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01. 5-4-3-2-1 LINE UP: |
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01. Why Should We Not – 3:03 Personnel |
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01. Up the Junction (4:36) |
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1. The Abominable Snowmann (2:47) |
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01 Pretty Flamingo 2:33 |
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Mono |
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Stereo |
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Mono |
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01. Do Wah Diddy Diddy – 02:23 Personnel |
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1. Do Wah Diddy Diddy (2:24) |
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1. Sha La La (Mono) (2:33) |
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1. Smokestack Lightning (Mono) (3:31) The Band |
Manfred Mann
Manfred Mann es el nombre artístico de Manfred Lubowitz, músico de rock nacido el 21 de octubre de 1940 en Johannesburgo, Sudáfrica.
Estudió música en la Universidad de Witwatersrand, comenzando como teclista de jazz en su país natal, y continuando en Inglaterra, donde se radicó en 1961, compaginando la actuación con su actividad como profesor y redactor de artículos, los cuales firmaba bajo el seudónimo de Manfred Manne. De ahí derivaría poco después el nombre Manfred Mann.
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Del jazz pasará al rhythm & blues. En 1962 forma la banda Mann Hugg Blues Brothers, que en 1963 pasó a denominarse Manfred Mann. En 1969 el grupo da un giro hacia el jazz experimental y cambia su nombre por Manfred Mann Chapter Three y, solo un año después, se convierte en Manfred Mann’s Earth Band, fusionando su evolución musical hacia el entonces naciente rock progresivo con un alto peso específico de sintetizador, traspasando el milenio hasta nuestros días.
Discografía
The Five Faces of Manfred Mann (1964)
Mann Made (1965)
As Is (1966)
Manfred Mann Go Up the Junction, banda sonora de la película “Up the Junction” (1968)
What a Mann (1968)
Mighty Garvey! (1968)
Manfred Mann Chapter Three
Manfred Mann Chapter Three (1969), reeditado en países de habla española en 1971 como Dama Viajera
Manfred Mann Chapter Three Vol. 2 (1970)
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1 Justicia, Tierra Y Libertad 5:18 |
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1 No Ha Parado De Llover 6:40 |
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| 1999
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CD1 |
| 1999
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1 California Dreamin’ 2:40 |
| 1999
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1 Monday, Monday |
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| 1999
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1 California Dreamin’ |
| 1999
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CD1: |
| 1999
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1 Dedicated To The One I Love 3:01 |
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1 California Dreamin’ |
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1 California Dreamin’ 2:43 |
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1 –The Mamas & The Papas Monday Monday 3:20 |
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01. California Dreamin’ – 02:40 |
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01. California Dreamin’ 2.41 |
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1 –The Mamas & The Papas California Dreamin’ 2:41 |
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1 –The Mamas & The Papas California Dreamin’ 2:41 |
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1 Hey Girl 2:25 |
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1 Dancing In The Street 3:46 |
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CD 1 |
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CD 1 |
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1. People Like (3:27) The Band |
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01. People Like Us [0:03:27.40] |
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01 – (Intro) Straight Shooter 4.19 |
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1. Straight Shooter (4:18) The Band |
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01. Dedicated To The One I Love (3:01) |
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1. The Right Somebody To Love (0:4 The Band |
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1 Right Somebody to Love 0.40 |
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01 – Searchin. 3:02 |
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1 Dedicated To The One I Love 2:56 |
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1. Dedicated To The One I Love (2:59) The Band |
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01 – Dedicated To The One I Love. 3:00 |
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1. No Salt On Her Tail (2:46) The Band |
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1. No Salt On Her Tail (2:46) |
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1. Monday, Monday (3:29) The Band |
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1. Monday, Monday (3:29) |
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1. Monday, Monday (3:29) |
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01. Dream a Little Dream of Me 3.23 |
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A1 It’s Getting Better 2:59 |
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01-I’ll be home 3.40 |
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01 – Dream A Little Dream Of Me 3:15 |
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01. Birds Of Fire – 05:50 |
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01 – Meeting Of The Spirits Musicians: |
Muse
Muse es una banda británica de rock formada en 1994 en Inglaterra. Desde su formación en la década de los 90, sus integrantes son: Matt Bellamy (compositor, voz, guitarra, teclados); Dominic Howard (batería, percusión); y Christopher Wolstenholme (bajo eléctrico, teclados, coros).
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Tras el lanzamiento de Black Holes and Revelations, Morgan Nicholls comenzó a colaborar con la banda durante las presentaciones en vivo, haciéndose cargo de teclados, samples, de algunos coros, rara vez del bajo y últimamente de la segunda guitarra. La banda es conocida por sus extravagantes espectáculos en vivo, por fusionar géneros musicales como el rock alternativo, rock espacial, rock progresivo, rock sinfónico y electrónica,? además por los atípicos intereses de Bellamy en la conspiración global, la revolución, la astrofísica, vida extraterrestre, pensamientos humanos y la idea de un fin del mundo simbólico; temas que se ven reflejados en sus letras.
Muse ha lanzado ocho álbumes de estudio: Showbiz (1999), Origin of Symmetry (2001). Absolution (2003), Black Holes and Revelations (2006), The Resistance (2009), The 2nd Law (2012), Drones (2015) y Simulation Theory (2018). También han publicado tres álbumes en vivo: Hullabaloo Soundtrack (2002), el cual también contiene una compilación de lados B; HAARP (2008), que documenta las presentaciones de la banda en el Estadio de Wembley en 2007; y Live at Rome Olympic Stadium (2013), una presentación de la banda ante más de 60 000 personas en Italia.
Black Holes and Revelations le otorgó a Muse una nominación al Mercury Prize y un tercer lugar en la lista de sus mejores álbumes del año según la revista NME en 2006. Muse también ganó diversos premios a lo largo de su carrera, incluyendo cinco MTV Europe Music Awards, seis Q Awards, ocho NME Awards, dos Brit Awards (premio a la «mejor actuación británica en vivo» dos veces), un MTV Video Music Award, cuatro Kerrang! Awards y un American Music Award. También fueron nominados para cinco Premios Grammy, donde ganaron en la categoría mejor álbum de rock en 2011, por su quinto álbum de estudio The Resistance (2009), siendo también ganadores del mismo premio por Drones en el 2015. Para junio de 2016 han vendido más de 20 millones de álbumes en todo el mundo.
Los miembros de Muse se desempeñaron en diferentes bandas durante su estancia en Teignmouth Community College y Coombeshead College a principios de 1990. Matt Bellamy tocaba en una banda llamada Carnage Mayhem y Dominic Howard en Gothic Plague. Ambos asistían al mismo colegio y se hicieron amigos. Para diciembre de 1992, Bellamy abandonó su banda por pensar que «no era tan cool como la de Dominic», al mismo tiempo, Howard le pidió reemplazar al guitarrista que había abandonado. Tiempo después y tras varios cambios en la banda (la salida del vocalista y otros miembros) le pidieron a Christopher Wolstenholme que aprendiera a tocar el bajo para unírseles. Wolstenholme estuvo de acuerdo y tomó lecciones.
En 1994, el grupo, bajo el nombre Rocket Baby Dolls y con una imagen goth/glam, ganó una batalla de bandas locales, destrozando a sus equipos en el proceso. «Se suponía que iba a ser una protesta, una declaración», dijo Bellamy, «así que, cuando realmente ganamos, fue una verdadera sorpresa. Una enorme conmoción. Después de eso comenzamos a tomarnos en serio a nosotros mismos». Poco después, los tres decidieron renunciar a la universidad, dejar sus puestos de trabajo, cambiaron el nombre de la banda a Muse (1994-1995), y alejarse de Teignmouth.
Álbumes de estudio
1999: Showbiz
2001: Origin of Symmetry
2003: Absolution
2006: Black Holes and Revelations
2009: The Resistance
2012: The 2nd Law
2015: Drones
2018: Simulation Theory
Mr. Mister
Mr. Mister fue una banda estadounidense de estilo pop rock y soft rock, formada en Phoenix, Arizona, en el año 1982. Firmaron contrato en el año 1984, con RCA Records. Sus mayores éxitos fueron las baladas «Broken Wings», «Kyrie» e «Is It Love», todas del año 1985. La banda estaba compuesta por Richard Page en la voz principal y bajo, Steve George en teclados / coros, Pat Mastelotto en batería acústica y electrónica / percusión y Steve Farris en guitarras / coros. Mr. Mister fue el sucesor de la banda Pages, liderada por Page y George de 1978 a 1981.
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El nombre de la banda proviene de una broma sobre el álbum de Weather Report Mr. Gone, en el que se referían entre ellos como “Mister This” o “Mister That”, y finalmente seleccionaron “Mr. Mister”.
El jueves 18 de febrero de 1988, durante la emisión del XXIX Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar en Chile, el bajista y vocalista del grupo, Richard Page, leyó una declaración a favor de los artistas amenazados, perseguidos y castigados por la dictadura militar chilena, lo que produjo que se cortara la emisión televisiva de su show generando la incredulidad tanto de sus seguidores como del público en general.
Álbumes
1984 – I Wear the Face
1985 – Welcome to the Real World
1987 – Go On…
1990 – Pull – (grabado en 1989)
Compilaciones
1999 – Broken Wings: The Encore Collection
2001 – The Best of Mr. Mister
Moya Brennan
Moya Brennan, (4 de agosto de 1952 – ), seudónimo de Máire Philomena Ní Bhraonáin, es una cantante irlandesa de música New age y celta, nacida en Gweedore, condado de Donegal.
Anteriormente conocida como Máire Brennan, Moya pertenece al clan Brennan, que ha dado al mundo cantantes como sus hermanas Enya, Bridin Brennan o los Clannad, donde comenzaron Moya y su hermana Enya.
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La carrera musical de Clannad fue muy longeva, empezando en el 1972 en la taberna de su padre, junto a dos de sus tíos Noel y Padraig Duggan, y sus hermanos Pol y Ciaran Brennan. Tiempo después se unió Enya, que abandono el grupo a mediados de los 80. Moya siguió con su grupo recorriendo todo el mundo, con un estilo mezcla de Folclore, celta y pop, hasta que en 1998, con el último disco publicado por Clannad, consiguieron el Grammy (con su disco “Landmarks”)
Pero Moya comenzó su carrera en solitario estando todavía en Clannad, en el 1992, con su disco Maire, consiguiendo gran éxito con su single “Against The Wind”. Continuó su carrera en solitario con “Misty Eyed Adventures” en 1994, “Perfect Time” en 1998, “Whisper To The Wild Water” en 1999.
Ya en el nuevo milenio, Moya lanza lo que definió como su mejor trabajo, “Two Horizons” (2003), una gran mezcla de estilos, consiguiendo un enorme éxito y las alabanzas de la crítica.
Tiempo después, lanza “An Irish Christmas” (2005/2006), un disco de villancicos, gran deseo de Moya, pues es una mujer muy religiosa.
Actualmente promociona su último trabajo, “Heart Strings” (2008), y ha hecho una nueva gira entre noviembre y diciembre de 2008 para seguir promocionando su disco navideño, llevándola a diferentes escenarios e iglesias europeas. Próximamente volverá a hacer un nuevo proyecto con Clannad.
Moya ha colaborado con numerosos artistas, tanto junto a Clannad como en solitario, tales como Bono (U2), Delerium, Ronan Keating, Schiller.
Discos en solitario
Máire, (1992)
Misty Eyed Adventures, (1994)
Perfect Time, (1998)
Whisper To The Wild Water, (1999)
New Irish Hymns, (2002) (con Joanne Hogg y Margaret Becker)
Two Horizons, (2003)
Óró – A Live Session, (2005)
An Irish Christmas, (2005)
Signature, (2006)
Signature (Tour Edition) (2007)
Heart Strings (2008)
My Match Is A Makin’ (con Cormac de Barra) (2010)
T with the Maggies (con T with the Maggies) (2010)
Voices & Harps (con Cormac de Barra) (2011)
Affinity (con Cormac de Barra) (2013)
Morrissey
Steven Patrick Morrissey (Davyhulme, Lancashire, 22 de mayo de 1959), o simplemente Morrissey, es un cantante, compositor y autor británico. Llegó a la prominencia como el líder de The Smiths, una banda de rock activa desde 1982 hasta 1987. Desde entonces, ha creado una carrera comercialmente exitosa como solista. Su música se caracteriza por su estilo vocal barítono y su distintivo contenido lírico con temas recurrentes de aislamiento emocional y anhelo sexual, autodegradación y humor negro, y posturas anti-sistema.
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Nacido en Davyhulme, Lancashire, de una familia de inmigrantes irlandeses de clase obrera, creció en Mánchester. De niño desarrolló un amor por la literatura y la música pop. A finales de la década de 1970, lideró la banda de punk rock The Nosebleeds con poco éxito antes de comenzar una carrera en periodismo musical y escribir varios libros sobre música y cine a principios de la década de 1980. Junto con Johnny Marr formaron The Smiths en 1982, obteniendo reconocimiento nacional por su álbum debut homónimo. Como líder de la banda, llamó la atención por su jopo y por sus letras ingeniosas y sardónicas. Evitando deliberadamente el machismo rupestre, él cultivó la estética de un intruso social sexualmente ambiguo que abrazaba el celibato. Los Smiths lanzaron otros tres álbumes de estudio: Meat is Murder, The Queen is Dead y Strangeways, Here We Come, que generaron sencillos exitosos. La banda fue aclamada por la crítica y atrajo un seguimiento de culto. Las diferencias personales entre Morrissey y Marr resultaron en la separación de los Smiths en 1987.
En 1988 lanzó su carrera solista con Viva Hate. Este álbum y los que le siguieron —Kill Uncle, Your Arsenal y Vauxhall and I— posicionaron favorablemente en la lista de álbumes del Reino Unido. Durante este tiempo su imagen comenzó a cambiar a la de una figura más corpulenta, coqueteando con imágenes patrióticas y una masculinidad de clase obrera. A mediados y finales de la década de 1990, sus álbumes Southpaw Grammar y Maladjusted también posicionaron en las listas, pero no fueron bien recibidos por los críticos. Reubicado en Los Ángeles, tomó un paréntesis musical desde 1998 hasta 2003 antes de lanzar un aclamado álbum de regreso, You Are the Quarry, en 2004. En los años siguientes lanzó los álbumes Ringleader of the Tormentors, Years of Refusal, World Peace Is None of Your Business y Low in High School, así como una autobiografía y una novela.
Muy influyente, ha sido acreditado como una figura seminal en la aparición del indie rock y del britpop. Es a menudo considerado como uno de los mejores letristas de la historia británica, con sus letras convirtiéndose en tema de estudio académico. Ha generado controversia desde el principio en su carrera musical con sus opiniones francas: respaldando el vegetarianismo y los derechos de los animales, criticando a la realeza y a los políticos prominentes, y defendiendo una visión particular de la identidad nacional inglesa.? En una encuesta de 2006 para The Culture Show de la BBC, fue votado como el segundo mayor icono cultural británico viviente.
Solista
Viva Hate (1988)
Bona Drag (1990)
Kill Uncle (1991)
Your Arsenal (1992)
Vauxhall and I (1994)
Southpaw Grammar (1995)
Maladjusted (1997)
You Are the Quarry (2004)
Ringleader of the Tormentors (2006)
Years of Refusal (2009)
World Peace Is None of Your Business (2014)
Low In High-School (2017)
California Son (2019)
I Am Not a Dog on a Chain (2020)
Moody Blues – The
The Moody Blues es un grupo de rock de Reino Unido que se formó en Birmingham en 1964. Su primera voz fue Denny Laine, que más adelante sería compañero de Paul McCartney en Wings. También participaban en el grupo Graeme Edge (batería), Ray Thomas (flauta y voz), Clint Warwick (bajo y voz) y Mike Pinder (teclados).
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Sus comienzos fueron como una banda de R&B típica de la Inglaterra de la época, y sacan su primer single, Steal Your Heart Away, en septiembre. No fue hasta su segundo single, Go Now with the Moody Blues, cuando prueban las mieles del éxito y ventas, lo que les permite salir de gira, hacer las Américas y editar su primer LP, The Magnificent Moodys (Go Now en Norteamérica).
Tras el primer disco, Denny Laine cedió su sitio a Justin Hayward (guitarra y voz) y también se incorporó al grupo John Lodge (bajo). Su segundo trabajo, Days of Future Passed (1967), representó un enorme cambio en los planteamientos musicales y un enorme éxito. Hoy es considerado uno de los mejores discos de la historia, habiéndose reeditado en multitud de ocasiones. El disco contenía una de sus canciones más exitosas, Nights in White Satin.
La concepción del disco fue un cúmulo de aciertos y casualidades. La compañía discográfica buscaba una versión rock de la sinfonía de Antonín Dvo?ák Sinfonía del Nuevo Mundo. Pretendían con ello potenciar y rentabilizar los nuevos aparatos estéreo de los estudios. Los Moody Blues, sin conocimiento de la discográfica y con la buena vista del productor, Tony Clark, lo convirtieron en una obra personal (con la orquesta perfectamente ensamblada); un álbum conceptual que fue el disco más representativo de lo que en esos años se llamó rock psicodélico.
Otros discos de éxito fueron On the Thresold of a Dream (1969), A Question of Balance (1970) o, su último gran éxito, Long Distance Voyager (1981). El resto es historia, con los Moody Blues funcionando hasta el siglo XXI, con cambios (Mike Pinder abandonó la banda; Ray Thomas se retiró de la música) y reconversiones, pero convertidos en unos clásicos del rock.
Discografía
Go Now! en EE UU (titulado The Magnificent Moodies en Gran Bretaña) (1965)
Days of Future Passed (1967)
In Search of the Lost Chord (1968)
On the Threshold of a Dream (1969)
To Our Children’s Children’s Children (1969)
A Question of Balance (1970)
Every Good Boy Deserves Favour (1971)
Seventh Sojourn (1972)
Octave (1978)
Long Distance Voyager (1981)
The Present (1983)
The Other Side of Life (1986)
Sur la Mer (1988)
Keys of the Kingdom (1991)
Strange Times (1999)
December (2003)
Extracto de Wikipedia
Monkees-The
The Monkees es una banda de rock formada en 1966, cuyos componentes son originarios de la ciudad de Los Ángeles, Estados Unidos. El grupo fue creado originalmente para una comedia televisiva del mismo nombre, en la cadena NBC.
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Los miembros de la banda fueron seleccionados entre más de 500 jóvenes (entre los rechazados estaban músicos que después fueron famosos como Stephen Stills y Danny Hutton, ya que los productores estaban más interesados en crear un concepto comercial que tener músicos con talento que tocasen o compusiesen música, pese a ello Michael Nesmith logró desde el primer disco integrar sus composiciones) que fueron a las audiciones para un espectáculo de televisión y discos producidos por Don Kirshner. El espectáculo contaba con un sentido del humor irreverente, muy similar o más bien copiado al de A Hard Day’s Night, la primera película protagonizada por The Beatles; además de esto, sólo dos de ellos eran músicos (Michael Nesmith y Peter Tork), y el resto aprendió a tocar sobre la marcha, mientras en sus primeros álbumes la pista era tocada y compuesta por los mejores músicos y compositores de Estados Unidos, como Carole King, Neil Sedaka, Neil Diamond, Tommy Boice y Bobby Hart, así que no podía haber fallo en el aspecto de los éxitos, y entre los años 1966 y 1968 no lo hubo.
Desde el primer momento el talento de Nesmith fue saliendo a la luz y en cada disco de la banda sus composiciones fueron ganando peso, llegando a tener cinco canciones suyas en el disco Headquarters. El resto del grupo también fue poco a poco colaborando con temas propios. A partir del disco Headquarters, ya tenían la capacidad de tocar los instrumentos en el disco, y así lo hicieron. Desgraciadamente para ellos salió a la venta el álbum de The Beatles, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, y fueron desplazados del número 1 después de sólo una semana. Además, emprendieron junto a Jack Nicholson el proyecto de la película Head, que fue un desastre; su programa se canceló, y al poco tiempo Michael Nesmith dejó la banda, comprendiendo que para sus creadores los Monkees sólo fueron un producto y nada más. Posteriormente Nesmith tendría una interesante carrera en solitario y con la First National Band como precursor del estilo Country Rock.
Curiosamente, en esta época The Monkees rechazó grabar “Sugar Sugar”, y Kirshner, al ver la posibilidad de ahorrarse la selección y conflictos que llevaba elegir a los miembros, creó un grupo de dibujos animados, llamado The Archies, basado en la tira cómica Archie, con cuyo nombre se publicó la canción. “Sugar Sugar” fue el mayor éxito de 1969.
The Monkees tuvieron éxitos de ventas como “Last train to Clarkville”, “I’m a Believer”, “She”, “I’m Not Your Steepin’ Stone”, “A Little Bit Me A Little Bit You”,”Sweet Young Thing”, “Look Out Here Comes Tomorrow”, “Pleasent Valley Sunday “, “When Loves Come Knockin’ At Your Door”, “I Wanna Be Free”, “Theme Of The Monkees”, “Daydream Believer” y en 1986 se reunieron y tuvieron un éxito importante más “That Was Then, This Is Now”.
