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1 Cuerpo De Ola 3:03 |
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01 – Albo |
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1 Taramundi 130 4:03 |
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1 Tanzila 4:20 |
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1 Busindre Reel 4:37 |
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1. Nuestros nombres |
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1 Entre Dos Tierras 6:05 |
Hombres G
Hombres G es una banda de rock y pop rock española.
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La banda se crea cuando por casualidad, coincidieron un día Rafa Gutiérrez y David Summers en los pasillos de Televisión Española, donde tenían que hacer un trabajo de figuración en el programa “Aplauso”. Poco después Rafa le pidió a David que interviniera con el clarinete en el nuevo grupo que estaba montando con su hermano Felipe. David accedió, pero a cambio le pidió tocar su guitarra para el demo que estaba preparando por su cuenta junto a dos amigos de la infancia, Daniel Mezquita Hardy (teclados y guitarra) y Javier Molina (batería)
En 1982, con el nombre Los Bonitos Redford, la banda debutaba, en el mítico local madrileño Rock-Ola, combinando textos naif con guitarras de influencia Beatle, melodías que podrían recordar al grupo británico The Beatles en sus inicios y un regusto a la New Wave que llegaba, también, de las islas británicas. El grupo Los Nikis puso en contacto a los chicos con la discográfica que editaba los discos del citado grupo y así, el 23 de febrero de 1983, fichaban por dos años con Discos Lollipop.
Entre abril y mayo de ese año, grababan en Estudios Trak sus cuatro primeros temas que serían editados en dos sucesivos sencillos; Los dos primeros en junio, “Milagro en el Congo” y “Venezia”, ya con el nombre definitivo de “Hombres G”. Meses después, “Marta tiene un marcapasos” y “(La Cagaste) Burt Lancaster”, mientras seguían actuando en directo. En la primavera de 1984, Hombres G preparaba las maquetas para una primera larga duración de Discos Lollipop. Allí ya estaban “Devuélveme a mi chica”, “Nassau”, “No te puedo besar”, “Matar a Castro” y “Dejad que las niñas se acerquen a mí”.
Tras el verano de 1984, Discos Lollipop se encontró con problemas de liquidez tras las escasas ventas del tercer sencillo del grupo Metal y Ca., por lo que les propusieron retrasar la grabación del álbum para el año siguiente. Ante esto y la falta de respuesta positiva del resto de discográficas, pensaron incluso en abandonar la música, mientras cierra una actuación de “casi” despedida, más bien para los amigos, en la sala Autopista, en el Centro Comercial La Vaguada, en octubre de 1984.
Hombres G se encuentran casi en un callejón sin salida, con una compañía incapaz de seguir apostando por ellos, y con las negativas de las grandes multinacionales a sus nuevas maquetas. En esta situación reciben una oferta discográfica. Se trata de Paco Martín, que acaba de montar un nuevo sello, Twins, y les ofrece grabar su primer álbum.
El nombre del grupo viene del film G-Men, una película americana del cine negro de 1935 protagonizada por James Cagney, en la que los G-Men (Hombres G) eran agentes del FBI.
Álbumes
Hombres G (1985)
La cagaste… Burt Lancaster (1986)
Estamos locos… ¿o qué? (1987)
Agitar antes de usar (1988)
Voy a pasármelo bien (1989)
Ésta es tu vida (1990)
Historia del bikini (1992)
Peligrosamente juntos (2002)
Todo esto es muy extraño (2004)
10 (2007)
Desayuno continental (2010)
En la Playa (2011)
Resurrección (2019)
Extracto de Wikipedia
Hilario Camacho
Hilario Camacho Velilla (Madrid, 8 de junio de 1948 – Ib., 16 de agosto de 2006) fue un cantautor español.
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Camacho nació en el barrio madrileño de Chamberí. A los catorce obtuvo su primera guitarra y a los quince compuso su primera canción. Mientras cursaba estudios universitarios de Economía, se incorporó al colectivo Canción del Pueblo junto a otros cantautores como Elisa Serna, Adolfo Celdrán, Ignacio Fernández-Toca o Carmina Álvarez y al que más adelante se unió también Manuel Toharia? y Julia León. El acto fundacional de este grupo tuvo lugar en un concierto en noviembre de 1967 en el Instituto Ramiro de Maeztu de Madrid. Desde entonces amplían el ámbito universitario al que habían limitado sus actuaciones.
Este grupo supuso un fenómeno paralelo a la nova cançó catalana aunque, tal y como ellos declaraban, «sin la financiación y el apoyo de la burguesía como en Cataluña». Ese mismo año 1967, se creó la sociedad anónima Editorial Universitaria Madrileña (Edumsa), que produjo discos del colectivo musical Canción del Pueblo con el título unitario de Ensayo.
Singles
1968. Ensayo 2. Disco recopilatorio universitario de varios autores donde Camacho incluye versiones de El son del desahucio y El fusilamiento, dos poemas de Nicolás Guillén.
Estudio
1972. A pesar de todo
1975. De paso
1977. La estrella del alba
1981. La mirada del espejo
1986. Subir, subir
1986. Gran ciudad (incluye el tema de la serie televisiva Tristeza de amor)
1990. El mercader del tiempo
1998. Lunático Veneno
2003. No cambies por nada
2006. Una mirada diferente. Se estaba preparando cuando falleció el cantautor.
Directo
1997. En concierto (con dos temas nuevos)
Recopilatorios
1991. Lo esencial
1994. Tristeza de amor (reedición de Gran ciudad con tres canciones nuevas)
2002. Madrid amanece
2002. Arquitecto de sueños
2007. Final de viaje
Hevia
José Ángel Hevia Velasco, conocido con el nombre artístico de Hevia (Villaviciosa, Asturias, 11 de octubre de 1967) es un músico gaitero español y académico de honor de la Academia de la Lengua Asturiana. Es también famoso por inventar junto a Alberto Arias y Miguel Dopico la «gaita electrónica multitímbrica» MIDI y sobre todo por sus álbumes, en los que fusiona la gaita con todo tipo de sonidos. De noviembre de 2018 a febrero de 2019 fue presidente de la SGAE.
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Hevia comenzó a tocar la gaita a la edad de 7 años. Su afición nació cuando, con cuatro años, vio por primera vez a un gaitero tocando en la calle. En 1985 fundó su primera banda de gaitas en Villaviciosa. Fundó y dirigió cinco bandas de gaitas que formaban la “Bandona de Asturias”: Banda de Gaitas “Villaviciosa”, Banda de Gaitas “Mieres del Camin”, Banda de Gaitas “Ribesella”, Banda Gaites “Candás” y Banda de Gaitas “Rei Aurelio”.
Formó parte del grupo de música folk “Boides”, con el que grabó el disco “Asturies, camín de Compostela”.
En los años 90, con Alberto Arias y Miguel Dopico, inventa la «gaita electrónica multitímbrica».
En 1991 ganó junto con su hermana María José el primer premio en la “Muestra Nacional de Música Folk para jóvenes intérpretes del Instituto de la Juventud”. El premio consistía en la grabación de un disco que se llamó Hevia. Era de corte tradicional, aunque con innovaciones importantes para el folk de la época. Ese mismo año ganó junto con Santi Caleya, el primer premio de “Investigación Etnomusicológica, Eduardo Martínez Torner” del Conservatorio Superior de Música de Oviedo, por su trabajo “Método de Gaita Asturiana”.
En 1992 ganó el primer premio del Trofeo para solistas de gaita en el Memorial Remis Ovalle de Oviedo. Ese mismo año ganó el Trofeo Macallan para solistas de gaita del Festival Intercéltico de Lorient en Francia.
En 1993 ganó el primer puesto en el I Concurso y Muestra de Folklore Ciudad de Oviedo, en la modalidad de gaiteros solistas. Al igual que sus bandas de gaitas, que consiguen los primeros puestos en la modalidad de bandas. Ese mismo año gana, con María José, el “Concurso para dúos de Instrumentistas Tradicionales”, en los “Rencontres Internationales de Luthiers et Maîtres Sonnerurs” de St. Chartier, Francia.
En 1994 ganó el II Concurso y Muestra de Folklore Ciudad de Oviedo. Además, dos de sus bandas consiguen los primeros puestos. En 1995 ganó el primer premio en la modalidad de solistas de gaita en el III Concurso y Muestra de Folklore Ciudad de Oviedo. También obtuvo el primer premio en el Trofeo para Solistas de Gaita, Memorial Remis Ovalle. En 1996 logró el primer puesto en la modalidad de solistas de gaita en el IV Concurso y Muestra de Folklore Ciudad de Oviedo.
Con su primer disco en solitario, Tierra de nadie, en 1998, vendió más de dos millones de copias. Con este trabajo, y gracias principalmente al tema Busindre Reel, consiguió varios discos de oro y platino por todo el mundo (España, Italia, Hungría, Portugal, Nueva Zelanda, Bélgica, Dinamarca, etc.) y alcanzó el número uno de Los 40 Principales el 17 de abril de 1999. Además, «El garrotín» fue elegido tema oficial de la Vuelta a España 1999
A ese álbum le seguirían Al otro lado – Al otru llau en 2000, con medio millón de copias vendidas, y Étnico ma non troppo en 2003. De este último disco se elegiría la canción «Tirador» para ser de nuevo tema oficial de la Vuelta a España 2003.
En 2007 publicó el álbum Obsession, con una tendencia más electrónica pero sin perder las raíces celtas.
Además de instrumentista, Hevia es compositor de la mayoría de los temas que integran sus discos y ha participado en prestigiosos festivales internacionales: De folk, como el Festival Interceltique de Lorient (Francia), de jazz, como el Pori Jazz Festival (Finlandia) o el Red Sea Jazz Festival (Israel), religiosos como el Otobutai en Kyoto (Japón) o el Concierto di Natale del Vaticano (2001, 2012, 2015 y 2017) retransmitido por la RAI para millones de personas en todo el mundo, de pop-rock, como el Festival de San Remo (Italia), o en festivales de nuevas músicas como el Womad de Atenas, entre otros.
Otros premios en su haber son el Ondas, Amigo, Premios de la Música. Ha recibido el “Rock & Trend” del Festival de San Remo (Italia), el “Die Goldene Stimmgabel” en Alemania y el prestigioso “Multiplatinum Award”, (Bélgica), obtenido por vender más de un millón de discos en Europa, en un año.
Hevia sigue desde hace años la huella americana de los legendarios gaiteros asturianos. Fiel a su idea de que “Asturias es más un estado mental que un enclave geográfico”, decidió trasladarse a América, para trabajar en estudios de Santo Domingo y La Habana con músicos criollos, y materializar el proyecto “Al son del Indianu”. Este fue documentado y puesto en contexto a través de pequeños documentales grabados y editados por Hevia, con el fenómeno de los indianos como hilo conductor. Las historias personales de la emigración unidas a pequeñas historias de emigrantes, o de los gaiteros que les acompañaron al otro lado del Atlántico, dieron forma a un libro que incluye un disco con 11 temas. En “Al son del Indianu”, la gaita acústica, con especial protagonismo, y la electrónica, conviven con los ritmos latinos. Tangos de Gardel llevados a ritmo de Bolero, “Asturias” de Albéniz a ritmo de Chachachá, composiciones como “Danzonete” y “Al Son del Indianu” llevadas al merengue o al son cubano, bachatas como “El Son de la Capitana”, de Carlos Rubiera, en la que colabora el padre de la bachata moderna “Víctor Víctor”, son algunos de los cortes.
El directo de “Al son del Indianu” ha sido presentado en el Festival Interceltique de Lorient (Francia) y el libro+disco se ha publicado en 2018.
Héroes del Silencio
Héroes del Silencio (a veces abreviado Héroes o por sus iniciales HDS) fue un grupo español de rock radicado en Zaragoza, formado inicialmente por Juan Valdivia (guitarra solista) y Enrique Bunbury (voz y guitarra rítmica), y completado con Joaquín Cardiel (bajo) y Pedro Andreu (batería), a mediados de los años 80. Experimentaron un gran éxito en España e Hispanoamérica, así como en varios países europeos, incluyendo Alemania, Bélgica, Suiza, Francia e Italia, convirtiéndose en uno de los grupos más exitosos de la historia del rock en español. Después de doce años en los que vendieron más de seis millones de discos en más de treinta y siete países, y en los que ofrecieron más de mil conciertos, la banda se separó en 1996.
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Sus señas de identidad fueron una imagen muy característica, con una iconografía y simbología muy particulares, y una música caracterizada por unas letras ambiguas y trascendentales, arpegios complicados y una sólida base rítmica. Entre sus influencias literarias se han citado escritores como William Blake y Charles Baudelaire,? y entre las musicales a grupos como Led Zeppelin y The Cult.
En 2007, conmemorando el vigésimo aniversario de sus primeras grabaciones y once años después de su ruptura, anunciaron su regreso con una gira de diez conciertos en España y América, titulada genéricamente Héroes del Silencio Tour 2007. Después de la gira se separaron definitivamente.
Sus cuatro álbumes de estudio han sido incluidos por la revista musical Al Borde en la lista de los 250 mejores de todos los tiempos del rock iberoamericano: Senderos de traición (n.º 5), Avalancha (n.º 35), El espíritu del vino (n.º 117) y El mar no cesa (n.º 119). Su canción «Entre dos tierras» ha sido considerada por la revista digital Satélite Musical como la decimonovena mejor de todos los tiempos del rock hispano en general. La revista Rolling Stone los calificó en 2012 como el segundo mejor grupo de rock español de la historia.
En 2007 fueron homenajeados por la discográfica EMI en reconocimiento a sus más de seis millones de discos vendidos, además de recibir el Premio Ondas Especial del Jurado.
Extracto de Wikipedia
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01. No se si Debo |
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[04:01] 01. – La ceremonia de la confusión |
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1. A Nuestro Aire 5.30 |
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1 La Niña Frank |
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A1 Viaje Al Averno 2:48 |
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A1 Palabra De Honor 3:00 |
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A1 Pecados Mas Dulces Que Un Zapato De Raso 2:38 |
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A1 Al Calor Del Amor En Un Bar |
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A1 Cuatro Rosas 3:25 |
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A1 Tierra De Nadie |
Granada
Granada es el nombre de una banda madrileña de rock sinfónico, que estuvo activa entre 1974 y 1979.
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Su impulsor fue el flautista y teclista Carlos Cárcamo, que provenía de Skorpis, uno de los grupos clásicos del underground madrileño de comienzo de los años 1970, y que había colaborado con gente del mundo flamenco, como Lole y Manuel. Inicialmente, el grupo estaba integrado además por el bajista Chicho y el batería Buji. Sin embargo, los músicos fueron cambiando de forma generalizada y la formación fue muy inestable, al igual que su música.
En 1975 publicaron su primer disco, “Hablo de una tierra”, inmerso en el Rock Andaluz y publicado por el sello Gong de Movieplay, el reducto del género. En este disco intervenía Manolo Sanlúcar. Sin embargo, su siguiente disco, “España, año 75”, publicado en 1976, aunque incluye guitarra flamenca, se aleja totalmente del Rock Andaluz, para centrarse en un sinfonismo conceptual.
El tercer álbum, “Valle del Pas” (1978), como su nombre indica, está centrado en el folclore norteño, incluyendo gaitas y otros elementos tradicionales. El batería en este disco era Antoñito “Smash”. El bajista, Julio Blasco. Después, regresa al Rock Andaluz, incluyendo en el grupo al guitarrista Diego de Morón, aunque la banda se separa antes de llegar a grabar su siguiente disco.
Álbumes
1975 – Hablo de una tierra
1976 – España, año 75
1978 – Valle del Pas
Gatico
España 1995. Producción y Arreglos musicales: Jesus Prieto “Pitti”, Guitarras, bajo y teclados: “Pitti”, Percusión y Teclados: Oscar Astruga, Voces: Victor Manule Portillo Colon, Violines: Raquel Prieto, Voces: Pancho, Voz y Armonica: Miguel Orrasco.
Gabinete Caligari
Gabinete Caligari fue un grupo de rock español, integrado dentro de la corriente conocida como movida madrileña, y que tuvo una extensa y relativamente exitosa carrera que se prolongó durante 18 años, dando como resultado un total de 8 álbumes, dos recopilatorios oficiales y diversos sencillos pertenecientes a sus primeros años.
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Algunos de sus temas más conocidos son Cuatro rosas, Camino Soria, La culpa fue del cha-cha-cha y Al calor del amor en un bar.
