Hangman’s Knee», retirado. Columbia (septiembre de 1969)
«Got The Feeling / Situation». Epic (enero de 1972)
«Definitely Maybe / Hi Ho Silver Lining». Epic (agosto de 1972)
«Black Cat Moan / Livin’ Alone», c/BECK, BOGERT & APPICE. Epic (marzo de 1973)
«I’m So Proud / Oh To Love You», c/BECK, BOGERT & APPICE. Epic (abril de 1973)
«I’ve Been Drinking / Morning Dew», c/Jeff BECK & Rod STEWART. RAK (abril de 1973) – UK #27
«Lady / Oh To Love You», c/BECK, BOGERT & APPICE. Epic (julio de 1973)
«She’s A Woman / It Doesn’t Really Matter». Epic (mayo de 1975)
«Constipated Duck / You Know What I Mean». Epic (junio de 1975)
«Come Dancing / Head For Backstage Pass». Epic (agosto de 1976)
«The Final Peace / Space Boogie». Epic (julio de 1980)
«The Final Peace / Too Much To Lose». Epic (agosto de 1980)
«The Final Peace EP», (The Final Peace / Scatterbrain / Too Much To Lose / Led Boots). Epic (febrero de 1981)
«People Get Ready / Back On The Street», c/Jeff BECK & Rod STEWART. Epic (junio de 1985) – POP #48
«Stop, Look And Listen / You Know, We Know». Epic (septiembre de 1985)
«Gets Us All In The End / You Know, We Know». Epic (septiembre de 1985) – ROK #20
«Ambitious / Escape». Epic (marzo de 1986)
«Wild Thing / Gets Us All In The End». Epic (julio de 1986)
«Day In The House / People Get Ready». Epic (octubre de 1989)
«People Get Ready / Train Kept A Rollin'», c/Jeff BECK & Rod STEWART. Epic (febrero de 1992) – UK #49
«Above the Clouds» (Con Cyndi Lauper)
POP: Billboard Singles Chart; ROK: Billboard Mainstream Rock Tracks; UK: UK Singles Chart
Jean-Luc Ponty
Jean-Luc Ponty es un violinista de jazz contemporáneo francés. Nació en la ciudad de Avranches (Francia) el 29 de septiembre de 1942. Se capacitó como violinista profesional en el Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Su interés hacia el jazz fue impulsado por la música de Miles Davis y John Coltrane. Ha tocado con la Mahavishnu Orchestra y también con Frank Zappa. Es muy conocido por su violín eléctrico, el cual le da una impronta especial, casi como el sonido de un sintetizador.
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Jean-Luc Ponty es hijo de un profesor de violín, con quien comenzó su aprendizaje del instrumento antes de que ingresara en el Conservatorio de París.
En 1967 visitó el Festival de Jazz de Montreal. Tras ello, trabajó con Stéphane Grappelli, la Mahavishnu Orchestra y Frank Zappa. La especial impronta que le otorga su violín lo hizo un artista popular del jazz fusión de la década de 1970.
Tras colaborar en 1972 con Elton John en su disco Honky Chateau, Ponty comenzó a usar su ahora conocido violín eléctrico, con la cuerda C más baja. A fines de la década de 1960 y mediados de la década de los 80 comenzó a utilizar el Violectra, un violín eléctrico modificado de cuatro cuerdas con una octava más baja. Con posterioridad ocupó otra versión del Violectra, de seis cuerdas, y con las notas C y F más bajas.
Ponty fue pionero en la combinación del violín con MIDI, cajas de distorsión, pedales wah-wah, entre otros, lo que le permite obtener un sonido parecido a un sintetizador.
Entre mediados y fines del 2004 se reunió con la formación de The Rite of Strings, con los que realizó una gira por Estados Unidos y Canadá. En los años posteriores se han reunido de forma esporádica. En 2005, formó el supergrupo de jazz fusión Trio! con Stanley Clarke y Béla Fleck. Entre sus discos más destacados están Imaginary Voyage (1976), Aurora (1976), Cosmic Messenger (1978), Mystical Adventures (1982), Individual Choice (1983), Open Mind (1984), Fables (1985), The Gift of Time (1987) y Storytelling (1989).
