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Jorma Kaukonen
Jorma Kaukonen (Washington D.C, 23 de diciembre de 1940) es un guitarrista norteamericano de folk, blues y rock, conocido por su trabajo con las bandas Jefferson Airplane y Hot Tuna. La revista Rolling Stone lo incluyó en el puesto 54 de su lista de 100 mejores guitarristas de todos los tiempos.
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Nació en Washington D.C el 23 de diciembre de 1940, hijo de Beatrice y Jorma Ludwik Kaukonen, pasó buena parte de su infancia viviendo en Filipinas, debido al trabajo de su padre, hasta que finalmente regresó a su lugar de nacimiento donde comenzó a tocar la guitarra ya de adolescente. Junto a su futuro compañero en Jefferson Airplane, Jack Casady, formó su primera banda en Washington llamada The Triumphs. En esta época comienza a tocar la guitarra con la técnica del Fingerpicking.
En 1962, Kaukonen se mudó a la Bahía de San Francisco para estudiar en la Universidad de Santa Clara. Comenzó a tocar blues en solitario por bares y cafés, a veces acompañado por una jovencísima Janis Joplin. De esta época queda como testimonio la grabación de 1964 titulada The Typewriter Tapes. En la universidad conoció a Paul Kanter, que lo invitó a asistir a un ensayo de Jefferson Airplane y tras una jam session lo invitó a formar parte de la banda. Kaukonen, como guitarrista de blues, nunca pensó en tocar en una banda de rock, sin embargo le atrajeron los múltiples efectos sonoros que le ofrecía la guitarra eléctrica y no dudó en unirse al grupo.
Discografía
Quah (1974)
Jorma (1979)
Barbeque King” (1981)
Too Hot to Handle (1985)
Embryonic Journey (1994)
The Land of Heroes (1995)
Christmas (1996)
Too Many Years (1998)
Blue Country Heart (2002)
Stars in My Crown (2007)
River of Time (2009)
Ain’t In No Hurry (2015)
Johnny Rivers
Johnny Rivers (nacido como John Henry Ramistella, Ciudad de Nueva York, Estados Unidos, 7 de noviembre de 1942) es un cantante y músico de rock and roll estadounidense.
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La familia Ramistella se mudó de Nueva York a Baton Rouge, Louisiana aun siendo niño. Johnny fue influenciado por el distintivo estilo musical de Louisiana y comenzó a tocar la guitarra a la edad de ocho años, enseñado por su padre y su tío. Aunque todavía iba a la escuela secundaria, comenzó a sentarse en la escena musical local, con una banda llamada The Rockets, dirigidos por Dick Holler , quien más tarde escribió una serie de canciones que incluyen «Abraham, Martin and John» y «Snoopy vs. the Red Baron».
Ramistella formó su propia banda, The Spades, y grabó su primer disco a los 14 años, cuando todavía era estudiante en la secundaría de Baton Rouge. Toda su música fue grabada por la etiqueta Suede ya en 1956.
Discografía
Johnny Rivers at the Whiskey A-Go-Go, live (1964)
Johnny Rivers in Action! (1965)
Meanwhile Back at the Whiskey A-Go-Go, live (1965)
Johnny Rivers Rocks the Folk (1965)
And I Know You Wanna Dance (1965)
Johnny Rivers’ Golden Hits (1966)
Changes (1966)
Rewind (1967)
Realization (1968)
Slim Slo Slider (1970)
Home Grown (1971)
L.A. Reggae (1972)
Blue Suede Shoes (1973)
Last Boogie Paris (1974)
Road (1974)
New Lovers And Old Friends (1975)
The Very Best of Johnny Rivers (1975)
Wild Night (1976)
Outside Help (1979)
Borrowed Time (1980)
Not A Through Street (1983)
The Best of Johnny Rivers (1987)
Memphis Sun (1991)
Anthology, 1964-1977 (1991)
Last Train To Memphis (1998)
Back at the Whisky, live (2001)
Reinvention Highway (2004)
Shadows on the Moon (2009)
Johnny Cash
Johnny J.R Cash (Kingsland, Arkansas; 26 de febrero de 1932-Nashville, Tennessee; 12 de septiembre de 2003) fue un cantante, compositor, guitarrista, actor y autor estadounidense. Considerado como uno de los músicos más influyentes del siglo XX. Considerado el “rey de la música country” y un icono de ese género. Cantautor de country, gospel, rock and roll y rockabilly, fue y es uno de los máximos representantes de la música country, aunque creó su propio subgénero musical.
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Cash fue conocido por su profunda voz, por el característico sonido boom-chick-a-boom de su banda de acompañamiento -los Tennessee Three-, y por vestir ropa oscura lo que le valió el apodo de «El Hombre de Negro» («The Man in Black»). Era muy típico de él empezar todos sus conciertos con la sencilla frase: «Hola, soy Johnny Cash» («Hello, I’m Johnny Cash»).
Muchas de las canciones de Cash como «I Walk The Line», «Folsom Prison Blues», «Man in Black» tratan temas como la pena, la culpa, las tribulaciones morales y la redención, una tendencia que se acentuó en la última etapa de su carrera. Pero también compuso muchas canciones humorísticas (como «One Piece At A Time», «The One On The Right Is On The Left» y versionó «A Boy Named Sue», canción de Shel Silverstein), llenas de vitalidad («Get Rhythm») o con otras temáticas típicas del country como el ferrocarril («The Rock Island Line» o la famosa «Orange Blossom Special»). Curiosamente, algunos de sus temas más conocidos son versiones de otros artistas, pero versionadas con un estilo propio y que lleva su sello por todas partes como es el caso de «Hurt» (de Nine Inch Nails), Personal Jesus de Depeche Mode, One de U2, o el tema grabado junto con Joe Strummer, «Redemption Song», que Bob Marley había compuesto poco antes de su muerte.
Vendió cerca de noventa millones de álbumes en sus casi cincuenta años de carrera. Es presentado habitualmente como uno de los músicos más importantes en la historia de la música country. Es uno de los tres únicos músicos que han sido admitidos en más de un «Salón de la Fama»: en el Salón de la Fama del Rock and roll, del Country y del Góspel, de modo que, junto con Elvis Presley, es el único artista que está en Salones de la Fama de tres estilos diferentes (Rock, Country y Góspel). Aunque es recordado principalmente como un icono de la música country, sus canciones y el sonido que abarca abrazaron otros géneros como el rock and roll, el rockabilly, el blues, el folk, y el góspel. Fue introducido al Salón de la Fama en todos aquellos múltiples géneros musicales.
Sun Records
Los álbumes de Sun contienen material grabado entre 1955 y 1958.
Johnny Cash with His Hot and Blue Guitar (1957)
Sings the Songs That Made Him Famous (1958)
Greatest! (1959)
Sings Hank Williams (1960)
Now Here’s Johnny Cash (1961)
All Aboard the Blue Train (1962)
Columbia Records
Johnny Cash desarrolló la mayor parte de su carrera con Columbia Records. Algunos de estos álbumes incluyeron material ya publicado junto con nuevo material.
Álbumes de estudio
The Fabulous Johnny Cash (1958)
Hymns by Johnny Cash (1959)
Songs of Our Soil (1959)
Ride This Train (1960)
Now, There Was a Song! (1960)
The Lure of the Grand Canyon (1961)
Hymns from the Heart (1962)
The Sound of Johnny Cash (1962)
Blood, Sweat and Tears (1963)
Ring of Fire: The Best of Johnny Cash (1963)
The Christmas Spirit (1963)
I Walk the Line (1964)
Bitter Tears: Ballads of the American Indian (1964)
Orange Blossom Special (1965)
Sings the Ballads of the True West (1965)
Everybody Loves a Nut (1966)
Happiness is You (1966)
Carryin’ on with Johnny Cash and June Carter (1967)
From Sea to Shining Sea (1968)
At Folsom Prison (en vivo) (1968)
Heart of Cash (1968)
The Holy Land (1968)
At San Quentin (en vivo) (1969)
Hello, I’m Johnny Cash (1970)
The Johnny Cash Show (en vivo) (1970)
I Walk the Line – Movie Soundtrack (1970)
Little Fauss and Big Halsy – Movie Soundtrack (1970)
Man in Black (1971)
A Thing Called Love (1972)
America: A 200-Year Salute in Story and Song (1972)
The Johnny Cash Family Christmas (1972)
International Superstar (1972)
På Österåker (en vivo) (1973)
Any Old Wind That Blows (1973)
The Gospel Road (1973)
Johnny Cash and His Woman (1973)
Ragged Old Flag (1974)
Junkie and the Juicehead Minus Me (1974)
The Johnny Cash Children’s Album (1975)
Sings Precious Memories (1975)
John R. Cash (1975)
Look at Them Beans (1975)
Strawberry Cake (en vivo) (1975)
One Piece at a Time (1976)
The Last Gunfighter Ballad (1977)
The Rambler (álbum) (1977)
I Would Like to See You Again (1978)
Gone Girl (1978)
Silver (1979)
Rockabilly Blues (1980)
Classic Christmas (1980)
The Baron (1981)
The Adventures of Johnny Cash (1982)
Johnny 99 (1983)
Rainbow (Johnny Cash) (1986)
Recopilaciones
Mean as Hell (1966)
Johnny Cash’s Greatest Hits, Vol.1 (1967)
Old Golden Throat (1968)
More of Old Golden Throat (1969)
The World of Johnny Cash (1970)
Johnny Cash’s Greatest Hits, Vol. 2 (1971)
Sunday Morning Coming Down (1972)
Five Feet High and Rising (1974)
Johnny Cash’s Greatest Hits, Vol.3 (1978)
Encore (1981)
Biggest Hits (1984)
Harmony Records
Estos discos, editados por Harmony Records, una división de Columbia Records, estaban formados por material ya aparecido en los álbumes editados por esta última.
Golden Sounds of Country Music (1968)
This is Johnny Cash (1969)
The Walls of a Prison (1970)
Understand Your Man (1972)
Give My Love to Rose (1972)
The Johnny Cash Songbook (1972)
Ballads of the American Indian (1973)
This is Johnny Cash (1973)
Álbumes de gospel en sellos pequeños
A Believer Sings the Truth (Cachet Records, 1979)
I Believe (Cachet Records, 1984)
Believe in Him (Word Records, 1986)
Return to the Promised Land (Renaissance Records, 1993)
Álbumes de rarezas: poco después de ser fundado, el sello alemán publicó tres LPs con rarezas grabadas durante el periodo entre 1958 y 1967.
The Unissued Johnny Cash (1978)
Johnny & June (1978)
Tall Man (1979)
Box sets: durante los 90 publicaron cuatro box sets que alegan recopilar todo lo grabado por Cash durante 1954 y 1969, incluyendo algunas de las rarezas ya editadas por el sello en los álbumes de los 70.