Álbum
The Monkees
More of the Monkees
Headquarters
Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd.
The Birds, The Bees & The Monkees
Instant Replay Febrero de 1969 POP #32
The Monkees Present
Changes4
Pool It!
Justus
Good Times!
Álbumes Recopilatorios
The Monkees Greatest Hits Junio de 1969
The Monkees Greatest Hits Julio de 1976
Then & Now… The Best Of The Monkees Junio de 1986
Hey Hey It’s The Monkees – Greatest Hits Marzo de 1989
Listen To The Band
Greatest Hits Octubre de 1995
Anthology Abril de 1998
Headquarters Sessions? Septiembre de 2000
The Definitive Monkees Febrero de 2001
Music Box Febrero de 2001
The Very Best Of The Monkees Abril de 2003
Moby
Richard Melville Hall (Harlem, Nueva York, Estados Unidos; 11 de septiembre de 1965), más conocido como Moby, es un compositor de música electrónica estadounidense. Tomó su nombre artístico del libro más famoso de su conocido tío bisabuelo, Herman Melville, Moby-Dick. Después de colocar ocho de sus sencillos en la lista de sencillos del Reino Unido? en los años 1990 haciendo música techno, su mayor éxito fue Play, lanzado en 1999, del cual vendió doce millones de copias en todo el mundo.
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Ha tenido conflictos dialécticos con Marilyn Manson y Eminem. Desde 2007 sube música a su cuenta de YouTube y cuenta con más de cincuenta millones de reproducciones. Su etapa como solista, cuenta con doce álbumes de estudio, diez álbumes recopilatorios, más de sesenta y cinco sencillos, entre otras apariciones. A lo largo de su carrera vendió más de veinte millones de álbumes y tres millones solo en Estados Unidos, tiene certificaciones tales como un disco de diamante en Francia, veinte discos de platino, dieciséis discos de oro y uno de plata.
A comienzos de los años 1980, Moby era miembro de una banda de hardcore punk llamada Vatican Commandos, la cual lanzó un EP llamado Hit Squad for God. Desde 1985, fue disc jockey en “The Beat” Port Chester (Nueva York) y en 1989 firmó un contrato de grabación con Instinct Records. Su primera canción se considera que es “Time’s Up”.
Su primer éxito fue “Go”, una canción progresiva que usaba la línea de Laura Palmer en la serie televisiva Twin Peaks. La canción alcanzó el top 10 británico en octubre de 1991, y le hizo ganar una aparición en Top of the Pops. En 1993, gracias al ascendente éxito, fue de gira con The Prodigy, Orbital y Aphex Twin.
En 1991 participa en un remix de la canción “Miserablism”, cara b del sencillo “Was It Worth It?” de Pet Shop Boys. El remix se tituló “Miserablism (electro mix)”.
En 1992, lanzó su primer álbum llamado simplemente Moby que contiene estilos techno en la mayoría de las canciones, a excepción del último corte “Stream” que es una pieza de género ambiente con atmósfera profunda y misteriosa con sonidos de percusión. Con esto pareciera que Moby nos dejaría entrever que es lo que depararía el siguiente álbum.
Igualmente en ese mismo año 1992, Moby lanzó su siguiente álbum titulado Ambient en el cual dejó de lado los sonidos techno del primer material para enfocarse a sonidos ambiente. El corte de inicio, “My Beautiful Blue Sky” es una muestra de este trabajo muy enfocado a los sonidos característicos de este sub-género de la electrónica en la cual se disfruta escuchándose muy concentrado en los sonidos y en la atmósfera que lo rodea.
En 1993, lanzó su álbum Early Underground que es un recopilatorio de canciones hechas por él anteriormente; todo el álbum vuelve a ser techno-trance.
Discografía
Moby (1992)
Ambient (1993)
Everything Is Wrong (1995)
Animal Rights (1996)
Play (1999)
18 (2002)
Hotel (2005)
Last Night (2008)
Wait for Me (2009)
Destroyed (2011)
Innocents (2013)
Long Ambients 1: Calm. Sleep. (2016)
These Systems Are Failing (junto a The Void Pacific Choir) (2016)
More Fast Songs About the Apocalypse (junto a The Void Pacific Choir) (2017)
Everything Was Beautiful, and Nothing Hurt (2018)
Long Ambients 2 (2019)
All Visible Objects (2020)
Mission – The
The Mission —conocidos como The Mission UK en los Estados Unidos para diferenciarlos de una agrupación de rhythm and blues de Filadelfia— es una banda británica de rock gótico formada en 1986 en Leeds por los exmiembros de The Sisters of Mercy, Wayne Hussey y Craig Adams.
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Alcanzaron una gran fama en Norteamérica y Europa, pero especialmente en el Reino Unido gracias a los álbumes God’s Own Medicine (1986), Children (1988) y Carved in Sand (1990), por mencionar algunos. Sin embargo, la salida de dos de sus integrantes originales a principios de 1992, llevó a la banda a un declive comercial y con ello a su primera separación en 1996. En 1999 Wayne decidió reformar el grupo con nuevos músicos, donde lanzaron nuevos álbumes de estudio y a su vez estuvieron en extensas giras, pero por decisión del vocalista se tomaron un receso indefinido en 2008. En 2011, con motivos de la conmemoración del 25° aniversario, Wayne Hussey, Craig Adams, Simon Hinkler y el baterista Mike Kelly se reunieron para una extensa gira que los llevó a varios países del mundo. Posteriormente, publicaron los álbumes The Brightest Light (2013) y Another Fall from Grace (2016).
The Mission es considerada como una de las «bandas fundamentales de la invasión británica de rock gótico» y hasta el 2013 se estimó que sus discos superaban los cuatro millones de copias vendidas.
A mediados de 1985, Wayne Hussey (voz y guitarra) y Craig Adams (bajo) abandonaron The Sisters of Mercy después de tener un altercado con Andrew Eldritch. Al poco tiempo el dúo comenzó a escribir las primeras ideas para un eventual álbum de estudio, pero ante la ausencia de una batería y sin ganas de incluir una caja de ritmos solicitaron ayuda al baterista Mick Brown de Red Lorry Yellow Lorry, que antes de finalizar el año ingresó como miembro activo a la banda. Por su parte, como Hussey fungiría como vocalista, la banda consideró contratar a un segundo guitarrista para las presentaciones en vivo y para ello escogieron a Simon Hinkler de Artery, quien también sabía tocar los teclados. Ya como cuarteto, dieron su primer concierto el 20 de enero de 1986 en el recinto Alice in Wonderland de Londres con el nombre The Sisterhood.
Mientras estaban de gira con The Cult por Europa, su excompañero Andrew Eldritch lanzó el disco Gift con un proyecto llamado The Sisterhood, que trajo problemas legales entre ambas agrupaciones debido al uso del nombre.? Debido a ello, Hussey optó por cambiarlo a The Mission que según él fue elegido debido a su educación mormona en alusión a los misioneros de dicha religión, no obstante, Craig Adams mencionó que lo escogieron por su marca preferida de altavoces llamada precisamente Mission. Como Hussey y Adams aún tenían sus contratos vigentes con el sello WEA, el mánager Tony Perrin estimó necesario publicar algunos sencillos antes de comenzar una gira por Europa; en mayo de 1986 se lanzó al mercado «Serpent’s Kiss» y dos meses más tarde fue publicado «Garden of Delight». Ambos sencillos lograron entrar en la lista UK Singles Chart en los puestos 70 y 49 respectivamente.
Álbumes de estudio
1986: God’s Own Medicine
1988: Children
1990: Carved in Sand
1990: Grains of Sand
1992: Masque
1995: Neverland
1996: Blue
2001: Aura
2007: God Is a Bullet
2010: Dum-Dum Bullets
2013: The Brightest Light
2016: Another Fall from Grace
Milli Vanilli
Milli Vanilli fue un dúo alemán de pop y R&B contemporáneo compuesto por Rob Pilatus y Fab Morvan bajo la producción de Frank Farian. Su debut en 1988, Girl You Know It’s True, vendió más de 7 millones de copias a nivel mundial y les permitió ganar el Grammy al mejor artista revelación en 1990. Sin embargo, su carrera terminó ese año al descubrirse que Morvan y Pilatus no habían grabado ninguna de sus canciones, limitándose a hacer playback y prestar su imagen. Son el primer grupo en la historia de los Grammy al que le han retirado el galardón.
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Milli Vanilli es un dúo formado por el alemán Rob Pilatus (1964-1998) y el francés Fab Morvan (1966). Rob era bailarín de break dance y futbolista amateur, mientras que Fab emigró a Alemania para trabajar como modelo. Ambos se conocieron en una discoteca de Múnich y se asociaron como bailarines de apoyo de otros artistas; por ejemplo, Rob salió al escenario con el grupo Wind en el Festival de Eurovisión 1987. y en el videoclip de la canción Soul Survivor de C.C. Catch. Además, ese mismo año Rob y Fab formaron el trío electropop Empire Bizarre.
En paralelo el productor alemán Frank Farian, famoso por su trabajo con Boney M, estaba preparando una nueva formación musical para dejar atrás el sonido disco de los años 1970. Un DJ de Fráncfort le entregó un vinilo de Numarx, un desconocido grupo de R&B de Maryland, con la canción Girl You Know It’s True que sonaba en las discotecas de los militares estadounidenses en Alemania. Sobre ese tema, Farian introdujo nuevas bases, instrumentos musicales y unas voces que correspondían a los exmilitares Brad Howell y Charles Shaw.
Farian ya conocía a Rob Pilatus por su trabajo como bailarín de televisión, así que le propuso crear un dúo musical con su amigo Fab en el que sólo tendrían que bailar, hacer playback y prestar su imagen a las canciones que él componía y otros cantaban. El hecho de que ambos fueran de raza negra era un aliciente, pues Farian quería que se asemejaran a un auténtico grupo de R&B estadounidense. Y a pesar de que ninguno de los dos sabía hablar bien inglés, el productor les prefirió a los cantantes originales porque su imagen era «más joven y atractiva».? El contrato fue firmado en enero de 1987 y Farian se encargó de promocionarles como un grupo para adolescentes, aprovechando su reputación en la industria discográfica germana.? El término «Milli Vanilli» es una referencia al apodo de la esposa de Frank, aunque en su momento se vendió como «un nombre turco».
Los cantantes de estudio eran Brad Howell, Charles Shaw y las gemelas Jodie y Linda Rocco como coristas.? Ninguno de ellos figuraba en los libretos de los álbumes europeos. Shaw acabó marchándose del proyecto por desencuentros con Farian y fue reemplazado por John Davis.
Álbumes
All or Nothing (1988)
Girl You Know It’s True (1989)
The U.S.-Remix Album: All or Nothing (1989)
Sencillos
Girl you know it´s true (1988)
Baby don’t forget my number (1989)
Blame it on the rain (1989)
Girl I’m Gonna Miss You (1989)
All or nothing (1990)
Keep on running (1990)
Miles Davis
Miles Dewey Davis III (Alton, 26 de mayo de 1926-Santa Mónica; 28 de septiembre de 1991), conocido como Miles Davis, fue un trompetista y compositor estadounidense de jazz.
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Se trata de una de las figuras más relevantes, innovadoras e influyentes de la historia del jazz, junto con artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker o John Coltrane. La carrera de Davis, que abarca cincuenta años, recorre la historia del jazz a lo largo de toda la segunda mitad del siglo XX, caracterizándose por su constante evolución y búsqueda de nuevos caminos artísticos: Davis participa con igual fuerza del bebop y del cool, como del hardbop y de la vanguardia jazzística, sobre todo en su vertiente modal y de fusión con el rock. El sonido de su trompeta es característico por su uso de la sordina de acero Harmon, que le proporcionaba un toque más personal e íntimo; el sonido es suave y melódico, a base de notas cortas, tendente al lirismo y a la introspección.
Davis era hijo de un dentista, Dr. Miles Dewey Davis, Jr., y de una profesora de música, Cleota Mae (de soltera, Henry) Davis; creció, por tanto, en una familia afroamericana de clase media en East St. Louis en Illinois, que se trasladó allí tras su nacimiento. Se interesó por la música durante su infancia y, aproximadamente a los doce años, comenzó a recibir clases de trompeta. Mientras estudiaba en institutos, se desempeñó laboralmente tocando en bares locales y a los 16 años ya tocaba fuera de la ciudad durante los fines de semana. A los 17 se unió a los Eddie Randle’s Blue Devils, una banda regional de San Luis.
Sello disquero: Prestige/Blue Note (1951–1961)
1951: The New Sounds
1952: Young Man With A Horn
1953: Blue Period
1953: The Compositions Of Al Cohn
1953: Miles Davis Volume 2
1954: Miles Davis Volume 3
1954: Miles Davis Quartet
1954: Miles Davis All-Star Sextet
1954: Miles Davis Quintet
1954: Miles Davis with Sonny Rollins
1955: Miles Davis All Stars, Vol 1
1955: Miles Davis All Stars, Vol 2
1955: Musings
1955: Blue Moods
1956: Dig
1956: Miles: The New Miles Davis Quintet
1956: Miles Davis and Horns
1956: Quintet / Sextet
1956: Collectors’ Items
1956: Blue Haze
1957: Walkin´
1957: Cookin´
1957: Bags´ Groove
1958: Relaxin´
1959: Miles Davis And The Modern Jazz Giants
1959: Workin´
1961: Steamin´
Sello disquero: Columbia (1955–1975)
1957: ‘Round About Midnight
1957: Miles Ahead
1958: Milestones
1958: Jazz Track
1958: Porgy and Bess
1959: Kind of Blue
1960: Sketches of Spain
1961: Someday My Prince Will Come
1963: Quiet Nights
1963: Seven Steps to Heaven
1965: E.S.P.
1967: Miles Smiles
1967: Sorcerer
1967: Nefertiti
1968: Miles In The Sky
1968: Filles De Kilimanjaro
1969: In a Silent Way
1970: Bitches Brew
1971: Jack Johnson
1971: Live-Evil
1972: On The Corner
1974: Big Fun
1974: Get Up With It
1976: Water Babies
Sello disquero: Columbia/Warner Bros. (1981–1991)
1981: The Man With The Horn
1983: Star People
1984: Decoy
1985: You’re Under Arrest
1986: Tutu
1989: Amandla
1989: Aura
1992: Doo-Bop (póstumo)
2019: Rubberband (póstumo)
Compilaciones
1957: Birth of the Cool
Álbumes en vivo
1957: Amsterdam Concert
1960: Copenhagen 1960
1960: Free Trade Hall, Vol. 1
1960: Free Trade Hall, Vol. 2
1961: Miles Davis at Carnegie Hall
1961: Live Miles: More Music from the Legendary Carnegie Hall Concert
1964: Miles Davis in Europe
1965: Miles in Berlin
1965: My Funny Valentine
1969: Miles in Tokyo
1970: Miles Davis at Fillmore: Live at the Fillmore East
1973: Miles Davis in Concert
1973: Jazz at the Plaza
1973: Black Beauty: Live at the Fillmore West
1975: Agharta
1976: Pangaea
1977: In Paris Festival International de Jazz 1949
1977: Dark Magus
1982: We Want Miles
1987: that’s what happened, live in germany
1988: Miles & Coltrane
1992: Miles Davis Live in Stockholm 1960 Complete with John Coltrane and Sonny Stitt
1993: Live in Zurich 1960
1993: 1969 Miles Festiva De Juan Pins
1993: Miles! Miles! Miles!
1993: Miles & Quincy Live at Montreux
1994: Live at Newport 1958 & 1963
1995: Live at the Plugged Nickel
1996: Live Around the World
2000: Chasin’ the Bird
2001: At Newport 1958
2001: Live at the Fillmore East, March 7, 1970: It’s About That Time
2002: The Complete Miles Davis at Montreux
2003: In Person Friday and Saturday Nights at the Blackhawk
2004: Birdland 1951
2007: Live at the 1963 Monterey Jazz Festival
2011: Bitches Brew Live
Mikel Erentxun
Mikel Erentxun Acosta, más conocido como Mikel Erentxun (Caracas, 23 de febrero de 1965), es un cantautor español, afincado en San Sebastián desde 1973. Fue el vocalista de Duncan Dhu junto a Diego Vasallo (y anteriormente Juan Ramón Viles) antes de iniciar su carrera en solitario.
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Mikel Erentxun es el vocalista del grupo Duncan Dhu junto a Diego Vasallo y anteriormente con Juan Ramón Viles. Editaron su primer álbum titulado Por tierras escocesas en 1985, y estuvieron en activo hasta el año 2001, en el que publicaron Crepúsculo, conformando uno de los grandes grupos de los años ochenta. Han hecho varias recopilaciones de sus grandes éxitos, y también les hicieron el disco tributo Cien gaviotas dónde irán… un tributo a Duncan Dhu, en el que colaboraron, entre otros, Los Secretos, La Cabra Mecánica, Carlos Goñi, Amaia Montero, Leiva, Andrés Calamaro, Hombres G y Álex Ubago.
En 2013, Duncan Dhu volvieron a la escena con el álbum de estudio El duelo y el álbum recopilatorio 1, haciendo una nueva gira por España y el extranjero.
En paralelo al proyecto con Duncan Dhu, Erentxun comenzó una carrera en solitario en 1992 con el disco Naufragios, del que destacan temas como A un minuto de ti, Jugando con el tiempo o Esta luz nunca se apagará, versión española del tema There’s a light that never goes out, del grupo británico The Smiths.
Continúa con su carrera en solitario, publicando El abrazo del erizo (1995), Acróbatas (1998) y Te dejas ver (2000).
Una vez disuelto Duncan Dhu en 2001, publica Ciudades de paso (2003) y el recopilatorio Éxitos (2004).
En sus discos han colaborado músicos como Mark Gardener, Robert Quine, Pete Thomas, Lloyd Cole, Mathew Sweet y Fred Maher. También él colaboró en el primer disco del grupo La Oreja de Van Gogh, Dile al sol (1998), donde hace la segunda voz coral en los temas Pesadilla y Qué puedo pedir, además de aparecer en el videoclip El 28.
En octubre de 2006 salió a la luz su séptimo disco en solitario que lleva por título El corredor de la suerte. En este disco cuenta, entre otras, con la colaboración de Dani Martín (del grupo El Canto del Loco) y de los integrantes de Amaral. Con un sonido más enfocado hacia el folk y el country rock y un poco menos al pop, sin perder ese sonido único de sus canciones. Temas como Me Recuerdas A Mí Cuando Era Yo y Cartas De Amor (Cuando No Hay Amor) destacan, convirtiéndose en clásicos del músico.
Erentxun participó haciendo un pequeño papel en el cortometraje Manhattan Pictures, rodado en Nueva York en noviembre de 2006. El corto, en el que también intervienen los actores Kira Miró y Jorge Monje, cuenta con la canción inédita Come to New York, compuesta expresamente por Mikel para la ocasión.
En noviembre de 2007, en el recopilatorio de la radio musical vasca Euskadi Gaztea, Gaztea The Singles, cantó a dúo en euskera con la cantautora Amaia Montero la clásica canción Lau teilatu (“Cuatro Tejados”) del antiguo grupo Itoiz.
En junio de 2008 publicó el directo Tres Noches en el Victoria Eugenia con el que pretende cerrar una etapa, para empezar desde cero, un disco en directo que ofrece lo mejor de los tres conciertos que ofreció tres noches seguidas en el emblemático teatro donostiarra. En él, cuenta con invitados de excepción como Iván Ferreiro, Leiva de Pereza, Rafael Berrio, Bunbury y Amaia Montero.
Discografía
Naufragios – 1992 (+260.000 copias)
El abrazo del erizo – 1995 (+80.000 copias)
Acróbatas – 1998 (+50.000 copias)
7 años (Sólo EE. UU.) – 2000
Te dejas ver – 2000 (+50.000 copias)
Ciudades de paso – 2003
Éxitos – 2004
El corredor de la suerte – 2006
Tres noches en el Victoria Eugenia – 2008
Detalle del miedo – 2010 (Junto a Las Malas Influencias)
24 golpes + Eléctrica PKWY – 2012
Corazones – 2015
Corazón salvaje EP – 2015
El hombre sin sombra (álbum de estudio) + Live at the Roxy (directo) – 2017
El último vuelo del hombre bala – 2019
Mike Scott
Michael Scott (nacido el 14 de diciembre de 1958) es un cantante, compositor y músico escocés. Es miembro fundador, cantante principal , guitarrista y compositor de la banda de rock The Waterboys . También ha producido dos álbumes en solitario, Bring ’em All In y Still Burning . Scott es vocalista , guitarrista y pianista , y ha tocado una amplia gama de otros instrumentos, incluidos el bouzouki , la batería y el órgano Hammond en sus álbumes. Scott también es un escritor publicado, que lanzó su autobiografía, Adventures of a Waterboy , en 2012.