En 2007 lanzó The Atacama Experience. Entre ese año y 2009 ha estado de gira por todo el mundo presentando su nueva producción.
Discografía
Upon the Wings of Music (1975)
Imaginary Voyage (1976)
Aurora (1976)
Enigmatic Ocean (1977)
Cosmic Messenger (1978)
A Taste for Passion (1979)
Civilized Evil (1980)
Mystical Adventures (1982)
Individual Choice (1983)
Open Mind (1984)
Fables (1985)
The Gift of Time (1987)
Storytelling (1989)
Tchokola (1991)
No Absolute Time (1993)
Life Enigma (2001)
The Atacama Experience (2007)
Ice And Cream (2019)
Jean Michel Jarre
Jean-Michel André Jarre Pejot, más conocido como Jean-Michel Jarre (Lyon, Francia, 24 de agosto de 1948), es un compositor e intérprete francés de música electrónica. Posee relevancia internacional por sus conciertos multitudinarios celebrados al aire libre. Desde su debut en 1971 ha tocado diversos estilos musicales como, entre otros, el electro-rock y el ambient. Es hijo del destacado compositor francés de bandas sonoras Maurice Jarre.
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Nace el 24 de agosto de 1948 en Lyon, Francia. Es hijo de la enfermera France Pejot y, del por entonces desconocido compositor de bandas sonoras, Maurice Jarre (Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia, Ghost y Dead Poets Society, por mencionar algunos). Sin embargo, debido al trabajo y a la posterior separación de sus padres, Jarre no fue muy influenciado por las ideas de Maurice. A la edad de cinco años comenzó sus primeras clases de piano, y junto a su madre frecuentaba el club de Jazz más popular de París, «Le Chat qui Pêche» donde conoció al destacado trompetista Chet Baker.
Más adelante se integró al «Grupo de buscadores musicales de Goldeun», (Groupe de Recherches Musicales), liderado por el maestro Pierre Schaeffer, quien cultivaba en sus alumnos la idea de que se podía componer música con cualquier objeto, fuera o no un instrumento musical. Así experimentó en diversos frentes: su primera banda de rock, The Dustbins, donde era vocalista y guitarrista principal y con la cual logró cierta repercusión al aparecer en la película francesa Des garçons et des filles (1967). Sus inicios en la música electrónica se remontan a la etapa donde termina su instrucción en el GRM, tiempo en que compone y produce sus primeros singles: «La Cage / Erosmachine» «Hypnose» y «Happiness is a Sad Song»; posteriormente colaborando con otros artistas para variados proyectos musicales, como la creación de la Pop Corn Orchestra (1971), para interpretar el famoso tema «Popcorn» (cuya composición original de Gershon Kingsley sirvió de base para la creación de «Oxygene (Part 4)»); produciendo música para comerciales de televisión y películas e incluso para la ópera de París, con su trabajo AOR.
Discografía
Primeras Producciones
La Cage (1971)
Deserted Palace (1972)
Álbumes de estudio oficiales
Oxygène (1976)
Equinoxe (1978)
Magnetic Fields (1981)
Music For Supermarkets (1983)
Zoolook (1984)
Rendez-Vous (1986)
Revolutions (1988)
Waiting For Cousteau (1990)
Chronologie (1993)
Oxygene 7-13 / Oxygene 2 (1997)
Métamorphoses (2000)
Sessions 2000 (2002)
Geometry Of Love (2003)
Téo & Téa (2007)
Oxygene: New Master Recording (2007)
Electronica 1: The Time Machine (2015)
Electronica 2: The Heart of Noise (2016)
Oxygene 3 (2016)
Equinoxe Infinity (2018)
Álbumes recopilatorios
The Essential (1984/2004)
Images – The Best of Jean Michel Jarre (1991)
AERO (2004)
Sublime Mix (2006)
Essentials & Rarities (2011)
Essential Recollection (2015)
Planet Jarre (2018)
Álbumes en vivo
The Concerts in China (1982)
In Concert Houston-Lyon (1987)
Jarre Live (1989)
Jarre Hong-Kong (1994)
Live From Gdansk (Koncert W Stoczni) (2005)
Live Printemps De Bourges 2002 (2006)
Bandas sonoras
Les Granges Brûlées (1973)
Interior Music (2001)
Radiophonie Vol. 9 (2017)
EPs
Remix EP (1) (2015)
Remix EP (2) (2015)
Equinoxe Infinity: Remixes (2019)
Extracto de Wikipedia
![2015 Remix EP [2]](https://www.rafa.cc/musica/imagen0/j/JeanMichelJarre-ElectronicaRemix2.jpg.pagespeed.ce.dnCbUBrqqe.jpg)
![2015 Remix EP [1]](https://www.rafa.cc/musica/imagen0/j/JeanMichelJarre-Remix1EP.jpg.pagespeed.ce.Yu56vDSG9L.jpg)
Javier Krahe
Francisco Javier Krahe Salas (Madrid, 30 de marzo de 1944 – Zahara de los Atunes, Cádiz, 12 de julio de 2015) fue un cantautor y poeta español, conocido por usar la ironía y la comedia en sus canciones. Grabó 15 discos y fue cofundador del sello discográfico independiente 18 Chulos.