The Man in Black 1954-1958 (1990)
Come Along and Ride this Train (1991)
The Man in Black 1959-1962 (1991)
The Man in Black 1963-1969 (1995)
Mercury Records
Johnny Cash is Coming to Town (1987)
Classic Cash: Hall of Fame Series (1988)
Water from the Wells of Home (1988)
Boom Chicka Boom (1989)
The Mystery of Life (1991)
Wanted Man (1994)
Johnny Cash: The Hits (1996)
The Best of Johnny Cash (1998)
The Mercury Years (2000)
Johnny Cash & Friends (2002)
American Recordings
American Recordings (1994)
Unchained (1996)
VH1 Storytellers: Johnny Cash & Willie Nelson (1998)
American III: Solitary Man (2000)
American IV: The Man Comes Around (2002)
Unearthed (2003)
My Mother’s Hymn Book (2004)
American V: A Hundred Highways (2006)
American VI: Ain’t No Grave (2010)
Recopilatorios desde 1990
The Essential Johnny Cash 1955-1983 (Legacy Recordings, 1992)
Super Hits (Legacy Recordings, 1994)
Johnny Cash: Crazy Country (1998)
16 Biggest Hits (Legacy Recordings, 1999)
Love, God and Murder (2000)
16 Biggest Hits: Volume II (2001)
Man In Black: The Very Best Of Johnny Cash (2002)
The Essential Johnny Cash (Legacy Recordings, 2002)
Johnny Cash at Madison Square Garden (2002)
Live Recordings from the Louisiana Hayride]](2003)
Christmas with Johnny Cash(2003)
Life (2004)
The Complete Sun Recordings, 1955-1958(2005)
Walking the Line: The Legendary Sun Recordings (2005)
The Legend (Legacy Recordings, 2005)
The Legend of Johnny Cash (2005)
Duets (2006)
Personal File (Legacy Recordings, 2006)
The Legend of Johnny Cash Vol. II (2006)
John Phillips
John Edmund Andrew Phillips (Parris Island, Carolina del Sur, 30 de agosto de 1935 – Los Ángeles, California, 18 de marzo de 2001) fue un cantante, guitarrista y compositor estadounidense. También conocido como Papa John, Phillips fue un miembro y líder de la banda The Mamas & the Papas. Era el padre de Jeffrey Phillips, Mackenzie Phillips, Chynna Phillips, Tamerlane Phillips y Bijou Phillips.
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La primera banda de Phillips fue The Journeymen, un trío dedicado a la música folk. Tiempo después, durante el American folk music revival, conoció a Denny Doherty y Cass Elliot y en un tour por California, a Michelle Gilliam, con quien se casó en 1962. Con ellos formará, en 1965, The Mamas and The Papas, grupo que llegará a su fin al mismo tiempo que su unión con Michelle en 1970. El matrimonio tuvo una hija, Chynna Phillips, futura integrante del exitoso grupo Wilson Phillips.
Phillips y Michelle fueron los responsables de escribir la mayoría de las canciones de The Mamas and The Papas; John comúnmente empezaba a escribir las canciones y luego Michelle las completaba. Después de firmar contrato con Dunhill Records tuvieron numerosos hits en el top ten de Billboard, tales como: California Dreamin’, Monday, Monday, I Saw Her Again, Creeque Alley, 12:30 (Young Girls Are Coming to the Canyon) y Words of love.
Como Solista
1970: John Phillips (John, the Wolf King of L.A.)
1970: Brewster McCloud – Soundtrack con Merry Clayton en la voz
2001: Pay Pack & Follow
2001: Phillips 66
2008: Pussycat
2009: Man On The Moon
Compilaciones
2007: Jack Of Diamonds
John Lee Hooker
John Lee Hooker (22 de agosto de 1912 – 21 de junio de 2001) fue un cantante y guitarrista de blues estadounidense.
Nació en una granja cerca de Clarksdale, Misisipi, del matrimonio formado por William Hooker y Minnie Ramsey. Su padre era aparcero y pastor de la iglesia bautista. Tuvo seis hermanos y cuatro hermanas.
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Siendo niño, su familia se trasladó a otra granja en una plantación bananera cercana, donde conoció a los bluesman Snooky Pryor y Jimmy Rogers. En 1928 sus padres se separaron y John fue el único hermano que quedó al cuidado de su madre.
Su madre se volvió a casar, esta vez con el músico local de blues William Moore, que enseñó a John a tocar la guitarra cuando tenía trece años. Hooker relató posteriormente que gracias a él conoció, de pequeño, a leyendas como Blind Lemon Jefferson o Charlie Patton, que iban de visita a su casa.
En 1931 decide emigrar hacia el norte industrial, al igual que hacían muchos otros negros del sur en aquella época. Primero recaló en Memphis, donde vivió en casa de una tía, trabajó en cines locales y tocó con Robert Lockwood. En 1935 se trasladó a Cincinnati, donde alternaba trabajos de limpiabotas o de acomodador en teatros con actuaciones en grupos de gospel. Después de un período en el ejército, se instaló en Detroit durante la II Guerra Mundial, en 1943, donde consigue un empleo en la industria del automóvil, cuyo sueldo consigue completar cantando en bares de suburbios. Allí se casó dos veces. Con su segunda mujer, Maude Mathis, tuvo seis hijos.
Discografía
Álbumes
1959 – Folk Blues
1959 – House Of The Blues
1959 – The Country Blues of John Lee Hooker
1960 – Blues Man
1960 – I’m John Lee Hooker
1960 – That’s My Story
1960 – Traveling’
1961 – John Lee Hooker Sing The Blues
1961 – Plays And Sings The Blues
1961 – The Folk Lore of John Lee Hooker
1962 – Burnin’
1962 – Drifting the Blues
1962 – The Blues
1962 – Tupelo Blues
1963 – Don’t Turn Me from Your Door: John Lee Hooker Sings His Blues
1964 – Burning Hell
1964 – Great Blues Sounds
1964 – I Want to Shout the Blues
1964 – The Big Soul of John Lee Hooker
1964 – The Great John Lee Hooker (Japan only)
1965 – Hooker & The Hogs
1966 – It Serves You Right to Suffer
1966 – The Real Folk Blues
1967 – Live at Cafè Au Go-Go
1968 – Hooked on Blues
1969 – Get Back Home (Black & Blue, 1999)
1969 – If You Miss’Im I Got’Im
1969 – Simply The Truth
1969 – That’s Where It’s At!
1969 – Get Back Home (First Issue)
1970 – If You Miss ‘Im… I Got ‘Im
1970 – John Lee Hooker on the Waterfront
1970 – Moanin’ and Stompin’ Blues
1970 – Hooker ‘n’ Heat (Recorded Live at the Fox Venice Theatre)
1971 – Endless Boogie
1971 – Goin’ Down Highway 51
1971 – Half A Stranger
1971 – Hooker’n’Heat/Infinite boogie
1971 – I Feel Good
1971 – Never Get Out Of These Blues Alive
1972 – Detroit Special
1972 – Live At Soledad Prison
1973 – Born In Mississippi, Raised Up In Tennessee
1974 – Free Beer And Chicken
1974 – Mad Man Blues
1976 – Alone
1976 – In Person
1977 – Black Snake
1977 – Dusty Road
1978 – The Cream
1979 – Sad And Lonesome
1980 – Everybody Rockin’
1980 – Sittin’ Here Thinkin’
1987 – Jealous
1988 – Trouble Blues
1989 – Highway Of Blues
1989 – John Lee Hooker’s 40th Anniversary Album
1989 – The Detroit Lion
1989 – The Healer con Carlos Santana, Bonnie Raitt…
1990 – Don’t You Remember Me
1991 – More Real Folk Blues: The Missing Album
1991 – Mr. Lucky con Ry Cooder, Johnnie Johnson, Keith Richards…
1992 – Boom Boom
1992 – This Is Hip
1992 – Urban Blues
1993 – Nothing But The Blues
1994 – King of the Boogie
1994 – Original Folk Blues… Plus
1994 – Dimples (Classic Blues)
1995 – Alternative Boogie : Early Studio Recordings – 1948-1952
1995 – Chill Out
1995 – Whiskey & Wimmen
1995 – Blues for Big Town
1996 – Moanin’ the Blues (Eclipse)
1996 – Alone: The First Concert
1997 – Don’t Look Back
1997 – Alone: The Second Concert
1998 – Black Man Blues
2000 – On Campus
2001 – Concert at Newport
2001 – The Cream (Re-issue)
2001 – The Real Blues : Live in Houston 1979
2002 – Live At Newport
2003 – Face to Face
2003 – Burning Hell (Our World)
2003 – Rock With Me
2003 – Blues is my soul
2004 – Jack O’ Diamonds: The 1949 Recordings
Recopilatorios
1974 – Mad Man Blues (Chess 1951-1966)
1987 – Don’t Look Back
1989 – The Hook : 20 Years of Hits
1991 – Hobo Blues
1991 – The Chess Masters
1991 – The Complete Chess Folk Blues Sessions (The Real Folk Blues/More Real Folk Blues)
1991 – The Ultimate Collection 1948-1990
1992 – Best Of: 1965-1974
1992 – The Ultimate Collection (Universal)
1992 – The Vee-Jay Years – 1955-1964
1993 – Boom Boom (UK only)
1993 – Boogie Man
1993 – The Legendary Modern Recordings – 1948-1954
1994 – Blues Collection (Boogie Man)
1994 – John Lee Hooker (LaserLight)
1994 – The Early Years
1994 – Wandering Blues
1995 – Red Blooded Blues
1995 – The Very Best Of
1996 – Blues Legend
1996 – Live at Cafe au Go-Go (and Soledad Prison)
1997 – His Best Chess Sides
1997 – Live In Concert
1997 – The Essential Collection
1998 – The Best of Friends
1998 – The Complete 50’s Chess Recordings
1999 – Best of John Lee Hooker: 20th Century Masters
1999 – This Is Hip [The Best Of]
2000 – The Definitive Collection
2001 – Born With The Blues
2001 – Gold Collection
2001 – Legendary Blues Recordings: John Lee Hooker
2001 – John Lee Hooker presents his House Rent Boogie (Ace)
2002 – Blues Before Sunrise
2002 – The Complete – Vol. 1 [Body & Soul]
2002 – The Complete – Vol. 2 [Body & Soul]
2002 – The Complete – Vol. 3 [Body & Soul]
2002 – The Complete – Vol. 4 [Body & Soul]
2002 – The Real Folk Blues/More Real Folk Blues
2002 – Timeless Collection
2003 – Blues Kingpins
2003 – Final Recordings – Vol. 1 : Face to Face
2003 – The Collection 1948-52
2004 – Don’t Look Back: Complete Blues
2004 – The Complete – Vol. 5 : [Body & Soul]
2005 – The Complete – Vol. 6 : [Body & Soul]
2006 – John Lee Hooker (Specialty Profiles)
2006 – Too much boogie (Blue label)
Extracto de Wikipedia
John Denver
John Denver, nacido como Henry John Deutschendorf, Jr. (Roswell, Nuevo México, 31 de diciembre de 1943-Bahía de Monterey, cerca de Pacific Grove, California; fecha de deceso: 12 de octubre de 1997), fue un cantante country, compositor, músico y actor estadounidense. Denver murió a los 53 años de edad cuando pilotaba un Rutan Long-EZ, un avión experimental de fibra de vidrio.
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John Denver nació en Roswell, Nuevo México. Su padre, Henry Deutschendorf, Sr., era oficial de las fuerzas aéreas e instructor de vuelo. Denver nació cuando su padre estaba en el Roswell Army Air Field. Creció en numerosas bases del sudoeste estadounidense. Denver entró en el instituto en Fort Worth, Texas y más tarde en el Texas Tech donde fue miembro de la fraternidad Delta Tau Delta. a empezar una carrera en solitario.
Este mismo año lanzó su primer LP, Rhymes and Reasons. Durante los cuatro años siguientes, álbumes como Whose Garden Was This, Take Me to Tomorrow y Poems, Prayers and Promises se estableció como una estrella de la canción estadounidense popular.
Discografía
En orden cronológico 1969-1991 (publicaciones en EE.UU.)
RCA Records
1969 – Rhymes & Reasons †
1970 – Take Me To Tomorrow
1970 – Whose Garden Was This?
1971 – Poems, Prayers, and Promises †
1972 – Aerie
1972 – Rocky Mountain High †
1973 – Farewell Andromeda
1973 – Greatest Hits ††
1974 – Back Home Again †
1975 – An Evening with John Denver (2) (live)
1975 – Windsong †
1975 – Rocky Mountain Christmas †
1976 – Spirit
1977 – Greatest Hits Vol. 2
1977 – I Want To Live
1978 – John Denver (JD)
1979 – A Christmas Together (with The Muppets)
1980 – Autograph
1981 – Some Days Are Diamonds
1982 – Seasons of the Heart
1983 – It’s About Time
1983 – Rocky Mountain Holiday (with The Muppets)
1984 – Greatest Hits Vol. 3
1985 – Dreamland Express
1986 – One World
Windstar Records
1989 – Higher Ground
1990 – Earth Songs
1990 – The Flower That Shattered the Stone
1990 – Christmas, Like a Lullaby
1991 – Different Directions
† Álbumes considerados sus más importantes trabajos.