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Después de haber comenzado una carrera musical en la década de 1970 que ha continuado hasta nuestros días, Scott ha estado haciendo música profesionalmente desde la década de 1980 y es conocido por sus cambios radicales en los géneros musicales a lo que se refiere como su carrera “supuestamente poco ortodoxa”. Scott actualmente vive en Dublín , Irlanda.
Scott nació y creció en Edimburgo, hijo de Allan y Anne Scott. Su padre dejó a la familia cuando Mike tenía diez años, pero los dos se reunieron en 2007. La madre de Scott era maestra de inglés, exponiéndolo a los grandes de la literatura inglesa desde muy joven.
Scott estuvo interesado en la música desde temprana edad. A los 12 años, después de que la familia se mudó a Ayr , comenzó a interesarse seriamente en aprender guitarra. Scott recuerda que, “desde el momento en que [compró]” Last Night in Soho de Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich en 1968 “sabía que [él] tenía que estar en la música”, y menciona escuchar a Hank Williams como una experiencia que “cambia la vida”. Al año siguiente, Scott tocaba en bandas escolares y formó la banda Karma, llamada así por el principio del hinduismo , con un amigo llamado John Caldwell. El sonido de Karma fue inspirado por David Bowie , The Beatles yBob Dylan.
En 1977 Scott ingresó a la Universidad de Edimburgo , estudiando literatura y filosofía en inglés . Scott más tarde organizar la poesía de William Butler Yeats , Robert Burns , y George MacDonald para las grabaciones Waterboys. Otras influencias literarias en la carrera de Scott incluyen CS Lewis y The Diary of Vikenty Angorov . Scott dejó la Universidad de Edimburgo después de su primer año.
Scott se interesó en la escena de la música punk británica y comenzó a escribir para fanzines , y finalmente comenzó el suyo, Jungleland . Scott estaba especialmente interesado en la música de The Clash y Patti Smith , un tributo a quien, ” A Girl Called Johnny “, se convertiría en el primer sencillo de Waterboys .
Albums
Bring ‘Em All In (1995)
Lion of Love (fan club only release.)
Sunflowers (fan club only release.)
Still Burning (1997)
The Whole of the Moon: The Music of Mike Scott and the Waterboys (1998) (best-of collection)
Singles
“Bring ‘Em All In” (1995)
“Building the City of Light” (1995)
“Love Anyway” (1997)
“Rare, Precious and Gone” (1998)
Mike Rutherford
Michael John Cleote Crawford Rutherford, conocido como Mike Rutherford, es un guitarrista y bajista inglés nacido el 2 de octubre de 1950 en Guildford, Surrey. Es uno de los miembros fundadores de Genesis, grupo en el que toca la guitarra y el bajo.
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Tiene un particular instrumento de dos brazos; el primer brazo es una guitarra de doce cuerdas y el otro brazo es un bajo. Cuando tocaba la guitarra de doce cuerdas, los bajos eran hechos con un Moog Taurus, una octava de Do a Do en pedales. Estos eran a veces interpretados por Steve Hackett y a veces por este bajista.
Se acredita a Rutherford como uno de los bajistas más prominentes de los años 1970, y uno de los máximos exponentes del rock progresivo de esta década gracias a su característico estilo de tocar el bajo y a su empleo de guitarras de doce cuerdas en varias de las primeras grabaciones de Genesis.
Además de su carrera en Genesis ha desarrollado su propia carrera en solitario, que dio sus frutos con dos discos (Smallcreep’s day y Acting very strange) a principios de la década de los 80, y fundó su propio proyecto, Mike + The Mechanics, que ha sacado hasta la fecha siete discos de estudio, el último de ellos en 2011, con cambio de integrantes incluido.
Solitario
Smallcreep’s day (1980)
Acting very strange (1982)
Extracto de Wikipedia
Mike Pinder
Michael Thomas Pinder (nacido el 27 de diciembre de 1941, en Erdington , Birmingham ) es un músico de rock inglés, y es miembro fundador y teclista original del grupo de rock británico Moody Blues . Abandonó el grupo luego de la grabación del noveno álbum de la banda, Octave, en 1978. Se destaca especialmente por su contribución tecnológica a la música. En 2018, Pinder fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Moody Blues.
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Pinder nació de Bert y Gladys Pinder en Kingstanding , Birmingham, y cuando era un joven adulto tocó en El Riot and the Rebels, una banda de rock que logró cierto éxito regional. Los compañeros de banda en El Riot incluyeron a los futuros miembros de Moody Blues, Ray Thomas y John Lodge .
Después de un período en el ejército británico, Pinder y Thomas tocaron juntos en una banda llamada Krew Cats; la banda terminó en Alemania tocando en algunas de las bodegas donde The Beatles habían pulido su musicalidad. Pinder y Thomas, sin dinero, tuvieron que cruzar el norte de Europa para regresar a Inglaterra. Alrededor de este tiempo, Pinder era empleado de Streetly Electronics, una empresa que fabricaba el Mellotron .
Discografía Solo
La promesa (1976)
Entre las estrellas (1994)
Mike Harrison
Mike Harrison (3 de septiembre de 1945 en Carlisle , Cumbria , Inglaterra – 25 de marzo de 2018) fue un Inglés músico , más notable como el cantante principal de Spooky Tooth y como artista en solitario. También fue el cantante principal en el VIP , el Arte y la banda de azules de Hamburgo, entre otros.
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Notabilidad director de Harrison era como un cantante de Spooky Tooth , una banda que en un principio uno de los fundadores, con Mike Kellie , Luther Grosvenor y Greg Ridley , y que Gary Wright se unió. Harrison, Grosvenor, Ridley y Kellie habían estado previamente en una banda con sede en Carlisle llamada Los VIPs , que también incluyó Keith Emerson . Cuando Emerson dejó a principios de 1967 a co-fundar The Nice , los miembros restantes de la banda cambió el nombre del grupo al Arte y lanzado un álbum a finales de 1967 en Island Records. Propietario del sello Chris Blackwell se interesó en la banda, animándoles a trabajar con Gary Wright y arreglos para Jimmy Miller a ser productor de la banda. Con la adición de Wright, la banda se hizo conocida como Spooky Tooth, la liberación de cuatro discos entre 1968 y 1970, antes de separarse por primera vez, y tres discos más durante la reforma y la ruptura final en el periodo 1972-1974. El sonido de la banda se considera especialmente único, ya que se trataba de dos teclistas, Harrison y Wright, cuyo estilo de canto implicado a menudo voces, similares a las alternando Righteous Brothers o Hall y Oates .
Spooky Tooth rompió por primera vez en 1970, reformado en 1972 y se separó por última vez en 1974. Harrison comenzó una carrera en solitario en 1971, que fue anticipado con la última bocanada de 1970 álbum de la ruptura de la banda, considerado como el “Spooky Tooth, que ofrece Mike Harrison”. Harrison lanzó dos álbumes en solitario en 1971 y 1972, seguida de una tercera en 1975, después de la ruptura definitiva de la banda en 1974. Harrison descubrió entonces que se estaban aplicando las regalías de sus álbumes en solitario, sin su conocimiento o consentimiento, a las deudas supuestamente adeudados por Spooky Tooth para Island Records . Después del lanzamiento de su álbum de 1975 del arco iris del jinete , Harrison decidió abandonar la industria de la música por completo, y se mantuvo prácticamente inactivo desde 1975 hasta 1997. El motivo de su salida extendido desde la música era principalmente financiera. Más allá de un estipendio semanal de Island Records, miembros de la banda recibieron más beneficios, incluyendo las regalías. En su lugar, las deudas se acumularon, considera que se le debe a la compañía discográfica. Entre otras ocupaciones, Harrison trabajó como barman y condujo camiones de reparto de carne y leche.
Solo
1971 Mike Harrison ( Isla )
1972 Chimenea Rayo (Isla)
1975 arco iris del jinete (Isla)
2006 tardío arranque ( halo )
Mike + the Mechanics
Mike & The Mechanics es una banda británica de pop rock formada en 1985 como un proyecto secundario del guitarrista-bajista Mike Rutherford, miembro fundador de la banda Genesis. Conocieron el éxito internacional con temas como “Silent Running”, “All I Need Is a Miracle”, “Over My Shoulder” y “The Living Years”. Los otros integrantes originales de la banda fueron su vocalista Paul Carrack líder del grupo ACE, ganó popularidad como artista en solitario y por su pertenencia a grupos como Roxy Music, Squeeze y The Bleeding Heart Band, grupo de respaldo de Roger Waters.
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Carrack cantó varios de los mayores éxitos en las bandas donde trabajó, incluyendo “How Long?” en Ace, “Tempted” en Squeeze, y “Silent Running” en Mike + The Mechanics. Además, participó como vocalista en los álbumes de Roger Waters Radio K.A.O.S. y The Wall – Live in Berlin, y logró un importante éxito en solitario con la canción “Don’t Shed a Tear”. Varias canciones de Carrack fueron versionadas por grupos y artistas tales como Eagles, Diana Ross, Tom Jones, Michael McDonald y Jools Holland.
Paul Young apodado ‘Youngly’ por sus compañeros de Mike & The Mechanics Mike Rutherford y Paul Carrack (para evitar la confusión con el propio Carrack y con otro Paul Young, un conocido solista inglés de soul). el teclista Adrian Lee y el baterista Peter Van Hooke. Para su álbum Beggar on a Beach of Gold de 1995, solo Rutherford, Carrack y Young continuaron con la banda, hasta que Young murió en 2000.
Mike & The Mechanics fue un proyecto de un grupo de amigos músicos que se unieron para hacer las canciones que les gustaban. Mike Rutherford era miembro de Genesis (banda que lideró Peter Gabriel y después Phil Collins) y en este nuevo proyecto era el encargado de la guitarra, el bajo eléctrico y los teclados. Paul Young era otro conocido músico que destacaba por sus actuaciones en vivo y que hacía las voces al igual que Paul Carrack, cantante y compositor de la mayoría de los temas de la banda.
Ese mismo año, 1985, llegó el primer álbum que se llamó simplemente Mike + The Mechanics, y que incluía tres canciones que se lanzaron como sencillos y que alcanzaron altos puestos en las listas anglosajonas. Estas eran “Silent Running”, “Taken In” y “All I Need Is a Miracle”. Se mantuvieron en las listas de éxitos hasta principios de 1986.
Durante ese 1986 la banda se tomó un receso que duraría casi dos años. Mike Rutherford volvió a Genesis y Paul Carrack retomó su carrera en solitario.
En 1988 publican su siguiente disco, The Living Years, que cosechó más éxito que el primero, alcanzando el sencillo que daba nombre al álbum el número uno de los rankings. Nuevamente hicieron una pausa de varios años en los que cada uno continuó con sus propios proyectos, hasta que en 1991, volvieron a juntarse y acordaron lanzar un nuevo trabajo, que llevó por nombre “Word of Mouth”, el que no funcionó tan bien como los dos primeros. El grupo es el mismo que grabó el disco anterior.
La producción corre a cargo de Christopher Neil y Mike Rutherford, ejerciendo de ingeniero de sonido Nick Davis. Entre sus canciones sobresalen las baladas “The Living Years”, “Nobody Knows” y “Why Me?”. Para la canción “Black & Blue” colaboran los miembros de Genesis, Phil Collins y Tony Banks, y en los créditos figuran los coros de la King’s House, que también aparecerán en su siguiente disco. A partir de este disco Paul Carrack tomará un rol cada vez más importante tanto en la interpretación como en la composición de las canciones.
De nuevo volvieron a hacer otra pausa, hasta 1995 cuando volvieron con su cuarto disco “Beggar on a Beach of Gold”. El título del álbum se basa en el materialismo que según ellos caracterizó a la década de los 80. Este disco salió a la venta el 6 de marzo de 1995. El primer sencillo se llamó “Over My Shoulder” y fue producido por Mike Rutherford y por Christopher Neil, con quién también escribió otros temas del álbum. Aparte el disco también contenía versiones de los temas “You´ve Really got a hold on me” de Smokey Robinson y “I Believe” (When I Fall In Love It Will Be forever) de Stevie Wonder. El disco llegó a tener un moderado éxito en el Reino Unido, aunque consiguieron vender casi dos millones de copias de él en todo el mundo.
En 1996 pusieron a la venta un grandes éxitos. El 10 de mayo de 1999 se presentó en directo en Londres el nuevo disco de Mike & The Mechanics, que se llamó “M6”, y que se puso a la venta el 24 de mayo. Su primer sencillo se llamó “Now that You´ve Gone” contaba con la producción de Brian Rawling, responsable del tema “Believe” de la cantante norteamericana Cher, considerada una de las grandes canciones de ese año.
Los planes del grupo se vieron frustrados súbitamente el 15 de julio de 2000 cuando Paul Young falleció víctima de un paro cardiaco, en la localidad de Chester, Reino Unido, lo que hizo que Rutherford y Carrack se cuestionaran seriamente la continuidad del grupo.
Pese a ello, en años posteriores Mike & The Mechanics ha actuado en variadas giras por Europa, tanto en solitario como haciendo de teloneros en los conciertos de Phil Collins. En junio de 2004 presentaron en directo su último disco llamado “Rewired” en el cual Paul Carrack es el único vocalista principal, y participa de manera destacada en producción y composición, hasta el punto de que el disco sale bajo el nombre “Mike + the Mechanics + Paul Carrack”. Este CD presenta una edición especial en formato DVD, en el que diversos artistas han representado en video las distintas canciones del disco.
Llegado el año 2011, Mike Rutherford se propone darle vida nuevamente a su proyecto solista, de esta forma recluta 2 nuevos miembros Andrew Roachford (de destacada actuación en el ámbito del R&B británico) y el canadiense Tim Howar (actor y cantante). En abril de 2011 sale a la venta el nuevo álbum The Road, marcando el retorno a tareas de producción y composición de Christopher Neil.
En el participan también el hijo de Mike (en percusión y batería) y Anthony Drennan, guitarrista que acompañó las actuaciones en vivo de Genesis con Ray Wilson. Con esta formación se desarrolla la gira Hit The Road Tour 2011 por Europa, basada en el último disco. Durante el año 2013, bajo la gira denominada “On The Road 2013”, se produjeron diversos conciertos en Alemania, Suiza, Francia, Inglaterra y Rumanía, siempre dentro de festivales (excepto el de Rumanía, que fue como teloneros de Sting).
En abril del 2017 la banda presentó su disco Let Me Fly.
Discografía
1985 – Mike and The Mechanics
1988 – The Living Years
1991 – Word Of Mouth
1995 – Beggar On a Beach Of Gold
1996 – Grandes Éxitos
1999 – M6
2004 – Rewired
2011 – The Road (álbum)
2014 – Singles 1985-2014
2017 – Let me Fly
2019 – Out of the Blue
Extracto de Wikipedia
Midge Ure
Midge Ure, OBE, nacido como James Ure (Cambuslang, Lanarkshire, 10 de octubre de 1953), es un músico escocés, un importante contribuyente del Live Aid y Live 8 y anterior líder de la banda de synth pop Ultravox.
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Nació como hijo de un humilde conductor de camión. De adolescente aprendió a tocar la guitarra, y también, a los 15 años, dejó la Rutherglen Academy, su escuela. En 1969, formó una banda llamada Stumble.
Mick Jagger
Michael Philip Jagger (Dartford, Kent; 26 de julio de 1943), conocido profesionalmente como Mick Jagger, es un cantante, compositor, músico y actor británico, reconocido por ser el principal cantante de la banda de rock The Rolling Stones. Su carrera abarca más de cinco décadas y ha sido descrito como “uno de los cantantes más populares e influyentes en la historia del rock & roll”. Por su distintiva voz y su puesta en escena, junto con el estilo de guitarra de Keith Richards, han sido la marca registrada de la banda durante toda su carrera. Con el tiempo Jagger logró notoriedad en la prensa por su admitida relación con las drogas y sus polémicas relaciones personales, siendo nombrado a menudo como una figura contracultural.
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Creció en su ciudad natal y estudió en la London School of Economics, que abandonó para unirse a The Rolling Stones. Ha escrito la mayoría de las canciones de la banda con Keith Richards, colaboración que perdura hasta la actualidad. Desde finales de la década de 1960, Jagger ha actuado en algunas películas (empezando con Performance y Ned Kelly en la década de 1970), recibiendo críticas mixtas por su interpretación. Inició una carrera en solitario en 1985, cuando publicó su primer álbum, She’s the Boss, y se unió al supergrupo SuperHeavy en 2009. Las relaciones con los miembros de los Rolling Stones, en particular con Richards, se deterioraron durante la década de 1980, pero Jagger ha tenido más éxito con la banda que con sus proyectos individuales y secundarios.
En 1989 fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll y en 2004 en el Salón de la Fama del Reino Unido con The Rolling Stones. Como miembro de los Stones y como músico solista, alcanzó el número uno en las listas de sencillos del Reino Unido y de los Estados Unidos con 13 sencillos, el Top 10 con 32 sencillos y el Top 40 con 70 sencillos. Ha recibido tres Premios Grammy y otras trece nominaciones, un Globo de Oro y un MTV Video Music Award, entre otras distinciones. En 2003 fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico por su aporte a la música popular.
Estuvo casado una vez y ha sostenido varias relaciones sentimentales. Tiene ocho hijos con cinco mujeres diferentes. Además, tiene cinco nietos y se convirtió en bisabuelo el 19 de mayo de 2014, cuando su nieta Assisi dio a luz a una niña. El valor neto de su patrimonio ha sido estimado en 360 millones de dólares.
Nacido el 26 de julio de 1943 en Dartford (condado de Kent, Inglaterra), Mick es hijo del profesor de Educación física Basil Joseph Jagger, de origen eslavo —conocido, además, por ser una de las personas que ayudó a popularizar el baloncesto en la isla y de la ama de casa australiana Eva Scutt.
Aunque fue criado para seguir la carrera de su padre, Jagger siempre se interesó por la música. Se refirió a este hecho en el libro According to The Rolling Stones de la siguiente manera: “Siempre canté de niño. Yo era uno de esos niños a los que les gustaba cantar. Algunos niños cantan en coros, otros prefieren presumir delante del espejo. Yo estaba en el coro de la iglesia y también me encantaba escuchar a los cantantes en la radio, en la televisión y en las películas”.
En septiembre de 1950, Keith Richards y Jagger fueron compañeros de clase en la Escuela Primaria de Wentworth en Dartford. En 1954, Jagger pasó a la Dartford Grammar School, que ahora cuenta con una instalación llamada Centro Mick Jagger, bautizada de esta forma por su exalumno más famoso. Jagger y Richards perdieron contacto cuando fueron a diferentes escuelas, pero después de un encuentro casual en la plataforma dos en la estación de Dartford en julio de 1960, reanudaron su amistad y descubrieron su amor compartido por el rhythm and blues, que para Jagger había comenzado con Little Richard.
Jagger dejó la escuela en 1961. Con Richards se mudó a un piso en Edith Grove, Chelsea, Londres, con el guitarrista Brian Jones. Mientras Richards y Jones planeaban comenzar su propio grupo de rhythm and blues, Blues Incorporated, Jagger continuó estudiando negocios con una beca del gobierno como estudiante de pregrado en la London School of Economics y en esa época consideraba seriamente convertirse en periodista o político.
Brian Jones, usando el nombre de Elmo Jones, comenzó a trabajar en el club Ealing, donde más tarde se presentaría la banda Blues Incorporated. Jagger finalmente se convirtió en un cantante destacado en sus participaciones con el grupo, hecho que terminó sentando las bases para la creación de los Rolling Stones.
Solista
1985 She’s the Boss
1987 Primitive Cool
1993 Wandering Spirit
2001 Goddess in the Doorway
2007 The Very Best of Mick Jagger
Extracto de Wikipedia
Mick Hucknall
Michael James Hucknall (Denton, Inglaterra, 8 de junio de 1960) es el vocalista y principal miembro, a la vez compositor de la banda Simply Red. Mick Hucknall cantó en una banda punk llamada the Frantic Elevators, quienes sacaron cuatro sencillos, todos fracasaron en las listas. Se separaron en 1979 y Hucknall formó un grupo mas exitoso, Simply Red, en 1980.
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Su primer sencillo, una versión de la canción de the Valentine Brothers’ “Money’s Too Tight (to Mention)”, fue número 13 en 1985. Pero los siguientes tres sencillos de la banda, los cuales incluyeron una grabación de “Holding Back the Years” (sencillo original de the Frantic Elevators), fallaron en entrar al top 40 y parecía que Simply Red podrían fallar en causar un gran impacto . Pero en 1986, “Holding Back the Years” fue re-lanzado, tuvo radio difusión y alcanzó la posición número 2 en las listas del Reino Unido (y encabezó la lista en Estados Unidos ). Esta canción , y muchos otros sencillos exitosos, consolidaron a Simply Red como un acto de white soul. Sin embargo , tuvieron que esperar hasta 1995 para su primer número uno en el Reino Unido, “Fairground”.