Los orígenes del grupo se remontan a 1977, cuando se forma la banda Rigor Mortis en la que participan Jaime, Ferni y Edi junto con Eugenio Haro. Esta banda solamente da un concierto y se disuelve rápidamente, tras la marcha de Edi. Con lo cual, pasa a llamarse Los Drugos formada por los tres miembros restantes. Esta banda es más efímera aún que Rigor Mortis, ya que Jaime ingresa en Ejecutivos Agresivos. Los dos miembros restantes de Los Drugos forman la banda Automáticos rescatando a Edi. Esta nueva formación también es efímera y tras la disolución de Ejecutivos agresivos, se reúnen de nuevo Jaime, Edi y Ferni para formar Gabinete Caligari (la cual iba a llamarse en un principio Los Dandies).
Gabinete Caligari se forma en 1981 con Jaime Urrutia (voz y guitarra), estudiante de filología semítica, Fernando Ferni Presas (bajo) y Eduardo Edi Clavo (batería), estudiantes de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid. Previamente habían militado en Ejecutivos Agresivos (Jaime) y en Ella y los Neumáticos (Edi y Ferni) pero, influidos por el post-punk británico, y por la personalidad de Eduardo Benavente, se adentraron en sonidos más oscuros que los que se solían tocar en la época.
El nombre del grupo hace referencia a la película de terror alemana de 1920 El gabinete del Doctor Caligari, película clave del expresionismo alemán. De hecho, la canción Sombras negras alude a dicha película.
En su época afterpunk su imagen y actitud tenía un marcado carácter provocativo y sus canciones tenían un contenido que evocaba desde la época de entreguerras, hasta relaciones sadomasoquistas. Temas representativos de esa etapa fueron Olor a carne quemada, ¿Cómo perdimos Berlín? o la emblemática Golpes.
Sus primeros discos se caracterizaron por una reinvención constante. De esa forma, hacia 1983 inauguran una nueva corriente que fue bautizada como ‘Rock Torero’. Se trataba de pop influenciado por sonidos castizos (del folclore español), tales como el pasodoble. Esta influencia ya se deja notar en su primer álbum, en el que se mezclan canciones oscuras como Héroes de la URSS o Grado 33, con otras de esta nueva hornada como Sangre Española o Que Dios reparta suerte. Esta mezcla de rock con ritmos populares será una máxima en la carrera del grupo, logrando con ella temas tan populares como Al calor del amor en un bar, La culpa fue del cha-cha-cha, Camino Soria o Cuatro rosas.
Alcanzan su máxima popularidad con los álbumes Camino Soria y Privado. A partir de ese momento su éxito empieza a decaer lentamente. Ya en los 90, el estilo musical que defienden no recibe el visto bueno del gran público y, a pesar de mantener la calidad, no adaptar el sonido a la escena que se estaba viviendo termina pasándoles factura. Así, en 1999 se disuelve oficialmente el grupo, en parte por la nula atención que los medios habían prestado a sus dos últimos trabajos, Gabinetíssimo y ¡Subid la Música!.
En 2002 Jaime Urrutia comenzó una carrera en solitario, publicando varios discos. Edi Clavo y Ferni Presas fundaron el grupo Paraphernalia, que se disolvió al poco tiempo, y han continuado ensayando juntos.
En 2016 se publica su primer disco en directo, el cual corresponde a una actuación del 11 de febrero de 1984, que ha permanecido en el almacén de DRO durante más de 30 años.
En marzo de 2018, y como homenaje a su disco más emblemático, se ha publicado una versión remasterizada del LP Camino Soria, así como un libro de Eduardo Edi Clavo con igual título (y publicado por la editorial Contra) en el que el ex-batería del grupo narra la génesis, influencias y desarrollo del mencionado disco.
Discografía
Estudio
Parálisis Permanente/Gabinete Caligari (Tic Tac, 1981/Reedición por Tres Cipreses, 1983). EP compartido con Parálisis Permanente.
Obediencia (Tres Cipreses, 1982). EP.
Que Dios reparta suerte (DRO/Tres Cipreses, 1983).
Cuatro Rosas (DRO/Tres Cipreses, 1985). Mini álbum.
Al calor del amor en un bar (DRO/Tres Cipreses, 1986).
Camino Soria (EMI, 1987).
Privado (EMI, 1989).
Cien Mil Vueltas (EMI, 1991).
Gabinetíssimo (Mercury Records, 1995).
¡Subid la Música! (Get, 1998).
Camino Soria (Warner, Edición remasterizada, 2018)
Recopilatorios
Los singles (DRO/Tres Cipreses, 1987).
Héroes de los 80 (DRO, 1991).
Sombras negras (DRO/Tres Cipreses, 1993).
Grandes éxitos (EMI, 1993).
La culpa fue de Gabinete (EMI, 2004).
Grandes éxitos (EMI, 2005).
Lo Mejor de Gabinete Caligari (EMI, 2009).
Sencillos
Golpes (1981).
Olor a Carne Quemada (1982).
Obediencia (1982).
Sangre Española (1983).
Que Dios Reparta Suerte (1983).
Cuatro Rosas (1984).
Haciendo el Bobo (1985).
Gasolina con ricino (BSO Madrid Tránsito) (1985).
¡Caray! (1985).
Al calor del amor en un bar (1986).
Malditos Refranes (1986).
El Juego y el Juguete (1986).
La sangre de tu tristeza (1987).
Camino Soria (1988).
Suite nupcial (1988).
Tócala, Uli (1988).
Sólo se vive una vez (1989).
Amor de madre (1990).
Amor Prohibido (1990).
La culpa fue del cha cha cha (1990).
La culpa fue del cha-cha-cha (remezcla) (1990).
Lo Mejor de Ti (1991).
Queridos Camaradas (1992).
Como un Animal (1992).
Viaje al Averno (1992).
Delirios de Grandeza (1993).
Truena (1995).
Un Petardo en el C (1995).
En Paro (1998).
Nadie me va a Añorar (1998).
Underground (1998).
DVD
A Tope (1983).
La culpa fue de Gabinete (EMI, 2004).
La filmoteca del Dr. Caligari (EMI, 2004).
Directos
Gabinete Caligari en directo (2016).
Extracto de Wikipedia
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1 TFP (Tropical Funky President) |
Fundación Tony Manero
La Fundación Tony Manero es un grupo de Barcelona (España) de música disco y funk.
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La Fundación Tony Manero se formó en 1996 con la intención de revivir el disco, sus integrantes ya habían estado en otros grupos como El Mundo Que Viene, Bandock, Ino y Cauliflower Power. Tony Manero es el personaje que encarna John Travolta en la película Saturday Night Fever.
En 1999 lanzan su primer disco llamado Bikini 17 y 18 de Marzo 99, una grabación en directo en la Sala Bikini de Barcelona en la que interpretan 11 temas clásicos de la música negra de los setenta, tras haber actuado semanalmente en la sala durante seis meses con gran éxito de público y crítica.
Su primer álbum de estudio Looking for la fiesta se gestó en los estudios Music Lan de Figueras con la ayuda del productor Jon Caffery y se edita en 2001 en el sello Drac/Virgin. El álbum fue bien recibido gracias en parte a la inclusión de uno de los temas del álbum, “Supersexy girl” en un anuncio de televisión. Logró ser Disco de Oro en el Planeta Imaginario.
En el 2002 lanzan su segundo álbum llamado Sweet movimiento, grabado entre Avinyonet de Puigventós (Gerona) y Barcelona y mezclado en Rio de Janeiro, lo cual se nota pues hay unas influencias más internacionales e incluso un guiño a la samba con el tema “Nights Over Asland”.
Para el 2003 sale al mercado The remixes, disco de remezclas de sus temas más conocidos.
Click es su tercer disco de estudio, lanzado en 2004 en donde se alejan de su medio natural y se dedican a tocar house, drum’n’bass, mambo-funk y latin-funk. Para este disco el grupo trabajó en su propio estudio en Barcelona, y en Music Lan en Figueras, contando con la colaboración de Erik Aldrey y Jordi Mora.
El 6 de octubre del 2006 lanzaron una edición especial de CD y DVD llamado Que no pare el beat! con una actuación grabada en directo en la sala La Paloma para celebrar sus 10 años de carrera.
En 2009 crean Pandilleros, un espectáculo multidisciplinar que incluye música en directo, vídeo y arte gráfico. Representado principalmente en salas de teatro, recoge la banda sonora de una película inexistente basada en un guion creado por ellos mismos. Un CD con 26 temas propios, acompañado de un cómic, se lanzó para la ocasión.
Integrantes
Miguelito Superstar (voz).
Deliciosa Smith (bajo y voz)
Ginés Brown (saxo tenor, flauta, bajo)
Lalo López (guitarra, coros).
Marçal Muñoz (trompeta)
Mr. Paco Manzanares (teclados)
Paquito Sex Machine (voz, guitarra española y pandereta)
Marc Benaiges (batería)
Tom Johnson (trombón)
Extracto de Wikipedia
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01. No es lo mismo |
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01 Cómo Camarón 3:40 |
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01 Cómo Un Burro Amarrado A La Puerta Del Baile |
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01 Quienes 3:50 |
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CD1 |
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Vol.1: Los Santos Inocentes 2006-2017 |
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1 La ceremonia de la confusión |
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CD1 |
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01 Ahora 5:38 |
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01 – Sin Documentos |
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CD 1: |
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CD1 |
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01-El Mar,El Cielo y Tu |
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CD 1: |
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01.Las Consecuencias |
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01 – El Hombre Delgado Que No Flaqueara Jamas |
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CD 1: |
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CD1 |
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01 – Otto E Mezzo |
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CD1 |
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01 – El jinete |
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01 – Intro |
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01 – Infinito (Opcion D.F.) |
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01 – El viento a favor (opcion Barcelona) |
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01 – De mayor |
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01. Algo en común |
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01 – Big-Bang |
Bunbury
Enrique Ortiz de Landázuri Izarduy, más conocido como Enrique Bunbury (Zaragoza, 11 de agosto de 1967), es un cantante, compositor y músico español. Vocalista de la banda de Rock Héroes del Silencio.
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Comenzó en la música durante los primeros años de la década de los 80 formando parte de sus primeras agrupaciones como Apocalipsis, Rebel Waltz, Proceso Entrópico y Zumo de Vidrio, aunque su consagración llegó siendo el vocalista y líder de la banda Héroes del Silencio, grupo musical de gran éxito, siendo considerada por muchos una de las mejores bandas de rock en español.? Luego de la ruptura de la banda en 1996 comenzó su carrera como solista en el año siguiente, convirtiéndose en una importante figura en el ámbito musical español e hispanoamericano.
La trayectoria solista del cantante a diferencia de Héroes del Silencio ha sido muy diferente en cuanto al sonido musical, manteniendo la esencia del rock, llegando a experimentar varios ritmos desde música electrónica y música árabe en los primeros tiempos, pasando por música de cabaret, rancheras, blues, flamenco y tangos,? hasta salsa, milongas, boleros y cumbias en uno de sus últimos trabajos donde homenajea a América Latina.
En la lista de “Los 250 mejores álbumes de rock iberoamericano” de la revista estadounidense Al Borde se sitúan en el puesto 81º su álbum Flamingos, en el 154º Pequeño y en el lugar 228º Radical sonora, además de sus cuatro álbumes de estudio con Héroes del Silencio: Senderos de traición (n.º 5), Avalancha (n.º 35), El espíritu del vino (n.º 117) y El mar no cesa (n.º 119).
Enrique Bunbury también ha aparecido en la lista del número 119 de la revista Rolling Stone publicada en septiembre de 2009, como el único cantante con dos álbumes entre los diez primeros discos más influyentes de los últimos 50 años en España. Los dos discos destacados fueron Senderos de traición (1990) en la segunda posición y Flamingos (2002) en novena posición.
En 2004 fue considerado como uno de los españoles más influyentes por el periódico El Mundo.
El apellido artístico Bunbury proviene de un personaje de La importancia de llamarse Ernesto, de Oscar Wilde, como él mismo ha confirmado en diversas entrevistas y en su biografía Lo demás es silencio, escrita por Pep Blay.
Bunbury ha colaborado en varios documentales, entre ellos destaca 72 horas… Y Valencia fue la ciudad, documental que narra cómo un fenómeno que situó a la ciudad de Valencia en la vanguardia social y musical de estas décadas, degeneró en la ruta del bakalao. El filme del realizador Oscar Montón, y del productor Juan Carlos García, recoge imágenes inéditas grabadas en estas discotecas para “realizar un homenaje a la noche valenciana” y acabar con el tópico de “marginalidad que se le ha adjudicado”.
Enrique Bunbury nació en Zaragoza, capital aragonesa, en una familia burguesa, hermano de Rafael, Jorge y Ana. Desde pequeño tuvo gusto por la música, armando una batería casera en su casa con lo que tenía a mano. A los 8 años vio en la televisión la película El barrio contra mí (King Creole) donde aparecía Elvis Presley, y desde ahí quedó impactado por el “Rey”, convirtiéndose en uno de sus ídolos hasta la actualidad. Gracias a su tío y su hermano Rafa, Enrique tuvo la fortuna de escuchar los artistas más reconocidos.
Era un niño normal con buena conducta en la escuela y excelentes notas, pero a partir de la adolescencia, la vida de Enrique tomo un giro, teniendo actitudes rebeldes, casi vandálicas hacia los demás, lo apodaban “contra” porque siempre estaba en desacuerdo con todos, con una actitud rebelde. Tuvo que enfrentar una falsa acusación de tráfico de drogas por parte de un cura de su colegio. Luego de eso, lo expulsaron de varias instituciones durante dos años seguidos.? Después de esa época, trabajó como DJ en un lugar llamado “El bandido”. Logró comprarse su primer disco, que fue The Dark Side of the Moon de Pink Floyd.
Con sus ideales decididos, Bunbury era aficionado a los libros: leía a Friedrich Nietzsche con su teoría del Superhombre y Franz Kafka (Carta al padre); también otros como Rafael Alberti y Antonio Buero Vallejo por sus simbolismos. William Blake, Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud, Julio Verne, Charles Dickens, Emilio Salgari y Rudyard Kipling eran también de sus autores más leídos.
Su andadura musical formalmente comenzó a los trece años, cuando se compró su primera guitarra eléctrica con ocho mil pesetas que había ahorrado, empezó a ejecutarla en 1980 en un grupo de colegio llamado Apocalipsis.? Entre 1981 y 1983 ejecutó la batería, fue cantante de una banda llamada Rebel Waltz, y tocó el bajo en Proceso Entrópico, nombre que se les ocurrió viendo un viernes la aparición de un fakir comiendo cristales en el programa “Un, dos, tres” de Chicho Ibáñez Serrador.
Extracto de Wikipedia
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01 Isla Que Habitas En Mi.flac (de Andrés Suárez) |
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CD1 |
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01-Mañanitas 4.09 |
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1. «Cuando amanece» 3:18 |
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1. «Malabares» 3:26 |
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Fin de semana |
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| Vino tinto Luna Lunera Destrangis In the Night Demonios Jardin del Olvido El Blade Te Vi Te Vi Nasio Pa la Alegria Vuelvo a las Andadas Ke Pasa!? Partiendo la Pana Mi Primera Cana Ojitos Rojos (Directo) |
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Estopa
Estopa es un dúo español de música creado el 19 de octubre de 1999, formado por los hermanos David y José Manuel Muñoz. El grupo es oriundo de la ciudad del Bajo Llobregat (provincia de Barcelona) de Cornellá de Llobregat (barrio de San Ildefonso).
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Con su primer disco consiguieron unas ventas superiores a 1.000.000 de copias, logrando así el reconocimiento en su país natal y después en países americanos como Cuba, Colombia y Venezuela. Sus otros siete discos han seguido la fórmula que tanto éxito les ha dado: estilo flamenco y rumbas urbanas. Son grandes admiradores de Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Robe Iniesta y de Pancho Varona. Han vendido más de 4 millones de discos a en el ámbito nacional e internacional.
Los hermanos David y José nacieron en el barrio de San Ildefonso de Cornellá de Llobregat, un municipio a escasos kilómetros de Barcelona. Sus padres habían llegado desde Zarza Capilla (Badajoz), en la comarca de la Serena, y regentaban el bar La Española, enfrente de la comisaría de policía de Cornellá. Los Chichos, Los Chunguitos, Bordón 4 o Los Amaya, entre otros, era la música que oían ya desde la infancia David y José, que pronto comenzaron a aficionarse a la guitarra, antes de abandonar el instituto y empezar a buscarse la vida en varios trabajos, el último en Novel Lahnwerk, una fábrica filial de la SEAT produciendo piezas para automóviles. La historia dice que del grito “¡Dale estopa!” que utilizaba el encargado de la fábrica para que no cesaran en su trabajo, surgió el nombre de una de las bandas más importantes de la música española de la última década.
En aquella fábrica, se comenzó a gestar Estopa, la letra de su primer éxito, “La raja de tu falda” (“Por la raja de tu falda yo tuve un piñazo con un Seat Panda”), las primeras canciones y las primeras actuaciones en garitos del barrio. En 1998, David y José se presentaron al concurso de cantautores del barrio de Horta-Guinardó. Ganaron el primer premio y algo más de 2000 euros.