†† El primer Greatest Hits fue importante históricamente porque contenía nuevas grabaciones de varios de sus temas más exitosos.
John Coltrane
John William Coltrane (Hamlet, ciudad en el condado de Richmond, en Carolina del Norte, 23 de septiembre de 1926-Nueva York, 17 de julio de 1967), también conocido como Trane, fue un músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor y saxo soprano. Ocasionalmente, tocó el saxo alto y la flauta.
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Aunque también muy controvertido, se trata de uno de los músicos más relevantes e influyentes de la historia del jazz, a la altura de otros artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y Miles Davis. Se casó, en segundas nupcias, con la pianista de jazz Alice Coltrane (1937-2007).
Su trayectoria musical estuvo marcada por una constante creatividad y siempre dentro de la vanguardia, abarca los principales estilos del jazz posteriores al bop: hard bop, free jazz y jazz modal. La discografía de Coltrane es considerable: grabó alrededor de cincuenta discos como líder en doce años y apareció en más de una docena de discos guiado por otros músicos.
La obra de Coltrane está conscientemente vinculada al contexto sociohistórico en que fue creada (en concreto, a la lucha por los derechos civiles de los negros) y, en muchas ocasiones, busca una suerte de trascendencia a través de determinadas implicaciones religiosas, como se puede advertir en la que es considerada por la crítica su obra maestra, A Love Supreme.
Una de las aportaciones más reseñables de Coltrane es la que se refiere a la extensión de los solos de jazz, al eliminar cualquier límite temporal a los mismos y dejar su extensión al arbitrio de las necesidades del intérprete (de ahí que algunos temas de Coltrane sobrepasen, por ejemplo, los treinta minutos).
Nacido en un pueblo de Carolina del Norte, Coltrane fue hijo de John R. Coltrane, sastre e intérprete de varios instrumentos de cuerda, y de Alice (Blair) Coltrane, costurera y sirvienta, aunque con estudios superiores y con capacidad para cantar y tocar el piano. Sus abuelos eran pastores metodistas, motivo por el cual John estuvo desde muy pequeño en contacto con los himnos y música de la iglesia.
Dos meses después de nacer, su abuelo materno, el reverendo William Blair, también líder político en su comunidad, fue nombrado regidor anciano de la A. M. E. Zion Church, por lo que la familia se trasladó a High Point, lugar donde crecería John.
Tras graduarse en 1939 en primaria, su padre, sus abuelos y su tío fallecieron, dejando diezmada la familia. Su madre tuvo que trabajar como criada para sostener a la familia. El mismo año, Coltrane se unió a una orquesta de la comunidad en la que vivía y en la que tocó el clarinete y el bombardino en mi bemol; en su orquesta del instituto tocaría ya el saxofón. A comienzos de la Segunda Guerra Mundial, su familia se mudó a Nueva Jersey en busca de trabajo, dejando a John con unos amigos.
La casa de John Coltrane en Filadelfia.
Cuando en 1943 se graduó en el instituto, se trasladó en junio a Filadelfia donde la familia entera quedó reunida de forma provisional.
Fue reclutado por la Marina en 1945 y un año más tarde volvería a Estados Unidos. Coltrane trabajó en varios empleos durante los años cuarenta (siendo saxo alto) hasta que se unió a la big band de Dizzy Gillespie en 1949. Permaneció con Gillespie hasta la separación de la banda en mayo de 1950 (ahora tocando saxo tenor) y luego se unió a un pequeño grupo de Gillespie hasta abril de 1951, cuando volvió a Filadelfia para asistir a la escuela.
A principios de 1952 se unió a la banda de Earl Bostic, y en 1953, después de algunos roces con Eddie Vinson, se unió a un pequeño grupo de Johnny Hodges (durante un tiempo libre de este saxofonista de la orquesta de Duke Ellington), quedándose hasta mediados de 1954.
Joan Báez
Joan Chandos Báez (Staten Island, Nueva York, Estados Unidos, 9 de enero de 1941), más conocida como Joan Báez, es una cantante, compositora y activista estadounidense, cuya música folk contemporánea incluía a menudo canciones protesta o de justicia social. Caracterizada por una voz potente, aguda, próxima a la de una soprano, y con un vibrato controlado para potenciar la dramatización de las letras de las canciones, fue una de las mayores figuras de la canción protesta surgida en los años sesenta, al calor de la Guerra de Vietnam. Su repertorio, no obstante, abarca también lo tradicional, el country y el pop rock, y además de ser compositora, es generalmente considerada como una intérprete del trabajo de otros artistas, habiendo grabado canciones de Allman Brothers Band, The Beatles, Jackson Browne, Leonard Cohen, Bob Dylan, Violeta Parra, Woody Guthrie, The Rolling Stones, Pete Seeger, Paul Simon y Stevie Wonder, entre otros. En los últimos años, obtuvo cierto éxito al interpretar canciones de compositores modernos como Ryan Adams, Josh Ritter, Steve Earle y Natalie Merchant.
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Báez comenzó su carrera musical en 1960 y logró un éxito inmediato. Sus tres primeros discos, Joan Baez, Joan Baez, Vol. 2 y Joan Baez in Concert, han sido certificados como discos de oro y estuvieron en las listas de éxitos durante dos años. En la década de 1970, Báez logró nuevos éxitos con su canción “Diamonds & Rust” y con versiones de “There But for Fortune” de Phil Ochs y “The Night They Drove Old Dixie Down” de The Band. Otras canciones asociadas a Báez incluyen “Farewell Angelina”, “Love Is Just a Four-Letter Word”, “Joe Hill”, “Sweet Sir Galahad” y “We Shall Overcome”. Interpretó tres de estas canciones en el Festival de Woodstock en 1969, promocionó las canciones de Bob Dylan a nivel nacional y mostró su compromiso con el activismo político y social en los campos de la no violencia, los derechos civiles, los derechos humanos y la defensa del medio ambiente.
Discografía
1960: Joan Baez
1961: Joan Baez, Vol. 2
1962: Joan Baez in Concert (en directo)
1963: Joan Baez in Concert, Part 2 (en directo)
1964: Joan Baez/5
1965: Farewell, Angelina
1966: Noël
1967: Joan
1968: Baptism: A Journey Through Our Time
1968: Any Day Now
1969: David’s Album
1970: One Day at a Time
1971: Carry It On (banda sonora)
1971: Blessed Are…
1972: Come from the Shadows
1973: Where Are You Now, My Son?
1974: Gracias a la vida
1975: Diamonds & Rust
1976: From Every Stage (en directo)
1976: Gulf Winds
1977: Blowin’ Away
1979: Honest Lullaby
1984: Live Europe ’83 (en directo)
1987: Recently
1988: Diamonds & Rust in the Bullring (en directo)
1989: Speaking of Dreams
1992: Play Me Backwards
1995: Ring Them Bells (en directo)
1997: Gone From Danger
2003: Dark Chords on a Big Guitar
2005: Bowery Songs (en directo)
2008: Day After Tomorrow
Jimi Hendrix
James Marshall «Jimi» Hendrix (nacido Johnny Allen Hendrix, 27 de noviembre de 1942-18 de septiembre de 1970) fue un músico estadounidense. A pesar de que su carrera profesional solo duró cuatro años, es considerado uno de los guitarristas más influyentes de la historia del rock. El Salón de la Fama del Rock and Roll lo describe como «Indiscutiblemente uno de los músicos más grandes de la historia del rock».
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Nació en Seattle, Washington y comenzó a ejecutar la guitarra a los 15 años de edad. En 1961, se enroló en el ejército de los Estados Unidos como paracaidista en la 101.ª División Aerotransportada y se licenció al año siguiente. Poco después, se mudó a Clarksville, Tennessee y comenzó a tocar en algunos conciertos conocidos como Chitlin’ Circuit, donde consiguió un hueco tocando como músico de apoyo de The Isley Brothers y después para Little Richard, con quien continuó hasta mediados de 1965. Más adelante pasó a tocar con Curtis Knight and The Squires antes de mudarse a Inglaterra a finales de 1966 gracias a Linda Keith, quien además llamó la atención del bajista de The Animals Chas Chandler para convertirse en su mánager. En cuestión de meses, Hendrix ya había obtenido tres sencillos Top 10 en el Reino Unido con su banda The Jimi Hendrix Experience: «Hey Joe», «Purple Haze» y «The Wind Cries Mary». Saltó a la fama en Estados Unidos después de su actuación en el Monterrey Pop Festival de 1967. Al año siguiente, en 1968, su tercer disco de estudio, “Electric Ladyland”, llegó al primer puesto de la lista estadounidense de éxitos; fue su éxito comercial más grande y único número uno en dicho país. En su momento fue el artista mejor pagado por su concierto en el Festival de Woodstock (1969) y el Festival de la Isla de Wight (1970), antes de su muerte por ingesta de barbitúricos el 18 de septiembre de 1970 a los 27 años de edad.
Las influencias musicales de Hendrix se inspiraron en el rock and roll y blues eléctrico de Estados Unidos. Es conocido por usar amplificadores con distorsión, alto volumen y ganancia, además de que fue un innovador en aprovecharse de los acoples generados por la guitarra. También ayudó a popularizar el uso del pedal con wah-wah y fue el primero en utilizar efectos phaser estereofónicos en sus grabaciones. Holly George-Warren de la revista Rolling Stone comentó: «Hendrix fue pionero en el uso del instrumento como una fuente de sonido electrónico. Los guitarristas anteriores a él habían experimentado con acoples y distorsión, pero Hendrix convirtió esos efectos y otros en un vocabulario controlado y fluido igual de personal que el blues con el que comenzó».
Hendrix recibió varios premios durante su vida y también de forma póstuma. En 1967, los lectores de Melody Maker le votaron como el mejor músico popular del año, en 1968, Rolling Stone lo nombró músico del año, Disc and Music Echo le distinguió con el título de mejor músico de 1969, mientras que, en 1970 Guitar Player le otorgó el voto de mejor guitarrista del año.
The Jimi Hendrix Experience ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll en 1992 y en el UK Music Hall of Fame en 2005. Rolling Stone posicionó sus tres discos Are You Experienced, Axis: Bold as Love y Electric Ladyland entre los 100 mejores discos de la historia y a él como el mejor guitarrista y sexto mejor artista de todos los tiempos.
Álbumes originales
Are You Experienced (1967)
Axis: Bold as Love (1967)
Electric Ladyland (1968)
Band of Gypsys (1970; en vivo)
Álbumes póstumos
Estudio
The Cry of Love (1971)
Rainbow Bridge (1971)
War Heroes (1972)
Loose Ends (1974)
Crash Landing (1975)
Midnight Lightning (1975)
Nine to the Universe (1980)
First Rays of the New Rising Sun (1997)
South Saturn Delta (1997)
Valleys of Neptune (2010)
People, Hell and Angels (2013)
Both Sides of the Sky (2018)
En vivo
Jun 1967 Jimi Plays Monterey 1986
Feb-Dec 1967 Radio One 1988
May 1968 Miami Pop Festival 2013
Oct 1968 Live at Winterland 1987
Feb 1969 Experience 1971
Feb 1969 More Experience 1972
Ago 1969 Woodstock 2 (varios artistas) 1971
Ago 1969 Woodstock 1994
May 1970 Live at Berkeley 2003
Dic 1969 a May 1970 Band of Gypsys 2 1986
May-Jul 1970 Johnny B. Goode 1986
Sep 1967 a Jul 1970 Stages 1991
Jul 1970 Freedom: Atlanta Pop Festival 2015
Ago 1970 Isle of Wight 1971
Ago 1970 Live Isle of Wight ’70 1991
Feb 1969 a Ago 1970 Hendrix in the West 1972
1968-70 The Jimi Hendrix Concerts 1982
1967-69 BBC Sessions 1998
Recopilaciones
1968: Smash Hits
1978: The Essential Jimi Hendrix
1979: The Essential Jimi Hendrix Volume Two
1983: The Singles Album
1984: Kiss the Sky
1990: Cornerstones: 1967-1970
1993: The Ultimate Experience
1994: Blues
1995: Voodoo Soup
1997: Experience Hendrix: The Best of Jimi Hendrix
2001: Voodoo Child: The Jimi Hendrix Collection
Sencillos
Purple Haze
Hey Joe
All Along the Watchtower
The Star Spangled Banner
Little Wing
Spanish Castle Magic
Voodoo Child (Slight Return)
Jim Morrison
James Douglas “Jim” Morrison (Melbourne, Estados Unidos, 3 de diciembre de 1943-París, Francia, 3 de julio de 1971) fue un cantautor y poeta estadounidense, célebre por ser el vocalista de la mítica banda de rock The Doors. Debido a sus canciones, personalidad y actuaciones salvajes, es considerado por críticos y fanes como uno de los cantantes más icónicos e influyentes de la historia del rock, y, debido a las circunstancias dramáticas que rodean su vida y muerte, en la última parte del siglo XX, fue uno de los iconos más rebeldes de la cultura popular, representando la brecha generacional y la contracultura juvenil.