Hucknall nació en Denton, Gran Mánchester, como hijo único. Su madre lo abandonó cuando tenía tres años; este evento lo motivó a escribir la canción “Holding Back the Years”. Fue criado por su padre, Reg, un barbero de Stockport. Estudió en Audenshaw School.
Álbumes
2008 Tribute to Bobby
2012 American Soul
Mick Fleetwood Band
Mick Fleetwood (Redruth, Cornualles; 24 de junio de 1947) es un músico y actor británico conocido por ser el batería y cofundador de la banda de rock Fleetwood Mac. Cabe señalar que su apellido junto con parte del de John McVie fueron escogidos para titular la banda y además, ambos son los únicos músicos que han permanecido durante toda la carrera de la agrupación inglesa.
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Además de su carrera en Fleetwood Mac, ha lanzado una serie de discos como solista y también ha participado como actor secundario en algunas películas y series de televisión. Por otro lado, en 1998 ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Fleetwood Mac.
Nació en la ciudad de Redruth en el condado de Cornualles al sur de Inglaterra y es el segundo hijo del matrimonio integrado por John Joseph Kells Fletwood y Bridget Maureen Fleetwood. Su hermana mayor era la actriz Susan Fleetwood que lamentablemente falleció en 1995 por cáncer de mama.2? Su niñez la pasó en Egipto, ya que su padre era piloto de guerra de la Real Fuerza Aérea Británica. Después de seis años se trasladaron a Noruega cuando su padre fue convocado por la OTAN, y allí estudió y aprendió el idioma noruego.
Según la biógrafa Cath Carroll, tuvo una «juventud soñadora y empática» y a pesar de ser inteligente nunca resaltó en lo académico. Por otro lado y según su propia autografía, le iba muy mal en el colegio principalmente por la poca atención en clase y falta de memoria.
Inició a tocar la batería cuando le regalaron un kit Gigster a los 13 años y su padre —un batería aficionado— lo animó para que iniciara una carrera artística.? Aprendió de manera autodidacta influenciado por Tony Meehan, batería de la banda The Shadows y por los The Everly Brothers. A los 15 años se retiró del colegio con la aprobación de su padre para iniciar su carrera como batería y para ello viajó en 1963 a Londres donde vivió con su hermana en Notting Hill.
Solista
1981: The Visitor
1983: I’m Not Me
1992: Shakin’ the Cage
2004: Something Big
2008: Blue Again!
Extracto de Wikipedia
Michel Sanchez
Michel Sánchez (1 de julio de 1957 Somain, Francia). Pasó gran parte de su juventud dedicado al estudio de la música (piano, percusión, órgano clásico). Sánchez es el cofundador de la banda Deep Forest. Ganó un premio Grammy en 1995, y un Premio Mundial al mejor álbum de músicas del mundo. A principios de la década de los 90 la mezcla del sintetizador de Sánchez con el canto tradicional de las Islas Salomón fue el punto de partida de Deep Forest.
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Álbumes en solitario
1994 Windows
1996 Welenga (con Wes Madiko)
2000 Hieroglyphes
2008 The Touch
2008 The Day of a Paper Bird
Michael McDonald
Michael McDonald (St. Louis, Misuri, Estados Unidos, 12 de febrero de 1952) es un cantante estadounidense de R&B y soul.
McDonald tocó en múltiples bandas (como Mike and the Majestics, Jerry Jay and the Sheratons, the Reebtoors y The Guild) en su pueblo natal Ferguson, Misuri, un suburbio de St. Louis. Fue descubierto cuando hacía parte de un grupo llamado Blue y en consecuencia se mudó a Los Ángeles en 1970. Inicialmente fue conocido como miembro ocasional de Steely Dan, poniendo la voz en Katy Lied y en subsiguientes álbumes como The Royal Scam y Aja.
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McDonald se unió a los The Doobie Brothers en abril de 1975 cuando su voz líder Tom Johnston enfermó durante una gira nacional. Como miembro de los Doobies, grabó canciones como “Takin’ It To The Streets,” “Little Darling,” “It Keeps You Runnin'” (usada en la película Forrest Gump), “Minute by Minute” y “What a Fool Believes” (que llegó al número uno en Estados Unidos y por la cual ganó un premio Grammy en 1980 en la categoría de canción del año).
Después de la separación de los Doobies, McDonald continuó su carrera en solitario con éxitos como:
“I Keep Forgettin”, un dúo con su hermana Maureen, después usado en 1994 por Warren G y en 2005 por Papoose.
“Sweet Freedom”, canción de la película de 1986 llamada Running Scared.
“Take It To Heart”
“Yah Mo B There”, a dúo con James Ingram con la cual ganó el Grammy en 1985
“On My Own”, con Patti Labelle, llegó al número 1 en listas de Estados Unidos en 1986
“I’ll be over You, con el grupo Toto en el año 1987. McDonald hace los coros de dicha canción, además aparece con el grupo en la grabación del video
McDonald ha producido y ha aparecido en grabaciones de otros artistas como su esposa Amy Holland, Christopher Cross y Bonnie Raitt. McDonald es el cofundador del sello independiente Ramp Records junto a Chris Pelonis y el actor Jeff Bridges. En la actualidad se ha centrado en álbumes de tributo al sonido Motown.
En 2003 McDonald recibió una estrella en el Paseo de la Fama de St. Louis.
En 2008 interpretó en la Convención Demócrata (Democratic National Convention) encabezada por Barack Obama en vísperas de las elecciones en Estados Unidos la canción “America The Beautiful”.
En 2009 hace aparición en el último capítulo de la 3º temporada de la serie norteamericana Rockefeller Plaza (30 Rock), junto a otros destacados artistas del panorama musical.
En 2009, lanza un álbum navideño titulado This Christmas.
Extracto de Wikipedia
Michael Jackson
Michael Joseph Jackson? (Gary, Indiana; 29 de agosto de 1958-Los Ángeles, California; 25 de junio de 2009) fue un cantante, compositor, productor discográfico, bailarín, actor y filántropo estadounidense.? Conocido como el «Rey del Pop»,? sus contribuciones y reconocimiento en la historia de la música y el baile, así como su publicitada vida personal, lo convirtieron en una figura internacional en la cultura popular durante más de cuatro décadas. Es reconocido como la estrella de música pop más exitosa en el mundo.6? No obstante, su música incluyó una amplia acepción de subgéneros como el rhythm and blues (soul y funk), rock, disco y dance.
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Comenzó su carrera artística a mediados de los años 1960 en la agrupación musical The Jackson 5, en la cual publicó, junto con algunos de sus hermanos, diez álbumes hasta 1975. En 1971 inició su carrera como solista, aunque siguió perteneciendo al grupo. A principios de la década de 1980, Jackson se convirtió en una figura dominante en la música popular. Sus vídeos musicales, entre los que se destacan «Beat It», «Billie Jean» y «Thriller», de su álbum de 1982 Thriller, son acreditados como una ruptura de las barreras raciales y la transformación del medio en una forma de arte y herramienta promocional. La popularidad de estos ayudó a llevar a la cadena televisiva MTV a la fama. El álbum Bad (1987) produjo el número uno de los sencillos «I Just Can’t Stop Loving You», «Bad», «The Way You Make Me Feel», «Man in the Mirror» y «Dirty Diana» en el Billboard Hot 100, por lo que se convirtió en el primer álbum en tener cinco sencillos número uno en ese ranking. Continuó innovando con vídeos como «Black or White» y «Scream» a lo largo de la década de 1990, y forjó una reputación como artista solista en varias giras. A través de sus presentaciones en escena y en vídeo, Jackson popularizó una serie de técnicas de baile complicadas, como el robot y el moonwalk, a las cuales dio el nombre. Su sonido y estilo distintivos han influido en numerosos artistas de diversos géneros musicales.
Thriller es el álbum más vendido de todos los tiempos, con ventas estimadas en 65 millones de copias en todo el mundo. Otros álbumes de Jackson, Off the Wall (1979), Bad (1987), Dangerous (1991) y HIStory (1995), también figuran entre los álbumes más vendidos de la historia. Con Off the Wall, Jackson se convirtió en el primer artista en solitario en tener cuatro sencillos del mismo álbum dentro de los diez primeros puestos 10 del Billboard Hot 100. Es reconocido como el artista más exitoso de todos los tiempos por El libro Guinness de los récords.? Jackson es uno de los pocos artistas que han sido introducidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll dos veces, y también fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores y el Salón de la Fama de la Danza como el único bailarín de música pop y rock. Sus otros logros incluyen varios récords Guinness, 13 premios Grammy, el premio Grammy Leyenda, el premio Grammy a la carrera artística, 26 premios American Music —más que cualquier otro artista— incluyendo el Artista del siglo y Artista de los años 1980, 13 sencillos número uno en los Estados Unidos durante su carrera en solitario —más que cualquier otro artista masculino en la era Hot 100— y ventas estimadas de más de 350 millones de producciones musicales en todo el mundo. Se convirtió en el primer artista en la historia en tener un top 10 en el Billboard Hot 100 en cinco décadas diferentes, cuando «Love Never Felt So Good» alcanzó el número nueve el 21 de mayo de 2014. Jackson viajó por todo el mundo asistiendo a eventos en honor a su solidaridad, y en 2000, el libro Guinness de los récords lo reconoció por apoyar a 39 organizaciones benéficas, más que cualquier otro artista.
Aspectos de la vida personal de Jackson, como su apariencia cambiante, sus relaciones personales y comportamiento, generaron controversia. En 1993, fue acusado de abuso sexual infantil, pero el caso civil fue resuelto fuera de la corte por un monto no revelado y no se presentaron cargos formales.? En 2005, fue juzgado y absuelto de nuevas acusaciones de abuso sexual infantil y varios otros cargos después de que el jurado lo declaró inocente en todos los cargos. Mientras se preparaba para su serie de conciertos de regreso, This Is It, Jackson murió de intoxicación aguda de propofol y benzodiazepina el 25 de junio de 2009, después de sufrir un paro cardíaco.? El forense del condado de Los Ángeles dictaminó que su muerte era un homicidio, y su médico personal, Conrad Murray, fue declarado culpable de homicidio involuntario. La muerte de Jackson provocó conmoción general, y la transmisión en directo de su funeral fue vista en todo el mundo.? En 2010, Sony firmó un contrato con su familia por 250 millones de dólares para retener los derechos de distribución de sus discos y publicar siete álbumes póstumos hasta 2017.22?23?24? Forbes ha clasificado a Jackson como una de las celebridades fallecidas con más ingresos, con ganancias de 825 millones de dólares en 2016, la cantidad anual más alta jamás registrada por la publicación.? En 2019 se detallaron nuevas alegaciones de abuso sexual infantil en contra del cantante en el documental Leaving Neverland, lo que causó una reacción internacional tanto en su defensa como en su contra. Pese a la controversia y al debate público sobre el legado de Jackson, su música y marca experimentaron un incremento de popularidad y demanda tras la emisión del documental.? De acuerdo con el informe de Forbes de 2019 de las celebridades fallecidas con más ingresos, Jackson conservó la posición número uno durante ese año por décima vez consecutiva.
Discografía
Got to Be There (1972)
Ben (1972)
Music and Me (1973)
Forever, Michael (1975)
Off the Wall (1979)
Thriller (1982)
Bad (1987)
Dangerous (1991)
HIStory: Past, Present and Future, Book I (1995)
Blood on the Dance Floor: HIStory in the Mix (1997)
Invincible (2001)
Álbumes póstumos
Michael (2010)
Xscape (2014)
Extracto de Wikipedia
Mike Bloomfield
Mike Bloomfield (Chicago, Illinois, 28 de julio de 1943 – 15 de febrero de 1981) fue un guitarrista estadounidense de blues y rock.
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Se inició en el blues, de la mano del armonicista Paul Butterfield, con quien permaneció varios años. Después tocó con Bob Dylan y Al Kooper, además de sus propios grupos, entre los que destaca The Electric Flag. Convertido en una “superestrella del rock” en los años 1960, acabó en el olvido a mediados de la década de 1970, en parte por su adicción a la heroína, en parte por las dificultades que se derivaban de su artritis para seguir tocando. En 1981, apareció muerto, por sobredosis, en su coche, en un aparcamiento.
Con un estilo virtuoso y muy melódico, fue uno de los músicos blancos de blues más apreciados por la crítica especializada. En el año 2003 estaba situado en el número 22 del ranking de “Los 100 mejores guitarristas de la historia”, elaborado por la revista Rolling Stone.Su disco más destacable, desde una perspectiva blues, es “Cruisin’ for a bruisin'”, editado por Takoma Records, aunque el más conocido y exitoso es “Supersession”.
En el año 2000, se publicó una autobiografía dictada.
Solo
It’s Not Killing Me (1969)
Try It Before You Buy It (1973) (Permaneció sin publicar hasta 1980)
If You Love These Blues, Play ‘Em As You Please(1976)
Analine (1977)
Michael Bloomfield (1978)
Count Talent And The Originals (1978)
Between A Hard Place And The Ground (1979)
Bloomfield-Harris (1979)
Crusin’ For A Brusin'(1981)
Colaboraciones
Super Session – Bloomfield, Al Kooper y Stephen Stills (1968)
The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper (1968)
Al Kooper and Mike Bloomfield: The Lost Concert Tapes (1968)
Two Jews’ Blues (1969), con Barry Goldberg. No aparece en los créditos, por razones contractuales.
My Labors (1969) con Nick Gravenites
Live at Bill Graham’s Fillmore West (1969) con Nick Gravenites
Medium Cool (1969), Banda sonora original
Steelyard Blues (1973) Banda sonora original, con Nick Gravenites y otros.
Mill Valley Bunch – Casting Pearls (1973)
Triumvirate (1973), Mike Bloomfield, con John Hammond, Jr. & Dr. John.
KGB (1976) – Grupo formado por Ray Kennedy – cantante, Barry Goldberg – teclados, Mike Bloomfield – guitarra, Rick Grech – Bajo, Carmine Appice – Batería
Extracto de Wikipedia
Melanie C
Melanie Jayne Chisholm (Lancashire, 12 de enero de 1974) es una cantante y compositora británica. Conocida artísticamente como Melanie C, Mel C y “Sporty Spice”, saltó a la fama como miembro de las Spice Girls.
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En su carrera en solitario ha editado seis álbumes de estudio y varios sencillos. Posee el récord de mayor cantidad de sencillos posicionados n° 1 en Inglaterra en lo que respecta a artistas femeninas debido a sus éxitos con las Spice Girls sumado a sus trabajos solistas. Igualada con Madonna, ambas con 11 N°1 en UK.
Se ubica también en la tercera posición entre los artistas británicos que mayor cantidad de sencillos han coescrito, solo detrás de John Lennon y Paul McCartney. Es además la única artista femenina en alcanzar el n° 1 de Inglaterra como parte de un quinteto, un cuarteto, hacer un dúo y en solitario. Lleva vendidos 20 millones de discos mundialmente en su etapa solista y más de 145 millones con las Spice Girls.
Álbumes
Northern Star (1999) (+4 000 000 copias)
Reason (2003) (+500 000 copias)
Beautiful Intentions (2005) (+1 500 000 copias)
This Time (2007) (+300 000 copias)
The Sea (2011)
Stages (2012)
Version of Me (2016)
EP
The Night (2012) (Solo Para Itunes)
Medicine Head
Medicine Head era una banda británica de blues rock , inicialmente un dúo, activa en la década de 1970. Su mayor éxito individual fue en 1973, con ” One and One Is One “, un éxito número 3 en la lista de singles del Reino Unido . El grupo grabó seis álbumes originales; el trío de apertura de los cuales estaban en la etiqueta Dandelion de John Peel .
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Fiddler y Hope-Evans se conocieron mientras asistían a la Escuela de Gramática Wednesdayfield , Wolverhampton y más tarde a la Escuela de Arte Stafford , solo para dejar de fumar , y comenzaron a actuar juntos de manera informal. Alrededor de 1968, comenzaron a interpretar canciones de blues y rock and roll en pubs y clubes de Birmingham y sus alrededores . El DJ de radio John Peel vio a Fiddler y Hope-Evans tocar en el Lafayette Club y luego compartió su música con John Lennon , Eric Clapton y Pete Townshend . Ante la insistencia de Lennon, el dúo fue firmado por Dandelion Records.
La grabación de demostración de “His Guiding Hand” fue lanzada como un single, Peel describió como “el sencillo más barato jamás hecho y uno de los discos clásicos de todos los tiempos” y mantuvo el single en su caja de discos más preciados . El primer álbum del dúo, New Bottles Old Medicine , fue grabado en una sola sesión de dos horas, y estuvieron de gira con Peel en muchos de sus conciertos, y Peel les pagó con sus propios honorarios. Su segundo álbum, Heavy on the Drum , fue grabado con Keith Relf , anteriormente de The Yardbirds , como productor. El sencillo ” (y las) imágenes en el cielo ” subió al no.UK Singles Chart en 1971. Esto no se incluyó en Heavy on the Drum , pero se agregó a las reediciones en CD de su debut, New Bottles Old Medicine . ” (Y The) Pictures in the Sky ” fue el primer éxito de la etiqueta Dandelion.
Hope-Evans dejó la banda por más de un año, y Fiddler, Relf (en el bajo), y el baterista John Davies grabaron el tercer álbum de la banda y el último en Dandelion, Dark Side of the Moon . Fue lanzado en 1972, un año antes del álbum de Pink Floyd del mismo nombre . Según Nicholas Schaffner , Pink Floyd cambió brevemente el nombre de su pieza (que ya estaban tocando en vivo), a Eclipse , hasta que el álbum de Medicine Head resultó ser “un fracaso comercial”. La canción “Only To Do What Is True” apareció en la compilación de 1972 , There Is Some Fun Going Forward .
Medicine Head firmó para Polydor Records , y Hope-Evans regresó para el álbum One & One Is One , producido por Tony Ashton y grabado con varios músicos de sesión . La canción principal se convirtió en el mayor éxito de la banda, alcanzando el número 3 en el Reino Unido en 1973, y lo siguieron con “Rising Sun” (número 11). Para el próximo álbum, Thru ‘A Five , el dúo fue aumentado regularmente por Rob Townsend, previamente de Family , en la batería, Roger Saunders en la guitarra y George Ford en el bajo. El álbum presentó el Slim Harpoinfluenciada por la canción “Slip and Slide”, que se convirtió en el éxito final de la banda, alcanzando el número 22 en el Reino Unido en 1974. A pesar de las giras constantes, a menudo como un acto de apoyo , Medicine Head no logró colocar un álbum en los álbumes del Reino Unido trazar . Para su álbum final, Two Man Band , grabado en los estudios Eel Pie de Pete Townshend , volvieron a ser un dúo. Medicine Head finalmente doblado en 1977.
En 2005, Angel Air lanzó el álbum Don’t Stop The Dance . En efecto, fue un álbum ‘perdido’, compilando algunos singles de un período sin éxito con el sello WWA, y algunas sesiones inéditas con la banda como cinco piezas. En marzo de 2007, el álbum debut de Medicine Head, New Bottles, Old Medicine fue reeditado en CD por Cherry Red Records . En mayo de 2009, Cherry Red también lanzó, One And One Is One – The Very Best Of Medicine Head . Fiddler lanzó álbumes en solitario después de la separación de la banda, pero revivió el nombre de Medicine Head para Fiddlersophical en 2011.
Albums
New Bottles, Old Medicine (1970)
Heavy on the Drum (1971)
Dark Side of the Moon (1972)
One & One Is One (1973)
Thru a Five (1974)
Medicine Head (1976)
Two Man Band (1976)
Live at the Marquee (2001)
Don’t Stop the Dance (2005)
Only the Roses (2005)
BBC Radio Sessions (2010)
Fiddlersophical (2011)[8]
Singles
“His Guiding Hand” (1969)
“Coast to Coast (And Shore to Shore)” (1970)
“(And The) Pictures in the Sky” (1971) – UK No. 22[2]
“How Does It Feel”/”Morning Light” (1972)
“Only to Do What Is True” (1972)
“Kum On”/”On the Land” (1972)
“One and One Is One” (1973) – UK No. 3
“Rising Sun” (1973) – UK No. 11
“Slip and Slide” (1974) – UK No. 22
“Mama Come Out” (1974)
“(It’s Got to Be) Alright” (1974)
“It’s Natural” (1976)
“Me and Suzie Hit the Floor” (1976)
Medina Azahara
Medina Azahara es una banda de rock española, reconocida como una de las agrupaciones más emblemáticas del llamado rock andaluz. La banda se formó en 1979 en Córdoba, Andalucía, por Manuel Martínez (voz), Pablo Rabadán (teclados), Manuel S. Molina (bajo), José A. Molina (batería) y Miguel Galán (guitarra).