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Nacido en Madrid el 30 de marzo de 1944,? estudió en el Colegio del Pilar. Inició estudios de Ciencias empresariales, pero los dejó para dedicarse al cine como ayudante de dirección. Para ello, su padre lo manda dos años a Zamora como ayudante de cámara de su tío Fernando López Heptener.
Después de hacer el servicio militar, conoce al amor de su vida en París, la canadiense Annick, con la que parte a Canadá, donde empieza su carrera como letrista, inspirado por el ejemplo de Georges Brassens y Leonard Cohen. Su hermano Jorge se ocupa de musicar los textos. Compone algunas canciones que interpreta, entre otros, Rosa León.
Ya en España, Chicho Sánchez Ferlosio le anima a actuar en locales como La Aurora, donde conoce a Joaquín Sabina y Alberto Pérez. Como trío graban el disco La mandrágora (1981), que toma su nombre de uno de los locales donde solían actuar en esos días. También actúa en TVE en el programa Si yo fuera presidente.
Falleció de un infarto de miocardio en Zahara de los Atunes, provincia de Cádiz, el 12 de julio de 2015.
Discografía oficial
Valle de lágrimas (1980)
La mandrágora (con Joaquín Sabina y Alberto Pérez) (1981)
Aparejo de fortuna (1984)
Corral de cuernos (1985)
Haz lo que quieras (1987)
Elígeme (en vivo) (1988)
Sacrificio de dama (1993)
Versos de tornillo (1997)
Dolor de garganta (1999)4?
Cábalas y cicatrices (en vivo) (2002)
…Y todo es vanidad (Homenaje a Javier Krahe) (2004)
Cinturón negro de karaoke (2006)
Querencias y extravíos (en vivo) (2007)
Toser y Cantar (2010)
Las diez de últimas (2013)
En el Café Central de Madrid (CD + DVD en vivo) (2014)
La sonrisa de Krahe (CD + DVD homenaje a Javier Krahe) (2019)
Extracto de Wikipedia
Jarabe de Palo
Jarabe de Palo es un grupo de rock español, liderado por el cantante, compositor y guitarrista Pau Donés.
Pau Donés trabajó en varios grupos antes de poder llevar a cabo su proyecto actual, Jarabe de Palo. Comenzó su historia musical a los 15 años junto con su hermano Marc, con quien formó un grupo llamado J.& Co. Band y posteriormente otro llamado Dentaduras Postizas. Durante este periodo combinaba sus actuaciones musicales en locales de Barcelona con un trabajo en una agencia de publicidad.
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El éxito se le presentaría tras un viaje a Cuba, donde le llegó la inspiración que le llevaría a escribir la canción La Flaca, la cual dio título a su primer disco en 1996. Su primer tema se hace famoso un año más tarde, gracias a un spot publicitario, llevando al disco a vender millones de copias en varios países.
Tras este éxito en un primer disco, Pau buscaba demostrar que el grupo no era un «One-hit wonder» (grupo de un solo éxito), y con esta idea se lanzó Depende (1998), que fue producido por Joe Dworniak (conocido en España por su trabajo con Radio Futura) en los estudios Moody de Londres durante dos meses. Este disco contó con colaboraciones como Ketama y continuó con una lírica irónica que consiguió conectar con parte del público hispano e incluso llegar al público italiano.