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Fue también muy conocido por improvisar pasajes de poesía de palabra hablada mientras la banda tocaba en vivo. Morrison se ubicó en el número 47 en la lista de Rolling Stone de los «100 mejores cantantes de todos los tiempos», y el número 22 en los «50 mejores cantantes de rock» de la revista Classic Rock. Ray Manzarek dijo que Morrison «personificó la rebelión de la contracultura hippie». Morrison es referido a veces por otros apodos, como «The Lizard King» («El rey lagarto»).
En su vida posterior, Morrison desarrolló una dependencia al alcohol. Murió a la edad de 27 años en París; se alega que pudo haber muerto de una sobredosis de heroína, pero como no se realizó autopsia, se discute la causa exacta de su muerte.? La tumba de Morrison se encuentra en el cementerio del Père-Lachaise en el este de París.
Jim Croce
James Joseph Croce (Filadelfia, Estados Unidos, 10 de enero de 1943-Natchitoches (Luisiana), 20 de septiembre de 1973) fue un cantante y compositor estadounidense.
Croce compuso varias canciones de éxito en los primeros años 70, pero falleció en un accidente de aviación justo cuando empezaba a conseguir el éxito. Se le recuerda fundamentalmente por las canciones “Time in a Bottle” y “Bad, Bad Leroy Brown,” las cuales fueron número 1 en el Billboard Hot 100 en 1973.
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Croce nació en South Philadelphia, en el condado de Filadelfia, Pensilvania. Se graduó en la Upper Darby High School localizada en Drexel Hill, Pennsylvania, en 1960. En 1966, y de forma póstuma, se convirtió en el primer estudiante en ser incluido en el cuadro de honor (Wall of Fame) de la Upper Darby High School. Tras graduarse, Croce acudió durante un año a la Malvern Preparatory School, en Malvern, Pensilvania. De allí marchó a estudiar a la Universidad Villanova donde se graduó en psicología y con estudios en alemán. Durante su etapa universitaria Croce fue miembro de los Villanova Singers y de los Villanova Spires y ejerció como disc-jockey en la radio universitaria WXVU. En esta época conoció a la que fue su esposa Ingrid Jacobson. Tras su boda Croce se convertiría al judaísmo.
Jim Chappell
James William Chappell (nacido en Michigan en 1955), conocido profesionalmente como Jim Chappell, es un pianista estadounidense de la Nueva Era y el jazz. A fines de la década de 1980 y principios de la década de 1990, Chappell colocó cinco álbumes en la lista Top Twenty of Billboard’s Top New Age Albums, y colocó otro álbum en la lista Top Twenty de sus Top Contemporary Jazz Albums.
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El primer álbum de Chappell, Tender Ritual, fue una colección de solos de piano lanzados en 1985 en su propio sello Unspeakable Freedom. En 1986, Chappell se firmó con los recién formados Music West Records.
Ese mismo año, Chappell lanzó Dusk, otra colección de solos de piano. Sería el primero de los álbumes de Chappell en aparecer en una lista de Billboard, llegando al número 19 en su lista de Top New Age Albums.
Con su tercer álbum, los registros de Chappell comenzaron a incluir acompañamiento de conjunto pequeño y (en la Rapsodia del sábado de 1990) una orquestación completa. Sus tres álbumes en este estilo: Living in the Northern Summer de 1989, Rhapsody del sábado y Nightsongs and Lullabies de 1991, todos aparecieron en la lista de álbumes Billboard Top New Age.
En 1992, Chappell cambió al sello Real Music, donde su música se orientó más hacia el jazz. Había cuatro de esos álbumes: In Search of the Magic (1992), Over the Top (1993), Manila Nights (1994) y The Earthsea Series, Volumen 1 (1994). En los últimos tres, Chappell fue respaldado por HearSay, un cuarteto de jazz. El primero de ellos, Over the Top de 1993, apareció en la lista de álbumes de jazz contemporáneo de Billboard. Este álbum también tuvo éxito en Filipinas, lo suficiente como para que Chappell reservó una gira de tres fechas por las islas en el verano de 1993 y agotó todos los espectáculos.
El último álbum de Chappell con Real Music fue Laughter at Dawn de 1994. Vio a Chappell regresar a su estilo original de piano solo y fue el último de sus álbumes en aparecer en una lista de Billboard.
Chappell se mudó a Gallery Records en 1996 y grabó un álbum allí. No lanzó nada más hasta 2002, cuando comenzó a lanzar álbumes en su propio sello Unspeakable Freedom. Ninguno de ellos ha aparecido en las listas de Billboard.
Jerry Lee Lewis
Jerry Lee Lewis (Ferriday, Luisiana; 29 de septiembre de 1935) es un pianista y cantante estadounidense, pionero del Rock and Roll, apodado “The Killer” (“El Asesino”) por su fuerte personalidad y su puesta en escena, y tras ser considerado una seria alternativa frente a Elvis Presley, el Rey del Rock, su popularidad decayó durante los años sesenta y setenta por diversos escándalos.
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Su figura ha sido rehabilitada en las últimas décadas, entrando a formar parte en 1986 del Salón de la Fama del Rock dentro del primer grupo, junto con otros pioneros del rock, y posteriormente del Salón de la Fama del Rockabilly. En 2003, la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 24.º de los mejores músicos del siglo.? Su vida fue llevada la gran pantalla en la película Gran bola de fuego, donde fue encarnado por el actor Dennis Quaid.
Jerry Lee Lewis nació en una familia muy pobre de Ferriday, en la parroquia de Concordia, al este de Luisiana. Comenzó a tocar el piano en su juventud junto a sus primos Mickey Gilley y Jimmy Swaggart, posteriormente uno de los primeros teleevangelistas. Debido al talento mostrado por Jerry Lee ya desde su infancia, sus padres hipotecaron su granja para comprarle un piano. Influenciado por la música popular entonces emitida por la radio en programas como The Louisiana Hayride o Grand Ol’ Opry, mezcló los estilos de la época (country, rhythm and blues, boogie-woogie y gospel) para crear el suyo propio.
En sus primeros años de adolescencia comenzó a acudir a los guetos negros para escuchar a los cantantes de blues y el 29 de septiembre de 1949 realizó su primera aparición pública en un espectáculo montado por la compañía de automóviles Ford en su ciudad natal, interpretando el tema “Drinkin wine, spoo-dee-o-dee”.2?
En 1952, con 16 años, contrajo matrimonio con Dorothy Barton, dos años mayor que él (en esa época, en el sur de Estados Unidos, eran comunes los matrimonios a temprana edad). Ese mismo año grabó sus primeras canciones: una composición para piano llamada “New Orleans boogie” y un cover de la balada country de Lefty Frizze “Don’t stay away (’til love grows old)”. En septiembre de ese año su madre lo envía a una escuela religiosa de Waxahachie, Texas, para que interpretase música exclusivamente religiosa, pero pronto fue expulsado por tocar una versión de “My God is real” en estilo boogie-woogie.
En 1953, sin divorciarse de su primera esposa, se casa con Jane Mitcham cuando ésta queda embarazada del que sería el primer hijo de Lewis, Jerry Lee Lewis Jr. En 1954 volvió a grabar, haciendo versiones de canciones country como “If I ever needed you” y “I don’t hurt anymore”.? En estos primeros años actuó en clubes en Ferriday, Natchez, Misisipi y Nashville (Tennessee). Al intentar aparecer en The Louisiana Hayride es rechazado ya que según los ejecutivos del programa debía tocar la guitarra y no el piano.
En 1956, después de leer un artículo sobre Elvis Presley en una revista, viaja a Memphis para probar suerte grabando en su misma compañía discográfica, Sun Records. En ese momento, el dueño de la discográfica, Sam Phillips, se encontraba en un viaje en Florida así que fue Jack Clement quien grabó sus primeras canciones para el sello: una versión de “Crazy arms” de Ray Price y una composición propia llamada “End of the road”.
Álbumes
1958 High School musical
1962 Jerry Lee Lewis Vol. 2/Jerry Lee’s Greatest
1964 Live at the Star Club, Hamburg
1964 Golden Hits of Jerry Lee Lewis
1964 The Greatest Live Show on Earth
1965 The Return of Rock
1965 Country Songs for City Folks/All Country
1966 Memphis Beat
1967 Soul My Way
1968 Another Place, Another Time
1969 She Still Comes Around
1969 Sings the Country Music Hall of Fame Hits, Vol. 1
1969 Sings the Country Music Hall of Fame Hits, Vol. 2
1969 Together (duets with Linda Gail Lewis)
1969 Original Golden Hits, Vol. 1
1969 Original Golden Hits, Vol. 2
1970 The Golden Cream of the Country
1970 She Even Woke Me Up to Say Goodbye
1970 A Taste Of Country
1970 Best Of
1970 Live at the International, Las Vegas
1971 In Loving Memories
1971 There Must Be More to Love Than This
1971 Touching Home
1971 Monsters
1971 Would You Take Another Chance on Me
1972 The Killer Rocks On
1972 Who’s Gonna Play This Old Piano?
1973 The Session (double album; gold record)
1973 Sometimes a Memory Ain’t Enough
1973 Southern Roots
1974 I-40 Country
1974 Breathless (High Heel Sneakers + Roll Over Beethoven)
1975 Boogie Woogie Country Man
1975 Odd Man In
1976 Country Class
1977 Country Memories
1978 Best of/Vol. 2
1978 Jerry Lee Keeps Rockin’
1979 Duets
1979 Jerry Lee Lewis
1980 When Two Worlds Collide
1980 Killer Country
1981 Best of/Vol. 3
1982 The Survivors Live (con Johnny Cash y Carl Perkins)
1983 My Fingers Do the Talkin’
1986 Class of ’55 (con Johnny Cash, Carl Perkins y Roy Orbison)
1989 Great Balls of Fire
1993 Solid Ground
1993 All Killer, No Filler: The Anthology
1994 Whole Lotta Shakin’ Goin’ On
1995 Young Blood 31
2006 Last Man Standing
2010 Mean Old Man 30
2014 Rock & Roll Time
Extracto de Wikipedia
Jerry Garcia
Jerome John “Jerry” Garcia (1 de agosto de 1942 – 9 de agosto de 1995) fue un cantautor y guitarrista estadounidense más conocido por su trabajo como guitarrista y vocalista de la banda Grateful Dead, que ganó prominencia durante la era de la contracultura (1960). Aunque desautorizó el papel, García fue visto por muchos como el líder o “portavoz” del grupo.