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Al poco tiempo de su formación tuvieron la oportunidad de grabar su primer álbum, editado en 1979 por CBS y titulado como el grupo, el cual recoge las influencias de la banda, mezclando el hard rock de nombres como Deep Purple o Rainbow con características propias del rock sinfónico, y del mencionado rock andaluz que practicaban grupos como Triana, el cual ha sido una de las mayores influencias en el estilo de Medina Azahara. En este disco se encontraba el éxito Paseando por la mezquita, que se convirtió en un himno del grupo, al punto que el mismo álbum pasó a ser familiarmente conocido con ese nombre.? Los componentes iniciales del grupo eran Manuel Martínez (Voz), Miguel Galán (Guitarra), Manuel S. Molina (bajo), José Antonio Molina (batería) y Pablo Rabadán (teclados).
Siguiendo en la misma línea que el disco debut, crearon un segundo álbum que se tituló La esquina del viento, publicado en 1981. Luego cuando llegó Andalucía, en 1982, pero la escena del rock andaluz y su popularidad comenzaban a quedar atrás, con la consecuente merma comercial, lo que provocó un descanso productivo de discos, al tiempo que se desvinculaban de la CBS, aunque Medina Azahara siguió su actividad de gira.
En 1984 sale de la banda Manuel S. Molina y entra el exbajista de Mezquita, Randy López, que permanece nueve años en el grupo y aporta como compositor en canciones como “Navajas de cartón”, “El soldado”, “Velocidad”, “El destino” y “La guitarra” —con Vicente Amigo— entre otros. Poco tiempo después se produce otro cambio de formación con la salida de Pablo Rabadán debido a discrepancias personales con Miguel Galán, y entra Antonio Fernández como teclista.
En 1986 el grupo se autofinancia su nuevo álbum, Caravana española, con un sonido algo más moderno, cercano al pop rock —aunque conservando su estilo esencial—, el cual es lanzado por la pequeña compañía Tuboescape. No vio la luz hasta el año 1987, y el disco sería reeditado en reiteradas ocasiones por el sello Avispa.
A finales de 1988 Miguel Galán (guitarra) deja el grupo, lo que supone el regreso de Pablo Rabadán a los teclados. En 1989 Medina se puso en contacto con la mencionada compañía discográfica madrileña Avispa y con el mánager Javier Gálvez. Fue en julio de ese año cuando ingresa en el grupo un nuevo guitarrista, Paco Ventura. A continuación graban En Al-Hakim, que aparece el mismo año, en diciembre de 1989. La gira de este álbum supuso una vuelta a escena con un grupo renovado, ya que entró en el grupo Manuel Reyes, un baterista cordobés.? Para principios de 1990 la banda cuenta con un nuevo batería: Manuel Reyes.
Estudio
Medina Azahara (1979)
La esquina del viento (1981)
Andalucía (1982)
Caravana española (1986)
En Al-Hakim (1989)
Sin tiempo (1992)
Dónde está la luz (1993)
Árabe (1995)
Tánger (1998)
XX (2000)
Tierra de libertad (2001)
Aixa (2003)
La estación de los sueños (2005)
Se abre la puerta (2007)
Origen y leyenda (2009)
La historia continúa (2011)
La memoria perdida (2012)
Las puertas del cielo (2014)
Paraíso prohibido (2016)
Trece Rosas (2018)
En directo
En directo (1990)
A toda esa gente (1996)
En escena… (2008)
30 años y la historia continúa (2011)
Recopilaciones
Baladas (1999)
Versión Original (2002) (CD y DVD)
25 Años (2005) (2 CD & DVD)
Marcando el tiempo (2012)
Discos en solitario
Aventura (Paco Ventura) (1997)
En cuerpo y alma (Manuel Martínez) (1998)
Sol Navajo (Paco Ventura) (2009)
Black Moon (Paco Ventura) (2015)
Madre Tierra (Paco Ventura) (2019)
Las hojas de otoño (Manuel Martínez) (2019)
Mecano
Mecano fue un grupo español de música techno pop, activo entre 1981 y 1992, periodo al que hay que sumar una fugaz reaparición en 1998, que duró apenas ocho meses a partir de la edición de un doble disco recopilatorio que incluía siete nuevos temas grabados para la ocasión.
El grupo estaba formado por Ana Torroja y los hermanos Nacho y José María Cano. Fuera del grupo, pero parte integrante de la banda, tanto para las sesiones de estudio como para los directos, estuvieron grandes músicos entre bajistas y bateristas entre los que destacan Arturo Terriza, Manolo Aguilar, Nacho Mañó, Javier Quílez y los bateristas Ángel Celada y Óscar Astruga.
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Mecano realizó un pop que evolucionó desde una sonoridad puramente «tecno», durante su primera etapa (entre 1981 y 1985), hasta el eclecticismo de la que es considerada como segunda época artística (entre 1986 y 1992), en la que el grupo demostró una gran versatilidad a través de grandes producciones y de la incursión en diferentes estilos, siempre desde un planteamiento unificador logrado especialmente a través de la sonoridad pop de su vocalista, que sirvió como tamiz nivelador de las tan diferentes concepciones artísticas de sus dos autores.
Su éxito, sin precedentes en el mundo de la música cantada en español, se extendió, además de España, a toda Hispanoamérica, incluidos los Estados Unidos, y Filipinas. Llegando a obtener, cierta resonancia en otros países totalmente ajenos a la cultura musical española como Japón, Suecia, Alemania, Reino Unido, Brasil, Portugal y los Países Bajos. Gracias a las adaptaciones a otros idiomas realizadas de varios de sus temas, se dieron a conocer en otros países de habla no hispana como Italia, Francia, Bélgica, Suiza y Canadá, obteniendo una especial resonancia en Francia, donde la adaptación francesa del tema «Mujer contra mujer» («Une femme avec une femme»), alcanzó el primer puesto en la lista nacional de ventas, manteniéndose en esa posición durante ocho semanas consecutivas, lo que le hace seguir siendo, hasta el día de hoy, la canción extranjera que más semanas ha ocupado el primer puesto en las listas de ventas de ese país. Se estima que Mecano ha vendido 25 millones de discos en todo el mundo.
A mediados de la década de 1970, José María Cano conoce a Ana Torroja y comienza entre ambos un noviazgo adolescente. Así, y poco después, Ana Torroja, novia del joven guitarrista, acompañaría a éste en su afán por convertirse en cantautor, realizando las segundas voces y coros de sus primerizas composiciones de canción de autor, con canciones como «La cigarra y la hormiga» o el tema «¿Qué haces tú en el mundo?». Mientras tanto, Nacho acababa de romper relaciones con unos amigos con los que formaba el grupo Prisma, de sonido y pretensiones completamente alejadas de la música que realizaba su hermano. Posteriormente, a Ana y José María se uniría el menor de los Cano, también en las segundas voces y acompañando con una segunda guitarra.
Sería en esta andadura, ya en 1979, cuando José María se inscribe y es seleccionado para participar en el concurso de Televisión Española Gente Joven con el nombre de José María Cano y amigos. Durante el concurso interpretan la canción «¿Qué haces tú en el mundo?» compuesta por él mismo, así como una versión del tema «Al alba», de Luis Eduardo Aute. Tras su participación en este concurso, que se saldó con un mal resultado, siguieron actuando, ya no sólo en fiestas de colegios mayores de Madrid, sino también en pequeños locales de la capital, no como un grupo, sino siempre como un cantautor que se hace acompañar de su novia y de su hermano, del que empiezan a tocar algunas canciones. Será en ese ambiente cuando conocen a Miguel Ángel Arenas “Capi”, quien tanteando un par de compañías discográficas les consigue una prueba en CBS. Tras aconsejar que fuese Ana quien hiciese la voz principal, «el Capi» facilitó la decisión de la compañía de ofrecer al conjunto un inicial contrato que contemplaba la grabación de un único sencillo.
Los momentos iniciales del grupo están marcados por la desconfianza de la compañía en los tres jóvenes. A la discográfica le despistaba especialmente el componente cantautor del mayor de los hermanos, por lo que, de cara a la grabación del primer sencillo, se les plantea la necesidad de disponer de un material de marcado carácter juvenil, con la clara intención de buscar un éxito comercial. Así, tras varias semanas en el estudio, la compañía se decide por el tema «Hoy no me puedo levantar»,? editado el 22 de junio de 1981, en el que se describen las sensaciones juveniles después de un fin de semana de juerga, y con el tiempo convertido en auténtico himno del grupo.
Para la promoción del sencillo se pactó una escueta semana de radiodifusión en los 40 Principales que resultó insuficiente para darlo a conocer. Por este motivo, y de cara a lograr una mayor promoción, el padre de los Cano decide comprar, a precio de fábrica y de su propio bolsillo, 100 copias con el fin de enviarlas a distintas emisoras y prolongar así la promoción. Los resultados no se hicieron esperar, consiguiendo atraer la atención del público, especialmente a partir de un inicial éxito de carácter local en Valencia. Incluyendo en su cara B el tema «Quiero vivir en la ciudad», un homenaje a la ciudad de Madrid y único tema firmado por los dos hermanos, el sencillo debut contó con los arreglos de Luis Cobos y la producción de Jorge Álvarez y se convirtió finalmente en un gran éxito, vendiendo 40 000 ejemplares.
Sobre el nombre del grupo, al tratarse de tres personas que llegaban a una compañía discográfica sin pretensiones concretas al respecto, hubo de buscarse uno en los propios despachos de la compañía. Inicialmente, y a raíz de la admiración de los hermanos Cano (en especial Nacho) por el synth-pop inglés, se llegó a sugerir, jugando con el apellido de los chicos y la profesión del abuelo de Ana Torroja (mecánico), el nombre de Mecano Humano, en referencia al grupo The Human League , sin embargo, poco después, buscando un apelativo más comercial, lo acortaron quedando simplemente en Mecano, un nombre que, en todo caso, se ajustaba muy bien a la estética pop del momento y al sonido tecno que se decidiría dar a la primera producción del grupo. Años más tarde, ya en los 1990, Ana Torroja revelaría en una entrevista a la revista francesa Elle que «elegimos ese nombre (Mecano), para demostrar que se puede construir lo que uno quiera mezclando elementos de rock, flamenco, pop y soul», haciendo alusión al juego de construcción Meccano, algo completamente falso pero que encajaba muy bien con los diferentes estilos y sonidos que, con el tiempo, el grupo llegó a desarrollar en sus discos.
Álbumes de estudio:
1982: Mecano
1983: ¿Dónde está el país de las hadas?
1984: Ya viene el Sol
1986: Entre el cielo y el suelo
1988: Descanso dominical
1991: Aidalai
Álbumes en directo:
1985: Mecano en concierto
En otros idiomas:
1989: Figlio della Luna
1990: Descanso dominical (edición francesa)
1991: Aidalai (edición italiana)
1991: Aidalai (edición francesa)
1998: Ana|José|Nacho (edición francesa)
Álbumes recopilatorios, remixes y EP:
1983: Mecano (portada del reloj en color gris y amarillo; contraportada de “¿Dónde está el país de las hadas?” en color blanco grisáceo; cbs-dcs-1049; dl-nb:83-4566.).
1984: Mecano (foto-portada: columnas de mármol; edición Venezuela, nb: 87-3512.)
1986: Lo último de Mecano
1986: Baila con Mecano
1987: 12 grandes éxitos
1987: 15 grandes éxitos
1987: 15 éxitos (foto-portada: Ana vestida de azul; edición Venezuela, SonoRodven; nb: 87-2742.)
1989: 20 grandes canciones
1991: Hoy no me puedo levantar y otros grandes éxitos
1991: Hawaii-Bombay y otros grandes éxitos
1993: Queridos Mecano
1994: Personalidad vol. 1
1998: Ana|José|Nacho
2000: Grandes éxitos (foto-portada: foto montaje de “Descanso dominical” colocado sobre la foto de un atardecer, edición Venezuela, Líderes; nb: 259192.)
2005: Grandes éxitos
2005: Obras completas
2009: Siglo XXI
2013: Esencial Mecano
Sencillos:
«Hoy no me puedo levantar»
«Perdido en mi habitación»
«Me colé en una fiesta»
«Maquillaje»
«No me enseñen la lección»
«Barco a Venus»
«La fiesta nacional»
«El amante de fuego»
«Japón»
«Busco algo barato»
«No pintamos nada»
«Hawaii-Bombay»
«Ya viene el Sol»16?
«Aire»
«Ay qué pesado»
«Cruz de navajas»
«Me cuesta tanto olvidarte»
«No es serio este cementerio»
«Hijo de la Luna»
«No hay marcha en Nueva York»
«Los amantes»
«Mujer contra mujer»
«Un año más»
«Figlio della luna»
«La fuerza del destino»
«El blues del esclavo (versión tango)»
«El 7 de septiembre»
«El peón del rey de negras»
«Naturaleza muerta»
«Dalai Lama»
«Una rosa es una rosa»
«El fallo positivo»
«Tú»
«El club de los humildes»
«Stereosexual»
«Cuerpo y corazón»
«Otro muerto»
Max Lässer’s Ark
Max Lässer ha trabajado como músico independiente desde 1972. Los primeros años, especialmente en casa en la escena popular, siguieron la colaboración con los compositores Toni Vescoli y Walter Lietha. Otras estaciones fueron la banda de Hardy Hepp de la mano y el compositor Werner Widmer, con quien desarrolló un proyecto de comedia musical bajo el título Bluesmax. A mediados de la década de 1980, Max Lässer pertenecía a Andreas Vollenweider & Friends, con quien realizó giras por Europa y Estados Unidos y participó en grabaciones. Max Lässer se hizo un nombre como estudio y guitarrista en vivo, por ejemplo en la producción de Engelberg de Stephan Eicher, pero también como productor de Jellyfish Kiss y Les Reines Prochaines y como compositor de música para películas. Con Christoph Stiefel, creó la música para un documental sobre el Distrito 5 de Zúrich, la telenovela documental y la aerolínea, y para varios dibujos animados infantiles.
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Después de un primer álbum en estilo folk rock (1976), siguieron dos álbumes con antiguas danzas suizas en 1979 y 1981. Desde 1985 ha publicado varios álbumes instrumentales bajo el título El arca de Max Lässer. A finales de 1995 viajó a Sudáfrica. Los encuentros con los cantantes Lungiswa Plaatjies y Busi Mhlongo, el multiinstrumentista Pops Mohamed y otros músicos tuvieron una influencia audible en su música. El proyecto se realizó en vivo con 13 músicos y Büne Huber bajo el nombre de No naciones. El intercambio en el proyecto de la banda Madamax se profundizó con el guitarrista, cantante y compositor Madala Kunene de Durban, el cantante, percusionista y bailarín Lungiswa Plaatjies de Ciudad del Cabo y con Christoph Stiefel en los teclados. Paralelo a Madamax, Max Lässer comenzó a tocar música con Hank Shizzoe en 1998. 1999 y 2000 siguieron giras en dúo. En 2001 se lanzó el álbum Überland, una exploración de la música de la región alpina y vinculado a sus arreglos de antiguas danzas suizas hace más de 25 años. En 2002 se fundó la orquesta de once piezas con motivo de la Expo 02, seguida en 2003 por una gira suiza. 2001 también vio el primer contacto con Hubert von Goisern. Al año siguiente, Lässer fue invitado a las grabaciones en CD de Goiserns Trad II, que fue seguido en 2004 por una gira de 100 conciertos en Europa y África.
En 2010, Max Lässer recibió el Premio Cultura Aargau.
1985 Into The Rainbow (Max Lässer’s Ark) – AF Records – LP 85-01 / Impact, EAN 7640101898514
1989 Earthwalk (Max Lässer’s Ark) – Impact, EAN 7640101887518
1990 Timejump (Max Lässer’s Ark) – Impact, EAN 0076742676827
1992 A Different Kind Of Blue (Max Lässer’s Ark) – Impact, EAN 7640101979213
1996 Between – EAN 7619949896518
1999 Magic Hour – EAN 7619949811689
2000 Madamax – EAN 7640101979817
2001 Ueberland – EAN 7619949812037
2003 Labyrinth (Linard Bardill, Mich Gerber und Max Lässer) – Wigra Sound Service, EAN 9783908250722
2005 BAFO (Max Lässer’s Madamax) – Phonag Records, EAN 7619949813010
2009 Überländler (Max Lässer und das Überlandorchester) – EAN 7619994600016
2011 Iigschneit (Max Lässer und das Überlandorchester) – EAN 7619994600023
2014 1:1 (Max Lässer und das Überlandorchester mit Markus Flückiger, Töbi Tobler und Patrick Sommer) – EAN 7619949817421
Alte Schweizer Tänze – EAN 7619935030131
Extracto de Wikipedia
Mary Travers
Mary Travers (Louisville, 9 de noviembre de 1936 – Danbury, 16 de septiembre de 2009) fue una cantante y compositora estadounidense.
Mary Travers fue integrante del trío Peter, Paul and Mary, un exitoso grupo musical estadounidense de música folk en la década de 1960. También grabó cinco álbumes como solista.
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Se casó cuatro veces. Fue madre de dos hijas Erika Marshall y Alicia Travers.
Falleció debido a la leucemia que padecía, el 16 de septiembre de 2009 en Connecticut, a los 72 años.
Discografía
1962, Peter, Paul and Mary
1963, Moving
1963, In the Wind
1964, In Concert
1965, A Song Will Rise
1965, See What Tomorrow Brings
1966, The Peter, Paul and Mary Album
1967, Album 1700
1967, In Japan
1968, Late Again
1969, Peter, Paul and Mommy
1970, The Best of Peter, Paul and Mary: Ten Years Together
1971, Mary, Warner Bros. (solita)
1972, Morning Glory, Warner Bros. (solista)
1973, All My Choices, Warner Bros. (solista)
1974, Circles, Warner Bros. (solista)
1978, It’s In Everyone of Us, Chrysalis. (solista)
1978, Reunion
1983, Such Is Love
1986, No Easy Walk To Freedom
1988, A Holiday Celebration
1990, Flowers & Stones
1993, Peter, Paul and Mommy, Too
1995, Once Upon The Time
1995, PPM& (LifeLines)
1996, Lifelines Live
1998, Around the Campfire
1998, The Collection
1999, Songs of Conscience and Concern
2000, Don’t Laugh at Me
2004, Carry It On
2004, In These Times
2005, The Very Best of Peter, Paul & Mary
2005, Platinum Collection
2006, Weave Me the Sunshine
2008, The Solo Recordings (1971-1972)
Maroon 5
Maroon 5 es una banda musical de pop rock estadounidense. El grupo se formó originalmente entre 1994 y 1995 como Kara’s Flowers mientras sus integrantes cursaban la secundaria. Adam Levine, Jesse Carmichael, Mickey Madden y [Ryan Dusick] firmaron con A&M Records y posteriormente lanzaron un álbum, The Fourth World, en 1997. Después de una respuesta indiferente al álbum, la banda se separó de su sello discográfico y siguieron con sus carreras académicas en la universidad. En ese mismo año, la banda se reagrupó, añadió a James Valentine a la agrupación, y siguió una nueva dirección bajo el nombre de Maroon 5.
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Desde su debut en 2002, la banda ha vendido más de 30 millones de álbumes y 48 millones de sencillos mundialmente. Ganadores de tres Premios Grammy y trece nominaciones,? la banda ha lanzado seis álbumes de estudio: Songs About Jane (2002), It Won’t Be Soon Before Long (2007), Hands All Over (2010), Overexposed (2012), V (2014) y Red Pill Blues (2017).
Miembros
Adam Levine: voz, guitarra
Mickey Madden: bajo
James Valentine: guitarra, coros
Matt Flynn: batería, percusión
Jesse Carmichael: teclados, sintetizador, guitarra, coros
P. J. Morton: teclados, sintetizador, coros
Sam Farrar: guitarra, teclados, sintetizador, percusión, coros
Álbumes de estudio
2002: Songs About Jane
2007: It Won’t Be Soon Before Long
2010: Hands All Over
2012: Overexposed
2014: V
2017: Red Pill Blues
Marta Botía
Marta Botía Alonso (Madrid, 15 de septiembre de 1974) es una cantautora española, conocida junto a Marilia Andrés por formar parte del dúo Ella Baila Sola, grupo musical que fue conocido a finales de los años noventa.
Marta, hija de un publicista y de una directora de Iberia, creció en el barrio madrileño de Lavapiés y ya desde pequeña sintió una gran afición por la música. Cuando cursaba COU, conoció a Marilia Andrés Casares con quien formaría en principio un dúo llamado The Just cambiando más tarde de nombre por el de Ella Baila Sola, que las catapultaría a la fama.
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Ella Baila Sola se separaron en 2001, en el cénit de la fama, tras tres discos de estudio y uno de grandes éxitos, y Marta Botía comenzó su carrera en solitario con un disco titulado Cumplir lo prometido, que cuenta con colaboraciones como la de Antonio Vega, DJ Kun, Tomatito o Enrique Bunbury, amigo y artista admirado por Marta desde su época en Héroes del Silencio.