Álbumes de estudio
1996 – La flaca
1998 – Depende
2001 – De vuelta y vuelta
2003 – Bonito
2004 – 1 m²
2007 – Adelantando
2009 – Orquesta reciclando
2011 – ¿Y ahora qué hacemos?
2014 – Somos
2015 – Tour Americano 14-15 (CD/DVD)
2017 – 50 palos
2018 – Jarabe Filarmónico (con la Orquesta Filarmónica de Costa Rica )
Álbumes recopilatorios
2003 – ¿Grandes éxitos?
2004 – Colección «Grandes»
2005 – Completo, incompleto
2006 – Edición 10º aniversario «La Flaca»
2017 – En la vida conocí mujer igual a La Flaca… 20 años
Extracto de Wikipedia
Janis Joplin
Janis Lyn Joplin (Port Arthur, 19 de enero de 1943-Los Ángeles, 4 de octubre de 1970) fue una cantante estadounidense de rock y blues conocida por su poderosa voz y la gran intensidad de su interpretación.1?Fue una de las estrellas de rock más grandes de su época. Tras publicar tres álbumes, murió de una sobredosis de heroína a la edad de 27 años. Un cuarto álbum, Pearl, fue publicado en enero de 1971, tres meses después de su muerte. Este álbum alcanzó el número uno en las listas de Billboard.
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En 1967, Joplin saltó a la fama durante una presentación en el Monterey Pop Festival, donde fue la cantante principal de la entonces poco conocida banda de rock psicodélico de San Francisco, Big Brother and The Holding Company. Después de lanzar dos álbumes con la banda, dejó Big Brother para continuar como solista con sus propios grupos de apoyo, primero Kozmic Blues Band y luego Full Tilt Boogie Band. Apareció en el festival de Woodstock y en el recorrido del tren Festival Express. Cinco singles de Joplin fueron a Billboard Hot 100, incluyendo una versión de la canción «Me and Bobby McGee», que alcanzó el número 1 en marzo de 1971. Sus canciones más populares incluyen sus versiones de «Piece of My Heart» (con «Big Brother and The Holding Company»), «Cry Baby», «Down on Me», «Ball ‘n’ Chain» y «Summertime»; y su canción original «Mercedes Benz», su grabación final.
Janis fue un símbolo femenino de la contracultura de la década de 1960 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del rock and roll. En 1995 entró en el Salón de la Fama del Rock y en 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas de todos los tiempos;? mientras que en 2008 la ubicó en el puesto 28 de los mejores cantantes de todos los tiempos. En 2013 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.4? En 1999, fue elegida como la tercera mejor artista femenina del rock en la lista 100 Greatest Women in Rock realizada por VH1. Fue admitida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995. Audiencias y críticos por igual se refirieron a su presencia escénica como «eléctrica».
Janis Joplin sigue siendo uno de los músicos más vendidos en los Estados Unidos, contando con certificaciones de la Asociación de la Industria de la Grabación de América por 15,5 millones de álbumes vendidos tan solo en los Estados Unidos.
Álbumes de estudio
Big Brother and the Holding Company
Big Brother & the Holding Company (1967)
Cheap Thrills (1968)
Kozmic Blues Band
I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama! (1969)
Full Tilt Boogie
Pearl (1971)
Álbumes en directo
In Concert (1972)
Live in Amsterdam (1974)
Live in Honolulu (1975)
Live at Winterland ’68 (1998)
Live at Woodstock: August 19, 1969 (1999)
The Woodstock Experience (2009)
Live at the Carousel Ballroom 1968 (2012)
Álbumes recopilatorios
Janis Joplin’s Greatest Hits (1973)
Janis (1975)
Wicked Woman (1976)
Anthology (1980)
Farewell Song (1982)
Janis (1993)
This is Janis Joplin (1995)
18 Essential Songs (1995)
The Collection (1995)
Box of Pearls (1999)
Rare Pearls (1999)
Super Hits (2000)
Love, Janis (2001)
Essential Janis Joplin (2003)
Very Best of Janis Joplin (2003)
The Lost Tapes (2008)
The Woodstock Experience (2009)
Playlist: The Very Best of Janis Joplin (2010)
Move Over! (2011)
Blow All My Blues Away (2012)
The Pearl Sessions (2012)
Jan Akkerman
Jan Akkerman (Ámsterdam, 24 de diciembre de 1946) es un guitarrista holandés. Fue miembro de la banda Focus desde 1969 hasta 1976.