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Elementales
Trío acústico madrileño de sonidos antiguos y futuros formado por tres músicos con amplia y muy distinta experiencia y procedencia: Enrique Valiño (violines), Enrique “Bruja” Perdomo (percusión) y José Luis Ordóñez (guitarras).
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El concepto musical de Elementales resulta de la mezcla de raíces folklóricas diversas: sus temas pueden viajar desde el flamenco o las influencias árabes hasta la música bretona o irlandesa, pero también pueden dejar sentir notas y armonías que nos transportan de repente a lugares muy distintos y lejanos entre sí, como Brasil, Grecia, Túnez o Louisiana.
Enrique Valiño es un veterano músico cordobés que formó parte de la mítica formación La Romántica Banda Local. Desde entonces ha pasado por muchos proyector y grupos, siendo los más reseñables Ñu, La Cuadrilla Maquilera y Los Elementales.
La música del grupo está reflejada en los tres discos que hicimos: “Elementales”, “Al baño María” (Sonifolk) y “Elementa Latina” (Resistencia) ese es su testimonio discográfico y es la mejor manera de entender su trayectoria artística. El grupo partiendo del color del violín y la guitarra española, creo un estilo personal y coherente con su pulso imaginativo, dentro de un lenguaje popular contemporáneo que se completaba con el sentir de los diferentes instrumentos de percusión.
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El Ultimo De La Fila
El Último de la Fila (1984-1998) fue un grupo musical de pop rock español formado por Manolo García (vocalista) y Quimi Portet (guitarrista) y surgido en la ciudad de Barcelona.
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Ha sido uno de los grupos musicales de más éxito en España durante las décadas de 1980 y de 1990, años en los que desarrollaron siete álbumes musicales y numerosas giras, generalmente en España, aunque también en diversos países de Hispanoamérica.
Antes de la formación del grupo, los dos componentes del mismo tuvieron andaduras paralelas en distintas agrupaciones musicales. Por su parte Manolo García (Pueblo Nuevo, Barcelona, 1955) empezó su andadura musical como batería en grupos de baile, actuando en bares y fiestas locales en conjuntos como Materia Gris. Poco después, unido a otros músicos como Antonio Fidel o Esteban Martín empieza a crear un repertorio propio, dando vida así a Los Rápidos, grupo que sólo editó un LP con la discográfica EMI, Rápidos, en 1981, disco de sencillo pop rock ochentero. A pesar de las buenas críticas, el disco no tuvo las suficientes ventas y la discográfica no les publicó un segundo álbum del cual ya tenían la maqueta. Quimi Portet (* Vic, Barcelona, 1957), por su parte, estuvo en diversas agrupaciones musicales de distinta índole hasta que recaló en Kul de Mandril grupo catalán que solo grabó unas maquetas en directo a principios de los años 1980 y un sencillo: «Jamón de mono».
Manolo y Quimi se conocen en el festival Rock de Lluna, en junio de 1981, festividad en la que tanto Los Rápidos como Kul de mandril eran dos de los grupos invitados. Como Manolo estaba buscando un nuevo guitarrista para su grupo, decidieron incorporar a Quimi Portet. Durante un tiempo actuaron en Cataluña, pero el grupo no tardaría en disolverse ante la poca perspectiva de éxito.
Manolo García se marcha al País Vasco con intención de proseguir su carrera musical lejos de Cataluña, mientras tanto Quimi Portet y algunos de los músicos de los antiguos Los Rápidos empezaron a dar forma a nuevas canciones para un grupo que acabó llamándose Los Burros tras la incorporación de Manolo, que no tuvo éxito en su búsqueda. Grabaron un LP con la discográfica Belter, llamado Rebuznos de amor, con canciones compuestas casi en exclusiva por Manolo y Quimi, algunas de ellas rescatadas de las maquetas que no se publicaron de Los Rápidos. Pese a que no tuvieron éxito comercial, sí dejaron algunas canciones posteriormente importantes y recordadas como «Huesos» o «Mi novia se llamaba Ramón», y otras canciones con un toque mucho más original y arriesgado que en Los Rápidos, gracias a la influencia del carácter surrealista de Portet. Sin embargo, Belter se hundió y con ella el futuro del grupo.
Tras el poco éxito de su último proyecto, Manolo y Quimi deciden probar suerte en una nueva formación con la pequeña discográfica PDI, tomando como nombre El Último de la Fila, nombre sacado de una estrofa de una canción de un grupo musical australiano, según los propios componentes. El éxito por fin empieza a sonreirles cuando ganan el concurso de maquetas de la revista Rock Spezial tocando tan solo dos temas: «Cuando la pobreza entra por la puerta, el amor salta por la ventana» y «A cualquiera puede sucederle», lo que les regalaba un precontrato con la discográfica multinacional Virgin que posteriormente rechazaron para cumplir su palabra con PDI.
En 1985 publican su primer LP: Cuando la pobreza entra por la puerta, el amor salta por la ventana que incluye las dos canciones presentadas en el festival en el que se alzaron con la victoria. Este disco significó un cambio al concepto musical que venían haciendo hasta ahora, dándole a su pop rock unos toques sureños, árabes y flamencos hasta ahora solo apreciables en la voz de Manolo, dejando claras las influencias de grupos de rock andaluz, como Triana o Medina Azahara. Las letras se tornan más poéticas, mezclando la lírica con los temas sociales y el surrealismo. Destacan piezas roqueras como «Dulces sueños» y otras más intimistas como la antibélica «Querida Milagros»’. Con este disco consiguieron el premio de grupo revelación otorgado por el programa Diario Pop de Radio 3.
Al año siguiente sacaron a la venta su segundo álbum: Enemigos de lo ajeno; una colección de canciones que pretende un camino continuista con su anterior LP, con canciones que se han convertido en unas de las más importantes del rock español como «Aviones plateados» e «Insurrección», canción que fue nombrada la mejor del año en España por la revista musical especializada Rock de Lux, publicación que también le nombró el “Grupo del año en directo” y a su disco, “Disco del año”. Dado su triunfo y su ascensión en ventas, empezaron a dejarse ver en directo cada vez más a menudo, ofreciendo unos directos impecables y enérgicos que aumentaron su número de seguidores, que ya se contaban por cientos de miles.
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Eduardo Rodriguez Rodway
Eduardo Rodríguez Rodway (Sevilla, 1945) es un músico y cantante español, conocido por haber sido guitarrista del grupo de rock Triana.
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Nace en 10 de junio 1945 en la ciudad de Sevilla. Sus primeros escarceos musicales empezaron a los 16 años con otros jóvenes sevillanos, recorriendo ferias y plazas, período de iniciación que duraría unos cuatro años, tras los cuales se iría por un breve tiempo a París. Al regresar a España cumpliría el servicio militar obligatorio en Aviación.
Tras esto, arrancaría ya en firme su carrera musical, primero con el grupo Flexor’s a la guitarra eléctrica, el más antiguo grupo de rock sevillano, interpretando rock and roll por las bases militares estadounidenses de Andalucía.
Más tarde formaría parte del grupo Los Payos retomando la guitarra española, donde conseguiría repercusión y cuyo mayor éxito fue la célebre canción María Isabel en 1969, de cuyo sencillo la cara B fue Compasión, una composición de Eduardo. En esta formación conoció a Juan José Palacios Tele. Posteriormente pasó a formar parte del grupo Tabaca, donde coincidió con Jesús de la Rosa Luque.
Así estuvo hasta la formación de la banda Triana, junto a Jesús de la Rosa y Juan José Palacios, creando un nuevo género dentro del marco de la música rock española, el llamado rock andaluz, el cual combinaba rock progresivo con sonoridades propias de la música flamenca.
Eduardo colaboró en la composición, y compuso canciones propias en todos los discos de Triana, excepto en el álbum debut, El patio.
Tras la disolución de esta banda en 1983, por la muerte de Jesús de la Rosa, Rodríguez publicó dos discos en solitario, Velo de amor (1986) y Noche y día (1987), que pasaron de manera injusta prácticamente desapercibidos.
Rodríguez se trasladó entonces a Los Caños de Meca (Cádiz), donde vive actualmente.
Discografía
Con Los Payos
Sencillos:
Como un adiós (1968).
Adiós, Angelina (1968).
María Isabel (1969).
Pequeña Anita (1969).
Señor doctor (1970).
Un tipo raro (1970).
La paz, el cielo y las estrellas (1971).
Vuelve junto a mí (1972).
Recopilaciones:
Lo mejor de Los Payos (1971).
Grandes Éxitos (1973).
Los Payos (Yerbabuena. Todas sus grabaciones) (2000).
Con Triana
El Patio (1975).
Hijos del Agobio (1977).
Sombra y luz (1979).
Un encuentro (1980).
Un mal sueño (1981).
Llegó el día (1983).
En solitario
Velo de amor (1986).
Noche y día (1987)
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Duncan Dhu
Duncan Dhu es un grupo musical español de rock originario de San Sebastián (Guipúzcoa, España) formado el 4 de agosto de 1984 tras la fusión de los principales integrantes de los grupos Aristogatos y Los Dalton. Sus miembros originales fueron Mikel Erentxun (cantante hasta entonces del grupo Aristogatos), Diego Vasallo (vocalista y bajista del grupo Los Dalton) y Juan Ramón Viles (guitarra y batería de Los Dalton). Desde 1989 está compuesto por los dos primeros.
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El nombre del grupo hace referencia a un personaje de Secuestrado, una novela de 1886 de Robert Louis Stevenson. En ella, Duncan Dhu era el jefe de un clan escocés que fascinaba a Erentxun en aquellos años.
Su estilo inicial estaba basado en un pop rock acústico y sencillo con toques de rockabilly que contrastaba con el rock radical de la escena donostiarra del momento. Ofrecen sus primeras actuaciones en directo por algunos bares de San Sebastián, la primera de las cuales la dan en el bar Txirristra. En el programa de radio Nuevas Factorías Duncan Dhu graba su primera maqueta, con la que Diego y Mikel viajan a Madrid a entregarla a las discográficas. El 1 de febrero de 1985 firman su primer contrato discográfico con la compañía GASA (creada por los miembros del grupo Esclarecidos), contribuyendo con dos canciones (Mi amor y una particular versión del famoso Bésame mucho) al disco recopilatorio de nuevas bandas La única alternativa.
En 1985 graban su primer álbum, Por tierras escocesas, un minilp. Y un año después Canciones (ambos producidos por Paco Trinidad), con cuyos temas alcanzaron gran popularidad y consiguieron vender más de 175 000 copias. Su tema Cien gaviotas fue declarado sencillo del año por muchas emisoras de radio.
A éste siguió en 1987 el álbum El grito del tiempo, con 400.000 copias vendidas, que le convierten en el grupo español que más vendió en ese año, con sencillos como En algún lugar o Una calle de París. En este disco, el productor Paco Trinidad decide que Duncan Dhu no grabe la instrumentación, cosa que creará grandes tensiones entre el productor y el grupo. Los miembros del grupo se limitan a grabar las voces y coros. El resto es grabado en estudio por músicos como Luis Lozano y Enrique Mateu de Villavicencio. Como consecuencia de los enfrentamientos surgidos, la relación con Paco Trinidad se rompe tras la grabación de este álbum.
En 1989, publican Grabaciones olvidadas, que contiene caras B y canciones inéditas. Forman un LP de edición limitada de 50.000 copias. En este tiempo, el trío se convirtió en dúo tras la marcha de Juan Ramón Viles. Las relaciones con Juanra se habían deteriorado considerablemente. Mikel y Diego alegaron como motivo la falta de interés de Juanra por ensayar y su marcha de un concierto porque no le apetecía tocar. No obstante, Mikel y Diego le invitaron a que participara en el aspecto empresarial, algo que rechazó. “Acabé en los juzgados. La relación desvarió”, recordaba Viles recientemente. La versión de Juanra sobre su marcha queda reflejada en el libro “Duncan Dhu Crónicas de un éxito 1984-89”, publicado en 2006, en el que cuenta la historia del grupo, durante los años en que formó parte de éste.
También en 1989, Duncan Dhu publica el disco doble Autobiografía, con 30 canciones y colaboraciones de Black y Sam Brown, entre otros. Con dichos artistas hicieron la gira “Worltour 90”. Entre otros aspectos, del álbum cabe destacar que da inicio a la faceta de Diego como segundo vocalista del grupo: es ahora cuando se atreve a cantar algunas de sus propias composiciones, algo que la crítica no supo aceptar.
Después de la publicación del disco, Duncan Dhu emprende una gira de más de 100 conciertos por España, y de actuaciones internacionales como la participación en el Festival de Non en Suiza, o en París junto a Lloyd Cole y Big Audio Dynamite. También prueba con algunas colaboraciones internacionales, como en la banda sonora de Dick Tracy, que les valió una de las candidaturas a los Grammy.
Poco después, el dúo comienza a envolverse en proyectos personales. Así, Mikel escribe “Hojas secas” para Miguel Bosé y debuta como actor en la comedia “El Anónimo…¡Vaya Papelón!” (1990) de Alfonso Arandia. Por su parte, Diego debuta en solitario con su Cabaret Pop.
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Dr. Cañi
Dr. Cañi es un empatía, una participación afectiva y en general emotiva del espíritu humano, una identificación emocional con otras personas, con la colectividad formal o con el universo que nos rodea..
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Desarrolla su creatividad musical conjugado el mapa hipnótico de la vida surrealista que no ha tocado vivir. Con la aplicación en todas sus vertiente del verbo reflexivo – desarrollase – Ahondando en la base de un empirismo musical atractivo, gracias al cual y un mestizaje cultural implicito y táctico a lo largo de los siglos. se revela como un sentimiento espiritual de cada al siglo XXI
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Dover
Dover fue un grupo español de Rock alternativo que cantaba en inglés, y fundado en Madrid en 1992. El grupo estaba compuesto por las hermanas y líderes del grupo Cristina Llanos (vocalista) y Amparo Llanos (guitarrista principal), el baterista Jesús Antúnez y Samuel Titos en el bajo. Han grabado ocho discos que superan casi las dos millones de copias, de los cuales destaca su segundo álbum, Devil Came to Me, el más importante hasta la fecha y que los llevó a la fama internacional, y su sexto álbum, Follow the city lights, pues es el que provocó más polémica, ya que el estilo del grupo varió del rock alternativo al pop electrónico. En 2016 anunciaron su definitiva separación. La banda también ganó, entre otros, los premios a grupo revelación en los Premios Ondas de 1997, y mejor artista español en los Premios MTV Europa de 2000
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Dover surgió en las afueras de Madrid, a principios de la década de los 90 cuando Cristina Llanos, de 17 años, decide formar una banda de rock alentada por la escena alternativa irradiada desde Seattle, en unos pequeños locales de ensayo en Alcorcón, en el polígono industrial Ventorro del Cano que siguieron utilizando hasta principios de la década de 2000. El nombre del grupo surgió del nombre de una marca de ropa de la tienda que tenía la madre de las hermanas en Majadahonda. Al proyecto se suma su hermana, 10 años mayor que ella, Amparo. En 1992, el baterista Jesús Antúnez y el bajista Álvaro Díez se unieron a la banda y así el 2 de octubre de ese año nace Dover. Una de las maquetas del grupo fue a parar al programa de radio Disco Grande de RNE Radio 3. En 1995, el bajista Álvaro Díez deja la banda y le reemplaza Álvaro Gómez. La banda firmó entonces un contrato de un año con la discográfica independiente Everlasting-Caroline. Su álbum debut Sister, publicado en agosto de 1995, vendió apenas 700 copias. Sin embargo, el fanzine español Mondo Sonoro lo incluyó entre los 10 mejores álbumes nacionales de aquel año. A pesar del poco éxito en cuanto a las ventas del disco, logran hacerse un hueco en el panorama musical de Madrid e incluso graban su primer videoclip “Come With Me”, realizado por Juan Bullón y grabado con muy pocos medios en los alrededores del polígono industrial Ventorro del Cano, donde tenían su local de ensayo. Aunque esta canción no fue lanzada como sencillo propiamente, era la más coreada en los conciertos. Además lograron que se les diese un pequeño espacio en el Festimad en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.