En 2003 participa en el DVD Ellas & Magia de Disney, interpretando la canción de Aladdín y el rey de los ladrones, “Que tu Luz no se Nuble Jamás”. En 2006 participó en la película Pobre Juventud, de Miguel Jiménez, interpretando el papel secundario de Esperanza. Actualmente, Marta reside en Nueva York con su marido y su hijo.
En septiembre de 2009, Marta vuelve de nuevo al panorama de la música con un nuevo dúo, sin Marilia pero con la incorporación de Rocío Pavón, llamado EBS. El nuevo álbum, editado por ellas mismas y con la colaboración del que fue su agente en la discográfica EMI durante su primera etapa, Gonzalo Benavides, lleva por título Despierta. En el año 2013 se anuncia la separación del nuevo dúo tras diversas desavenencias entre las dos componentes, además de con su representante. El éxito en esta etapa no es comparable con el obtenido previamente.
Después de esta separación, sin grabar disco, Marta realiza gira con María del Mar García.
En 2014 presenta su canción “No puedo parar de ti”, que forma parte de su nuevo disco en solitario Martamente que se editará en 2015 bajo el sello propio Hormigas Lejanas Producciones.
En 2018 comienzan los rumores de nuevo disco de Ella Baila Sola con Marta Botía y una nueva integrante, Virginia Mos, y en marzo de 2019 ve la luz este nuevo trabajo.
En la actualidad, Marta reside en Nueva York con su marido y sus dos hijos.
En solitario
Cumplir lo prometido, 2002 (20.000)
Martamente, 2015
Mark Knopfler
Mark Freuder Knopfler, OBE (Glasgow, Escocia, 12 de agosto de 1949) es un músico de sesión, guitarrista, productor discográfico, cantante y compositor escocés. Antes de su carrera como músico, trabajó de periodista y dio clases en la universidad. Principalmente conocido como fundador, guitarrista y cantante de la banda Dire Straits y su singular estilo con la guitarra sin púa, está considerado como uno de los músicos más importantes de la historia del rock. También ha tocado en otras bandas (Notting Hillbillies, Brewer’s Droop), para otros artistas (Bob Dylan en Slow Train Coming entre otros), participó en dos discos de Phil Lynott, Solo in Soho y The Philip Lynott Album) y ha realizado proyectos en solitario. Además, ha compuesto música para varias películas, incluyendo Local Hero, Comfort and Joy, Cal, La princesa prometida, Last exit to Brooklyn, La Cortina De Humo (Wag the dog), Metroland y A shot at glory y para otros cantantes como Tina Turner, Private Dancer. Actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con Dire Straits, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk. La revista Rolling Stone lo sitúa en el puesto 27º de la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.
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Mark Knopfler nació en Glasgow el 12 de agosto de 1949. Es el segundo de los tres hijos del matrimonio formado por el arquitecto húngaro judío Earwin Knopfler, cuyas simpatías comunistas le obligan en 1939 a exiliarse huyendo del régimen fascista establecido en su país, y Louisa Mary Laidler, inglesa de Newcastle. A los 9 años su familia se traslada a esta ciudad, a orillas del río Tyne, y se instala en Gosforth, un distrito suburbano de la misma. Ya por entonces le ha cogido gusto a la música oyendo a su tío Kingsley tocar boogie-woogie con el piano. Durante esos años de infancia, su padre intenta, con la ayuda de su tío, que aprenda a tocar el piano y también el violín, aunque lo que más le llama la atención es la guitarra.
Con 13 años, Mark asistía a la escuela primaria de su distrito y ya acostumbraba a coleccionar fotos de grupos musicales, sobre todo de guitarristas. Comenzó a insistirle a su padre para que le comprase una guitarra, y con 15 años consiguió por fin que le comprase una Hofner V2 Solid de colores rojo y negro, una guitarra estéticamente similar a una clásica “Stratocaster” que le costó 50 libras. Con ella aprendió escuchando a músicos como B.B. King, J.J. Cale, Jimi Hendrix o Hank Marvin y toca con amigos con los que practica en las casas de alguno de ellos, llegando incluso a tocar en algunas fiestas y bailes escolares. Uno de estos escarceos musicales lo llevó en 1966, con tan sólo 16 años, a aparecer junto a su amiga Sue Hercombe en una televisión local, la NRK, en una entrevista en la que interpretaron la canción “Chilly Winds”.
En 1968, tras haber estudiado periodismo durante un año en el Harlow Technical College de Essex, consigue, gracias al hermano de una conocida suya, un empleo en el Yorkshire Evening Post de Leeds en el que trabajó durante dos años haciendo reseñas de grupos locales y de algunas de las grandes bandas que actuaban en la ciudad. Durante estos años, y gracias a su trabajo de reportero, conoce a Steve Phillips, músico local que trabaja como restaurador en el Leeds City Art Gallery and Temple Newsam House, con quien entabla amistad. Sus grandes afinidades musicales les lleva a formar un dúo al que llaman The Duolian String Pickers y a grabar, en abril de 1970, una maqueta de una canción original de Mark, Summer’s Coming my Way, junto a otros dos músicos, Dave Johnson en el bajo y Paul Granger en la percusión.
El 18 de septiembre de 1970 escribe su última crónica en el Yorkshire Evening Post acerca de la muerte de Jimi Hendrix. Conmocionado por la noticia, decide dejar el periódico e iniciar estudios de filología inglesa en la Universidad de Leeds que le mantienen en la ciudad hasta 1973. Durante ese período sigue tocando junto a Steve Phillips, quien recoge algunos de sus trabajos en común en el álbum Just Pickin’ publicado en 1996. También durante esta etapa universitaria se casa por primera vez con Kathleen Urwin White, una chica que, como él, viene de Newcastle y que estudia en su misma universidad. El matrimonio se celebró en el registro de Northumberland South de Leeds el 4 de marzo de 1972 y duró apenas dos años.
Álbumes de estudio
1996: Golden Heart
2000: Sailing to Philadelphia
2002: The Ragpicker’s Dream
2004: Shangri-La
2005: The Trawlerman’s Song (EP)
2005: One Take Radio Sessions (EP)
2007: Kill To Get Crimson
2009: Get Lucky
2012: Privateering
2015: Tracker
2018: Down the Road Wherever
Bandas sonoras
1983: Local Hero (Un tipo genial)
1984: Cal (Cal)
1984: Comfort & Joy (Comfort & Joy) (EP)
1986: The Color of Money (El Color del Dinero) (Banda sonora con varios artistas)
1987: The Princess Bride (La princesa prometida)
1987: In Private – In Public. The Prince and Princess of Wales (Documental) (Banda Sonora no editada)
1989: Last Exit To Brooklyn (Last exit to Brooklyn)
1995: Swan Hunter Shipyard (Documental) (Banda sonora no editada)
1997: Wag The Dog (La cortina de humo)
1999: Metroland (Metroland)
1999: Robbie the Rednose Reindeer: Hooves of fire (Película de dibujos animados) (Banda sonora no editada)
2000: A Shot At Glory (Camino hacia la gloria)
2016: Altamira (Altamira)
Colaboraciones
1989: Booze Brothers
1990: Missing… Presumed Having A Good Time (con Notting Hillbillies)
1990: Neck and Neck (con Chet Atkins)
2006: All the Roadrunning (con Emmylou Harris)
2006: Real Live Roadrunning (con Emmylou Harris)
Álbumes recopilatorios
1993: Screenplaying
2005: Private Investigations: The Best of Dire Straits & Mark Knopfler
Marillion
Marillion (pronunciado m??r?l?j?n) es una banda británica de rock, formada en Aylesbury, Buckinghamshire, Inglaterra, en 1979. Es reconocida como la banda más exitosa de las que surgieron de la ola de rock neoprogresivo de Reino Unido de los años ochenta del siglo XX,? ya que han vendido quince millones de álbumes en todo el mundo.
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Su discografía de estudio desde el año 1982 consta de diecisiete álbumes, los cuales se suelen dividir en dos épocas distintas, determinadas por la marcha del grupo del vocalista original, Fish, a finales de 1988, y la consiguiente llegada a Marillion de Steve Hogarth a comienzos de 1989. Además de Hogarth, forman parte de Marillion el guitarrista Steve Rothery (miembro original), el teclista Mark Kelly (desde diciembre de 1981), el bajista Pete Trewavas (desde 1982) y el percusionista Ian Mosley (desde 1984). Entre los años 1983 y 1994, Marillion consiguió colocar ocho álbumes entre las listas de los más vendidos en Reino Unido, incluyendo un número uno en 1985 con su álbum Misplaced Childhood. Además, durante el periodo liderado por Fish once de sus temas entraron en el Top 40 en la UK Singles Chart, entre ellos el éxito de 1985 “Kayleigh”, que alcanzó el número dos y se convirtió así en su sencillo más exitoso. El primer álbum realizado con Hogarth a la voz, titulado Seasons End y publicado en 1989, también se situó entre los diez primeros en las listas de ventas; los álbumes posteriores, hasta su separación de la discográfica EMI tras la publicación en 1996 del directo Made Again y la pérdida de popularidad a finales de los noventa, obtuvieron también buenos resultados comerciales.? Excepto por un resurgimiento a finales de los años 2000, Marillion ha sido una banda de culto desde entonces.3?4? Con Hogarth a la voz, Marillion ha logrado otros doce éxitos en el Top 40 del Reino Unido, entre los cuales se encuentra el tema de 2004 “You’re Gone”, que se alzó hasta el séptimo puesto, el más alto de los conseguidos en esta segunda época. La banda continúa dando conciertos por todo el mundo, y según la revista Classic Rock y su lista de los mejores cincuenta directos de la historia (“50 Best Live Acts of All Time”), Marillion se sitúa en el 38.º lugar.
Marillion está considerada como una de las primeras bandas populares en haber reconocido y usado el potencial comercial de la interacción con sus aficionados a través de internet.? La historia del uso de internet por la banda, que comenzó hacia 1996, está descrita por Michael Lewis en el libro Next: The Future Just Happened como un ejemplo de cómo internet está desplazando el poder desde élites establecidas, como pueden ser las discográficas multinacionales. El grupo Marillion también es famoso por contar con una legión de aficionados realmente devotos de la banda que llegan a viajar grandes distancias regularmente tan sólo para acudir a un concierto,? lo cual se debe en gran medida a la relación estrecha que Marillion cultiva a través de su página web, de podcasts, convenciones bienales y publicaciones periódicas para los fanes.? El lanzamiento de su álbum Anoraknophobia en 2001, el cual fue financiado por sus seguidores mediante pedidos por adelantado en lugar de mediante un contrato con una compañía, adquirió una atención significativa y fue calificado por la BBC como “una campaña de fondos única”.? Asimismo, Alexis Petridis escribió para el diario The Guardian que Marillion eran los “pioneros indiscutibles” de la música financiada por los seguidores.
Marillion se formó en 1979 con el nombre de “Silmarillion”, en honor a la novela de J. R. R. Tolkien El Silmarillion, por Mick Pointer, Steve Rothery y otros. Dieron su primer concierto en el Berkhamsted Civic Centre, en Hertfordshire, el 1 de marzo de 1980.
Posteriormente, en 1981, el nombre fue acortado a Marillion para evitar posibles conflictos relacionados con los derechos de autor,? al mismo tiempo que Fish y William Minnitt? ocuparon el puesto del vocalista y bajista original, Doug ‘Rastus’ Irvin en una audición en Leyland Farm Studios en Buckinghamshire el 2 de enero de 1981. Rothery, el batería Mick Pointer y el teclista Brian Jelliman completaban esta formación, que dio su primer concierto en el Red Lion Pub de Bicester, Oxfordshire, el 14 de marzo de 1981. Para el final de 1981, Kelly ya había sustituido a Jelliman, mientras que Minnitt fue reemplazado por Pete Trewavas en 1982.? William “Diz” Minnitt formó más tarde [[Pride of Passion.
Los primeros trabajos de Marillion contenían las letras poéticas e introspectivas de Fish conjugadas con un tapiz musical complejo, para crear un sonido que reflejara las influencias, entre las que destacan Queen, Genesis, Pink Floyd, Van der Graaf Generator, Rush (específicamente de finales de los setenta) y Yes. La primera grabación de Marillion fue una cinta maqueta producida por Les Payne en julio de 1981, la cual incluía versiones iniciales de “He Knows You Know”, “Garden Party” y “Charting the Single”.
La banda atrajo atención hacia sí con una sesión de tres temas (versiones primeras de los temas “The Web”, “Three Boats Down from The Candy” y “Forgotten Sons”) para el Friday Rock Show, gracias a lo cual firmaron con EMI. A continuación, publicaron su primer sencillo, “Market Square Heroes”, en 1982, con la canción épica “Grendel” en la cara B del formato de vinilo de 12″. Tras ese primer sencillo, Marillion puso a la venta en 1983 su primer álbum, Script for a Jester’s Tear.
Álbumes de estudio
Script for a Jester’s Tear (1983)
Fugazi (1984)
Misplaced Childhood (1985)
Clutching at Straws (1987)
Seasons End (1989)
Holidays in Eden (1991)
Brave (1994)
Afraid of Sunlight (1995)
This Strange Engine (1997)
Radiation (1998)
Marillion.com (1999)
Anoraknophobia (2001)
Marbles (2004)
Somewhere Else (2007)
Happiness is the Road (2008)
Less is More (2009)
Sounds That Can’t Be Made (2012)
FEAR (F*** Everyone and Run) (2016)
Compilaciones
Brief Encounter (EE. UU. Mini LP, 1986)
B’Sides Themselves (1988)
From Stoke Row To Ipanema (1990)
A Singles Collection (1992)
Marillion Music Collection (Italia, 1993)
Kayleigh (Países Bajos, 1996)
Essential Collection (Reino Unido, 1996)
The Best of Marillion (Rusia, 1996)
Best Of Both Worlds (1997)
Real to Reel y Brief Encounter relanzados como un CD doble (1997)
Kayleigh – The essential collection (Reino Unido, 1998)
The Singles 82-88 Caja de CD con 12 sencillos tal y como fueron lanzados en el Reino Unido. (2000)
The Singles 89-95 Caja de CD con 12 sencillos tal y como fueron lanzados en el Reino Unido. (2002)
Warm Wet Circles (Países Bajos, 2003)
Remixes
Remixomatosis (2005)
Álbumes en vivo
Real to Reel (1984)
The Thieving Magpie/La gazza ladra (2 CD, 1988)
Made Again (1996)
Anorak Live in the UK (2 CD, 2002)
Popular Music
Marbles Live (2005)
Marbles by the Sea (2005)
Friends Live (2007)
Live from Loreley ([1987])(2 CD) (A.C.U)
Live From Cadogan Hall (2010) Acústico
Brave Live 2014 (2014)
All One Tonight – Live At The Royal Albert Hall (2018)
Lanzamientos de Racket Records
Live at the Borderline (Racket 1, 1992)
Live in Caracas (Racket 2, 1992)
Live in Glasgow (Racket 3, 1993)
Tales From The Engine Room (Racket 7, 1998)
Marillionrochester (2 CD, Racket 8, 1998)
Piston Broke (Racket 9, 1998)
Unplugged At The Walls (2 CD, Racket 10, 1999)
marillion.zodiac (Racket 11, 1999)
marillion.co.uk (Racket 12, 2000, reissued 2002 & 2005)
How We Live: Dry Land (Racket 13, 1987)
The Wishing Tree: Carnival of Souls (Racket 14, 2001)
A Crash Course – An Introduction to Marillion (Racket 15, 2001)
ReFracted! (2 CD, Racket 17)
Another DAT at the office (2 CD, Racket 18)
Fallout (2 CD, Racket 19)
Caught in the Net (2 CD, Racket 20)
AWOL (Racket 21)
Brave Live 2002 (Racket 22, 5 April 2002)
View from the Balcony (Racket 23, Front Row Club Sampler)
Remixomatosis (2004, Racket 24, diferente del álbum mencionado com Remix)
CD/DVD de Navidad
Christmas 1998 Happy Christmas Everybody (1998) CD
Christmas 1999 marillion.christmas (1999 CD
Christmas 2000 A Piss-up in a Brewery (2000) CD
Christmas 2001 A verry Barry Christmas (2001) CD
Christmas 2002 Santa and his Elvis (2002) CD
Christmas 2003 Say Cheese! (2003) CD
Christmas 2004 Baubles (2004) CD
Christmas 2005 Merry XMas to our Flock (2005) CD
Christmas 2006 The Jingle Book (2006) CD
Christmas 2007 Somewhere Elf (2007) CD
Christmas 2008 Pudding on the Ritz (2008) CD
Christmas 2009 Snow de Cologne (2009) DVD
Christmas 2010 Ding, Dong Loreley On High… (2010) DVD
Christmas 2011 Live at German Space Day 2004 (2011) DVD
Christmas 2012 Sleighed Again (2012) DVD
Christmas 2013 Proggin’ around the Christmas Tree (2013) DVD
Christmas 2014 Chile for the Time of Year (2014) 2CD
Lanzamientos de Front Row Club
Front Row Club Issue 1 (FRC-001, Ludwigshalle, Dieburg, Alemania, 9 de noviembre de 1998)
Front Row Club Issue 2 (FRC-002, The Academy, Manchester, Inglaterra, 18 de noviembre de 1999)
Front Row Club Issue 3 (FRC-003, The Luxor, Arnhem, Países Bajos, 25 de junio de 1995)
Front Row Club Issue 4 (FRC-004, The Borderline Club, Londres, Inglaterra, 9 de mayo de 1992)
Front Row Club Issue 5 (FRC-005, The Barrowlands, Glasgow, Escocia, 4 de diciembre de 1989)
Front Row Club Issue 6 (FRC-006, Michael Hunter, River, 1994)
Front Row Club Issue 7 (FRC-007, Salle de Fetes Beaulieu, Lausana, Suiza, 19 de octubre de 1991)
Front Row Club Issue 8 (FRC-008, Le Spectrum, Montreal, Canadá, 6 de septiembre de 1997)
Front Row Club Issue 9 (FRC-009, Forum, Londres, Inglaterra, 28 de abril de 1996)
Front Row Club Issue 10 (FRC-010, Moles Club, Bath, Inglaterra, 12 de diciembre de 1990)
Front Row Club Issue 11 (FRC-011, Bass Brewery Museum, Burton-On-Trent Inglaterra, 17 de noviembre de 2000)
Front Row Club Issue 12 (FRC-012, Sala Bikini Barcelona, España, 12 de diciembre de 2000)
Front Row Club Issue 13 (FRC-013, Ahoy Rotterdam, Países Bajos, 29 de septiembre de 1995)
Front Row Club Issue 14 (FRC-014, The Ritz Roseville, USA, 22 de febrero de 1990)
Front Row Club Issue 15 (FRC-015, Curtain Call)
Front Row Club Issue 16 (FRC-016, Ateneu Popular de Nou Barris Barcelona, España, 10 de enero de 1998)
Front Row Club Issue 17 (FRC-017, 013 Tilburg, Países Bajos, 13 de octubre de 2001)
Front Row Club Issue 18 (FRC-018, The E-Werk, Colonia, Alemania, 2 de septiembre de 1992)
Front Row Club Issue 19 (FRC-019, Civic, Wolverhampton, Inglaterra, 4 de noviembre de 1998)
Front Row Club Issue 20 (FRC-020, Copenhague, Dinamarca, 28 de mayo de 1994)
Front Row Club Issue 21 (FRC-021, Londres, 28 de febrero de 2001)
Front Row Club Issue 22 (FRC-022, Utrecht, 29 de mayo de 1997)
Front Row Club Issue 23 (FRC-023, Aylesbury, 30 de abril de 2004)
Front Row Club Issue 24 (FRC-024, París, Francia, 18 de noviembre de 1998)
Front Row Club Issue 25 (FRC-025, Mannheim, Alemania, 4 de diciembre de 1999)
Front Row Club Issue 26 (FRC-026, Oxford, Inglaterra, 25 de julio de 1999)
Front Row Club Issue 27 (FRC-027, Cambridge, Inglaterra, 17 de septiembre de 1995)
Front Row Club Issue 28 (FRC-028, Sao Paulo, Brasil, 5 de octubre de 1992)
Front Row Club Issue 29 (FRC-029, Philadelphia, USA, 9 de octubre de 2004)
Front Row Club Issue 30 (FRC-030, Bielefeld, 20 de marzo de 1994)
Front Row Club Issue 31 (FRC-031, Milwaukee, 20 de septiembre de 1997)
Front Row Club Issue 32 (FRC-032, Richmond, 3 de agosto de 2002)
Front Row Club Issue 33 (FRC-033, Londres, 5 de septiembre de 1992)
Front Row Club Issue 34 (FRC-034, Utrecht, 3 de diciembre de 2005)
Front Row Club Issue 35 (FRC-035, Londres, 5 de diciembre de 2005)
Front Row Club Issue 36 (FRC-036, Bensancon, 5 de octubre de 1989)
Front Row Club Issue 37 (FRC-037, Nueva York, 12 de junio de 2005)
Front Row Club Issue 38 (FRC-038, Varsovia, 22 de mayo de 2007)
Front Row Club Issue 39 (FRC-039, Liverpool, 16 de septiembre de 1991)
Front Row Club Issue 40 (FRC-040, Ámsterdam, 12 de diciembre de 2007)
Front Row Club Issue 41 (FRC-041, Poughkeepsie, 15 de agosto de 1995) – descarga
Front Row Club Issue 42 (FRC-042, San Francisco, 11 de septiembre de 2005) – descarga
Front Row Club Issue 43 (FRC-043, Manchester, 30 de noviembre de 2007) – descarga
Marc Bolan
Marc Bolan (nacido Mark Feld; Londres, Inglaterra, 30 de septiembre de 1947-ibídem, 16 de septiembre de 1977) fue un músico y cantante británico y una de las figuras más populares del glam rock durante la década de 1970. Fue el líder del grupo Tyrannosaurus Rex, nombre posteriormente acortado a T. Rex.