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Jan Akkerman comenzó a tocar la guitarra a los cinco años; su padre era guitarrista. También aprendió a tocar el acordeón, alentado por su madre. Años más tarde, Akkerman se volcó decididamente a la guitarra, aunque también aprendió teclados y saxo. Cursó sus estudios musicales en el Liceo de Música de Ámsterdam durante cinco años, donde había ganado una beca. En su adolescencia sus intereses se volcaron al rock, y a temprana edad tocó en grupos como The Friendship Sextet, The Shaking Hearts, y Johnny and The Cellar Rockers (nombre que luego cambiaría a Johnny and The Hunters, y finalmente a The Hunters).
En 1968, Akkerman fue contratado para tocar en la grabación del álbum del vocalista Kazimierz (Kaz) Lux, junto con Pierre van der Linden en percusión y André Reynen en bajo. Fue así como los cuatro formaron el grupo Brainbox, cuyo único álbum fue editado a fines de 1969. Debido a la participación de Akkerman con el Thijs van Leer Trio, el representante de Brainbox, John van Setten, despidió a Akkerman de Brainbox. Akkerman se integró al trío, y el cuarteto adoptó el nombre Focus.
Discografía
Guitar for Sale – 1973
Profile – 1973
Tabernakel – 1973
Eli (con Kaz Lux) – 1977
Jan Akkerman – 1977
Aranjuez (con Claus Ogerman) – 1978
Live – 1978
Jan Akkerman 3 – 1979
The Best of Jan Akkerman and Friends – 1979
Transparental (con Kaz Lux) – 1980
Oil In The Family – 1980
Pleasure Point – 1980
It Could Happen To You – 1982
Can’t Stand Noise – 1983
From the Basement – 1984
The Noise Of Art – 1990
Puccini’s Café – 1993
Blues Hearts – 1994
The Guitar Player – 1996
Focus in Time – 1996
10,000 Clowns On A Rainy Day – 1997
Live at the Priory – 1998
Passion – 1998
Live at Alexander’s – 1999
C.U. – 2003
Jamiroquai
Jamiroquai es un grupo británico de funk y acid jazz que incluye matices de música disco y sonoridades de electrónica. Fue formado en 1992 por su líder, el cantante Jason «Jay» Kay, junto a Toby Smith (teclados), Stuart Zender (bajo), Nick Van Gelder (batería) y Wallis Buchanan (didgeridoo). Con el tiempo, la banda ha sufrido numerosos cambios, tanto es así que con la excepción de Jason Kay ninguno de los integrantes originales permanece en el grupo en la actualidad.
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Desde su primer disco grabado en 1992 Jamiroquai fue uno de los principales grupos de referencia en el panorama funk internacional, a la cabeza del movimiento denominado acid jazz, en el que militaban bandas como Brand New Heavies, Incognito, Galliano y Corduroy. Nacido en Londres, Jamiroquai supuso una actualización y puesta al día del funk en los años noventa del s. XX.