El contrato con Caroline era de sólo un año y al concluir este, firmaron con el sello independiente Subterfuge Records. Su primera participación con la discográfica fue incluir una versión maqueta de Loli Jackson en el disco recopilatorio de varias bandas, llamado “Stereoparty 2”. El éxito que tuvo la canción motiva a la discográfica a producir su segundo álbum y así entran a los Infinity Studios de Madrid en 1997 para grabar, con Daniel Alcover a los mandos, el álbum Devil Came to Me, con un presupuesto apretado de 80.000 pesetas y en tan solo 20 días. El disco sale a la venta en España el 21 de abril de 1997. Un fragmento de la canción que da título al álbum (concretamente el estribillo con la frase “I lied for you, I lied for you”) fue incluido en un popular anuncio televisivo de Radical Fruit Company lo que le dio gran fama y la banda fue lanzada al estrellato nacional. El 25 de septiembre de ese mismo año ya eran disco de oro con más de 50.000 copias vendidas.? Durante la promoción de este álbum, en 1997, el bajista fue reemplazado por Álvaro Díez (Tripi), quien ya había formado parte de la banda en sus inicios, y en mayo de 1998 regresan al Festimad como cabeza de cartel.
El álbum vendió más de 500.000 copias y les cosechó fans también en el extranjero, en Europa y América. Participan en el festival Doctor Music y lanzan como primer sencillo oficial de álbum: “Serenade”, canción que gracias a su fuerte estribillo y melodía pegadiza logra convertirse en su primer número uno en España. Juan Bullón, de nuevo, forma parte de la realización del videoclip. “Loli Jackson” es elegida por Daniel Calparsoro para formar parte de la banda sonora de su película “A ciegas”, y además les graba un videoclip de la misma canción. Este tema también fue incluido en la banda sonora del juego Surf Planet de Gaelco, junto a otros temas de la discográfica Sufterfuge.
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CD 1 CD 2 |
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CD 1 CD 2 |
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1 Saint Valentine |
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“The Lion (Don’t Kill the Lion)” (Fernando Arbex) – 6:24 Personnel |
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“On the Road Again” (Fernando Arbex) – 5:52 Personnel |
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“Wild Safari” (Fernando Arbex) – 5:01 Personnel |
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Los majos enamorados – Part I |
Diego Vasallo
Diego Vasallo Barruso, conocido como Diego Vasallo (San Sebastián (España), 2 de abril de 1966) es un intérprete, compositor y letrista pop, que, a través de los años, ha ido explorando diferentes estilos (tecno, rock, bossa nova, jazz…). Es, además, un pintor de corte expresionista y aficionado a dibujar cómics.
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Dio sus primeros pasos en un grupo de pop llamado Los Dalton, en el que tocaba junto a Juan Ramón Viles, quien más tarde se incorporaría a Duncan Dhu como batería. En 1984 conoció a Mikel Erentxun, con el que pronto conectó debido sobre todo a tener unas influencias musicales parecidas. Así, tras el abandono del cantante del grupo Los Dalton, y ante la propuesta de Mikel de formar un grupo, Diego aceptó comenzar una nueva andadura musical, que a la postre sería la definitiva. Buscaron un nombre y Mikel propuso Duncan Dhu.
Una vez formada la banda (la fecha exacta es el 4 de agosto), comienzan a grabar algunas maquetas con canciones de un estilo cercano al rockabilly, y ofrecen sus primeras actuaciones en directo por los bares de San Sebastián, la primera de las cuales la dan en el bar Txirristra. En el programa de radio Nuevas factorías Duncan Dhu graba su primera maqueta, con la que Diego viaja a Madrid con Mikel a entregarla a las discográficas.
Finalmente, y tras pasar por varias, les aceptan en la compañía independiente llamada GASA (creada por los miembros del grupo Esclarecidos) que les incluyen en un disco de jóvenes promesas llamado La única alternativa, en el que Duncan Dhu incluye 2 canciones. El 1 de febrero de 1985 firman su primer contrato discográfico, y se publica su álbum debut, llamado Por tierras escocesas. Con Duncan Dhu publicó 11 discos, convirtiéndose en una de las bandas más importantes e influyentes del pop español.
Su carrera en solitario comenzó en febrero de 1991, cuando editó el primer álbum de Cabaret Pop, nombre tras el que se ocultó inicialmente Diego Vasallo. Este disco homónimo desconcertó a los fans de Duncan Dhu, ya que su estilo poco tenía que ver con lo que hasta entonces había hecho con Mikel. No obstante, es algo que caracterizará a toda la andanza en solitario de Diego: lejos de encasillarse en un estilo que le es cómodo, Diego en cada disco explora nuevos horizontes musicales, huyendo de lo que las leyes del mercado estipulen.
Cabaret Pop fue un disco bailable, con toques funk, tecno y música negra. Un disco nocturno en el que la oscura voz de Diego cantaba letras ácidas y urbanas. No obstante, al poco tiempo de editarse este disco, regresó a la actualidad musical con Duncan Dhu y su álbum Supernova, lo que le obligó a interrumpir la promoción de aquel primer trabajo que contenía interesantes temas como Jimy se va, Adictos al amor o el que daba título al disco.
En 1992, Cabaret Pop presenta el disco Realidad Virtual de Rock’n’roll. Sale en un momento en que Mikel y Diego han decidido aparcar Duncan Dhu durante un año, a fin de poder centrarse en sus carreras en solitario (aunque pretenden seguir componiendo juntos para un futuro disco del dúo).
En este disco, Diego se puso en manos del productor Jesús N. Gómez. Con la ayuda de Luis Lozano hicieron un disco que no ha perdido brillo con el paso de los años. Durante un mes se encerraron en Doublewtronics para la grabación del disco. Luis Miguélez se encargó de las guitarras y Edith Salazar – quien ha trabajado con Miguel Bosé y ha cobrado popularidad por su participación en el programa Operación Triunfo – impregnó el disco con coros y voces en la más pura tradición soul. El sonido de este disco supone un giro radical con respecto al anterior: un sonido muy influenciado por los 70, el soul, o el rock más guitarrero… todo ello según la personal perspectiva de Diego. Entre los temas, destacan baladas como En el peine de los vientos, Rastros de ti o Amiga carnal y temas funky como Nada más que rock’n’roll.
No obstante, el tema que se ha convertido ya en un clásico es Juegos de amor, muy pinchado y bailado el verano posterior a su publicación.
En 1995, Diego da un paso adelante y decide pasar a primer plano: ya no forma Cabaret Pop, ahora es Diego Vasallo y el Cabaret Pop. Este cambio queda reflejado en la edición de un disco homónimo y que corre al 100% a su cargo. Diego estuvo componiendo nuevos temas en la recta final de la gira de Duncan Dhu (agosto de 1994) y acabando la labor de composición y arreglos a principios de marzo de 1995.
Entonces, el disco se elabora entre varios estudios: enmaqueta los temas en los estudios Box, trabaja en el estudio de grabación El Cortijo bajo la supervisión de Tony Taverner, se terminan las grabaciones en los estudios Master Rock y el mastering se hace en el estudio Metrópolis por Tim Young. Las tomas las hacen grandes músicos elegidos por Diego: Pedro Barceló (batería), Marcelo Fuentes (bajo), Luis Lozano (hammond), Joserra Senperena (pianos Rhodes)y Juan Luis Giménez (guitarras).
El resultado fueron unos 20 temas con una línea musical muy diferente a la de trabajos anteriores, algo ya típico en Diego. El sonido del disco es muy elaborado, con un guiño constante al pop con aires soul de los años 60 y 70. Destacan temas como Miramar, Verano, Poemas Rotos o como Polaroids que fue el primer sencillo.
Discografía
Cabaret Pop, con Cabaret Pop (1991)
Realidad Virtual del Rock N Roll, con Cabaret Pop (1992)
Diego Vasallo y el Cabaret Pop, con Cabaret Pop (1995)
Criaturas (1997)
Canciones de amor desafinado (2000)
Cuaderno de pétalos de elefante (2002)
Los abismos cotidianos (2005)
Las huellas borradas (2006)
La máquina del mundo (2006)
Canciones en ruinas (2010)
Baladas para un autorretrato (2016)
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01. Sticky (Fernando Arbex) 03:57 Musicians: |
Alacrán
Alacrán, como grupo, es una muestra del hartazgo que tenían tanto Fernando Arbex como Iñaki Egaña y Óscar Lasprilla del anquilosado sistema musical español.
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Todos ellos habían estado en dos de los grupos más famosos de los 60, como fueron Los Brincos y Los Buenos, y ya conocían por dentro cómo funcionaba todo el mecanismo. “Alacrán” (Zafiro, 1971), como disco, es una de esas cosas que ocurren de vez en cuando, un trabajo notable pero que sin apenas publicidad pasa inadvertido en su época y tras un período de hibernación algún despistado lo descubre por casualidad y, si tiene suerte, lo empiece a reivindicar. Este último peaje todavía este disco no lo ha traspasado.
Fernando, Óscar e Iñaki entraron en los estudios Celada de Madrid para grabar lo que a la postre sería su único disco. Para ello no contaron con mucha ayuda, trabajaron juntos en la composición de los temas y, para que nadie interfiriera demasiado, también se hicieron cargo de la producción. Zafiro tampoco les apoyó demasiado, ya que no les hizo ninguna campaña de publicidad para darles a conocer, seguramente porque pensaron que poca rentabilidad económica le iban a sacar a este trabajo.
En Estados Unidos, a finales de los 60, emergían nuevos sonidos que empezaban a llamar la atención del gran público, como eran el rock latino y el funk, que ya comenzaba a hacerse un hueco en las pistas de baile. Ambos, junto con el rock progresivo, son los elementos que utilizaron Alacrán para elaborar este trabajo.
El disco comienza con la vibrante “Sticky”, irresistible ritmo funky marcado por los bongos y la batería junto con el sonido desgarrador de la guitarra, es de lo mejor del disco. Tema firmado por Fernado Arbex en solitario, al igual que “Son (America, America)”, la canción donde más se nota la influencia del rock latino, sobre todo de grupos como Santana; y “San Francisco (California)”, tema psicodélico donde marcan el ritmo los teclados y donde cantan a esa tierra de los sueños como parecían ser los Estados Unidos (“My soul will cross the sky / My soul will never die”). Esta temática también aparece en “My soul (suddenly)”, compuesto por Fernando Arbex e Iñaki Egaña, canción de rock progresivo donde dejan claro que lo que ellos quieren ser, es ser libres.
Iñaki Egaña, por su parte, compuso solo la cara B del único single que sacaron, “Take a look around you, baby”, canción que se inicia con un ritmo obsesivo de guitarra y que sólo es interrumpido cuando canta Iñaki. La aportación de Óscar Lasprilla en la composición, junto con Iñaki, es “Will you keep my love forever”, medio tiempo influenciado por la música negra y perfecto para finalizar.
En definitiva, una entrega notable de un grupo notable, que podían haber hechos grandes cosas juntos, pero que por azares del destino tuvo poco tiempo de vida. Fernando e Iñaki seguirían por esta vía en su nuevo grupo Barrabás.
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1 Está llorando el Sol 4:19 |
Cómplices
Cómplices es un grupo musical español creado en 1987 por Teo Cardalda y su pareja María Monsonis.
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Después de dejar su anterior agrupación (Golpes Bajos), Teo se une a su pareja María Monsonis, y juntos forman el grupo Cómplices. Su primer trabajo discográfico, “Manzanas”, se edita en el año de 1988, destacando las canciones de Dama del río y Serás mi cómplice. Tras su segundo disco, que se lanza en 1989 con el título “Ángeles Desangelados”, Tino DiGeraldo y Billy Villegas dejan la agrupación, que queda entonces como un dúo.
En 1990 lanzan su tercer material que titulan “La danza de la ciudad”, del cual se desprende su canción más representativa, “Es por ti”, con la que alcanzan gran reconocimiento en países como México y Colombia, y se posicionan como una agrupación reconocida tanto en España como en América Latina.
En 1991 editan su cuarto disco “Está llorando el sol”, del que se desprenden grandes canciones como Cuando duermes y Está llorando el sol, alcanzando un éxito razonable con dicho trabajo.
Posteriormente, en 1993, realizan su quinto disco, “Preguntas y Flores”, y al año que sigue graban su primer disco en vivo que titulan “Básico”; después de este material el grupo toma un descanso de aproximadamente 5 años en que no graban material alguno.
En 1999 regresan con su séptimo trabajo discográfico, “Cousas de Meigas”, del que se desprende otra hermosa canción, “Hoy necesito”; en 2000 realizan su octavo disco, al que llaman simplemente “Cómplices”; este material fue influenciado con ideas de la India.
En 2001, María decide dejar la agrupación, porque con tanto ajetreo no puede dedicarse a los 5 hijos que tiene con Teo. Así que en 2002 Teo, ya en solitario, edita el noveno disco titulado “A veces”, del cual se desprende la canción de “Cuando creo en ti”.
En 2003, otra vez con María, realizan su segundo disco en vivo, que titulan “Grandes éxitos en directo”, en el que cuentan con la colaboración de Presuntos Implicados y de Antonio Vega entre otros.
Su siguiente trabajo se lanzó en 2006 bajo el título de “Hello mundo cruel”, siempre con María en la formación.
En junio de 2009 salió el disco titulado “Reencarnación”.
En 2010 publican 20 años cómplices, que es un disco de grandes éxitos con colaboraciones como Rosana, Mónica Naranjo o el sueño de Morfeo.
Discografía
Manzanas (1988)
Ángeles desangelados (1989)
La danza de la ciudad (1990)
Está llorando el sol (1991)
Preguntas y flores (1993)
Básico (1994)
Cousas de meigas (1999)
Cómplices (2000)
A veces (2002)
Grandes éxitos en directo (2003)
Hello mundo cruel (2006)
Reencarnación (2009)
Cómplices 20 años (2010)
Volver a empezar (2015)
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01. Camino Libre |
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Mi primo juan |
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1.- Chambao |
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CD1. CD2. |
Chambao
Chambao es una banda de música originaria de Málaga (España). Su música, denominada Flamenco Chill, mezcla sonidos del flamenco y sus palos con música electrónica.
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Chambao es una palabra malagueña y se utiliza para referirse a un espacio hecho con sencillez, con un techo de hojas de palmeras o cañas y palos de madera que se levanta como refugio o cobijo en donde el señor espetero cubre su cuerpo del sol y el viento para cocinar las sardinas y demás pescados.
En Huelva hace referencia a algo roto o estropeado, también puede ser algo torcido o con extraña forma, ej: este móvil está chambao. Ese árbol está chambao. Referente a una persona significa alocado, algo chalado, impulsivo… ej: tu estás chambao.
Sonido de olas, mansa arena, amigos y música, el chambao no se reduce al efímero espacio levantado de cara al mar, sino más bien un lugar donde prima el regocijo sencillo por la vida.
En el año 2001, María del Mar Rodríguez Carnero, Lamari (voz) y los primos Daniel Casañ (composición y guitarra) y El Edi, Eduardo Casañ (composición y guitarra), amigos y vecinos, comienzan a compartir momentos musicales en el barrio de Pedregalejo en Málaga. Poco después conocen al productor Henrik Takkenberg y maquetan las canciones del que fue su primer disco “Flamenco Chill”. La mezcla del flamenco y de música electrónica ambiental, el chill out, desembocó en un concepto musical novedoso y original a la vez español y cosmopolita.
En el año 2003 sale su primer disco en solitario “Endorfinas en la mente” con la producción de Bob Benozzo, que también participaría en el álbum “Pokito a poko” (2005), en el que Lamari emprendería su proyecto en solitario liderando el grupo Chambao.
Lamari, cantante y voz principal de la banda, durante la gira «Con otro aire».
Su siguiente trabajo, “Con otro aire” (2007), fue un disco que manteniendo una sólida raíz mediterránea y sureña, buscó otras influencias en sonidos frescos y étnicos, donde sus letras hablan de cosas que le influyen, preocupan y divierten: “la música es la sensación más cercana al sentimiento, al amor, a la libertad, es muy difícil definir con palabras, con etiquetas, y el ser humano tiende a etiquetar a todo lo que la mente no llega”.
Ya casi a finales de 2009 Chambao viaja hasta el glaciar del Perito Moreno en la Patagonia argentina para hacer un concierto muy especial sin público, y publican su álbum “En el fin del mundo”. Además de las reflexiones que suscita el escenario sobre el cambio climático y demás delitos contra la naturaleza, canciones como “Detalles”, que abre el disco, “Caprichos de colores” o “Despierta” invitan a soñar, a creer y a ser conscientes de que otros mundos no solo son posibles sino que también necesarios. Mundos de ensueño y ritmos pegadizos se mezclan con pinceladas poéticas de sentimiento y emociones.
La música “es un ser vivo, y como tal, debe desarrollarse, crecer y adaptarse al medio”. En ese contexto Chambao sorprende en su propuesta al combinar armónicamente tradición e innovación tecnológica, al tiempo que sus letras crean una atmósfera de purificación musical. Además de música, pretende también transmitir un deseo manifiesto por una vida con sentido.