El sobrenombre Bolan es una contracción del nombre de su admirado Bob Dylan (Bo-lan).
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Nació en Hackney, al este de Londres el 30 de septiembre de 1947, siendo el hijo de un camionero. Cuando tenía 15 años, su familia se mudó de Hackney a Wimbledon, en el sudoeste de Londres. Sus primeras influencias musicales fueron Gene Vincent, Eddie Cochran y Chuck Berry. Se convirtió en un mod, dejándose ver por los lugares más emblemáticos de Soho.
A los 15 años deja la escuela, y entra a trabajar como modelo.
Tras grabar varios discos bajo el nombre de Toby Tyler (sonando muy folk, como sus admirados Donovan y Bob Dylan), ingresa a la banda proto punk y mod John’s Children, la cual pareció inicialmente muy prometedora, siendo muy aclamados en sus recitales y llegando a realizar algunas grabaciones. Una de sus primeras grandes canciones sería “Desdemona” de 1967, escrita por el mismo Bolan, la cual fue vetada por la BBC por sus letras controvertidas.
Junto al percusionista Steve Peregrin Took fundó, en 1967, la banda Tyrannosaurus Rex. Bajo este nombre grabaron tres álbumes: My People Were Fair and Had Sky in Their Hair But Now They’re Content to Wear Stars on Their Brows (1968), Prophets, Seers and Sages – The Angels of the Ages (1968) y Unicorn (1969). A comienzos de los años setenta, Bolan echó a Took y se unió con Mickey Finn para formar T. Rex. Sus éxitos más recordados son canciones como Children of the Revolution, Ride a White Swan, Hot Love y Get It On (Bang a Gong), ambas nº 1 en el Reino Unido. así como Jeepster, Cadillac. A mediados de los años setenta, la popularidad de Marc Bolan descendió pese a que T. Rex continuó sacando discos a la venta.
Tyrannosaurus Rex
My People Were Fair and Had Sky in Their Hair… But Now They’re Content to Wear Stars on Their Brows (1968)
Prophets, Seers & Sages: The Angels of the Ages (1968)
Unicorn (1969)
A Beard of Stars (1970)
T. Rex
T. Rex (1970)
Electric Warrior (1971)
The Slider (1972)
Tanx (1973)
Zinc Alloy and the Hidden Riders of Tomorrow (1974)
Bolan’s Zip Gun (1975)
Futuristic Dragon (1976)
Dandy in the Underworld (1977)
Sencillos en solitario
“The Wizard” / “Beyond the Risin’ Sun” (1965)
“The Third Degree” / “San Francisco Poet” (1966)
“Hippy Gumbo” / “Misfit” (1966)
“Beyond The Sun” (2007)
Dib Cochran & The Earwigs
“Oh Baby / Universal Love” (1970)
Big Carrot
“Blackjack” / “Squint Eye Mangle” (1973)
Máquina!
Máquina! (en catalán Màquina!) fue un grupo de rock progresivo y jazz-rock fundado en Barcelona en 1969 y disuelto en 1972. Fueron pioneros del rock progresivo en España y están considerados como uno de los mejores grupos de rock de los años 70. Su primer disco, “Why?”, es probablemente el más recordado del progresivo español y uno de los mejores discos de rock grabados en España.
El origen de Máquina! se encuentra como banda de acompañamiento de los diversos grupos que formaban el Grup de Folk durante el año 1968; en especial del cantante Jaume Sisa, con el que tocaban bajo el nombre de La Companyia, SL.
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Tras la disolución del Grup de Folk, Jordi Batiste y Enric Herrera deciden formar su propio grupo y pasarse al rock. Primero entra el baterista Santiago García “Jackie”. Según explica Herrera en el libro “Barcelona, del rock progresivo a la música layetana”, la intención inicial era ser un trío en el que él tocaría guitarra y teclado, como Steve Winwood en The Spencer Davis Group, pero la llegada de Lluís Cabanach “Luigi”, forzó un cambio de planes y la banda pasaría a ser un cuarteto.
El line-up final sería: Jordi Batiste, bajo, voz y flauta; Enric Herera, piano, órgano Hammond y arreglos musicales; Luigi, guitarra; Jackie, batería. Las mayoría de las canciones las componían juntos Batiste (letra) y Herrera (música). En toda la música de Máquina! se puede apreciar el talento de Herrera como conductor, siendo el teclado, en la gran mayoría de los casos, el instrumento que dirige las canciones.
El grupo Máquina! hizo su música siempre en inglés, según dicen, para diferenciarse de la corriente catalana de la Nova Cançó, y del pop español comercial de la época. Puesto que en España no se estudiaba este idioma en aquella época, los títulos de los singles solían ir acompañados de la traducción al castellano, que no siempre era literal. El inglés lo habían aprendido de forma autodidacta y, por supuesto, había errores gramaticales y de pronunciación.
Con el apoyo de Ángel Fábregas y su sello Als 4 Vents, donde trabajan a cambio de grabaciones y promoción, editaron su primer single en agosto de 1969: “Lands of Perfection/Let’s Get Smashed”. La Cara A del single era una canción con un gran protagonismo de órgano Hammond y un marcado estilo de rock psicodélico. La Cara B era un alegre jazz instrumental dirigido por el piano.
Este primer single recibió una buena acogida en ventas, 10.000 copias, y en crítica. Aunque también se remarcaba el poco futuro de este tipo de música en España. En su presentación en Madrid en el mes de septiembre fueron echados de varios clubs por el tipo de música que hacían. La presentación en Barcelona, en el San Carlos Club, en octubre, fue mucho mejor recibida.
A finales de ese mismo año y ya con un nuevo baterista, Josep Maria Vilaseca “Tapioles” o “Tapi”, publicarían el single “Earth’s Daughter/Look Away Our Happiness”. En este segundo trabajo se aprecia una evolución considerable. La Cara A es un cuidado tema pop con arreglos orquestales a cargo de Enric Herrera. La Cara B, un tema rock de gran originalidad dirigido magistralmente por el órgano Hammond. Este segundo single tendría todavía un éxito considerable con 7.000 copias vendidas.
Larga Duración
Why? (Diabolo/Als 4 Vents, 1970)
En Directo (Als 4 Vents, 1972)
… Funciona! (Wah Wah, 2004)
Lets Get Smashed (Picap, 2010)
Corta Duración
Lands of Perfection/Let’s Get Smashed (Diábolo, 1969)
Earth’s Daughter/Look Away Our Happiness (Diábolo, 1969)
I Believe/Thank You (Diábolo, 1970)
Sun bring the summer/Burning butts (Ariola, 1971)
Take it easy/King Kong Rides Again (Diábolo, 1972)
Funciona…! (Als 4 Vents, 1982)
Recopilaciones
Música Progressiva a Catalunya Nº1 (Concèntric, 1970)
Música Progresiva Española Vol. 1 (Ariola, 1971)
Descubrimiento del Tesoro Musical de los Años 70 (Apolo Records, 1978)
Grandes Grupos Españoles Paso a Paso, 1960-1977 (K-Tel International, 1978)
Barcelona Progressiva (Picap, 2011)
Manolo Tena
José Manuel de Tena Tena, conocido como Manolo Tena (Benquerencia de la Serena, Badajoz, 21 de diciembre de 1951-Madrid, 4 de abril de 2016) fue un cantante y compositor español.
Formó parte de los grupos musicales Cucharada (1977-1981) y Alarma!!! (1983-1986). Fue uno de los artistas referentes del rock madrileño en la década de 1980.
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En 1988 empezó su carrera en solitario con Tan raro mientras continuó componiendo para artistas como Miguel Ríos, Ana Belén, Luz Casal, Rosario Flores, o Ricky Martin. Entre sus principales creaciones están Frío, Sangre española o Tocar Madera.
En 2015 reapareció con un nuevo álbum titulado Casualidades.
Hijo de emigrantes extremeños que llegaron a Madrid,? vivió gran parte de su vida en el barrio de Lavapiés. Interesado por el rock and roll desde muy joven, a los 14 años ya tocaba los fines de semana con un bajo prestado en orquestas por Madrid y alrededores.
Dejó pronto los estudios y trabajó en numerosos oficios: botones, aprendiz de imprenta, camarero, dibujante y vendedor. Con su sueldo compró la primera guitarra.? Más tarde ingresó en la universidad para estudiar filología inglesa, pero no terminó la carrera.? Aprendió a tocar, de manera autodidacta, el bajo y algo de piano.4? Entre las impresiones que le marcan en su poética: el mar.
Entre sus primeras influencias en los años 70 estaba la ironía de Frank Zappa, las canciones de John Mayall y la estética de Lindsay Kemp. En sus entrevistas ha explicado que también era un ávido lector de poesía, con Rubén Darío y Antonio Machado entre sus autores predilectos.
«La verdad es que soy bastante autodidacta, aunque me fascinan, además de Lorca, Kavafís, Gil de Biedma y los poetas oscuros, como Rimbaud o Baudelaire. Ingresé en la Universidad después de los 25 años para estudiar Filología inglesa, pero no terminé porque solo me daban bibliografía. Aprendí inglés con un diccionario y el Sargent Peppers de los Beatles. Y aprendí guitarra fijándome en los acordes en los conciertos y ejercitándome en las posturas de las canciones de John Mayall», explica en una entrevista en 1994.
En sus comienzos empezó a actuar con el seudónimo de Lolilla Cardo, un personaje “izquierdista y chistoso”,? cantando temas sociales con sarcasmo. Entre sus primeras colaboraciones está la que hizo en 1975 con Luis Eduardo Aute en el disco Babel (Ariola Records).
Estudio
Tan raro (1988)
Sangre española (1992)
Las mentiras del viento (1995)
Juego para dos (1997)
García Lorca, poeta en Nueva York (1998)
Insólito (2000)
Canciones nuevas (2008)
Casualidades (2015)
Directo
Básicamente (2003)
El concierto de Las Ventas (2014), grabación de 1993
Recopilatorio
Grandes éxitos y rarezas (1998)
Extracto de Wikipedia
Manolo García
Manuel García García-Pérez, conocido como Manolo García, (Barcelona, 19 de agosto de 1955) es un cantautor, compositor y pintor amateur español.
Grabó sus primeros discos con grupos como Los Rápidos y Los Burros, alcanzó el éxito comercial con El Último de la Fila y actualmente continúa su carrera en solitario. Se caracteriza por un sonido pop rock mestizo con ritmos árabes, aflamencados y melódicos y por sus letras que aúnan poesía, lírica y surrealismo.
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El artista catalán se ha caracterizado durante toda su carrera por mantener su vida personal muy alejada de su vida pública, por lo que el estado civil de Manolo García, así como su vida privada y todo lo alejado de lo estrictamente artístico, queda fuera del conocimiento popular. No obstante, se sabe que es hermano de la también cantante Carmen García, componente del grupo Carmen.
Nacido en Barcelona e hijo de albaceteños (sus padres son de Férez),? su infancia estuvo marcada por sus primeros coqueteos artísticos y las vivencias en un barrio de inmigración barcelonés (Pueblo Nuevo) donde «todos éramos murcianos, andaluces…», en el que se escuchaba sobre todo copla. A la temprana edad de 7 años se encontraba realizando performances en la terraza de su hogar, en las que ya combinaba distintos enfoques artísticos mezclando la pintura con desechos industriales como bidones o plásticos y otros elementos de difícil categorización. Todo ello alternado con sus estudios básicos obligatorios.
El perfil artístico que primero empezó a manifestar fue su afición a la pintura y la plástica. A los 14 años aún continuaba experimentando con las posibilidades de las artes plásticas, dedicándose a probar nuevos productos y pegamentos, mediante una formación totalmente autodidacta y con carácter amateur. No es hasta poco después cuando entra en el mundo laboral como pintor de cuadros al óleo, donde, según Quimi Portet, se convirtió en un especialista en cielos y lagos, debido a que se encargaba de rellenar las zonas azules de los paisajes, generalmente cielos y lagos.
Tras acabar sus estudios básicos, en torno a los 17 años, comienza a dar tumbos en el mundo laboral, con trabajos como empleado de una empresa metalúrgica, donde ganó un concurso de dibujo organizado por la propia empresa, o botones en una agencia de publicidad, al tiempo que seguía su progresión artística. Buscando su vocación, empieza a trabajar en el estudio de diseño gráfico de dicha empresa publicitaria, es entonces cuando decide estudiar diseño gráfico, matriculándose en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, donde recibe su primera formación especializada sobre las artes plásticas.
A los 21 años, inmerso ya en el mundo de la música siendo componente de diversas bandas locales, trabajaba como diseñador para casas discográficas dedicadas a la realización de covers (copias piratas) de los LP nacionales de más éxito de mediados de los 70. Durante los seis años de trabajo en dicha discográfica, Manolo García llegó a realizar los diseños de más de 400 carátulas, generalmente de formato casete.
En 1981, al acabar el servicio militar, Manolo García llegó a rodar unas escenas al final de la película, con guion de Francesc Bellmunt, La batalla del porro, a la que llegó por casualidad supliendo a un compañero que no pudo asistir al rodaje.
Discografía básica
Arena en los bolsillos (BMG, 1998)
Nunca el tiempo es perdido (BMG, 2001)
Para que no se duerman mis sentidos (BMG, 2004)
Saldremos a la lluvia (Sony Music, 2008)
Los días intactos (Sony Music, 2011)
Todo es ahora (Sony Music, 2014)
Geometría del rayo (Sony Music, 2018)
Discografía extendida
Arena en los bolsillos: Singles (BMG, 1999)
Nunca el tiempo es perdido: Los singles + canciones en directo gira 2001-2002 (BMG, 2002)
Singles, directos y sirocos (BMG, 2005)
De mares y visiones (BMG, 2010): Recopilatorio editado sólo para Latinoamérica.
Saldremos a la lluvia, Digibook Edición especial. (DVD+CD). (2008, Sony Music)
Todo es ahora, En directo. (Doble CD) (2017, Sony Music)
Geometría del Rayo. En Directo, Oviedo. (Doble CD+DVD) (2018, Sony Music – Perro Records)
Geometría del Rayo. Edición Especial. (Triple CD+DVD) (2018, Sony Music – Perro Records): Contiene los álbumes Geometría Del Rayo + Geometría Del Rayo. En Directo, Oviedo
Acústico, Acústico, Acústico. (Doble CD+Doble DVD) (2020, Sony Music – Perro Records)
Sencillos
De “Arena en los bolsillos”
Pájaros de barro (BMG, 1998)
Carbón y ramas secas (BMG, 1998)
Zapatero (BMG, 1998)
Como quien da un refresco (BMG, 1998)
A San Fernando, un ratito a pie y otro caminando (BMG, 1999)
Sobre el oscuro abismo en que te meces (BMG, 1999)
De “Singles – Arena en los bolsillos”
Prefiero el trapecio (BMG, 1999)
De “Nunca el tiempo es perdido”
Nunca el tiempo es perdido (BMG, 2001)
Somos levedad (BMG, 2001)
Un plan (BMG, 2001)
Prendí la flor (BMG, 2001)
Rosa de Alejandría (BMG, 2002)
Vendrán días (BMG, 2002)
De “Los singles + Canciones en directo gira 2001-2002 – Nunca el tiempo es perdido”
Los singles de Nunca el tiempo es perdido (BMG, 2002)
De “Para que no se duerman mis sentidos”
Para que no se duerman mis sentidos (BMG, 2004)
Una tarde de sol (BMG, 2004)
Niña Candela (BMG, 2005)
Si te vienes conmigo (BMG, 2005)
De “Singles, directos y sirocos”
Sólo amar (BMG, 2005)
Ardió mi memoria (BMG, 2006)
De “Saldremos a la lluvia”
No estés triste (BMG, 2008)
Sabrás que andar es un sencillo vaivén (BMG, 2008)
Saldremos a la lluvia (BMG, 2009)
De “Los días intactos”
Un Giro teatral (2011)
Sombra de la sombra de tu sombrero (2011)
Lo quiero todo (2011)
De “Todo es ahora”
Es mejor sentir (2014)
Campanas de libertad (2014)
Caminaré (2014)
De “Geometría del rayo”
Nunca es tarde (2018)
Rarezas
Covers de Triana (Grabación ilícita, posiblemente en 1980)
Niña Candela (DVD promocional) (BMG, 2005)
Manfred Mann’s Earth Band
Manfred Mann’s Earth Band es un grupo británico de rock progresivo formado en Londres en 1971 por el músico sudafricano Manfred Mann.(Manfred Mann es el nombre artístico de Manfred Lubowitz.)
Manfred Mann’s Earth Band nace en 1971 como secuela del anterior grupo de Mann: Manfred Mann Chapter Three, el cual llegó a editar dos álbumes durante su corta vida, entre 1969 y 1970, combinando el jazz rock con incipientes sonoridades progresivas, que se cristalizarían en la Earth Band más plenamente. Para este proyecto Mann se rodeó de nuevos músicos, quienes dieron forma a un álbum debut homónimo editado a principios de 1972: el guitarrista y vocalista Mick Rogers, el bajista Colin Pattenden y un joven Chris Slade en batería, quien luego sería parte de grupos como AC/DC, Uriah Heep, The Firm o Asia, entre otros.
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Hacia fines de 1972 la Earth Band edita un segundo LP, Glorified Magnified, seguido de una serie de álbumes que marcarían la época cásica de la banda, entre 1973 y 1976: Messin’, Solar Fire, The Good Earth y Nightingales & Bombers, todos grabados con la misma formación, tras lo cual el cantante y guitarrista Mick Rogers se aleja del grupo.
Para The Roaring Silence de 1976 es convocado el cantante y guitarrista Chris Hamlet Thompson, más un guitarrista líder, Dave Flett, pasando Manfred Mann’s Earth Band a ser un quinteto, no obstante Mick Rogers participa en coros. De aquí en más las formaciones de la Earth Band comienzan a tornarse más inestables: para el siguiente álbum Watch (1978), el bajista Colin Pattenden es reemplazado por Pat King, mientras que en Angel Station, de 1979, Geoff Britton reemplaza a Chris Slade, al tiempo que aparece el guitarrista y cantante Steve Waller haciéndose cargo de las voces junto a Chris Hamlet Thompson.
Álbumes
Manfred Mann’s Earth Band (1972)
Glorified Magnified (1972)
Messin’ (1973)
Solar Fire (1973)
The Good Earth (1974)
Nightingales & Bombers (1975)
The Roaring Silence (1976) UK # 101?
Watch (1978) UK # 331?
Angel Station (1979) UK # 301?
Chance (1980)
Somewhere in Afrika (1983) UK # 871?
Budapest Live (en vivo, 1984)
Criminal Tango (1986)
Masque (1987)
Plains Music (como “Manfred Mann’s Plains Music”, 1991)
Soft Vengeance (1996)
Mann Alive (en vivo, 1998)
2006 (2004)
Extracto de Wikipedia
Maná
Maná es una banda de rock alternativo y rock pop mexicana. Se formó en Guadalajara, Jalisco en 1986. Está formada por Fher Olvera (guitarra rítmica líder, armónica y voz líder), Juan Calleros, (bajo líder y contrabajo), Álex González (batería y voz) y Sergio Vallín (guitarra y voz).? Ha vendido más de 40 millones de discos en todo el mundo.
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El grupo ha ganado cuatro premios Grammy, ocho Premios Grammy Latinos, cinco MTV Video Music Awards Latinoamérica, cinco Premios Juventud, diecinueve Premios Billboard de la Música Latina y quince de los Premios Lo Nuestro. Además ha obtenido múltiples premios por su labor a favor de la ecología. En el 2012 formaron parte del paseo de rock en Hollywood, Estados Unidos.
Su sonido se basa en los ritmos latinos y pop latino. En un principio recibieron el éxito comercial internacional en México, Australia y España, y desde entonces han ganado popularidad y la exposición en toda Latinoamérica, Estados Unidos, Europa Occidental, Asia y Oriente Medio.