El nombre «Jamiroquai» surge de la unión del nombre de la tribu indígena norteamericana de los iroqueses, con la cual Kay dice identificarse mentalmente, y el término Jam, proveniente de la palabra jamming, improvisación musical.? Entre otras cosas, la banda ha logrado vender más de cuarenta millones de álbumes en todo el mundo y ha ganado numerosos premios como el Grammy, Brit award y MTV Video Music Award
Álbumes de estudio
Emergency on Planet Earth (1993)
The Return of the Space Cowboy (1994)
Travelling without Moving (1996)
Synkronized (1999)
A Funk Odyssey (2001)
Dynamite (2005)
Rock Dust Light Star (2010)
Automaton (2017)
Componentes de la banda
Miembros actuales
Jay Kay – cantante (1992–presente)
Derrick McKenzie – batería (1994–presente)
Sola Akingbola – percusión, coros (1994–presente)
Rob Harris – guitarra (2000–presente)
Matt Johnson – teclados (2002–presente)
Paul Turner – bajo (2005–presente)
Hazel Fernandes – coros (2001–presente)
Valerie Etienne – coros (2001–presente)
Elle Cato – coros (2017–presente)
Nate Williams – teclados, guitarra (2017–presente)
Howard Whiddett – Ableton (2017- presente)
Miembros anteriores
Toby Smith – teclados (1992–2002; fallecido en 20179?)[cita requerida]
Wallis Buchanan – didgeridoo (1992–1999)
Nick Tydman – bajo (1992)
Simon Bartholomew – guitarra (1992)
Nick Van Gelder – batería (1992–1993)
Mike Smith – saxofón (1992-1993, 1994–1998)
Stuart Zender – bajo (1992–1998)
Darren Galea a.k.a. DJ D-Zire – turntablism (1992–2001)
Gavin Dodds – guitarra (1992–1994)
Maurizio Ravalico – percusión (1992–1994)
John Thirkell – trompeta, fliscorno (1992-1998)
Gary Barnacle – saxofón, flauta (1992-1996)
Glenn Nightingale – guitarra (1993)
Dennis Rollins – trombón (1994–1998)
Simon Katz – guitarra (1995–2000)
Adrian Revell – saxofón, flauta (1998–2000)
Chris Fidler – trombón (1998)
Winston Rollins – trombón (1998–2000)
Martin Shaw – trompeta, fliscorno (1998–2000)
Nick Fyffe – bajo (1999–2003)
Simon Carter – teclados (1999–2002)
Richard Murphy – bajo (2005)
James Russell – saxofón, flauta (2010–2014)
Jim Corry – saxofón (2010–2014)
Malcolm Strachan – trompeta (2010–2014)
Beverley Knight – corista (2001)
Jamie Cullum
Jamie Cullum (Essex, 20 de agosto de 1979) es un cantante y pianista inglés de jazz y pop.
Jamie Cullum nació el 20 de agosto de 1979 en Romford, Essex (Inglaterra). Se crio en Hullavington, Whiltshire. Su madre, Yvonne, es una secretaria de origen anglo-birmano; y su padre John Cullum, trabajaba en finanzas. Su abuelo paterno fue oficial de la armada inglesa, mientras que su abuela paterna fue una judía refugiada de Prusia que cantaba en discos en Berlín; Cullum la ve como su «icono cultural». Creció en Hullavington, Wiltshire pero actualmente reside en North West London.
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Empezó su carrera musical a los dieciséis años, tocando en bares, clubes y hoteles de su pueblo natal. Años más tarde se trasladó a la Universidad de Reading, para estudiar cine y literatura inglesa. Fue durante esta etapa cuando comenzó a componer y a tocar su propia música para acompañar los cortometrajes que hacía como parte de su curso. Además, Cullum aprovechaba para dar algunos conciertos con su grupo Jamie Cullum Trío, de los cuales nació un primer disco titulado «Heard it all before», en 1999, del cual sólo se hicieron 500 copias; debido a su rareza, copias originales de este disco llegan a ser vendidas hasta por 1000£ en eBay. Gracias al éxito de su primer disco, Jamie Cullum fue invitado a participar en el disco de Geoff Gascoyne Songs of the summer. Después logró sacar un segundo CD, «Pointless Nostalgic», el cual llamó la atención de personalidades de la talla de Michael Jackson, entre otros.
A pesar de que «Pointless Nostalgic» lo editó un sello de jazz pequeño (Candid), la música de Cullum atrajo la atención de la discográfica Universal Records. Esta firma le ofreció un contrato por un millón de libras para promocionar y grabar sus discos durante los siguientes cinco años, ganándole así la batalla a Sony. Tras muchos años intentando abrirse un hueco en el mundo del jazz, Cullum se encontraba ahora a las puertas del éxito.
Álbumes
Heard It All Before (1999)
Pointless Nostalgic (2002)
Twentysomething (2003)
Catching Tales (2005)
The Pursuit (2009)
Momentum (2013)
Interlude (2014)
James Taylor
James Vernon Taylor (12 de marzo de 1948, Boston, Massachusetts) es un cantautor y guitarrista estadounidense, ganador de cinco Premios Grammy.