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Uno de sus fundadores, García actuó con los Grateful Dead durante sus treinta años de carrera (1965-1995). También fundó y participó en una variedad de proyectos paralelos, incluyendo la banda Saunders-Garcia (con su amigo Merl Saunders), la “Jerry Garcia Band”, “Old and in the Way”, el dúo acústico Garcia / Grisman, “Legion of Mary” y “New Riders of the Purple Sage” (que García co-fundó con John Dawson y David Nelson). Lanzó varios álbumes como solista, y contribuyó a numerosos álbumes de otros artistas durante años como músico de sesión. Es muy conocido por su característica forma de tocar la guitarra y fue clasificado el 13º por la revista Rolling Stone en los “100 Guitarristas más grandes de toda la historia”.
A lo largo de su vida, García estaba a veces enfermo debido a su diabetes, y en 1986 entró en un coma diabético que casi le costó la vida. Aunque su salud general mejoró un poco después de eso, también luchó con su adicción a la heroína y la cocaína, y permaneció en una instalación de rehabilitación de drogas en California cuando murió de un ataque al corazón en agosto de 1995 a la edad de 53 años.
Discografía
Jerry Garcia
Garcia – 1972
Compliments – 1974
Reflections – 1976
Run for the Roses – 1982
Jerry Garcia Band
Cats Under the Stars – 1978
Jerry Garcia Band – 1991
How Sweet It Is – 1997
Don’t Let Go – 2001
Shining Star – 2001
Pure Jerry: Theatre 1839, San Francisco, July 29 & 30, 1977 – 2004
After Midnight: Kean College, 2/28/80 – 2004
Pure Jerry: Lunt-Fontanne, New York City, October 31, 1987 – Jerry Garcia Band and Jerry Garcia Acoustic Band – 2004
Pure Jerry: Lunt-Fontanne, New York City, The Best of the Rest, October 15–30, 1987 – Jerry Garcia Band and Jerry Garcia ;Acoustic Band – 2004
Pure Jerry: Merriweather Post Pavilion, September 1 & 2, 1989 – 2005
Pure Jerry: Warner Theatre, March 18, 1978 – 2005
Pure Jerry: Coliseum, Hampton, VA, November 9, 1991 – 2006
Pure Jerry: Bay Area 1978 – 2009
Let It Rock: The Jerry Garcia Collection, Vol. 2 – 2009
Garcia Live Volume One – 2013
June 26, 1981, Warfield Theatre, San Francisco, CA – 2013
Garcia Live Volume Two – 2013
Fall 1989: The Long Island Sound – 2013 – Jerry Garcia Band and Bob Weir & Rob Wasserman
Garcia Live Volume Four – 2014
Garcia Live Volume Five – 2014
On Broadway: Act One – October 28th, 1987 – Jerry Garcia Band and Jerry Garcia Acoustic Band – 2015
Jerry Garcia Acoustic Band
Almost Acoustic – 1988
Ragged but Right – 2010
New Riders of the Purple Sage
New Riders of the Purple Sage – 1971
Before Time Began – 1986
Vintage NRPS – 1986
Glendale Train – 2003
Old and in the Way
Old and in the Way – 1975
That High Lonesome Sound – 1996
Breakdown – 1997
Live at the Boarding House – 2008
Live at the Boarding House: The Complete Shows – 2013
Legion of Mary
Legion of Mary: The Jerry Garcia Collection, Vol. 1 – 2005
Garcia Live Volume Three – 2013
Jerry Garcia and Merl Saunders
Heavy Turbulence – 1972
Fire Up – 1973
Live at Keystone – 1973
Keystone Encores – 1988
Fire Up Plus – 1992
Pure Jerry: Keystone Berkeley, September 1, 1974 – 2004
Keystone Companions: The Complete 1973 Fantasy Recordings – 2012
Jerry Garcia and David Grisman
Garcia/Grisman – 1991
Not for Kids Only – 1993
Shady Grove – 1996
So What – 1998
The Pizza Tapes – 2000
Grateful Dawg – 2001
Been All Around This World – 2004
Jerry Garcia and John Kahn
Pure Jerry: Marin Veterans Memorial Auditorium, San Rafael, California, February 28, 1986 – 2009
Jefferson Starship
Jefferson Starship es una banda estadounidense de rock formada en los comienzos de los años 70 por varios ex-miembros de la banda de rock psicodélico Jefferson Airplane. La banda ha pasado por muchos cambios en su formación y géneros musicales a través de los años. La formación actual, liderada por su co-fundador Paul Kantner, se encuentra en un estilo mucho más cercano al que tuvieran en sus comienzos, entre el rock psicodélico y electro folk y no en el que les diera reconocimiento mundial en los años 80, orientado al pop rock más comercial. No debe confundirse a Jefferson Starship con Starship, una banda derivada de esta, liderada por el también ex-cantante de Jefferson Starship, Mickey Thomas, cuyo estilo si es más frecuentemente identificado como aquel pop rock de los 80 de Jefferson Starship.
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En comienzos de los 70s, durante un período de transición en que Jefferson Airplane estaba en proceso de deshacer su formación, su guitarrista-cantante Paul Kantner, graba el disco Blows Against the Empire, un álbum conceptual, presentando una reunión de músicos conformada por Kantner, Grace Slick, Joey Covington y Jack Casady de Jefferson Airplane; Crosby & Nash; y miembros de Grateful Dead y Santana. Kantner da a la formación el nombre de Paul Kantner/Jefferson Starship, siendo esta la primera aparición del nombre Starship.
Luego de la completa disolución de Jefferson Airplane entre 1972 y 1973, en 1974, Kantner forma Jefferson Starship junto con Grace Slick y David Freiberg (otros ex-miembros de Jefferson Airplane), sumando otros músicos que habían tocado previamente con ellos como John Barbata, Papa John Creach, Peter Kaukonen (reemplazado luego de la primera gira en 1974 por Pete Sears), Craig Chaquico y Marty Balin.
Esta alineación de la banda probó ser la más exitosa comercialmente. El disco de 1975 Red Octopus, alcanzó el status de múltiple platino por sus ventas y llegó a ubicarse en la posición número 1 del ranking de la revista Billboard. En 1978, Marty Balin abandona la banda, dejando a Kantner y compañía sin una primera voz, es entonces cuando se une a la banda quien sería su nuevo cantante principal, Mickey Thomas.
Discografía
Dragon Fly (1974)
Red Octopus (1975)
Spitfire (1976)
Earth (1978)
Freedom at Point Zero (1979)
Modern Times (1981)
Winds of Change (1982)
Nuclear Furniture (1984)
Windows of Heaven (1998)
Jefferson’s Tree of Liberty (2008)
Extracto de Wikipedia
Jefferson Airplane
Jefferson Airplane fue una banda estadounidense de rock surgida en la ciudad de San Francisco (California), pionera del movimiento psicodélico influenciado por el LSD. Fue una de las primeras bandas de la escena de San Francisco en gozar de éxito comercial y crítico.
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A fines del decenio de la década de los 60, Jefferson Airplane era una de las bandas mejor pagadas de todo Estados Unidos. Sus discos fueron internacionalmente exitosos y se vendieron en gran cantidad, y tuvieron dos hits en el Top 10 estadounidense más una seguidilla de álbumes que se ubicaron en el Top 20. Su disco de 1967, Surrealistic Pillow, sigue siendo considerado como una de las principales obras del llamado “Verano del Amor”, y trajo el reconocimiento internacional del grupo (así como dos hits, “Somebody to Love” y “White Rabbit”).
Las bandas sucesoras a Jefferson Airplane incluyen a Jefferson Starship y Starship, y bandas paralelas Hot Tuna (formada por Jorma Kaukonen y Jack Casady) y KBC Band (formada por Paul Kantner, Marty Balin y Jack Casady).
Jefferson Airplane fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame en 1996.
Jefferson Airplane se formó en San Francisco durante el verano de 1965, surgiendo de la Bahía de San Francisco durante el auge de la música Folk. A pesar de que la banda fue considerada como un grupo de San Francisco, Paul Kantner era el único nativo de dicha ciudad.
El fundador del grupo fue el vocalista de 23 años Marty Balin, quién había establecido una pequeña carrera como cantante pop en los primeros años sesenta y había hecho varias grabaciones bajo su propio nombre. Graba (sin éxito) para Challenge Records en 1962 y siendo miembro de un grupo Folk llamado The Town Criers. Con los Beatles dirigiendo la llamada Invasión Británica de 1964, Balin se inspiró en la fusión de música Folk con Rock a principios de 1965, encabezada por el éxito de The Byrds y Simon & Garfunkel, decidiendo formar un grupo para tocar un estilo híbrido, y también abrir un club, The Matrix, para tocar allí.
Balin conoció al músico de folk Paul Kantner en otro club local, The Drinking Gourd. Kantner había comenzado a tocar en el Área de la Bahía en el popular circuito de principios del decenio de 1960, junto a compañeros como Jerry García, David Crosby y Janis Joplin. Kantner ha citado a los grupos Folk, The Kingston Trio and The Weavers como tempranas influencias. Brevemente se trasladó a Los Ángeles, California, en 1964 para trabajar en un dúo como futuro miembro de Airplane/Starship, David Freiberg (que posteriormente se sumaría a Quicksilver Messenger Service).
Luego de contratar a Kartner, ambos y con un conjunto de músicos seleccionados, conformaron la banda local del club Matrix. Balin, luego de oír a la vocalista femenina Signe Toly Anderson en el Drinking Gourd, la invitó a formar parte del grupo como segunda cantante y co-líder. Anderson estuvo con la banda durante un año, y formó parte en el álbum debut, pero salió del grupo en octubre de 1966 tras el nacimiento de su primer hijo.
Kantner contrató a un viejo amigo, el guitarrista de blues Jorma Kaukonen. Originalmente de Washington, Kaukonen se había trasladado a California en la década de 1960 y se había reunido con Kantner en la Universidad de Santa Clara en 1962. Kaukonen fue invitado a una jam session con la nueva banda, y aunque inicialmente fue reacio a unirse, aceptó después de tocar en su guitarra a través de un dispositivo de cinta en que la demora era parte del sistema de sonido utilizado por Ken Kesey en sus fiestas ácidas. El baterista Jerry Peloquin y el bajista acústico, Bob Harvey, completaron la alineación original.
El origen del nombre del grupo es a menudo controvertido. “Jefferson Airplane” es, en la jerga, el papel usado para la marihuana que se ha fumado demasiado como para agarrarlo sin quemarse las manos. Una leyenda urbana reclama que ese fue el origen del nombre de la banda, pero de acuerdo al miembro de la banda, Jorma Kaukonen, el nombre fue inventado por su amigo Steve Talbot como una parodia de los nombres típicos del blues como Blind Lemon Jefferson.
Discografía
1966: Jefferson Airplane Takes Off
1967: Surrealistic Pillow
1967: After Bathing at Baxter’s
1968: Crown of Creation
1969: Bless Its Pointed Little Head (en vivo)
1969: Volunteers
1970: The Worst of Jefferson Airplane (recopilatorio)
1971: Bark
1972: Long John Silver
1973: Thirty Seconds Over Winterland (en vivo)
1974: Early Flight (recopilatorio)
1989: Jefferson Airplane
Extracto de Wikipedia
Janis Joplin
Janis Lyn Joplin (Port Arthur, 19 de enero de 1943-Los Ángeles, 4 de octubre de 1970) fue una cantante estadounidense de rock y blues conocida por su poderosa voz y la gran intensidad de su interpretación.1?Fue una de las estrellas de rock más grandes de su época. Tras publicar tres álbumes, murió de una sobredosis de heroína a la edad de 27 años. Un cuarto álbum, Pearl, fue publicado en enero de 1971, tres meses después de su muerte. Este álbum alcanzó el número uno en las listas de Billboard.