En mayo de 2012, celebrando una década desde la fundación del proyecto, Chambao presenta un álbum homónimo y el single Lo mejor pa ti. ”Chambao” (álbum) mantiene la esencia Chambao, un crisol de músicas sureñas y mediterráneas, de alcance global y tratadas con imaginación, raíz contemporánea y extrema sensibilidad. El álbum está producido y arreglado por Carlos Raya (Premio de la Música al Mejor Productor en 2010, al Mejor Técnico de Sonido en 2011 y guitarrista de Quique González, Fito y Fitipaldis, M-Clan…), que ha capturado el espíritu Chambao con riqueza de sonidos, sorpresas en los arreglos y originalidad, en un trabajo detallista que gana con las sucesivas escuchas.
En Noviembre de 2012, además de su nominación a los Latin Grammy en la categoría de mejor álbum vocal pop contemporáneo, Lamari también participó en la Gala Homenaje a la Persona de Año en los Latin Grammy, en esta ocasión Caetano Veloso, interpretando la canción “Onde O Rio e Mais Baiano”.
En septiembre de 2013, y celebrando el 10º aniversario, Chambao lanza un nuevo disco que cuenta con las nuevas versiones de sus mejores canciones. En él participan artistas como Nneka, Enrique y Estrella Morente, Javier Ruibal, Totó la Momposina, Lila Downs, Estopa, Toumani Diabaté, así como djs de la talla de Howie B, Max Sedgley, Paco Fernandez, Talvin Singh, Guilles Peterson y Afterlife. El álbum, cuenta con 2 CD, recuperando la esencia de Chambao. El álbum lo han producido los dos productores de la carrera de Chambao, Carlos Raya y Bob Benozzo con la ayuda de Ale Acosta. Como single se ha escogido la renovada versión de “Ahí estas tú”, una re-mezcla de la antigua versión, incorporando elementos electrónicos entre otros y la colaboración de la artista nigeriana Nneka. Este segundo CD cuenta con algunas de las colaboraciones de la artista con músicos del momento como son Rosario Flores, Pau Donés (Jarabe de Palo), Peret, Mojo Project, Cesária Évora, Macaco, Ricky Martin, Calima, Mario Díaz, Ivan Lins y Antonio Lizana, además de “Hoy puede ser un gran día, homenaje a Serrat”.
En estos momentos Chambao está ultimando los preparativos para sacar a la venta su nuevo álbum de estudio de la mano del productor Eduardo Cabra (Calle13), el próximo mes de Abril de 2016, en el que contará con la participación de grandes instrumentistas y voces del momento.
Discografía
2002 – Flamenco Chill [2CD]
2004 – Endorfinas en la mente [CD]
2003 – Endorfinas en la mente (Reedicción de Oro) [CD]
2004 – Chambao en privado [CD/DVD]
2005 – Pokito a poko [CD/DVD]
2005 – Chambao puro [DVD]
2006 – Caminando 2001-2006 [2CD/DVD]
2007 – Con otro aire [CD/DVD]
2009 – En el fin del mundo [CD/DVD]
2012 – Chambao [CD]
2013 – Esencial Chambao [2CD]
2013 – 10 Años Around The World [2CD]
2016 – Nuevo Ciclo [CD]
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1. C’est la vie -Letra: Jesús González. Música: Gego Revuelta. |
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1. No Nos Podrán Parar (04:22) -Letra Jesús Hernández Cifuentes. Música: Jesús Hernández Cifuentes. |
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1. Gente Distinta (03:36) – Letra: Jesús Hernández Cifuentes. Música: Jesús Hernández Cifuentes. |
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1 Tranquilo Majete 4:15 Credits: |
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1 Tranquilo Majete 4:15 Credits: |
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1. ¿Qué voy a hacer yo? – Letra: Jesús Hernández Cifuentes. Música: Jesús Hernández Cifuentes, Nacho Martín. |
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1 Salida De Emergencia Credits |
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1 Salida De Emergencia Credits |
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1. El ritmo del mar – Letra y música Jesús Hernández Cifuentes, Nacho Martín. |
Celtas Cortos
Celtas Cortos es un grupo español de música rock con influencias celtas. Es uno de los grupos nacionales más exitosos de todos los tiempos, como lo demuestra el hecho de que durante su carrera han llegado a vender más de 2.000.000 de copias de sus distintos trabajos.
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Las raíces de Celtas Cortos se remontan a finales de 1984 cuando en el Instituto Delicias de Valladolid coinciden como estudiantes cuatro de sus miembros fundadores: Goyo Yeves, César Cuenca, Carlos Soto y Óscar García que, junto a Luis M. de Tejada, un profesor de francés de la institución, conforman el Colectivo de Música del Instituto Delicias, nombre bajo el cual comienzan a interpretar música folk. Poco después tres chicas se unen al grupo creando la formación Páramo, bajo la que interpretaban música castellana y que tuvo una corta duración en el tiempo.
Paralelamente Carlos Soto formaba parte de otro grupo bastante conocido en los circuitos regionales denominado Almenara y del que a su vez era miembro integrante Jesús Cifuentes a la guitarra española y bajo el que publicaron un disco llamado “Desde aquel día de Abril… (Amapolas Comuneras)” en 1984. Poco después ingresan en Almenara Nacho Castro a la batería y Luis M. de Tejada al violín por lo que en Almenara se juntaron cuatro de los miembros fundadores de Celtas Cortos.
En 1986 los 5 miembros masculinos de Páramo acompañados por Jesús Cifuentes y Nacho Castro de Almenara, además de por Fernando, un amigo de César que se hace cargo de los teclados, deciden presentarse a un concurso organizado por la discoteca Sheraton de Valladolid. El nombre que eligen para concursar es el de Colectivo Eurofolk y finalmente resultan ganadores del concurso, lo que les reportó 100.000 pesetas (600 euros) y los llevó a no disolver la banda tras el concurso como era la idea inicial.
Tras decidir que se hacía necesario un cambio de nombre, finalmente el elegido es Celtas Cortos, haciendo honor a la popular marca de tabaco sin filtro que fumaba el batería Nacho Castro, quien propuso el nombre, sin que su intención inicial fuese más allá de la mera broma.
Celtas Cortos ha tenido muchos y a veces cambiantes miembros.
Los ocho miembros originales de Salida de emergencia, en 1989, eran:
Jesús H. Cifuentes: Guitarra y voz.
Nacho Castro: Batería y otras percusiones.
Carlos Soto: Flauta travesera, whistle y gaita.
Goyo Yeves: Whistle, flautas de pico, flautas de vara y saxo.
Nacho Martín: Teclados.
Luis M. de Tejada: Violín.
Óscar García “Vinagre”: Bajo.
César Cuenca: Guitarras eléctricas y acústicas.
De los miembros originales, sólo quedan tres en la actualidad:
Jesús Cifuentes (voz solista y guitarra).
Goyo Yeves (saxo y whistles).
Oscar García (bajo).
La formación actual la completan otros cinco músicos:
Alberto García (violín y trombón). Incorporado en 1990.
José Sendino (guitarra). Incorporado en 1997.
Diego Martín (batería). Incorporado en 2006.
Antón Davila (gaita). Incorporado en 2004.
Chuchi Marcos (Bajo). Incorporado en 2013.
Álbumes de estudio
1989 – Salida de emergencia
1990 – Gente impresentable
1991 – Cuéntame un cuento
1993 – Tranquilo majete
1996 – En estos días inciertos
1998 – El alquimista loco
1999 – Tienes la puerta abierta
2003 – C’est la vie
2008 – 40 de abril
2010 – Introversiones
2014 – Contratiempos
Recopilatorios
1995 – ¡Vamos!
1999 – The best of
2001 – Grandes éxitos, pequeños regalos
2002 – Gente distinta
2006 – 20 soplando versos
Box-set
2003 – Colección
2014 – Original Album Series
Álbumes en directo
1997 – Nos vemos en los bares
2012 – Vivos y directos
2016 – In crescendo
Otros
1988 – Así es como suena: folk joven (denominado como disco cero por los propios miembros de la banda)
2004 – Celtificado (álbum no oficial)
Sencillos
Alabama’s (1989)
Salida De Emergencia (1989)
Haz turismo (1990)
Gente impresentable (1990)
Si No Me Veo No Me Creo (1990)
La senda del tiempo (1990)
¿Qué voy a hacer yo? (1990)
20 de abril ? (1991)
Cuéntame un cuento (1991)
El ritmo del mar (1991)
Trágame tierra (1992)
¡¡Ya Está Bien!! ? (1992)
Tranquilo Majete (1993)
Lluvia en soledad (1993)
Romance de Rosabella y Domingo (1993)
Madera de colleja (1994)
Carta a Rigoberta Menchú (?1994)
Cuéntame un cuento (feat. Willy Deville) (1995)
El Emigrante ? (1996)
No nos podrán parar (1996)
Cálida trinchera (1996)
En estos días inciertos (1996)
Siempre tarde (1996)
Blues del rosario (directo) (1997)
¿Qué voy a hacer yo? (directo) (1997)
20 de abril (directo) (1997)
Haz turismo (directo) (1997)
Vasos rotos (1998)
Todo es ponerse (1999)
Pajarico (1999)
Gente distinta (1999)
A saber (1999)
Cuéntame un cuento (2001)
C´est la vie (2002)
Baila (2003)
Hay que volver (2006)
Retales de una vida (2008) (iTunes)
Canciones sin medida (2008) (iTunes)
Retales de una vida Remezclas EP (2009) (iTunes)
Blues del Pescador (Fisherman’s Blues) (2010) (iTunes)
Días de colores (versión 2012) (2012) (iTunes)
Salieron las estrellas (2014) (iTunes)
Videoclips
Qué voy a hacer yo? (Directo)
Haz turismo (Directo)
Gente impresentable (Directo)
La senda del tiempo (Directo)
Cuéntame un cuento
El ritmo del mar
20 de Abril (Directo)
Tranquilo majete
Madera de colleja
Romance de Rosabella y Domingo
No nos podrán parar
El emigrante
Gente distinta
A saber
Pajarico
C’est la vie
Hay que volver
Por ser de Valladolid
Retales de una vida
Retales de una vida (con Maria Toledo)
Tú eres el mejor
Tú eres el mejor (con ADANO)
Amor al vino
Blues del pescador
Vamos Eileen
Fiesta
Días de colores (Versión 2012)
Salieron las estrellas
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01. Vivir Sin Miedo Produced by Buika and Martin Terefe |
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01. Sueño con ella (versión 2013) Musicians |
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01. Soledad 2.49 Personnel: |
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1 Como hablar 3:59 |
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Desordenada Habitacion |
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CD1 CD2 |
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01. A mi no me importa |
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01. This Game Is Over |
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CD 1 CD 2 |
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01. Los Chulos Son ‘Pa’ Cuidarlos |
Alameda
Alameda estuvo en sus comienzos bajo la sospecha de clonar a Triana, y de hecho sus fundamentos musicales son los mismos, la tradición del rock progresivo y el flamenco, y la forma de abordarlos muy similar, con apoyo en ritmos aflamencados (especialmente bulerías y rumbas ), utilización profusa de la iconografía y resortes de la tradición vinculada al flamenco, letras de tipo popular y voces con fraseos y melismas aflamencados.
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A pesar de estas comparaciones con Triana, Alameda siempre ha tenido un estilo que le distinguía, un flamenco más arraigado y unas guitarras menos distorsionadas. Lo que más los asemeja es el canto a la vida y la esperanza, presentes en todas las canciones de ambos grupos, así como el teclado rock flamenco que le da a este rock andaluz sus aires progresivos.
La banda se creó en 1977 tras coincidir cuatro de sus componentes en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla. Los hermanos Marinelli aportaban nuevas experiencias en los teclados, tanto con el tradicional piano, con el Moog o con el melotrón. Uno de los integrantes de Alameda, Luis Moreno, había formado parte, junto con Eduardo Rodríguez Rodway, fundador de Triana, del grupo Los Payos. Otro de sus integrantes, Pepe Roca, había sido componente del grupo Tartessos.
Graban su primera maqueta de la mano de Ricardo Pachon en su estudio de “El Aljarafe”. Poco después Gonzalo García Pelayo les consigue su primer contrato discográfico en 1979, cuatro años después de la aparición de Triana, que había sentado las bases del llamado rock andaluz.
La aparición de su primer disco, Alameda, supuso un gran éxito comercial llegando a conseguir el disco de oro.
Este disco contiene tres clásicos del grupo: “El amanecer en el puerto”, canción con la que se dieron a conocer y que se convertiría en su canción seña; “Aires de la Alameda” y “Matices”, con tintes de balada. Ese mismo año 1979, colaborarían en el mítico disco “La leyenda del tiempo” de Camarón.
En su segundo elepé, “Misterioso Manantial” (1980), destaca el tema “Dos Amores”. En su tercer álbum, “Aire Cálido De abril” 1981), sobresale “Sangre Caliente”. Estos dos discos mantuvieron un cierto nivel de ventas, aunque no con el mismo éxito comercial que el primero.
En 1983 graban su cuarto disco “Noche andaluza”, con muestras de la división que ya aparecía en el grupo: unos preferían un enfoque más culto y otros volver a la frescura del primer disco. Después de este disco, el grupo se disolverá. Sus componentes colaborarán en trabajos de Camarón y Paco de Lucía.
Se vuelven a unir en 1992 para un recital organizado con motivo de la Expo 92 en Sevilla. Tras esto, publican “Dunas” (1994) y, un año después, “Ilusiones” (1995), que contiene una recopilación de temas de Dunas y temas nuevos. Su último trabajo, “Concierto veinte aniversario” (1999) incluye la colaboración de varios artistas.
A finales de la primera década del nuevo siglo, seguían actuando con dos de sus fundadores, Pepe Roca y Rafael Marinelli, acompañados de una banda de músicos de sesión, editando un disco en 2008 (“Calle arriba”)
Álbumes
1979 – Alameda
1980 – Misterioso manantial
1981 – Aire Cálido de abril
1983 – Noche Andaluza
1994 – Dunas
1995 – Ilusiones
2008 – Calle Arriba
Recopilatorios
1999 – Concierto – 20 Aniversario (2CD en directo)
2003 – Todas Las Grabaciones En CBS 1979-1983 (doble CD)
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CD 1 CD 2 |
Barón Rojo
Barón Rojo es un grupo español de heavy metal, formado en 1980 y que consiguió un cierto éxito internacional a principios de la misma década.
Barón Rojo nació de la unión de cuatro músicos: los hermanos Armando y Carlos de Castro, José Luis Campuzano, también conocido como “Sherpa”, y Hermes Calabria
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Los hermanos Carlos y Armando de Castro permanecieron en el grupo Coz hasta 1980, momento en que las relaciones del grupo se deterioraron y el grupo se dividió en dos. Los hermanos de Castro, junto al cantante y bajista José Luis Campuzano y el batería uruguayo Hermes Calabria, anteriormente en el grupo de rock progresivo Psiglo, fundaron Barón Rojo, mientras que la otra mitad del grupo Coz continuó con su carrera publicando algunos discos más.
Una vez formado, el grupo debuta a comienzos de 1981 con el álbum Larga Vida al Rock’n Roll, publicado por la compañía Chapa/Zafiro. Lanzan como primer single el tema Con botas sucias, cuyas siglas aluden veladamente a CBS, la compañía discográfica que editaba los discos del anterior grupo de los hermanos De Castro (Coz). El disco está dedicado a la memoria de John Lennon, que había sido asesinado recientemente.
El álbum obtiene el disco de oro, lo que les proporciona actuaciones por toda España y comentarios en televisión, radio y prensa.
Gracias a los beneficios del primer LP, el grupo se traslada a Londres, donde graba su segundo trabajo titulado Volumen Brutal. Éste se graba en los estudios Kingsway de Ian Gillan, cantante de Deep Purple, en sólo dos semanas. De este disco existen dos versiones: Una grabada en castellano y otra en inglés con la compañía “Kamaflage”, que adquirió los derechos del disco para su venta en Europa. Tanto la versión en castellano como la inglesa triunfan en Inglaterra y en otros lugares de Europa.
Barón Rojo “bombardean” Inglaterra con temas como Los rockeros van al infierno, Incomunicación o Resistiré (Stand Up en inglés), con el que alcanzan el aplauso de parte de la prensa especializada y logran encabezar las portadas de algunas revistas especializadas como Kerrang!. El 27 de agosto de 1982 Barón Rojo actúa junto a Iron Maiden, Gary Moore, Marillion, Twisted Sister y M.S.G. en el “Reading Festival 82”. De Volumen brutal merece mención especial el tema Concierto para ellos, dedicado a Bon Scott y otros músicos de rock fallecidos.
En 1983 se publica el tercer disco, titulado Metalmorfosis, grabado también en Londres. Aparecen en él temas como Casi me mato, El malo y Tierra de vándalos, así como el tema más sentimental de la banda: “Siempre estás allí”.