Su primer éxito fue el sencillo «Fire and Rain» de su segundo álbum Sweet Baby James (1970), disco que ocupa el puesto 103 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. El año siguiente, su versión de la canción de su amiga Carole King, «You’ve Got a Friend», alcanzó el puesto número 1.
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Su álbum recopilatorio, Greatest Hits, de 1976, fue certificado disco Diamante por la RIAA, con doce millones de copias vendidas solo en los Estados Unidos.
Nacido en Boston, Massachusetts, pasó su infancia en Chapel Hill, Carolina del Norte. La carrera de Taylor comenzó a mediados de los años sesenta, pero encontró su público a inicios de los setenta cantando canciones acústicas suaves y sensibles. Taylor formó parte de una ola de cantautores suaves que incluye a Carole King, Joni Mitchell, John Denver, Jackson Browne y Carly Simon, con quien se casó más tarde. Fue precisamente el éxito comercial de Taylor que abrió el camino para toda esta generación de cantautores.
Como músico, ha participado en numerosas grabaciones como guitarrista acústico y vocalista ya incluso antes de ascender a la fama, como en el caso del LP Tapestry, de Carole King. Su particular estilo Fingerpicking, unido a sus constantes Hammer-on y pull-off de las cuerdas prima (Mi) y segunda (Si), al tiempo que acordes abiertos abundantes de cuartas suspendidas ha sido un referente de los guitarristas acústicos desde los años 70. Admirado como músico, se ha rodeado tanto en grabaciones como en giras siempre de grandes figuras como Larry Goldings, Steve Gadd, Danny Kortchmar, Michael Brecker, Michael Landau, David Sanborn, Arnold McCuller y muchos otros. Desde el 17 de diciembre de 2010 inició desde su web site oficial unas clases de guitarra para mostrar su técnica al gran público, siendo el primero que ha perfeccionado dichas grabaciones con una cámara dentro y fuera de la guitarra simultáneas, que muestran tanto la digitación de la mano izquierda como la derecha, con total exactitud.
Su primer álbum, James Taylor (1968), fue el primer álbum publicado por el sello discográfico de The Beatles, Apple Records, y contó con la colaboración de George Harrison y Paul McCartney, aunque solo McCartney figura en los créditos.
Discografía
James Taylor (1968) (Apple)
Sweet Baby James (1970) (Warner Bros.)
James Taylor and the Original Flying Machine (1971) — grabado en 1966–1967
Mud Slide Slim and the Blue Horizon (1971) (Warner Bros.)
One Man Dog (1972) (Warner Bros.)
Walking Man (1974) (Warner Bros.)
Gorilla (1975) (Warner Bros.)
In the Pocket (1976) (Warner Bros.)
Greatest Hits (1976) (Warner Bros.)
JT (1977) (Columbia)
Flag (1979) (Columbia)
Dad Loves His Work (1981) (Columbia)
That’s Why I’m Here (1985) (Columbia)
Never Die Young (1988)
New Moon Shine (1991)
(LIVE) (1993)
(Best LIVE) (1994)
Hourglass (1997)
Greatest Hits Volume 2 (2000)
October Road (2002)
The Best of James Taylor (2003)
James Taylor: A Christmas Album (2004)
One Man Band (2007)
Covers (2008)
Other Covers (2009)
Carole King and James Taylor: Live at the Troubadour (2010)
Before this world (2015)
James Morrison
James Morrison Catchpole (n. Rugby; 13 de agosto de 1984) es un cantante, compositor y guitarrista de soul y pop rock británico.
James Morrison es un cantautor inglés cuyo primer disco, Undiscovered, vio la luz en 2006 en Reino Unido. Solo unos meses después ya había vendido más de un millón de copias, y en enero de 2007 el álbum fue lanzado en España.