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En 1967, Joplin saltó a la fama durante una presentación en el Monterey Pop Festival, donde fue la cantante principal de la entonces poco conocida banda de rock psicodélico de San Francisco, Big Brother and The Holding Company. Después de lanzar dos álbumes con la banda, dejó Big Brother para continuar como solista con sus propios grupos de apoyo, primero Kozmic Blues Band y luego Full Tilt Boogie Band. Apareció en el festival de Woodstock y en el recorrido del tren Festival Express. Cinco singles de Joplin fueron a Billboard Hot 100, incluyendo una versión de la canción “Me and Bobby McGee”, que alcanzó el número 1 en marzo de 1971. Sus canciones más populares incluyen sus versiones de “Piece of My Heart” (con “Big Brother and The Holding Company”), “Cry Baby”, “Down on Me”, “Ball ‘n’ Chain” y “Summertime”; y su canción original “Mercedes Benz”, su grabación final.
Janis fue un símbolo femenino de la contracultura de la década de 1960 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del rock and roll. En 1995 entró en el Salón de la Fama del Rock y en 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas de todos los tiempos;? mientras que en 2008 la ubicó en el puesto 28 de los mejores cantantes de todos los tiempos. En 2013 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.4? En 1999, fue elegida como la tercera mejor artista femenina del rock en la lista 100 Greatest Women in Rock realizada por VH1. Fue admitida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995. Audiencias y críticos por igual se refirieron a su presencia escénica como “eléctrica”.
Janis Joplin sigue siendo uno de los músicos más vendidos en los Estados Unidos, contando con certificaciones de la Asociación de la Industria de la Grabación de América por 15,5 millones de álbumes vendidos tan solo en los Estados Unidos.
Álbumes de estudio
Big Brother and the Holding Company
Big Brother & the Holding Company (1967)
Cheap Thrills (1968)
Kozmic Blues Band
I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama! (1969)
Full Tilt Boogie
Pearl (1971)
Álbumes en directo
In Concert (1972)
Live in Amsterdam (1974)
Live in Honolulu (1975)
Live at Winterland ’68 (1998)
Live at Woodstock: August 19, 1969 (1999)
The Woodstock Experience (2009)
Live at the Carousel Ballroom 1968 (2012)
Álbumes recopilatorios
Janis Joplin’s Greatest Hits (1973)
Janis (1975)
Wicked Woman (1976)
Anthology (1980)
Farewell Song (1982)
Janis (1993)
This is Janis Joplin (1995)
18 Essential Songs (1995)
The Collection (1995)
Box of Pearls (1999)
Rare Pearls (1999)
Super Hits (2000)
Love, Janis (2001)
Essential Janis Joplin (2003)
Very Best of Janis Joplin (2003)
The Lost Tapes (2008)
The Woodstock Experience (2009)
Playlist: The Very Best of Janis Joplin (2010)
Move Over! (2011)
Blow All My Blues Away (2012)
The Pearl Sessions (2012)
James Taylor
James Vernon Taylor (12 de marzo de 1948, Boston, Massachusetts) es un cantautor y guitarrista estadounidense, ganador de cinco Premios Grammy.
Su primer éxito fue el sencillo «Fire and Rain» de su segundo álbum Sweet Baby James (1970), disco que ocupa el puesto 103 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. El año siguiente, su versión de la canción de su amiga Carole King, «You’ve Got a Friend», alcanzó el puesto número 1.
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Su álbum recopilatorio, Greatest Hits, de 1976, fue certificado disco Diamante por la RIAA, con doce millones de copias vendidas solo en los Estados Unidos.
Nacido en Boston, Massachusetts, pasó su infancia en Chapel Hill, Carolina del Norte. La carrera de Taylor comenzó a mediados de los años sesenta, pero encontró su público a inicios de los setenta cantando canciones acústicas suaves y sensibles. Taylor formó parte de una ola de cantautores suaves que incluye a Carole King, Joni Mitchell, John Denver, Jackson Browne y Carly Simon, con quien se casó más tarde. Fue precisamente el éxito comercial de Taylor que abrió el camino para toda esta generación de cantautores.
Como músico, ha participado en numerosas grabaciones como guitarrista acústico y vocalista ya incluso antes de ascender a la fama, como en el caso del LP Tapestry, de Carole King. Su particular estilo Fingerpicking, unido a sus constantes Hammer-on y pull-off de las cuerdas prima (Mi) y segunda (Si), al tiempo que acordes abiertos abundantes de cuartas suspendidas ha sido un referente de los guitarristas acústicos desde los años 70. Admirado como músico, se ha rodeado tanto en grabaciones como en giras siempre de grandes figuras como Larry Goldings, Steve Gadd, Danny Kortchmar, Michael Brecker, Michael Landau, David Sanborn, Arnold McCuller y muchos otros. Desde el 17 de diciembre de 2010 inició desde su web site oficial unas clases de guitarra para mostrar su técnica al gran público, siendo el primero que ha perfeccionado dichas grabaciones con una cámara dentro y fuera de la guitarra simultáneas, que muestran tanto la digitación de la mano izquierda como la derecha, con total exactitud.
Su primer álbum, James Taylor (1968), fue el primer álbum publicado por el sello discográfico de The Beatles, Apple Records, y contó con la colaboración de George Harrison y Paul McCartney, aunque solo McCartney figura en los créditos.
Discografía
James Taylor (1968) (Apple)
Sweet Baby James (1970) (Warner Bros.)
James Taylor and the Original Flying Machine (1971) — grabado en 1966–1967
Mud Slide Slim and the Blue Horizon (1971) (Warner Bros.)
One Man Dog (1972) (Warner Bros.)
Walking Man (1974) (Warner Bros.)
Gorilla (1975) (Warner Bros.)
In the Pocket (1976) (Warner Bros.)
Greatest Hits (1976) (Warner Bros.)
JT (1977) (Columbia)
Flag (1979) (Columbia)
Dad Loves His Work (1981) (Columbia)
That’s Why I’m Here (1985) (Columbia)
Never Die Young (1988)
New Moon Shine (1991)
(LIVE) (1993)
(Best LIVE) (1994)
Hourglass (1997)
Greatest Hits Volume 2 (2000)
October Road (2002)
The Best of James Taylor (2003)
James Taylor: A Christmas Album (2004)
One Man Band (2007)
Covers (2008)
Other Covers (2009)
Carole King and James Taylor: Live at the Troubadour (2010)
Before this world (2015)
James Brown
James Joseph Brown (Barnwell, Carolina del Sur, 3 de mayo de 1933 – Atlanta, Georgia, 25 de diciembre de 2006) fue un cantante de soul, funk y rock estadounidense, considerado el padrino del soul.
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La Revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto séptimo (7º) de su listado de Los 100 Grandes Artistas de todos los tiempos.
Nació el 3 de mayo de 1933 en una granja en Barnwell, Carolina del Sur, en el seno de una familia pobre de un barrio marginal. Esto lo obligó a desempeñar desde la adolescencia (15 años) todo tipo de trabajos. Abandonado por su madre, Brown creció con su padre, un trabajador itinerante, hasta que terminó en Augusta, (Georgia), donde una tía regentaba una fonda que también funcionaba como timba y prostíbulo. Con apenas educación, el niño Brown procuró ganarse la vida limpiando zapatos, recogiendo algodón y robando piezas de coches. En 1949, antes de cumplir los veinte años ya había sido detenido por robar trajes de vestir desde vehículos estacionados y fue condenado por eso a cumplir entre 8 y 16 años de cárcel (según él, todavía era un menor, pero lo encerraron y lo juzgaron cuando llegó a la edad penal). Fue un buen preso y, tras tres años y un día, fue puesto en libertad y estuvo más de tres años en un reformatorio. Fue entonces cuando lo acogió la familia de Bobby Byrd, el cantante que lo lanzó al estrellato. Compartieron escenarios en el grupo The Famous Flames.
Álbumes significativos
Cuatro de los álbumes de James Brown aparecieron en la lista de la revista Rolling Stone de 2003 “los 500 mejores álbumes de todos los tiempos”:
Live at the Apollo (1963) (#24)
In the Jungle Groove (1986) (#330)
Star Time (1991) (#79)
20 All-Time Greatest Hits! (1991) (#414)
Adicionalmente, el doble álbum de 1970 de Brown, Sex Machine, apareció clasificado en el puesto 96 en una encuesta de 2005 del canal británico Channel 4 que determinaba los 100 mejores discos de todos los tiempos.6? Otros álbumes notables incluyen significativas apariciones del grupo The J.B.’s y han servido de fuente para buena cantidad de samples para artistas musicales posteriores, como:
Get on the Good Foot (1972)
The Payback (1974)
Hell (1974)
El disco de 1968 Live at the Apollo, Vol. II tuvo gran influencia en su época. Este álbum se mantiene como un ejemplo del tipo de actuación energética habitual de Brown.
Jakob Dylan
Jakob Dylan (Nueva York, 9 de diciembre de 1969) es un músico estadounidense, más conocido por ser el vocalista líder y escritor de la banda de rock The Wallflowers y actualmente por colaborar con Overflow Crowds Band. Es el hijo menor del cantautor Bob Dylan y Sara Lownds.
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Jakob Luke Dylan es el menor de los cuatro hijos de Bob Dylan y Sara Dylan. Se casó con su amor de la infancia Nicole Paige Denny (conocida como la actriz Paige Dylan) en una ceremonia en casa de su madre Sara en 1992. Jakob y su familia residen en Los Ángeles. Es padre de cuatro hijos: Levi, nacido en 1994, James en 1998, un tercero en 2000 y un cuarto en 2007. Jakob es muy reservado sobre su familia al punto de que hay muy pocas fotografías de sus hijos o esposa.
Jackson Browne
Clyde Jackson Browne (Heidelberg, Alemania, 9 de octubre de 1948) es un cantautor y músico estadounidense que ha vendido más de 18 millones de discos solamente en EE.UU.
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Saltó a la fama en los años setenta. Browne ha escrito y grabado canciones como These Days, The Pretender, Running on Empty, For Everyman, Lawyers in Love, I’m Alive, Somebody’s Baby, Take it Easy y Sky Blue and Black. En 2004 se le nombró miembro del Rock and Roll Hall of Fame en Cleveland, Ohio, y también fue nombrado Doctor Honorario de Música por el Occidental College de Los Ángeles, California.
Discografía
Saturate Before Using (1972) (Asylum)
For Everyman (1973) (Asylum)
Late For The Sky (1974) (Asylum)
The Pretender (1976) (Asylum)
Running On Empty (1977) (Asylum)
Hold Out (1980) (Asylum)
Lawyers In Love (1983) (Asylum)
Lives In The Balance (1986) (Asylum)
World In Motion (1989) (Elektra)
I’m Alive (1993) (Elektra)
Looking East (1996) (Wea)
The Next Voice You Hear, The Best Of Jackson Browne (1997) (Wea) (Recopilatorio con un tema inédito)
Naked Ride Home (2002) (Wea)
Time the Conqueror (2008) (Inside Recordings)
Standing In The Breach (2014)
Jackson 5 – The
The Jackson 5 (o simplemente J5), también llamados al principio The Jackson Brothers, y posteriormente The Jacksons, es un grupo musical estadounidense formado por cinco hermanos varones afroamericanos, en Gary, Indiana, fundado y bautizado por la casa discográfica Motown. El grupo, en actividad desde 1968 hasta mediados del 1975, desarrolló un repertorio basado en los estilos R&B, pop, soul, funk, pop rock y posteriormente disco. Considerados «uno de los más grandes fenómenos de la música popular» a principios de la década de 1970, Jackson 5 destacaron por la notable voz de sus principales vocalistas, Michael Jackson y Jermaine Jackson.
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The Jackson 5 se componía de los cinco hijos mayores de Katherine y Joseph Jackson: Jackie, Tito, Jermaine, Marlon y Michael. Joseph Jackson fundó la banda en 1962 y asumió la tarea de ser su representante, incluyendo a Jackie, Tito, Jermaine y sus jóvenes amigos Reynaud Jones y Milton Hite en la formación inicial, antes de asumir su línea original posterior de banda familiar. Un año después, Michael y Marlon ingresaron a la banda, y Michael asumió la voz principal.