En 1984 sale a la venta un disco doble en directo titulado Barón al rojo vivo grabado con los más avanzados sistemas de la época. El disco, incluye cuatro canciones nuevas entre sus hits más conocidos (“Campo de concentración”, “El mundo puede ser diferente”, “Mensajeros de la destrucción” y “Atacó el hombre blanco”), así como una pequeña versión instrumental de “Whole lotta love” de Led Zeppelin (“Muchísimo amor”) y las instrumentales “Czardas” y “Buenos Aires”, esta última dedicada a la capital argentina.
En 1985 presentan el disco En un lugar de la marcha con canciones tan conocidas como Hijos de Caín, en la que colabora José Barta a los teclados, y Cuerdas de acero.
El año 1986 sale a la venta el álbum en vivo Siempre Estáis Allí, en el cual deleitan a sus fans con los temas que no pudieron entrar en el álbum en vivo anterior, Barón Al Rojo Vivo, producido por la misma banda para Chapa Discos.
En 1987, nos entregan su trabajo Tierra de Nadie, producido por Joaquín Torres para Serdisco, el cual fue grabado en “Torres Sonido” de Torrelodones, Madrid, durante los meses de marzo, abril y mayo del mismo año. Con este álbum comienza un período de experimentación en el cuál Barón Rojo busca integrar su estilo compositivo con nuevos elementos. Destacan en este álbum los temas La voz de su amo, Sombras en la noche o la propia Tierra de Nadie, que goza de majestuosas orquestaciones.
El álbum No Va Más, de 1988, nuevamente lanzado por la discográfica Serdisco, está enfocado sobre el tema de las apuestas y sus consecuencias, el mismo muestra a un Barón Rojo que experimenta ampliamente con teclados, apreciable en los temas Cansado de esperar y Mil años luz, encontrándonos también con la experimentación de un curioso violín chino (además del banjo) en el extraño tema Celtas cortos, que hace alusión a una famosa marca de cigarrillos.
Casi un año después llega su nuevo trabajo, Obstinato, nuevamente producido por Barón Rojo para Serdisco. El álbum fue grabado en los estudios Chamber durante marzo y abril de 1989. En él se deja un poco de lado la línea experimental abierta en los dos anteriores, aunque sin abandonarse completamente. Contiene temas como Vampiros y banqueros, Tren fantasma o Pura sangre, así como una nueva versión más tranquila y relajada del tema Herencia letal, aparecido en Metalmorfosis.
Barón Rojo sería la banda de Rock más importante y grandiosa de la historia de España, constituyéndose como emblema del género dentro del país, arrastrando miles de seguidores durante décadas y constituyendo una leyenda nacional dentro de la música rock. Esta formación inicial de Barón Rojo (los hermanos De Castro, Sherpa y Hermes) sería la más célebre, gloriosa y reputada, permaneciendo incólume hasta que Sherpa y Hermes abandonan el grupo en 1990, producto de una suma de factores, tales como mala relación con Carlos y Armando, desilusión causada por una cada vez menor repercusión mediática en España del Heavy metal en general y de Barón Rojo en particular, y agotamiento debido a una década plagada de numerosas giras. A finales del mismo año, Jose Luis Campuzano y Hermes Calabria abandonan la formación, pero los hermanos De Castro deciden continuar con la banda y experimentan con varias formaciones, como la que llevó a Barón Rojo a estar integrado por cinco componentes, al unírseles Pepe Bao al bajo (conocido por bandas como Manzano y, más adelante, O’funk’illo), José Antonio Nogal “Ramakhan” a la batería (de Tritón), y Maxi González (también de Tritón), voz solista en todos los temas.
Álbumes
Larga vida al rock and roll – 1981
Volumen brutal – 1982
Metalmorfosis – 1983
En un lugar de la marcha – 1985
Tierra de nadie – 1987
No va más – 1988
Obstinato – 1989
Desafío – 1992
Arma secreta – 1997
20+ – 2001
Perversiones – 2003
Ultimasmentes – 2006
Tommy Barón – 20128
En directo
Barón al rojo vivo – 1984, formación original.
Siempre estáis allí – 1986, formación original.
Barón en Aqualung – 2001
Desde Barón a Bilbao – 2007 (DVD y 2 CD)
En clave de rock – 2008, en este directo tocan acompañados de la banda sinfónica C.I.M. de Mislata (Valencia), siendo así el primer disco de la banda que se acerca al rock sinfónico.
Recopilatorios
Larga vida al Barón – 1995
Cueste lo que cueste – 1999
Las aventuras del Barón – 2006
Miembros
Formación original (1980 – 1991)
Carlos de Castro (guitarra y voz)
Armando de Castro (guitarra y voz)
José Luis Campuzano “Sherpa” (bajo y voz)
Hermes Calabria (batería)
Formación actual desde 2007:6
Armando de Castro: Guitarra y voz. (Miembro desde 1980)
Carlos de Castro: Guitarra y voz. (Miembro desde 1980)
Rafa Díaz: Batería. (Miembro desde 2007)
En 2011 se unieron para la gira Gira 30 Aniversario los cuatro “barones” originales -Carlos de Castro (guitarra y voz) y Armando de Castro (guitarra y voz), José Luis Campuzano “Sherpa” (bajo y voz) y Hermes Calabria (batería)- están dispuestos a continuar con su reunión también durante 2013, año en el que se estrenará la cinta documental ‘Larga Vida Al Rock And Roll. Barón Rojo: La Película‘.
Miembros anteriores
José Luis Campuzano Sherpa (de 1980 hasta 1989): Bajo y voz.
Hermes Calabria (de 1980 hasta 1989): Batería
Máximo González (1991): Voz
Pepe Bao (de 1990 hasta 1991): Bajo
José Antonio Nogal Ramakhan (de 1991 hasta 1995): Batería
Niko del Hierro (de 1991 hasta 1992): Bajo y coros
José Luis Aragón (de 1993 hasta 1995): Bajo y coros
Valeriano Rodríguez (de 1998 hasta 2005): Batería
Ángel Arias (de 1995 hasta 2007): Bajo y voz
José Martos (de 1996 hasta 1998 y de 2005 hasta 2007): Batería
Tony Ferrer (de 2007 hasta 2008): Bajo
Gorka Alegre (de 2008 hasta 2015): Bajo y coros
Azabache
En 1978 el grupo madrileño Azahar se escinde. Dos de sus cuatro componentes: Antonio Valls y Dick Zappala deciden seguir adelante con el grupo. Los otros dos: Jorge -Flaco- Barral (guitarra acústica y bajo) y Gustavo Ros (teclados) abandonan y comienzan un nuevo proyecto, que denominan Azabache. Con ellos también se irá el productor Gonzalo García Pelayo, que les consigue un contrato con Movieplay, dentro de la serie Gong, que él mismo dirige, en la que ya estaba encuadrado Azahar.
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En principio, completarán el grupo con el guitarrista Daniel Henestrosa y el batería Ricardo Valle. No obstante, muchos pensamos entonces que Azabache era un dúo. Basta ver la foto que acompaña este comentario para apreciar a Gustavo Ros, a la izquierda, y Flaco Barral, a la derecha, ambos en primer plano. Al fondo, muy al fondo, los otros dos componentes. Esta foto, que figura en la contraportada de su primer LP y fue portada de uno de sus singles, deja a las claras quiénes partían el bacalao en la formación.
En 1979 aparecerá su primer disco, el largo “Días de Luna” (Movieplay, 1979) que obtendría unas modestas ventas. Al año siguiente, el batería deja el grupo y el Flaco Barral va a traer un compatriota uruguayo para ocupar el puesto: Hermes Calabria. En ese momento de cambios en el grupo, entrará también Miguel Torres (voz y flauta). Lanzan “No, Gracias” (Movieplay, 1980), este segundo disco, aunque supone una clara evolución respecto al primero, tampoco acaba de funcionar en cuanto a ventas y Azabache pasa a mejor vida a principios de 1981.
Cuando uno escucha los viejos discos de Azabache, piensa que algo se le escapa, que hay algo que no acaba de comprender en lo que está oyendo. Evidentemente, el punto de partida es el rock progresivo, pero en cada corte el grupo parece querer jugar al despiste con el oyente. Temas de folk instrumental como “Noche de meigas galopantes”, sonoros aldabonazos a la naciente nueva ola en “Cuidado con la Marisol”, música progresiva tópica en “Algún día”, claras referencias a Mick Oldfield en las guitarras, etc. Y esto sólo por referirme a su primer LP. Ese batiburrillo de estilos hace que su primer disco suene indefinido, aunque en él un oyente atento va a encontrar momentos memorables. Tampoco ayuda el hecho de que Azabache carecía de cantante en sentido estricto y las canciones aparecen cantadas indistintamente por cualquiera de los miembros del cuarteto.
Su segundo disco se apunta a un rock urbano y un tanto apocalíptico. Las referencias a los dos estilos, supuestamente antagónicos, que imperaban en el Madrid de 1980: el rock urbano y los primeros trabajos importantes de La Movida aquí se nos presentan entremezclados. Azabache logra en su segunda producción un buen disco de rock, con letras de mensaje más o menos ecologista y una producción mejorable. Las mezclas dejan bastante que desear y el sonido general resulta algo oscuro y plano a pesar de la interpretación llena de matices que realiza la banda. Estas deficiencias técnicas restan posibilidades a un disco que intentaba aunar estilos y que podría haber resultado muy interesante.
Azabache como vino se fue, sin ruido, con actuaciones que casi siempre se desarrollaron en pequeñas salas y dejando tras de sí dos álbumes difícilmente clasificables, con un tono general de medianía, pero con detalles instrumentales y momentos compositivos de alta escuela.
Sus componentes siguieron en la brecha. A Flaco Barral y su bajo lo encontraremos acompañando a Hilario Camacho, formando parte de Labanda y al frente del estudio de grabación Colores, donde grabarían Siniestro Total, Vulpess, 091 y un largo etcétera de grupos de los ochenta. A Hermes Calabria lo veremos solo unos meses después de la desaparición del grupo sentado tras los tambores de Coz y en 1982 formando parte de Barón Rojo.
Bebe
María Nieves Rebolledo Vila (Valencia, 9 de mayo de 1978), conocida como Bebe, es una cantautora y actriz española que ganó la fama internacional con los sencillos «Malo» y «Ella». Nació en Valencia y con un año de vida se trasladó a Extremadura.
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La cantante Bebe nació el 9 de mayo de 1978 en Valencia, aunque sólo vivió un año en aquella ciudad. Se crió en Zafra, en Montijo y en Mérida.
Creció en un ambiente musical ya que sus padres formaban parte del grupo de folk Suberina. Vivió en San Vicente de Alcántara (Badajoz) en su juventud. Sus padres, según Bebe, “aficionados a la música” le inculcaron desde pequeña el amor por la isma, siempre vivió rodeada de instrumentos musicales y así le surgió la vena musical, comenzando en 1995 su trayectoria como corista en el grupo Vanagloria.3
En 1996, tras terminar sus estudios de COU en Badajoz, se fue a Madrid a estudiar arte dramático. A los pocos meses comenzó a actuar en locales de la capital y en el año 2001 ganó un concurso de cantautores en Extremadura.
Canta con su banda sin dejar de lado actuaciones en solitario y aparece como personaje secundario en dos películas de producción nacional, Al sur de Granada y El Oro de Moscú en 2003, y, en un capítulo de la serie El comisario.
A finales de 2003 le llega la oferta para publicar un álbum. El álbum aparece por fin en marzo de 2004, con el título de Pafuera Telarañas con producción de Carlos Jean. Entre sus canciones más conocidas se encuentran «Ella», «Siempre me quedará», o «Malo», que obtuvo gran éxito en Italia en el verano de 2006[. En el álbum se ofrece una pista extra con la canción «Que nadie me levante la voz», que Bebe interpreta para la serie de Telecinco, Aída.
El 27 de junio de 2006 anunció su retirada temporal del mundo de la música, centrándose en su carrera como actriz, que dio un salto con La educación de las hadas, dirigida por José Luis Cuerda, y Caótica Ana, dirigida por Julio Medem.
En junio de 2009 presentó su nuevo trabajo musical, un disco llamado Y.. Sus sencillos fueron «La bicha», «Me fui», «Pa mi casa» y «Busco me». En la ceremonia de los Grammy Latinos de 2009 confirmó estar embarazada y el 31 de marzo de 2010 dio a luz a su primera hija, de nombre Candela.
Ha colaborado con Los Amaya, Tontxu, Chambao, Luis Pastor, Albert Pla, El Combolinga, Los Delinqüentes, El Tío Calambres, Kultama, Paco Bello, Los Aldeanos, Shinoflow y SYJ, entre otros; y es coautora, junto a Hernán Zin y Carlos Jean, de «César debe morir», la canción central del documental dirigido por Hernán Zin La guerra contra las mujeres estrenado en Televisión Española en noviembre de 2013.
Discografía
2004 Pafuera telarañas
2009 Y.
2012 Un pokito de rocanrol
2015 Cambio de piel
Sencillos
Pafuera telarañas
«Malo»
«Ella»
«Con mis manos»
«Siempre me quedará»
«Como los olivos»
«Que nadie me levante la voz» (Tema de la serie Aída)
Y.
«Me fui»
«La bicha»
«Pa mi casa»
«Busco-me»
«Se fue»
Un pokito de Rocanrol
«K.I.E.R.E.M.E.» (lanzado en iTunes el 25 de noviembre de 2011)
«Adiós»
«Me pintaré»
«Mi guapo»
Cambio de piel
«Respirar»
«Que llueva»
«Ganamos»
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Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán
Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, también conocidos por sus siglas, CRAG, es un cuarteto español de música pop, intermitentemente en activo desde los años 1970, formado por los músicos Juan Robles Cánovas, Rodrigo García, Adolfo Rodríguez y José María Guzmán.
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Los cuatro juntos han publicado solamente tres elepés y, aunque en su momento no tuvieron prácticamente éxito, ni de público ni de crítica, con el tiempo han sido reivindicados por su música, sus letras y sus armonías vocales y han sido comparados con la banda estadounidense Crosby, Still, Nash and Young, hasta el punto de que su elepé Señora azul está considerado uno de los mejores de la historia del pop español.
Los cuatro componentes del grupo se unieron en 1974 provenientes de otras bandas que ya habían tenido éxito: Cánovas había sido el batería de la banda de rock progresivo Módulos y del grupo Franklin; Rodrigo provenía de Los Pekenikes; Adolfo había sido vocalista y guitarrista de Los Íberos; y Guzmán, junto con Rodrigo y los hermanos José y Manuel Martín, habían pertenecido al grupo Solera, que el año anterior había grabado su único disco, llamado como el grupo.
El mismo año de su formación el grupo sacó su primer elepé, Señora Azul, con la compañía discográfica Hispavox y producido por Rafael Trabucchelli. El disco incluía los temas Señora azul, Sólo pienso en ti, con un elegante arreglo orquestal, Carrusel, en el que destaca el uso del sintetizador, El río, Don Samuel Jazmín, Si pudieras ver, Nuestro problema, Buscando una solución, Supremo director, María y Amaranta, una historia sobre una relación lésbica y El vividor.
Señora azul, que se ha convertido en el tema más conocido de CRAG, ha tenido varias interpretaciones. Según algunos era una crítica contra el franquismo y, más concretamente, contra la censura imperante en aquellos años, aunque los integrantes del grupo desmintieron este punto y señalaron que el tema estaba dedicado a los críticos musicales.
El disco apenas tuvo éxito en su época pero su influencia no ha hecho sino crecer con los años. La revista especializada Rockdelux lo situó en 2004 en el puesto número 11 entre «Los mejores 100 discos españoles del siglo XX».
Tras el fracaso comercial de su primer disco, los cuatro músicos trabajaron como banda de acompañamiento para la cantante Karina y sólo volvieron a grabar una década después, publicando en 1984 el álbum Queridos compañeros y, al año siguiente, CRAG 1985, ambos con la compañía Polygram, y ambos grabados y copodrucidos por José Antonio Álvarez Alija. De esta época trata la primera aparición del grupo con sus cuatro integrantes, ya que hasta entonces, en los escasos conciertos que dieron, siempre lo hicieron como trío, Cánovas, Adolfo y Guzmán o Rodrigo, Adolfo y Guzmán. Esta aparición tuvo lugar en octubre de 1984 en el programa de Televisión Española La tarde.
En los años siguientes, los cuatro miembros siguieron sus carreras en solitario. Guzmán formó en los años 80 el grupo Cadillac, tachado por la crítica de comercial y previsible, que participó con el tema Valentino en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1986, tras el que se disolvieron después de siete años en activo. Posteriormente, ya en solitario, Guzmán editó cuatro discos.