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James Morrison Catchpole nació en 1984 en Rugby, Warwickshire-Inglaterra, donde vivió una juventud conflictiva tanto económicamente como por culpa de una enfermedad. Con 19 años, le echaron de su trabajo lavando furgonetas al que se dedicó durante nueve meses, un día tras llegar tarde a este trabajo su jefe decidió despedirlo. Su familia pasaba por un mal momento económico, de modo que no podían ayudarle económicamente. En una entrevista el cantante decía: «Tenía 19 años y vivía la vida de un hombre de 40 años». Cuando tenía 13 años su tío Joe le había enseñádo a tocar la guitarra y pronto comenzó a tocar en la calle temas de algunas de sus reconocidas influencias: grandes de la música negra como Otis Redding, Marvin Gaye o Stevie Wonder. Así, tras tocar durante años las canciones de otros artistas, optó por componer sus propios temas. Polydor Productions lo fichó y pronto se convirtió en el telonero de su compatriota Corinne Bailey Rae durante el tour del álbum debut de la artista, de título homónimo.
En julio de 2006 lanzó en Reino Unido su primer disco, Undiscovered, que fue alabado por la crítica y se colocó directamente en el número 1 de las listas de ventas británicas. En sólo unos meses vendió más de un millón de copias. You give me something, el single de presentación, le dio fama mundial.
El 27 de enero de 2007, con algo de retraso respecto a su país de origen, el álbum debut de James Morrison apareció en España. Además de «You give me something», otros temas como «Wonderful world» y «Undiscovered», que da título al disco, sonaron con fuerza. Este último es uno de los más emotivos: «Está inspirada en un amigo que he conocido desde los tres años. Ahora no está en su mejor momento, está perdido, no sabe dónde va. Me hace pensar que hay mucha gente ahí que podrían ser absolutamente sorprendentes en algo, pero sencillamente no tienen la oportunidad o no han sabido descubrir eso en lo que pueden ser tan buenos», explica James.
Como colofón, en los Premios Brits 2007 el joven cantautor, que competía en tres categorías, fue elegido como mejor solista masculino británico.
«Songs for You, Truths for Me» es su segundo álbum lanzado el 26 de septiembre de 2008. El primer sencillo del álbum fue «You Make It Real», lanzado el 22 de septiembre; la canción «Nothing Ever Hurt Like You» también fue lanzado el 23 de septiembre, pero solamente en los Estados Unidos. El álbum se posicionó en el número 3 en el UK Albums Chart.
El segundo sencillo, «Broken Strings» (dueto con la cantante canadiense Nelly Furtado), fue lanzado el 8 de diciembre de 2008 a nivel mundial, y se convertiría en su mayor éxito internacional al punto de ubicarse como la canción más popular en el continente europeo. Morrison aprovechó el gran éxito de «Broken Strings» para promocionarlo en varios países como su natal UK, Italia, España y Francia, al lado de otras intérpretes como Gabriella Cilmi, Marta Sánchez, Keisha (Sugababes) y las Girls Aloud; incluso cantó a dueto junto a concursantes de reality musicales como Ambra Marie (X Factor Italia) y Brenda Mau (Operación Triunfo-España); y por último, También cantó un Single, con el cantante estadounidense, Jason Mraz, Conocido como «Details In The Fabric».
Curiosamente, James Morrison nunca interpretó este tema en directo al lado de Nelly Furtado mientras lo promocionaba. La primera vez que lo cantaron juntos fue el 27 de noviembre de 2009 en un concierto que el británico ofreció en Wembley Arena.
James Morrison lanzó el 26 de septiembre de 2011 su tercer disco, ‘The Awakening’, para el que contó con la colaboración de la estrella emergente Jessie J y con la producción del músico Bernard Butler, que forjó su leyenda como guitarrista de Suede.
Álbumes
Undiscovered (2006)
Songs for You, Truths for Me (2008)
The Awakening (2011)
Higher than here (2015)
Stronger than you know (2019)
Sencillos
«You Give Me Something» (2006)
«Wonderful World» (2006)
«The Pieces Don’t Fit Anymore» (2006)
«Undiscovered» (2007)
«One Last Chance» (2007)
«You Make It Real (2008)
«Nothing Ever Hurt Like You» US only (2008)
«Broken Strings» (con Nelly Furtado) (2008)
«Please Don’t Stop the Rain» (2009)
«Nothing Ever Hurt Like You» Europa (2009)
«Get to You» (2009)
«I Won’t Let You Go» (2011)
«Slave to the Music» (2011)
«Up» (con Jessie J) (2011)