The Jackson 5 fueron una de las bandas más populares de su época y, en su debut discográfico, consiguieron que sus primeros cuatro sencillos (“I Want You Back”, “ABC”, “The Love You Save”, y “I’ll Be There”), llegaran al tope de las clasificaciones estadounidenses. Varios sencillos lanzados posteriormente, entre ellos “Mama’s Pearl”, “Never Can Say Goodbye” y “Dancing Machine”, consiguieron llegar al Top 5 del pop y al Número 1 en las clasificaciones de R&B. La mayoría de sus primeros éxitos fueron escritos y producidos por el equipo de compositores especializados de Motown, conocidos como The Corporation. Posteriormente, los éxitos de The Jackson 5 fueron realizados principalmente por Hal Davis.
Álbumes de estudio
Jackson 5 (Motown)
Diana Ross Presents The Jackson 5 (1969)
ABC (1970)
Third Album (1970)
The Jackson 5 Christmas Album (1970)
Greatest Hits (1971)
Maybe Tomorrow (1971)
Goin’ Back To Indiana (1971)
Lookin’ Through The Windows (1972)
Skywriter (1973)
Get It Together (1973)
Dancing Machine (1974)
Moving Violation (1975)
The Jacksons (CBS)
The Jacksons (1976)
Goin’ Places (1977)
Destiny (1978), producido por Bobby Colomby
Triumph (1980)
Live (1981)
Victory (1984)
2300 Jackson Street (1989)
Extracto de Wikipedia
Jack Casady
John William “Jack” Casady (Washington, 13 de abril de 1944) es un músico estadounidense, popular especialmente por su trabajo con la agrupación Jefferson Airplane. Inició su carrera en una banda de blues llamada “The Triumphs”. Se unió a Jefferson Airplane cuando el guitarrista Jorma Kaukonen lo invitó a audicionar para la banda en septiembre de 1965. Casady, junto al resto de músicos de Jefferson Airplane, fue presentado en el Rock and Roll Hall of Fame en 1996.
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También hizo parte de la agrupación Hot Tuna, junto al mencionado guitarrista Jorma Kaukonen.
J. J. Cale
John Weldon Cale (Oklahoma City, 5 de diciembre de 1938 – La Jolla, California, 26 de julio de 2013), más conocido como JJ Cale o J.J. Cale, fue un músico y compositor estadounidense y uno de los fundadores del sonido Tulsa, un género musical con influencias del blues, del rockabilly, del country y del jazz. El estilo personal de Cale ha sido descrito a menudo como «relajado» (laid back) y sus canciones han sido ampliamente versionadas por artistas como Eric Clapton, Phish, Jerry García, Waylon Jennings, Lynyrd Skynyrd, John Mayer y Bobby Bare.
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Cale nació el 5 de diciembre de 1938 en Oklahoma City. Creció en Tulsa, Oklahoma y se graduó en la escuela secundaria en 1956. Junto a otros músicos jóvenes de Tulsa, Cale se trasladó a Los Ángeles a comienzos de la década de 1960, donde comenzó a trabajar como ingeniero de sonido en diferentes estudios. Debido a su poco éxito como artista, regresó a Tulsa y consideró abandonar la industria musical hasta que Eric Clapton ejecutó una nueva versión de «After Midnight» en 1970. Su primer álbum, Naturally, estableció su propio estilo musical, descrito por Richard Cromelin en Los Angeles Times como «un híbrido único de blues, folk y jazz, marcado por surcos relajados, la guitarra fluida de Cale y una voz lacónica. Su uso temprano de cajas de ritmos y su mezcla poco convencional dio una calidad distintiva y atemporal a su trabajo y lo situó aparte del paquete del purismo musical de las raíces del americana». En 2013, Neil Young comentó que de todos los músicos que había escuchado, Cale era, junto a Jimi Hendrix, el mejor guitarrista eléctrico.
Algunas fuentes citan incorrectamente su nombre real como Jean-Jacques Cale. En el documental To Tulsa and Back: On Tour with J.J. Cale, el músico habló sobre Elmer Valentine, copropietario de la discoteca Whisky a Go Go de Sunset Strip, quien lo contrató a mediados de la década de 1960 y fue el responsable del acrónimo JJ para evitar confusión con John Cale, miembro de Velvet Underground.
Su mayor éxito en los Estados Unidos, “Crazy Mama”, alcanzó el puesto 22 en la lista Billboard Hot 100 en 1972. En el documental To Tulsa and Back, Cale relató que recibió una oportunidad para aparecer en el programa American Bandstand para promocionar la canción. Cale declinó la oferta cuando supo que no podía llevar a su grupo y que tenía que cantar en playback.
Cale también fue conocido por su rechazo y aversión al estrellato, a las giras largas, y a las grabaciones periódicas. Fue un artista de culto para los músicos, y relativamente desconocido para el público durante los últimos 35 años.
El lanzamiento de su álbum To Tulsa and Back en 2004, así como la aparición en el Festival Crossroads de Eric Clapton en 2006 y el estreno del documental To Tulsa and Back: On Tour with J.J. Cale, acercaron su discografía a un nuevo público, más joven y más amplio. Además, esta publicidad siguió hasta finales de 2006, cuando publicó un álbum en colaboración con Clapton, The Road to Escondido, que ganó el Grammy al mejor álbum contemporáneo de blues en la 50ª edición de los premios en 2008.
El 26 de julio de 2013, Cale falleció en el Scripps Hospital de La Jolla, California a consecuencia de un ataque al corazón.
En agosto de 2018 se anunció el lanzamiento de Stay Around, un álbum póstumo con material inédito mezclado y producido por el propio Cale, finalmente publicado en abril de 2019. El primer sencillo, “Chasing You”, fue estrenado el 31 de enero de 2019.
Discografía
Sencillos
1958: “Shock Hop”/”Sneaky” (como Johnny Cale)
1960: “Troubles, Troubles”/”Purple Onion” (como Johnny Cale Quintet)
1961: “Ain’t That Lovin You Baby”/”She’s My Desire” (como Johnny Cale Quintet)
1965: “It’s A Go Go Place”/”Dick Tracy”
1966: “In Our Time”/”Outside Looking In”
1966: “After Midnight”/”Slow Motion”
1971: “Crazy Mama”
1972: “Lies”/”Riding Home”
1979: “Katy Kool Lady”/”Juárez Blues”
Álbumes de estudio
1972: Naturally
1973: Really
1974: Okie
1976: Troubadour
1979: 5
1981: Shades
1982: Grasshopper
1983: #8
1990: Travel-Log
1992: Number 10
1994: Closer to You
1996: Guitar Man
2004: To Tulsa and Back
2006: The Road to Escondido
2009: Roll On
2019: Stay Around
Contribuciones
1966: A Trip Down The Sunset Strip
1973: Back in ’72 – Bob Seger
2006: Uncovered – Tony Joe White
2013: Old Sock – Eric Clapton
Recopilatorios
1984: Special Edition
1997: Anyway the Wind Blows: The Anthology
1998: The Very Best of J.J. Cale
2000: Universal Masters Collection
2003: After Midnight
2006: The Definitive Collection
2006: Collected
2007: Rewind: The Unreleased Recordings
2011: The Silvertone Years
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CD1 |
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01. I put a spell on you |
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01. More and More |
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01. Back In The Saddle Personnel: |
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01. Train Kept A Rollin’ Personnel: |
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01. Dream On |
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01. I’ve Got The World On A String (2:08) |
It’s a Beautiful Day
It’s a Beatiful Day es una banda norteamericana formada en San Francisco, California, en 1967 por la vocalista Pattie Santos junto con el violinista David LaFlamme, que había sido solista en la Orquesta Sinfónica de la Utah, anteriormente había formado parte de la banda Orkustra, e inusualmente tocaba un violín de cinco cuerdas, y su mujer, Linda LaFlamme, en los teclados. Otros miembros del grupo eran Hal Wagenet (guitarra), Mitchell Holman (bajo) y Val Fuentes (batería)
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A pesar de que eran una de las más importantes bandas de San Francisco que emergieron en 1967 durante el Verano del Amor, la banda nunca consiguió el éxito de otras contemporáneas como Grateful Dead, Jefferson Airplane y Santana, con quien tuvieron conexiones. La banda creó una mezcla única de rock, jazz, folk y música clásica durante los siete años que estuvieron oficialmente juntos.
El mánager original de la banda, Matthew Katz, anteriormente había trabajado con Jefferson Airplane y Moby Grape. Los miembros de la banda no eran conscientes de que las otras dos bandas habían acabado sus relaciones empresariales con Katz con motivos para ello. Durante 1967 y comienzos del 1968, Katz impidió a la banda actuar en San Francisco, diciéndoles no estaban a punto. Reservó sus primeras actuaciones públicas a un club que controlaba en Seattle, Washington, conocido como el Encore Ballroom que Katz rebautizó como San Francisco Sound. Mientras estaban en Seattle, el grupo vivía en el ático de una casa vieja, propiedad de Katz. Mientras, escribían y ensayaban canciones nuevas.
La canción emblemática de la banda “White Bird” estaba inspirada en las experiencias de David y Linda LaFlamme mientras vivían en Seattle. En un giro irónico en el nombre de la banda, la canción triste estaba inspirada en el tiempo de invierno lluvioso de Seattle.
Álbumes de estudio
It’s a Beautiful Day (1969) US Album Chart No. 47/UK Album Chart No. 58, 1970
Marrying Maiden (1970) US Album Chart No. 28/UK Album Chart No. 45, 1970
Choice Quality Stuff/Anytime (1971) US Album Chart No. 130
It’s a Beautiful Day… Today (1973) US Album Chart No. 114
Otros álbumes
It’s a Beautiful Day at Carnegie Hall (Live) (1972)
1001 Nights (Compilation, 1974)
White Bird (Amherst Records, 1977)
Inside Out (Amherst Records, 1978)
It’s a Beautiful Day / Marrying Maiden (rerelease, 1998)
Beyond Dreams (David LaFlamme solo álbum, 2003)
David LaFlamme – Live in Seattle (2003)
David LaFlamme – Misery Loves Company (2005)
Live at the Fillmore ’68 (Classic Music Vault, 2013), with DVD The David LaFlamme Story
Singles
“Bulgaria” / “Aquarian Dream” (1968) San Francisco Sound 7
“White Bird” / “Wasted Union Blues” (1969) Columbia 44928
“Soapstone Mountain” / “Good Lovin'” (1970) Columbia 45152
“The Dolphins” / “Do You Remember the Sun” (1970) Columbia 45309
“Anytime” / “Oranges and Apples” (1972) Columbia 45536
“White Bird” (live) / “Wasted Union Blues” (live) (1973) Columbia 45788
“Ain’t That Lovin’ You Baby” / “Time” (1973) Columbia 45853
Extracto de Wikipedia
Isaac Hayes
Isaac Hayes (Covington, Tennessee, 20 de agosto de 1942 — Memphis, Tennessee, 10 de agosto de 2008) fue un compositor, cantante, actor y productor estadounidense. Fue uno de los creadores de la fuerza detrás de sello sureño de música soul Stax Records, donde trabajó como un compositor, músico de sesión y productor de discos, haciendo equipo con su compañero David Porter durante la mitad de los años 1960s. Hayes y Porter, junto con Bill Withers, the Sherman Brothers, Steve Cropper y John Fogerty fueron inducidos en el Salón de la Fama de los Compositores en el año 2005 en reconocimiento a las canciones escritas por ellos, así como el dúo Sam & Dave, Carla Thomas y otros. En el año 2002 Hayes fue incorporado al Salón de la Fama del Rock and Roll.