En 1994, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, sin Cánovas, publicaron un nuevo disco, Rodrigo, Adolfo y Guzmán.
El 28 de junio de 2005 se presentó, con el nombre de Gran Reserva 30 años, un disco recopilatorio del grupo en la sala Manuel de Falla de la Sociedad General de Autores y Editores, en Madrid. El trabajo incluía un CD con la reedición de Señora azul; otro con los mejores temas de sus otros discos, una maqueta inédita de 1978, y temas de los grupos Solera, Los Pekenikes, Los Íberos, Módulos y Cadillac; y un DVD con sus escasas apariciones televisivas y un pequeño documental sobre el grupo. Durante la presentación, los cuatro músicos interpretaron los temas Los blues, Sólo pienso en ti, Señora azul y Queridos compañeros.
El 6 de octubre de ese mismo año, el cuarteto dio en la Sala Galileo Galilei de Madrid su primer concierto público en treinta años, en un acto organizado a través de la Fundación Autor por la SGAE, dentro de la VII Semana de Autor. Posteriormente, los días 13 y 14 de diciembre, en una pequeña gira, actuaron en el Teatro del Mercado de Zaragoza y en el Teatro del Matadero de Huesca.
El 13 de octubre de 2014, celebrando la reedición del álbum Señora Azul, que cumplía 40 años, Cánovas, Adolfo y Guzmán, sin Rodrigo, volvieron a llenar la sala Galileo Galilei de Madrid.
Miembros
Juan Robles Cánovas
Rodrigo García
Adolfo Rodríguez
José María Guzmán
Discografía
Señora azul (1974). Hispavox.
Queridos compañeros (1984). Polygram.
CRAG 1985 (1985). Polygram.
Rodrigo, Adolfo y Guzmán (1994). J.J. Record’s.
Gran Reserva 30 Años (2005). Emi.
Los Canarios
Los Canarios fue un grupo de rock español de las décadas 60s y 70s. Se formaron en las Las Palmas de Gran Canaria, en 1964, alrededor de su cantante Teddy Bautista, quien más tarde sería presidente de la SGAE, hasta su imputación judicial en 2011.
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El que fuera guitarrista de la banda en sus últimos tiempos, Salvador Domínguez, incluye los datos históricos de la banda en su libro Bienvenido Mr Rock. Inicialmente se hacían llamar “Los Ídolos”, aunque al iniciar el viaje que realizaron a Estados Unidos (1967), decidieron cambiarse el nombre a “The Canaries”, grabando allí su primer LP “Flying High With The Canaries”.
A la vuelta españolizaron su nombre, y grabaron una serie de singles de rock con metales con muchas influencias soul, que tuvieron bastante proyección. Su primer sencillo en esta línea, fue «The incredible Miss Perryman» para la película Pepermint Frappé, de Carlos Saura, protagonizada por Geraldine Chaplin y José Luis López Vázquez. Pero su mayor hit lo obtendrían con su siguiente single, «Get On Your Knees», producido por Alain Milhaud y grabado en Londres, que se convirtió en la canción del verano en 1968.
La formación en esta época era la siguiente:
Teddy Bautista (cantante, armónica, guitarra de ritmo) -Gibson Les Paul custom-
Germán Pérez (guitarra solista) -Fender Telecaster-
Graham Bircumshaw (órgano)
Álvaro Yébenes (bajo) -Fender Jazz Bass-
Tato Luzardo (batería)
Feliciano “Nano” Muñoz (trompeta)
Alfredo Máiquez (trombón)
Vicente Máiquez (saxo)
A lo largo de este tiempo fueron pasando por el grupo varios músicos, entre ellos Félix Sierra, que sustituyó a Graham Bircumshaw al órgano, y el cantante madrileño Pedro Ruy-Blas, que fue el encargado de suplir la ausencia del líder del grupo, Teddy Bautista, durante su servicio militar (posteriormente participó en el interesante grupo Dolores, que desarrolló un sonido de jazz fusión con influencias aflamencadas, además de una prolongada carrera en solitario). Con la reincorporación de Teddy Bautista, evolucionaron hacia un sonido menos negro y más jazz-rock, como el que hacían en los EEUU grupos del tipo de Chicago o Blood, Sweat & Tears. En esta línea, menos cercana al soul pero manteniendo los metales, grabarían varios singles y dos LP, Libérate y Canarios Vivos.
En 1973, Bautista decidió rehacer el grupo con nuevos componentes, eliminando la sección de viento, para grabar un disco de rock progresivo o sinfónico, llamado Ciclos, basado en Las cuatro estaciones de Vivaldi.
Cuatro de los miembros de la banda que no encajaban en este cambio formaron entonces el grupo Alcatraz, que grabó un LP, y del que ha derivado la Orquesta Alcatraz, aún operativa.
Su tema “Free Yourself” ha sido usado en la película Al final del camino.
La mayor parte de los discos editados por la banda, no se encuentran actualmente disponibles en el mercado: “Ciclos” es el único disco de Los Canarios que es posible encontrar hoy comercialmente.
LP
1967: Flying High With The Canaries (Primer LP grabado y editado sólo en EEUU. En España lo editó en 1985 el sello Cocodrilo).
1968: Lo mejor del clan! (LP) (Recopilatorio de singles compartido con Pop-Tops)
1969: Lo mejor del clan Vol. II (LP) (Recopilatorio de singles compartido con Pop-Tops y Mike Kennedy)
1970: Libérate! (LP)
1972: Canarios Vivos (LP) (No contiene Revival, pues se editó como single)
1974: Ciclos (LP doble)
Singles
1967 The incredible miss Perryman-Peppermint Frappe / Keep on the Right Side
1967: Get on Your Knees / Trying So Hard
1967: Three-Two-One-Ah / Pain (editado también en Reino Unido por el sello “Major Minor”)
1968: Child / Requiem for a Soul
1970: Free Yourself / I wonder what freedom means
1971: Extra-extra / Reaching out
1971: Reacción / Señor estoy preparado
1972: Revival / Chaos
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Andrés Segovia
Andrés Segovia Torres, I marqués de Salobreña (Linares, Jaén, 21 de febrero de 1893 – Madrid, 3 de junio de 1987) fue un guitarrista clásico español, considerado como el padre del movimiento moderno de la guitarra clásica.
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Muchos estudiosos creen que, sin los esfuerzos de Segovia, y pese a la noble historia de dicho instrumento (derivado a su vez de la vihuela), la guitarra seguiría estando considerada como un instrumento meramente popular.
Conoció la guitarra desde niño, probablemente en la localidad de Villacarrillo (Jaén), próxima a la ciudad de Linares, donde nació pero que abandonó muy pronto y a la que no regresó hasta la década de 1950. Fue bautizado en Jaén, y a una edad indeterminada se trasladó a Villacarrillo. Posteriormente marchó a estudiar guitarra a Granada. Es posible, si bien esto no puede afirmarse con seguridad a falta de más datos, que su primera incursión en el mundo de la guitarra viniera de la mano del flamenco. Sin embargo, muy pronto, desde su temprana adolescencia, optó por explorar otras posibilidades por formarse como autodidacta en la tradición de la guitarra española clásica.
Realizó su primera aparición pública en Granada a los catorce años y, con pocos más, ofreció en Madrid su primer concierto, en el que interpretó, entre otras piezas, transcripciones para guitarra de Francisco Tárrega.
Sabiendo que los concertistas de piano en ocasiones alquilan el instrumento, y deseoso de encontrar un instrumento que se ajustara a sus propósitos, acudió en Madrid para dar ese concierto al establecimiento del constructor de guitarras Manuel Ramírez, con intención de proponerle al dueño que le alquilara un instrumento. Después de probarlo y de ensayar durante un tiempo la música que había preparado para el recital, el asombrado Ramírez le rogó que aceptara la guitarra elegida a modo de obsequio.
Segovia continuó con sus estudios de guitarra durante toda su vida, aún a pesar de aquellos que trataron de disuadirlo por no confiar en el futuro de dicho instrumento para la música clásica.
Fueron muchos los músicos que creyeron que la guitarra de Segovia no sería aceptada por la comunidad clásica ya que, según sus creencias, la guitarra no se podía considerar como un instrumento capaz de interpretar a los clásicos. Sin embargo, la técnica de Andrés Segovia asombró al público. A partir de entonces, la guitarra dejó de considerarse un instrumento meramente popular y se aceptó también como instrumento de concierto.
Buika
Concha Buika o Buika (Palma de Mallorca, España, 11 de mayo de 1972), de nombre completo María Concepción Balboa Buika, es una cantante española residente en los Estados Unidos.
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Nació en las Islas Baleares donde vivía su familia, exiliados políticos de Guinea Ecuatorial. Es hija del expolítico y escritor guineano Juan Balboa Boneke. La comunidad gitana del humilde barrio de Palma de Mallorca donde se crió fue para ella un segundo hogar, y encontró en el flamenco un modo de expresión auténtico y la salida ideal para escapar de una dura realidad de pobreza y marginalidad.
Su primer disco, Mestizüo, salió en 2000.
En 2008 colaboró con la cantante de fado portuguesa Mariza en un dúo incluido en su disco Terra (Pequeñas Verdades) y con Elefthería Arvanitáki en el tema Mírame.
En 2008 su cuarto disco, Niña de Fuego, catapultó su carrera internacional. Tras unos pocos conciertos en Los Ángeles, Miami y Nueva York, el disco recibió dos nominaciones a los premios Grammy Latinos de 2008, como «Álbum del Año» y «Mejor Producción». Una edición especial del disco se puso a la venta acompañado de un libro de poemas de Buika ilustrados por autorretratos.
En septiembre de 2009 salió al mercado una colaboración realizada con Nelly Furtado, en el tema llamado Fuerte, todo un himno a la fuerza de la mujer. Cantó junto a Tomeu Penya en su tema Ho feim.
El 20 de octubre de 2009 salió a la venta mundialmente su disco El último trago, un homenaje a Chavela Vargas y a Bebo Valdés en sus 90 cumpleaños, grabado en directo en Cuba en los Estudios Abdala con Chucho Valdés y su cuarteto. El álbum le valió su primer premio Grammy al mejor álbum de música tradicional tropical.
Dos canciones suyas, Por el amor de amar y Se me hizo fácil, fueron elegidas por Pedro Almodóvar para la banda sonora de su película La piel que habito.
El 5 de noviembre de 2010 un artículo publicado online en la publicación npr.com la definió como la «Voz de la libertad» agrupándola con otras 50 voces en una lista llamada 50 Great Voices.
En 2011, fue invitada especial de Chick Corea en un concierto en el club de jazz Blue Note, en Nueva York.
En 2011 se instaló en Miami para poder atender la fuerte demanda de conciertos en los Estados Unidos, y también porque todavía era considerada una extranjera en España.
Discografía
Mestizüo, 2000, junto al pianista Jacob Sureda
Buika, 2005
Mi niña Lola, 2006
Mi niña Lola, 2006 (Edición especial CD+DVD)
Niña de fuego, 2008
Niña de fuego, 2008 (Edición de lujo: 2cd’s + Libro de poemas)
El último trago, 2009 junto al pianista Chucho Valdés
En mi piel, 2011 (Primer recopilatorio)
La noche más larga, 2013
Vivir sin miedo, 2015
Azahar
Azahar se forma en Madrid en 1977 con músicos de diversa procedencia. Es una mezcla de culturas e inquietudes poco usual en otros grupos españoles de la época. El ejemplo está en su vocalista, Dick Zappala, egipcio (nacido en El Cairo) con una voz muy carismática; y el bajista, Jorge “Flaco” Barral, que llegaba desde Uruguay, donde ya había tenido sus experiencias con Opus Alpha y Días de Blues. Junto a ellos, dos músicos madrileños igualmente de gran calibre.
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Cabe destacar que Dick Zappala antes de incorporarse a Azahar ya había participado en la gira del “Ciclos” de Los Canarios e interpretó el papel de Herodes en la adaptación española de Jesucristo Superstar, que produjo Camilo Sesto, junto a un buen puñado de artistas nacionales.
Por su parte, Flaco había sido el bajista del cantautor Hilario Camacho, participando en la autoría de muchos temas de “La estrella del alba”.
Mucha gente se pregunta si Azahar hacia exactamente rock andaluz o no. La respuesta no es fácil, ya que el grupo estaba establecido en Madrid y las influencias que proponían al nivel musical eran varias, con matices que llegaban de distintos estilos y lugares. Lo que sí está claro es que se
incorporaron perfectamente al movimiento rock andaluz, ya que tuvieron gran éxito en Andalucía, donde participaban en eventos con los grupos de la tierra.
Lo que está claro es que la proximidad era grande y consiguieron una marca de mucha calidad que caló en el público de forma especial.
Su formación inicial era peculiar e inusual, ya que no llevaban batería. Era un grupo basado en sonidos más electrónicos e innovadores.
Hicieron dos discos magistrales, especialmente el primero “Elixir”, con un contenido musical muy denso y compacto, y con una presentación exquisita, ya que incluía un encarte con un comic alegóricos al grupo impregnado en azahar, olor que podía apreciarse claramente. Los diseños del logo del grupo, el comic y el disco fueron de Flaco.
“Elixir” es un disco etéreo y sinfónico, de esos que te deja llevar al escucharlo, con teclados envolventes y matices árabes que le dan un toque muy personal y único. Y, sobre todo, la voz peculiar de Dick Zappala, a veces con gran sentimiento y serenidad, y otras veces con impulsivos desgarros. Los temas del álbum fueron compuestos y arreglados por todo el grupo, que hizo un esfuerzo por hacer un trabajo muy laborioso.
Estamos ante un grupo arriesgado e inconformista con letras reivindicativas y continuas invitaciones a la evasión. Claro ejemplo de ello lo tenemos en los temas “¿Qué malo hay sr. juez?” con letras como: -Tenía yo dos amigos que fumaban humo de reír pa’ cuando estaban muy caídos les volvieran las ganas de vivir. Un día me los ligaron por fumar el regalito de dios. Al que resistió lo mataron y al otro el juez lo encarceló- o el tema “Viaje a Marruecos” con otra estrofa insinuante cantada en árabe y cuya traducción es: -hermano, pásame la pipa y las cerillas-.
Cantaban a la legalización de la marihuana y a los beneficios del ácido, y lo hacían precisamente en un momento de convulsión política en España. A eso hubo que sumar que Dick tenía sus papeles de residencia caducados lo cual terminó provocando su expulsión del país, a quien se le aplicó la ley de extranjería y fue deportado a Italia, país del que retornó poco tiempo después de forma ilegal con la ayuda de Antonio Valls.
Su disco de debut es místico, peculiar e impactante, marcando diferencias respecto a lo que se hacía en aquella época.
Dos años después llega su segundo disco, titulado como el propio grupo “Azahar” y con algunos cambios en la formación. Se marcharon “Flaco” Barral y Gustavo Ros, para poner en marcha el proyecto Azabache, con el que hicieron otros dos discos más, e incorporaron a otro teclista, un batería y la colaboración de dos bajistas, aunque no formaban parte de la formación.
Los nuevos miembros fueron Manolo Manrique a los teclados y Willy Trujillo a la batería. Suplieron la ausencia de bajista con la colaboración en el disco
de dos bajistas: Julio Blasco, procedente de la banda madrileña Granada, y Enrique Carmona, un guitarrista que llegó a grabar con Triana y Vega.
Con esta nueva estructura se mantuvo el mismo carisma, aunque el sonido cambió sustancialmente con otras sonoridades.
El segundo disco es mucho más próximo al rock andaluz con un sin fin de ritmos y melodías muy cercanas a grupos como Mezquita, Cai o Imán. Temas como “La naranja y el limón”, “Noche de primavera”, “Zahira” o “Bulerías de lujo” así lo demuestran.
El grupo desarrolló la mayor parte de sus conciertos en Andalucía, lo que supuso que se les aceptara y se les considerase como uno más de los grupos de rock andaluz que en aquellos días poblaban nuestros escenarios, participando también en numerosos festivales.
Tristemente Antonio Valls falleció en el año 2004, haciéndolo también Dick el 5 de Diciembre del 2009 al sufrir un fallo cardiaco.
Azahar es, por tanto, un libro abierto con sabor y un intercambio profundo y cultural entre la península (con su rica historia musical) y esos pellizcos magrebíes que son capaces de incorporar con gran maestría. El grupo contribuyó indiscutiblemente a escribir una página de la música española, aportando su sello propio dentro y fuera del rock andaluz con dos obras imprescindibles.