Los orígenes de Maná se remontan a un grupo musical llamado Sombrero Verde, cuyos integrantes Fher Olvera, como voz, Gustavo Orozco, a la guitarra eléctrica, y los hermanos Calleros, Juan, al bajo, Ulises, a la guitarra eléctrica y Abraham, a la batería, eran originarios de Guadalajara. En un inicio tocaban en bares. En 1980 decidieron juntarse para tocar distintos temas de grupos a los que admiraban, entre ellos The Beatles, Led Zeppelin, The Police, The Rolling Stones, entre otros. Inicialmente, se hacían llamar The Green Hat Spies, pero pronto el nombre se abrevió a Green Hat y, finalmente, se adaptó al español como Sombrero Verde, ya que la banda deseaba tocar rock en su propio idioma, siendo de los primeros grupos en aventurarse a componer sus propias canciones aun cuando el rock en español no era una tendencia.5?
En 1981 publicaron su primer disco, Sombrero verde, con el sello Ariola; los sencillos fueron “Vampiro”, “Profesor”, “Long time” y “Despiértate”.
En 1983 lanzaron A tiempo de rock; los sencillos del álbum serían “Laura”, “Hechos nada más” y “Me voy al mar”. Con esta producción el grupo logró escaso éxito.
En 1984, Abraham Calleros, baterista del grupo, decide dejar la banda para continuar su carrera musical en Estados Unidos. El grupo decide poner un anuncio en el periódico solicitando un nuevo integrante, gracias a esto encuentran al joven baterista de origen cubano-colombiano nacido en Miami, Álex González.
La vida de Sombrero Verde continuó hasta 1986, cuando el guitarrista Gustavo Orozco decide también abandonar la agrupación para concentrarse en sus estudios académicos. Al quedar de nuevo el grupo como cuarteto, Fher decide cerrar el libro de Sombrero Verde y formar una nueva banda que fusionara el rock, pop y los ritmos latinos.
En esa época comenzó en México el movimiento denominado «Rock en tu idioma», una estrategia comercial de algunas compañías discográficas encaminada a llamar la atención de los jóvenes para desarrollar música rock en español. La tendencia, importada de Argentina y España, estaba avalada por el trabajo pionero de grupos como Mecano, Soda Stereo, Enanitos Verdes, Ole, Ole, Los Prisioneros, Nacha Pop, La Unión, Radio Futura, Hombres G y Zas (la banda de Miguel Mateos); como consecuencia de ello, aparecieron varias bandas mexicanas formadas por jóvenes con influencias musicales de grupos estadounidenses y europeos. Surgieron así las bandas líderes del movimiento en México: Caifanes, Maldita Vecindad, Café Tacuba y, entre ellas, Maná, quienes lograrían éxito no solo a nivel local sino también internacionalmente.
Mamas & The Papas – The
The Mamas & the Papas (llamados The Mama’s and the Papa’s en su álbum debut) fue un grupo vocal líder en la década de 1960. Fue uno de los grupos estandartes del folk rock neoyorquinos y uno de los pocos grupos estadounidenses que mantuvieron su éxito durante la Invasión británica junto a The Beach Boys y The Byrds. El grupo hizo grabaciones y actuó desde 1965 a 1968; produciendo cinco álbumes y tuvieron diez canciones en las carteleras musicales; aunque estuvieron un corto tiempo en la cima de la música, mantienen todavía fieles seguidores.
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John Phillips, Cass Elliot, Denny Doherty y Michelle Phillips formaron la banda después de que fracasaran sus anteriores grupos de música folk. Su primer éxito en España fue Monday Monday, primer número uno de la historia de Los 40 Principales el 18 de julio de 1966, aunque el lado B del disco, la canción California Dreamin’, fue la que ha perdurado en el tiempo y la que más identifica al grupo.
El nombre del grupo fue inspirado en un programa de entrevistas que se emitía a diario en la TV. Después que el grupo grabó su álbum If You Can Believe Your Eyes and Ears, la banda fue conocida por un tiempo como “The Magic Circle” (el círculo mágico). Buscando un nombre fácil de recordar, ellos se sentaron a pensar uno nuevo. Alguien encendió la TV y estaban transmitiendo un programa de entrevistas.
Lo primero que ellos escucharon fue algo de una “Mamá”, entonces Cass se paró y dijo que quería ser una mamá, y Michelle dijo que también quería ser una mamá. John y Denny se miraron y John dijo, “¿Papás? Okay, problema resuelto.” La banda tenía su nuevo nombre. Sin embargo, otra versión señala que en sus primeros conciertos, los jóvenes de entonces se referían a las chicas como “the mamas”. Entonces, John y Denny reclamaron “Si ustedes son las mamás, entonces nosotros seremos los papás… seremos “The mamas and the papas”.
La infidelidad provocó la ruptura del grupo. Denny Doherty llegó a convertirse en amante de Michelle Phillips, que estaba casada con John Philips, pero mantuvieron el secreto hasta que, durante un viaje a México, Denny reveló a Cass Elliot que estaba secretamente enamorado de Michelle. Cass, al enterarse, se puso furiosa porque a su vez estaba enamorada en secreto de él. Tiempo después John halló en la cama a Michelle y Denny y se marchó de casa.
Más adelante, Michelle y John se reconciliaron y compraron juntos una casa en Bel Air mientras la banda trataba de salir adelante. Las cosas fueron bien por un tiempo. El grupo grabó su tercer álbum, Deliver, que se convirtió en un gran éxito y durante ese tiempo Denny comenzó a beber para olvidar a Michelle.
El grupo se disolvió en 1968. En una entrevista tras su separación, en la revista Rolling Stone, Cass admitió que ella había declarado a sus compañeros que quería ser solista y que eso había propiciado la ruptura del grupo. Mientras tanto, según versiones más polémicas, el abuso de las drogas, los celos, el alcoholismo y los problemas de peso de Cass Elliot fueron los desencadenantes de la posterior separación del grupo.
Elliot empezó una exitosa carrera como solista y viajó por los Estados Unidos y Europa. En obligación a sus contratos, la compañía de discos decidió que la banda hiciera un álbum más. Después de estar un año separados, la banda se reagrupó y lanzó su último álbum en 1971 titulado People Like Us (Gente como nosotros).
Cass Elliot murió de un ataque al corazón el 29 de julio de 1974 mientras estaba de gira. Años después, en 1990, una hija de John y Michelle, Chynna, formó, junto con las hermanas Carnie y Wendy Wilson (hijas de Brian Wilson, miembro de The Beach Boys), el trío Wilson Phillips, que cultiva una música vocal claramente influenciada por la que realizaron sus padres y cuyos mayores éxitos fueron Hold On y Release Me, con los que obtuvieron sendos discos de oro.
En 1998, el grupo ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Papa John Phillips murió de un infarto el 18 de marzo de 2001. El 19 de enero de 2007, falleció Denny Doherty por unos problemas renales.
Álbumes de estudio
1966 If You Can Believe Your Eyes and Ears
1966 The Mamas & the Papas
1967 The Mamas & the Papas Deliver
1968 The Papas & The Mamas
1971 People Like Us
Recopilaciones de grandes éxitos
1967 Farewell To The First Golden Era
1968 Golden Era, Vol.2
1969 Hits Of Gold
1969 16 Greatest Hits
1972 Monday, Monday
1973 20 Golden Hits
1997 Greatest Hits
Extracto de Wikipedia
Mama Cass
Cass Elliot, nacida como Ellen Naomi Cohen (Baltimore, Maryland, 19 de septiembre de 1941-Londres, 29 de julio de 1974) y popularmente conocida como Mama Cass, fue una cantante estadounidense. Integrante fundadora del grupo The Mamas & the Papas; después de la disolución de la banda tuvo una brillante carrera como solista.
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Mama Cass Elliot falleció en un apartamento de dos dormitorios propiedad del músico Harry Nilsson, que utilizaba cada vez que viajaba a Londres? situado en el barrio de Mayfair, apenas unas horas después de haber cantado en el teatro London Palladium.
Una semana después de su muerte se confirmó que tuvo un infarto.
Ellen Cohen nació en Baltimore, Maryland, hija de un matrimonio judío conformado por Philip y Bess Cohen. Creció en Baltimore y después su familia se trasladó a Alexandria, Virginia, un suburbio de Washington DC. Adoptó el nombre “Cass” en el instituto, posiblemente, tal y como ha señalado Denny Doherty, tomándolo prestado de la actriz Peggy Cass. De todas formas era Cass, en ningún caso “Cassandra”. Asumió el apellido Elliot más tarde, en memoria de un amigo que murió.
Empezó su carrera como actriz con un papel en la obra The Boy Friend (El Amigo) mientras aún estaba en el colegio. Después de dejar el instituto George Washington, poco antes de la graduación, se trasladó a Nueva York, donde apareció en la obra The Music Man, aunque acabó perdiendo el papel de Miss Marmelstein en I Can Get It for You Wholesale, en beneficio de Barbra Streisand en 1962.
Mientras trabajaba en un guardarropía en The Showplace, en Greenwich Village, Elliot solía cantar a veces, aunque no fue hasta su regreso al área de Washington para estudiar en la American University cuando empezó a labrarse una carrera como cantante. La música folk estaba en auge en América y Elliot conoció al músico y cantante Tim Rose y al cantante John Brown y juntos empezaron a actuar como “The Triumvirate” (El Triunvirato). En 1963, James Hendricks sustituyó a Brown y el trío fue rebautizado como “The Big Three” (Los 3 Grandes). La primera grabación de Elliot fue Winkin’, Blinkin y Nod, con “The Big Three”, lanzada por FM Records en 1963.
Cuando Tim Rose dejó “The Big Three” en 1964, Elliot y Hendricks se juntaron con los canadienses Zal Yanovsky y Denny Doherty para formar el grupo “The Mugwumps”. Este grupo duró ocho meses, tras los cuales Cass actuó como solista por un tiempo. Yanovsky se juntó con John Sebastian para co-fundar “The Lovin’ Spoonful”, mientras Doherty se unió al grupo “The New Journeymen” con John Phillips y su mujer, Michelle. Finalmente, en 1965, Doherty convenció a Philips de que Cass tenía que unirse al grupo. Así lo hizo, mientras estaban de vacaciones en las Islas Vírgenes.
Una leyenda urbana sobre Elliot es que su rango vocal mejoró en tres notas después de ser golpeada en la cabeza por un tubo de cobre poco antes de unirse al grupo. Elliot confirmó dicha historia en una entrevista para la revista Rolling Stone en 1968. Sin embargo, según gente que la conocía bien, esta historia no era cierta y Elliot siempre tuvo una increíble voz. Sus amigos decían que la habladuría sobre el tubo de cobre era usada de una forma políticamente correcta para justificar el hecho de que John hubiera tardado tanto en hacerla entrar al grupo, ya que la razón real era que John la consideraba demasiado gorda.
Discografía en solitario
Álbumes de estudio
1968: Dream a Little Dream – US #87
1969: Bubblegum, Lemonade, and… Something for Mama – US #91
1969: Make Your Own Kind of Music – US #169 (es una nueva edición de Bubblegum, Lemonade… con otros sencillos exitosos incluidos)
1971: Dave Mason & Cass Elliot- US #49
1972: Cass Elliot
1972: The Road Is No Place for a Lady
Recopilaciones
1971: Mama’s Big Ones (grandes éxitos en solitario) – US #194
Conciertos
1973: Don’t Call Me Mama Anymore
Sencillos
1968: “Dream a Little Dream of Me” (Mama Cass with the Mamas & the Papas) – US #12 Pop/#2 AC, UK #11
1968: “California Earthquake” – US #67
1969: “Move in a Little Closer, Baby” – US #58 Pop/#32 AC
1969: “It’s Getting Better” – US #30 Pop/#13 AC, UK #8
1969: “Make Your Own Kind of Music” – US #36 Pop/#6 AC
1970: “New World Coming” – US #42 Pop/#4 AC
1970: “A Song That Never Comes” – US #99 Pop/#25 AC
1970: “The Good Times Are Coming” – US #104 Pop/#19 AC
1970: “Don’t Let the Good Life Pass You By” – US #110 Pop/#34 AC
Mahavishnu Orchestra
La Mahavishnu Orchestra fue un grupo de jazz rock pionero en la fusión entre el Rock y el Jazz . Estuvo activo entre 1970 y 1976, reuniéndose de nuevo brevemente de 1984 a 1986.
La versión original estaba liderada por el Mahavishnu John McLaughlin en guitarra acústica y guitarra eléctrica, y los miembros Billy Cobham , anteriormente cofundador del grupo Dreams, en la percusión, Rick Laird (bajo eléctrico y bajo acústico), Jan Hammer en piano eléctrico y acústico, y Jerry Goodman , que había sido líder del grupo The Flock, en el violín. El grupo tuvo 2 álbumes muy conocidos los cuales además de ser del género jazzistico y progresivo: The Inner Mounting Flame (1971) y Birds of Fire (1973).
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El grupo es considerado pionero del movimiento jazz fusión o Jazz Rock. McLaughlin y Cobham se conocieron mientras grababan para Miles Davis. McLaughlin también se influenció por sus estudios con el gurú Sri Chinmoy, quien le dio el nombre de Mahavishnu con el que se daría a conocer.
McLaughlin tenía ideas sui generis acerca de cómo instrumentar su grupo, buscando siempre el concepto de mezclar géneros a la hora de componer. Especialmente, buscaba un violinista. Luego hizo patente su guitarra de doble cuello (con 6 y 12 cuerdas), y Hammer añadió un sintetizador Moog, lo cual le permitió entablar un diálogo con el lenguaje de la guitarra de McLaughlin.
En los 2 álbumes mencionados arriba, sin embargo, el grupo va de esta intensa fusión de géneros (como en la canción “Noonward Race”) hasta piezas más calmadas, como “A Lotus On Irish Streams” y “Thousand Island Park”, que tenían guitarra acústica, piano y violín, o también desde bajo perfil hasta saturación en una misma canción (i.e., “Open Country Joy”).
Discografía
1. The Inner Mounting Flame (1971)
2. Birds of Fire (1972)
3. Between Nothingness and Eternity (1973, grabado en vivo)
4. The Lost Trident Sessions (1973, lanzado en 1999)
5. Apocalypse (1974)
6. Visions of the Emerald Beyond (1975)
7. Inner Worlds (1976)
8. Mahavishnu (1984)
9. Adventures in Radioland (1986)
Extracto de Wikipedia
Maceo Parker
Maceo Parker (/?me?si?o?/; 14 de febrero de 1943) es un cantante y saxofonista estadounidense de funk, soul y jazz. Es mundialmente conocido por su trabajo con James Brown en la década de los sesenta, con el grupo Parliament-Funkadelic en los setenta y más recientemente con Prince.
Parker era un solista prominente en muchas de las grabaciones que catapultaron a Brown a la fama, siendo además una parte dominante de su banda, tocando el saxofón alto, tenor y barítono. Desde principios de los noventa trabaja en solitario.
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Parker nació en Kinston, Carolina del Norte. Su padre tocaba el piano, la batería y, junto con su esposa, cantaban en la Iglesia. Su hermano, Melvin, también tocaba la batería y su hermano Kellis el trombón. El primero y Parker se unieron a James Brown en 1964, aunque Brown quería inicialmente que Melvin fuera el batería, pero aceptó contar con Maceo.
Parker, Melvin y algunos integrantes de la banda de Brown fundaron en 1970 Maceo & All the King’s Men, que estuvo de gira dos años. En 1974, Parker regresó con Brown para, un año después, volver a marcharse y unirse a la banda de George Clinton Parliament-Fundakelic. Entre 1984 y 1988 Parker volvió a trabajar con Brown.
En la década de los noventa comenzó una carrera en solitario. Su primer álbum en este período, Roots Revisited, se colocó durante diez semanas en lo más alto de las listas de Jazz contemporáneo en Estados Unidos. Hasta la fecha ha lanzado un total de 11 álbumes en solitario desde 1990. Por otra parte, su banda ha sido calificada como la orquesta funk más grande del mundo o la banda del millón de dólares.
En su álbum en vivo de 1992 Life on Planet Groove trabaja con la saxofonista holandesa Candy Dulfer. En 1993, Parker hizo varias apariciones como invitado en el álbum Buhloone Mindstate del grupo de hip-hop De La Soul. A finales de esta década, Parker comenzó a colaborar de manera semi-regular con Prince, acompañando en las giras a su banda, The New Power Generation.? También ha trabajado con Jane’s Addiction en la canción My Cat’s Name is Maceo para su álbum recopilatorio Kettle Whistle de 1997. En 1998, Parker actuó como invitado en el concierto de Dave Matthews Band, el cual se convirtió en uno de sus primeros álbumes en vivo: Live in Chicago.
En 2007, Parker actuó con Prince en las 21 Noches de Prince en el Millennium Dome? y en el Foro de Los Ángeles en 2011. El álbum de Maceo, Roots & Grooves con el WDR Big Band es un homenaje a Ray Charles, a quien Parker cita como una de sus influencias más importantes.? El álbum ganó un Jammie para el mejor álbum de jazz en 2009. Posteriormente, y tras el éxito recibido, volvió a colaborar con WDR Big Band en 2012 con el álbum Soul Classics. En octubre de 2011, Parker fue incluido en el Salón de la Fama de Carolina del Norte.? Por su parte, en julio de 2012 fue galardonado con el premio Lifetime Achievement de Victoires Du Jazz en París, Francia.? En mayo de 2016, Parker recibió de su estado natal el North Carolina Heritage Award.
Actualmente sigue viajando y encabezando las listas de numerosos festivales de jazz en Europa y haciendo hasta 290 conciertos al año.
Extracto de Wikipedia
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[03:46] 01. Yes Sir, No Sir |
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01. The Power To Believe I: A Cappella [0:44] |
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01. On Top Of The World (featuring Eric Clapton & John McVie) (Live: 19 Mar 1966 London, UK) |
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01. Unititled Original (6:38) |
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[3:54] 01. The Allman Brothers Band – Melissa |
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1. Uncle John’s Band (False Start 1) (Not Slated) (01:04) |
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CD1 |
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[08:11] 01. Hell in a Bucket (with Branford Marsalis) (Live 1990) |
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1 When I Was Young 3:10 |
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CD 1 |
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1. Feels Like The First Time |
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01. Sweet Little Angel (16.01.68) (04:28) |
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1. The Score (9:22) |
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CD 1 |
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01.Intro-Dirty Diana |
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1. Intro (02:29) |
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01. Nothing at All (4:43) |
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[7:04] 01. Knocking At Your Back Door |
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01. Hush [0:04:24.20] Personnel: |
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1. Sara Smile |
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01. Born Again |
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Disc: 1 |
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[01:41] 01. Cream – Steppin’ Out (Live in session 8 Nov 66) |
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CD1 – Live In London: |
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01. First Light [0:05:01.59] Personnel: |
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1. Ballad Of Easy Rider (Roger McGuinn, Bob Dylan) – 2:07 |
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1. Dancing In the Dark (Live at Shoreline Amphitheatre, Mountain View, CA – 10/13/1986) (05:04) |
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Disc 1: |
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[00:08] 01. Intro with Bill Graham (Live) |
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01 – I Miss You |
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[4:18] 01. Statesboro Blues (Live At Fillmore East, March 13, 1971) |
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CD1: |
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CD1 |
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01. Jitter Bug (Live) |
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01. Double Trouble (Live) |
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01. I Ain’t the One (Live) |
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CD 1: |
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CD 1: |
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01. Double Trouble (Live) |
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CD1: |
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CD1: |
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01. Last Of A Dyin’ Breed (03:52) |
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01. Last Of A Dyin’ Breed 3.51 |
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1. Still Unbroken 5.07 |
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01. Travelin’ Man 4.04 |
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01 Double Trouble 3:01 |
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CD 1 |
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01 – Still Unbroken |
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01 Sweet Home Alabama 4:45 |
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CD1: |
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01. Lynyrd Skynyrd – Gimme Three Steps [04:32] |
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01. That’s How I like It [4:33] |
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CD 1 |
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Contenido |
01. Santa’s Messin’ With The Kid 3.15 |
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Sweet Home Alabama 4:45 |
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01. Rossington Collins Band – Prime Time |
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01. Workin’ (4:54) Personnel |
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[4:45] 01. Sweet Home Alabama |
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1. What’s Your Name 3.44 |
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01. We ain’t much different |
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1. “We Ain’t Much Different” – 3:44 |
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CD1: |
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1 Workin’ For MCA |
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01. Down South Jukin’ [02:39] |
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Contenido |
01. Good Lovin’s Hard To Find – 3:55 Personnel |
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1 Sweet Home Alabama 4:43 |
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1 |
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01. Smokestack Lightning [4:29] |
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Contenido |
Sweet Home Alabama 4:43 |
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01. Introduction By Lacy Van Zant / Workin’ For MCA (06:04) |
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1. Georgia Peaches (3:13) |
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CD1 – The Original Album: |
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01. What’s Your Name (03:33) |