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La canción “Soul Man” escrita por Hayes y Porter y primero interpretada por Sam & Dave, ha sido reconocida como una de las canciones más influyentes en los pasados 50 años por el Salon de la Fama de los Grammy. También honrada por Salón de la Fama del Rock and Roll, por la revista Rolling Stone y por la Asociación Estadounidense de Grabación (RIAA) como una de las canciones del siglo. Durante los finales de los años 1960, Hayes también inició carrera como cantante. Tuvo éxito en álbumes de soul como Hot Buttered Soul (1969) y Black Moses (1971). En resumen, su trabajo en la música popular, como compositor de música para películas.
Fue muy bien conocido por su musical para la película Shaft (1971). Por el “Tema de Shaft”, fue premiado por la Academia de Oscares por la mejor canción original en 1972. Fue el tercer afroamericano, después de Sidney Poitier y Hattie McDaniel, en ganar un premio de la Academia en un campo muy competido por Acadeny of Motion Picture and Sciencias. También ganó dos Grammy ese mismo año. Más tarde recibiría su tercer Grammy por la música de su álbum Black Moses.
Su voz clara, sus largos desarrollos instrumentales y sus versiones de éxitos y clásicos le hicieron catalizador de la explosión de una nueva forma de entender el soul en los últimos los 60; autor de himnos como «Soul Man», inventor del soul sinfónico con Hot Buttered Soul (1969) y primer afroamericano en recibir un Óscar a la mejor banda sonora por la película Las noches rojas de Harlem (1971), que inauguraba el subgénero de la blaxploitation.
Seguidor de la escuela del sonido Memphis, allá por los años 70, y uno de los primeros en adentrarse en el mundo de la palabra hablada o rap.
Isaac Hayes participó en el famoso festival de Wattstax en 1972, gran concierto de música de los artistas afroamericanos más destacados en aquella época, concierto realizado en el Coliseo de Los Ángeles, en agosto de 1972. Ese festival tuvo una gran importancia dentro de la historia de la música soul, ya que estuvieron presentes otros destacados para aquella época como Rufus Thomas, entre otros. El festival fue considerado como el Woodstock de los afroamericanos. Isaac Hayes interpretó con su banda el tema de la película Shaft y la ovación fue grande. El «orgullo de ser negro»; aquello significó mucho porque Isaac Hayes una leyenda viva con ese tema tan celebrado. Eran tiempos de tensión, de segregación racial en EE. UU., por todo lo que había pasado: el asesinato de Martin Luther King, el movimiento por los derechos civiles de la población afroamericana que se hacía sentir y luchaba por su reivindicación.
Discografía
1967: Presenting Isaac Hayes
1969: Hot buttered soul
1970: The Isaac Hayes movement
1970: …To be continued
1971: Black Moses
1971: Shaft BSO
1972: Wattstax — The living world
1973: Joy
1973: Live at the Sahara Tahoe
1975: Chocolate chip
1986: The best of Isaac Hayes – Volume 1
1986: The best of Isaac Hayes – Volume 2
1988: Love attack
1993: Double feature – three tough guys & Truck Turner
1994: Wonderful
1995: Branded
1995: Raw and refined
1996: The best of Isaac Hayes – The polydor years
1998: The best of Isaac Hayes
2000: Ultimate collection
Iron Butterfly
Iron Butterfly (Mariposa de Hierro) es una banda estadounidense de rock, conocida sobre todo por su éxito de 1968 In-A-Gadda-Da-Vida (En un Jardín del Edén), que producía un sonido líder en la forma de desarrollo del hard rock y la música del heavy metal. Formado en San Diego, California, entre los miembros de la banda quienes eran “los enemigos del arco”. Su época de apogeo fueron los últimos años sesenta, pero la banda ha reaparecido varias veces con diversos miembros, pero no tienen nuevas grabaciones desde 1975. El álbum original de la banda en 1968 In-A-Gadda-Da-Vida está entre los 40 álbumes mejor vendidos de todos los tiempos con más de 30 millones de copias. Iron Butterfly es también notable por ser el primer grupo en recibir premio platino por RIAA.
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La banda fue formada en 1966 en San Diego y lanzó su primer álbum, Heavy, en 1968. Los miembros originales eran Doug Ingle, Ron Bushy, Jerry Penrod, Darryl DeLoach y Danny Weis. Todos excepto Ingle y Bushy dejaron la banda después del primer álbum.
In-A-Gadda-Da-Vida, la canción de diecisiete minutos que da nombre a su segundo álbum, se convirtió en un enorme éxito que se pasó alrededor de un año en el Top Ten. In-A-Gadda-Da-Vida fue grabada con la siguiente alineación: Doug Ingle (teclados y voz), Lee Dorman (bajo), Ron Bushy (batería) y Erick Brann (guitarra). El siguiente álbum, Ball, fue menos exitoso, y estuvo seguido por más cambios en la formación. La banda se separó en 1971. Dorman más tarde se unió al «supergrupo» Captain Beyond.
La banda fue contratada para tocar en Woodstock, pero sus integrantes se pelearon en el aeropuerto. Cuando su mánager llamo a los promotores del concierto, les explicaron la situación y respondieron que tendrían paciencia. Por lo tanto, el mánager demandó que el grupo Iron Butterfly llegaran en helicóptero, respondiendo que “inmediatamente” lo tomarían. Después de su presentación, querían regresar pagando su regreso al aeropuerto. El mánager les dijo que eso no podía ser tomado en consideración ya que el sería llamado de vuelta. De acuerdo al baterista Bushy, “Nosotros bajamos ante la Autoridad del Puerto tres veces y queríamos el helicóptero, pero el nunca lo mostró”.
La banda se volvió a formar en 1975 con Ron Bushy y Eric Brann, a los que se unieron el bajista Philip Taylor Kramer y Howard Reitzes. Kramer más tarde fue noticia con su desaparición en 1995 y el descubrimiento de sus huesos en 1999.
La famosa formación de In-A-Gadda-Da-Vida se juntó para el concierto y la celebración del cuadragésimo aniversario de la casa discográfica Atlantic, apareciendo en escena junto con los miembros sobrevivientes de Led Zeppelin, y con Aretha Franklin entre muchos otros artistas de la compañía en 1987.
El 25 de julio de 2003 Erik Brann murió por un paro cardíaco a la edad de cincuenta y dos años.
En el 2004, el grupo una vez más volvió a juntarse, y organizó una gira con los miembros tempranos Ron Bushy y Lee Dorman.
El 21 de diciembre de 2012 muere Lee Dorman, a los 70 años de edad. Fue encontrado sin vida en el interior de su vehículo.
Álbumes de estudio
Heavy, Atco #227, 22 de enero de 1968, US #78
In-A-Gadda-Da-Vida, Atco #250, 25 de julio de 1968, US #4
Ball, Atco #280, 17 de enero de 1969, US #3
Metamorphosis, Atco #339, 13 de agosto de 1970, US #16
Scorching Beauty, 1975
Sun and Steel, 1975
Álbumes en directo
Live, 1970
Fillmore East 1968, 2011
Álbumes de recopilación
Evolution: The Best of Iron Butterfly, 1971
Star Collection, 1973
Rare Flight, 1988
Light & Heavy: The Best of Iron Butterfly, 1993
EP
“Iron Butterfly Theme” b/w “Look for the Sun”, “Possession”
RADIO EP: “Iron Butterfly Theme”, “Possession” b/w “Get Out of My Life Woman”, “Unconscious Power”
“In-A-Gadda-Da-Vida”, “Flowers and Beads” b/w “My Mirage”
Sencillos
Don’t Look Down On Me b/w Possession 1968
Unconscious Power b/w Possession; Atco #6573; 3 de abril de 1968
In-A-Gadda-Da-Vida (editada 2:52) (US #30) b/w Iron Butterfly Theme (editada 3:25); Atco #6606; 31 de julio de 1968
Soul Experience (US #75) b/w In The Crowds; Atco #6647; 20 de enero de 1969
In The Time Of Our Lives (US #96) b/w It Must Be Love; Atco #6676; 11 de abril de 1969
I Can’t Help But Deceive You Little Girl b/w To Be Alone (US#118); Atco #6712; 16 de septiembre de 1969
Possession b/w Evil Temptation 1970
Easy Rider (US #66) b/w Soldier In Our Town; Atco #6782; 18 de septiembre de 1970
New Day b/w Soldier In Our Town (en Europa) 1970
Stone Believer (editada) b/w Silly Sally; Atco #6818; 16 de abril de 1971
Silly Sally b/w Talkbox Solo from Butterfly Bleu (Cara-B es la sección talkbox de la canción) (en Europa) 1971
Shady Lady b/w Best Years Of Our Lives (en Europa)
Pearly Gates (editada) b/w Searchin’ Circles (editada)
Beyond The Milky Way b/w Get It Out
I’m Right I’m Wrong (editada 3:50) b/w Free (sólo existen copias para promoción)
In-A-Gadda-Da-Vida (editada 2:52) b/w Soul Experience (relanzamiento de Atlantic Oldies)
Ike & Tina Turner
Ike & Tina Turner fue un dúo musical americano compuesto por el matrimonio Ike y Tina Turner. El dúo comenzó como un acto de separación entre Ike Turner y los Kings of Rhythm antes de que el nombre cambiase al de Ike & Tina Turner Revue. El dúo fue una vez considerado “uno de los mejores, más duradero, y potencialmente más explosivo de todos los conjuntos R & B”.
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Sus primeras obras, incluyendo “A Fool in Love”,”It’s Gonna Work Out Fine”,”I Idolize You” y “River Deep – Mountain High” se convirtieron en referentes importantes en el desarrollo de la música Soul, mientras que sus últimos trabajos fueron conocidos por sus salvajes interpretaciones de arreglos de clásicos del Rock como “I Want to Take You Higher” y “Proud Mary”, esta última les haría ganar un premio Grammy. También son conocidos por sus obscenas actuaciones en vivo, que fueron sólo comparables a la de James Brown y The Famous Flames en términos de espectáculo musical.
El dúo fue incluido en el Rock & Roll Hall of Fame en 1991.
Discografia
1961 “The Soul of Ike & Tina Turner”
1962 “Dance with Ike & Tina Turner’s Kings of Rhythm”
1963 “Don’t Play Me Cheap”
1963 “Dynamite!”
1963 “It’s Gonna Work Out Fine”
1963 “Please Please Please”
1965 “Ooh Poo Pah Doo”
1966 “River Deep – Mountain High”
1966 “Ike & Tina Turner and the Raelettes”
1968 “Outta Season”
1969 “In Person”
1969 “Fantasic”
1969 “Get It Together”
1969 “Her Man, His Woman”
1969 “The Hunter”
1970 “Come Together”
1971 “Workin’ Together”
1971 “Nuff Said”
1971 “Something’s Got a Hold on Me”
1972 “Feel Good”
1972 “Let Me Touch Your Mind”
1973 “Nutbush City Limits”
1974 “Strange Fruit”
1974 “Sweet Rhode Island Red”
1974 “The Gospel According to Ike and Tina”
1974 “The Great Album”
1977 “Delilah’s Power”
1978 “Airwaves”
1980 “The Edge”
Extracto de Wikipedia
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01. Been So Long (Live) (5:02) |
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1 Angel Of Darkness |
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01. Hesitation Blues 5.05 |
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DISC 1: |
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01. Whinin’ Boy Blues (5:07) Personnel |
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01. Hesitation Blues (05:02) The Band |
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01. Winin’ Boy Blues (06:33) The Band |
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01. Winin’ Boy Blues (06:33) The Band |
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01. Winin’ Boy Blues (06:33) The Band |
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01. Santa Claus Retreat (04:09) The Band |
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01. Santa Claus Retreat (04:09) The Band |
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01. Santa Claus Retreat (04:09) The Band |
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01. Baby What You Want Me To Do (06:42) The Band |
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01. Baby What You Want Me To Do (06:42) The Band |
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01. Sleep Song (04:27) The Band |
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01. Sleep Song (04:27) The Band |
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01. Sleep Song (04:27) The Band |
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01. I See the Light (1998 Remastered Version) The Band |
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01. I See The Light (04:19) The Band |