Formación original:
Dick Zappala – voz
Antonio Valls – guitarras y mandolina
Gustavo Ros – teclados
Jorge “Flaco” Barral – bajo y percusión
Segunda formación:
Dick Zappala – voz
Antonio Valls – guitarras y mandolina
Manolo Manrique – teclados
Willy Rodríguez de Trujillo – batería y percusión
Fuente: Arabiandrock
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Café Quijano
Café Quijano es un grupo musical español de música rock, con origen en la ciudad de León. Es una de las bandas procedentes de su país más famosas a nivel mundial, y han creado clásicos del rock en español como La Lola.
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El grupo está compuesto por tres hermanos, Manuel, Óscar y Raúl, todos ellos músicos, originarios de la ciudad de León, donde en el centro de la misma son propietarios de un Café Concierto cuyo nombre da título a una de sus más famosas canciones: La Lola. Es en este local donde la banda comienza a tener su primer contacto con el público tocando en directo.
En 1996, graban una primera maqueta y se organiza el que será su debut ante el gran público en el Teatro Emperador de León. Todo ello llevará a la banda a captar la atención de la discográfica Warner, con quién firman su primer contrato discográfico.
Publican cuatro CD con gran éxito. También presentan galas y colaboran con importantes nombres como Ricardo Franco, Armando Manzanero, Humberto Gatica, Kenny O’Brien, David Foster, Raphael, Joaquín Sabina o Céline Dion entre otros, además de su incursiones en cine como la aparición en la película Torrente 2: Misión en Marbella, la aportación de bandas sonoras como la película de Disney Lilo y Stitch o sus múltiples apariciones en televisión como en la famosa serie española Aquí no hay quien viva.
Algo importante a destacar es la gran labor que han ejercido como embajadores de su tierra, promocionando la imagen de León alrededor del mundo para fomentar el turismo regional.
Su primer trabajo con Warner, en 1998, será el lanzamiento del primer álbum del mismo nombre de la banda: Café Quijano, que incluye la colaboración del cineasta Ricardo Franco con el tema Loco de amor y que supone una posterior gira de más de 50 conciertos por España, lo que les hace merecedores del favor y reconocimiento del público, alcanzando rápidamente un alto nivel de popularidad.
Con el lanzamiento en 1999 de su segundo álbum de estudio titulado La extraordinaria paradoja del Sonido Quijano, alcanzan un éxito sin precedentes y se convierten en uno de los referentes de la música en castellano a nivel internacional, siendo su primer sencillo, La Lola, número 1 en emisoras de radio de más de 30 países.
Este álbum, que se convertirá en doble platino en España y Top 10 de ventas en la lista AFYVE, cuenta con la colaboración del músico y productor Lulo Pérez y el compositor y arreglista Juan Carlos Calderón.
Los dos años posteriores al lanzamiento de este álbum suponen una gira de conciertos de gran despliegue y numerosos actos, colaboraciones y reconocimientos entre los que se incluyen las dos nominaciones a mejor nuevo grupo en los Latin Grammy Awards y a mejor álbum de rock pendenciero alternativo en los Grammy Academy Awards, convirtiéndose así en el primer grupo español en ser nominado al Grammy estadounidense en sus 43 ediciones hasta ese momento.
Destaca además su colaboración en el disco Duetos de Armando Manzanero con el tema Esperaré, la inclusión del tema Así se va como BSO de la película Por la liebre, la utilización del sencillo De sol a sol en la sintonía de la serie de televisión Abierto 24 Horas o su participación en la película Torrente 2: Misión en Marbella de Santiago Segura, en la que además de aparecer junto a la modelo y actriz Inés Sastre, aportan un tema llamado En mis besos.
Álbumes
Café Quijano (1998) (+ 100.000 Copias)
La extraordinaria paradoja del Sonido Quijano (1999) (+ 500.000 Copias)
La taberna del Buda (2001) (+ 700.000 Copias)
¡Qué grande es esto del amor! (2003) (+ 800.000 Copias)
Grandes éxitos (2008) (+ 30.000 Copias)
Orígenes: El Bolero (2012) (+ 80.000 Copias)
Orígenes: El Bolero Vol. 2 (2013) (+60.000 Copias)
Orígenes: El Bolero Vol. 3 (2014) (+40.000 Copias)
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01. La falsa moneda 03:33 |
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Carlos Núñez
Carlos Núñez Muñoz (Vigo, Pontevedra, el 16 de julio de 1971) es un músico español, considerado como uno de los mejores gaiteros del mundo. Comenzó con las flautas, y más adelante, a los ocho años, con la gaita gallega. A los trece años fue descubierto por The Chieftains, en el Auditorio de Castrelos, en Vigo, y comenzó su carrera en la música, que aún continua.
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Núñez es considerado un erudito de la música celta. Sus investigaciones siguen básicamente dos líneas relacionadas entre sí: el origen de la música celta y su fusión con las músicas del mundo actuales. Su interés por el tema le ha llevado a recorrer el globo y a relacionarse con músicos y artistas de los países que ha visitado, para luego plasmar sus conocimientos y experiencias en su prolífica discografía.
Nieto del escritor y pedagogo Albino Núñez Domínguez, estudió en el Colegio Martín Codax de Vigo, y en el instituto Álvaro Cunqueiro. A los doce años fue invitado a tocar en la Orquesta Sinfónica de Lorient y en 1989 grabó junto al grupo irlandés The Chieftains la banda sonora de la película La isla del tesoro (1990), con los que seguiría colaborando hasta ser conocido como el séptimo Chieftain. Núñez además completó su formación en la enseñanza académica obteniendo la calificación de Matrícula de Honor y Premio Extraordinario Fin de Carrera (Cum Laude) en el instrumento flauta de pico por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Comienza a tocar las flautas, y a los ocho años, pasa al siguiente paso, como dice el, comenzando con la gaita. En una actuación en el Auditorio de Castrelos, en Vigo, su ciudad natal, donde fue descubierto por The Chieftains, y eso dio comienzo a su carrera musical, cuando fue por primera vez a Irlanda, en el año 1989, a grabar junto a estos la banda sonora de la película La isla del tesoro.
En 1996, publica su primer disco, A Irmandade das Estrelas que supuso el boom de la música celta en España. En este disco, Núñez se centra sobre todo en la exploración de su Galicia natal con aportes irlandeses.
En su siguiente disco, Os amores libres (1999), Núñez presenta una reflexión en torno al concepto celta explorando, entre otras, las conexiones existentes entre la música tradicional gallega y el flamenco. Los textos que acompañan a las canciones de este disco están redactados por el escritor Manuel Rivas.
Ya en 2000 y con la publicación de Mayo Longo, con Núñez ya consagrado como músico de renombre y proyección internacional, el gaitero compuso una canción con el ex Supertramp Roger Hodgson. Este disco es un retorno a la tradición galaica y a la sencillez y destacó principalmente por introducirse en las radiofórmulas musicales del momento.
Su siguiente disco de estudio es Almas de Finisterre publicado en 2003, y en Francia como Un Galicien en Bretagne, con una lista de cortes ligeramente diferente. Este disco es el resultado de una larga permanencia del músico en Bretaña, Francia, en el que se muestran músicas tradicionales bretonas grabadas junto a músicos de renombre de la Bretaña francesa.
Carlos Núñez también ha editado un álbum recopilatorio de grandes éxitos con varios cortes nuevos llamado Todos os mundos y en 2004 editó un CD+DVD conteniendo un concierto grabado en Vigo con el título de Carlos Núñez & Amigos con sus canciones más emblemáticas. Carlos también participa en la banda sonora de la película de Alejandro Amenábar Mar Adentro.
En mayo de 2005, Carlos Núñez publicó en Francia, Cinema do mar, dedicado a la interpretación de una selección de celebérrimas piezas de la música clásica (como el Bolero de Ravel o el Concierto de Aranjuez) y bandas sonoras de películas, espoleado por su participación en Mar Adentro. La inclusión de bandas sonoras estuvo motivada por los paralelos que encuentra en las piezas seleccionadas y la música gallega. Podemos encontrar una versión de La Misión de Ennio Morricone, de El Padrino de Nino Rota o la ya habitual en el repertorio de The Chieftains «Women of Ireland», de la banda sonora de Barry Lyndon.
En 2006, participó en la banda sonora de la película del Studio Ghibli Cuentos de Terramar del director Gor? Miyazaki, primer largometraje del hijo del conocido cineasta japonés Hayao Miyazaki. Su colaboración en la banda sonora de dicha película junto a su compositor Tamiya Terashima fue elogiada por el público cinéfilo y filarmónico en general y le valió buenas críticas y mayor proyección internacional al artista gallego.
En febrero de 2007, en la misma semana de los Oscar, Carlos Nuñez publicó la versión española de “Cinema do mar”, distinta a la francesa. Incluye temas con Ryuichi Sakamoto y Dulce Pontes que no se incluyeron en la versión francesa de 2005.
En 2008, participó en las bandas sonoras de las películas Silk del director François Girard y Mi monstruo y yo del director Jay Russell.
Desde el 2007 aproximadamente, Carlos Núñez ha estado indagando en las conexiones galaicas de la música brasileña. De esta investigación ha surgido su nuevo trabajo discográfico, titulado Alborada do Brasil, puesto a la venta el 16 de junio de 2009.
En 2012 publica Discover, un 2-CD que incluye cuatro temas inéditos así como múltiples colaboraciones con artistas amigos al margen de su propia discografía, que se unifican en este disco y hace balance de estos primeros años de su carrera. Incluye 39 temas en los conecta la música gallega con otras culturas, para lo que cuenta con The Chieftains, Sinéad O’Connor, The Waterboys, Omara Portuondo, Compay Segundo, Los Lobos, Carlinhos Brown, Carmen Linares, Vicente Amigo, Carles Benavent, Montserrat Caballé, Jordi Savall, Luz, Ry Cooder, Jackson Browne, Ryuichi Sakamoto, o Roger Hodgson de Supertramp.
En solitario
A Irmandade das Estrelas (BMG Ariola, 1996)
Os amores libres (BMG Ariola, 1999)
Mayo Longo (BMG Ariola, 2000)
Todos os mundos (BMG Ariola, 2002)
Almas de Fisterra (Sony Music, 2003)
Almas de Fisterra Edición Especial (Sony Music, 2003)
DVD Carlos Núñez & Amigos en casa (Sony/BMG, 2004)
Cinema do mar (Versión francesa, 2005)
Cinema do mar (Versión española, febrero de 2007)
Alborada do Brasil (Sony Music 2009)
Discover (Sony Music 2012)
Inter Celtic (2014)
Colaboraciones
Matto Congrio (1993)
The Chieftains – Santiago (1996)
Alejandro Amenábar – Mar Adentro (2004)
Memories from Gedo Senki (Banda Sonora de la película de anime, Gedo Senki, 2007)
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Ana Torroja
Ana Torroja Fungairiño (Madrid, 28 de diciembre de 1959) es una cantante pop española. Fue la vocalista del grupo Mecano, junto a los hermanos José María y Nacho Cano, con quienes consiguió un éxito espectacular en España y otros países.
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Debutó en 1997 como solista, pero se consolidó como tal en 2000. Es conocida por su “voz” atípica, que transmite sensibilidad y equilibrio, infantil para muchos (con Mecano), asimilando de forma figurada a la de una sirena o un ángel. Sin duda ha plasmado su manera de interpretar en la memoria musical de habla hispana. Sus mayores éxito son «A contratiempo», «Ya no te quiero», «Veinte mariposas», «No me canso», «Sonrisa» y los duetos «Corazones», «Duele el amor» e «Hijo De La Luna».
Ana es la mayor de una familia numerosa de seis hermanos. Tiene dos hermanas (Celia y Laura) y tres hermanos (Yago, Javier y Carlos). Su padre José Antonio Torroja Cavanillas es un prestigioso ingeniero de caminos al igual que su abuelo, Eduardo Torroja Miret, Primer Marqués de Torroja y quizá el mayor especialista mundial en su tiempo de construcción en hormigón. Su madre María del Carmen Fungairiño Bringas a la que Ana estaba muy unida era hermana del conocido fiscal Eduardo Fungairiño y murió el 26 de septiembre de 1985 cuando Ana tenía 25 años y Mecano estaba en la cima de su éxito. Ana Torroja comenzó su etapa escolar en un liceo bilingüe en El Viso (barrio de Madrid) relativamente cercano a su casa familiar de entonces en la calle Raimundo Fernández Villaverde.
Posteriormente estudió en un colegio religioso de Teresianas. Siendo una niña cuenta que cantaba, a cambio de una galleta, el “frère Jacques”. Su padre toca bien el piano y en general se puede decir que los Torroja estaban en contacto con la música a través de sus padres y abuelos. Ana y José María Cano se conocieron en una fiesta que se celebraba en los apartamentos Tiuna cerca del madrileño paseo de la Habana hacia el año 1974, siendo ambos adolescentes (14-15 años aproximadamente). En un principio José María se sintió más atraído por la hermana menor de Ana, Celia. Sin embargo, al poco tiempo de conocerse, Ana y José María comenzaron a vivir una relación amorosa de adolescentes que duró unos 3 años según ambos han manifestado en algunas entrevistas, probablemente hasta el traslado de José María a Valencia después del verano de 1977. Tras ese verano del 77 Ana comenzó la carrera de Económicas que posteriormente abandonó hacia 1980 tras dos cursos académicos coincidiendo con los orígenes de su carrera musical.
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Los Brincos
Los Brincos fueron una banda española y filipina de música rock fundada en 1964 en Madrid, que obtuvo un enorme éxito entre ese año y 1968 (convirtiéndose en un auténtico fenómeno musical en su país). Tras diversos cambios de formación y evoluciones estilísticas, terminó disolviéndose en 1970.
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En su tiempo fueron conocidos como los Beatles españoles. Su imagen (al menos en los primeros tiempos), aunque inspirada en los grupos Beat británicos, incluía también elementos idiosincráticos y más o menos castizos, como las capas españolas o los cascabeles.
El grupo se creó en 1964. Sus componentes fueron Fernando Arbex, Manuel González, Juan Pardo y Antonio Morales, Junior. Fueron conocidos como «Los Beatles españoles», de ahí que el nombre del grupo se parezca fonéticamente al de la banda inglesa. En un principio se pensó en bautizar al grupo Las Ovejas Negras. Todos los discos de su primera etapa fueron número uno en las listas españolas.
Los Brincos nacieron a instancias de la discográfica española Zafiro, que trató de repetir en España el éxito de las bandas del beat británico, formando un conjunto que aunara las características del beat británico con la personalidad española. Luis Sartorius fue el encargado de reclutar a los miembros del grupo, procedentes de bandas pioneras del pop español, como Los Estudiantes y Los Pekenikes. Sartorius murió poco antes del lanzamiento, pero ya había sentado las bases de un proyecto que tuvo su plasmación en el estudio gracias a la producción de Mariní Callejo, que había formado parte de Los Brujos y con el tiempo sería considerada como una de las grandes productoras del pop melódico español de los 60 y 70.
De acuerdo con Jesús Ordovás, Los Brincos no tocaban realmente en sus propias grabaciones, sino que eran sustituidos por otros músicos. En realidad ellos mismos tocaban en el estudio, pero la leyenda nunca se pudo cambiar. También supuso otro momento polémico para el grupo cuando fue denunciado por plagio de uno de sus temas (“Sola”) en el año 65. Varias revistas de la época, como Diez Minutos, Fonorama o Disco Express se hicieron eco de la noticia.
Juan Pardo y Antonio Morales se separaron dos años más tarde para formar el dúo Juan y Junior. Los nuevos Brincos se recompusieron bajo el liderazgo de Arbex, con las entradas de Ricky Morales y Vicente Jesús Martínez, procedentes ambos del grupo Shakers.
Más tarde Vicente Martínez también abandonó la formación y lo sustituyó Miguel Morales, hermano de Junior y de Ricky. La última formación, a instancias de Arbex, se fue decantando hacia un rock más psicodélico, que en aquellos años estaba desbancando de las preferencias juveniles al beat. Así grabaron el disco conceptual Mundo, demonio, carne, también editado en inglés como World, Devil, Body. Su discreta recepción les decidió a disolver el grupo. Arbex formaría pronto Alacrán y posteriormente Barrabás.
En los años 2000 volvieron a aparecer Los Brincos, esta vez de la mano de Fernando Arbex y Miguel Morales. Se dedican a tocar sus grandes éxitos en diferentes galas y festivales.
El 5 de julio de 2003 falleció, a la edad de 62 años, Fernando Arbex.
Tras la muerte de Arbex, el grupo continúa realizando actuaciones con el nombre original aunque sin contar entre sus filas con ninguno de los miembros fundadores.
Discografía
Los Brincos (1965). (Reeditado en CD en 2001, BMG)
Brincos II (1966).
Contrabando (1968) — producido por Larry Page.
Mundo, demonio y carne (1970).
World, Evil & Body (1970) — versión en inglés del anterior.
Eterna juventud (2000).
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