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01 – Medellin (feat. Maluma) |
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01. Like A Virgin (Live) |
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01 – I Rise (DJLW Remix) |
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01. Intro Express Yourself (Live) |
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01 – Material Girl |
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CD 1 |
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1 Like A Virgin |
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1. Rebel Heart Tour Intro |
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[03:39] 01. Like a Virgin (Mtv Music Awards 1984) (Re-Mastered Radio Recording) |
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CD 1 |
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[04:13] 01. Erotica (Remastered) (Live) |
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[07:45] 01. Express Yourself (Remastered) (Live) |
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CD1: |
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01. Bitch I’m Madonna (Fedde Le Grand Remix) – 03:56 |
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01. Virgin Mary (Intro) |
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CD1: |
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01. Girl Gone Wild |
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1 Hung Up 5:36 |
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1. Candy Shop |
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1. Hung Up |
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01. American Life |
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1 Die Another Day (Radio Edit) 3:27 |
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1 Deeper And Deeper (7″ Edit) 4:54 |
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1. Music |
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01. Drowned World |
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01. Erotica |
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01.Holiday |
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01. He’s a Man [4:45] |
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1 Like A Prayer (12″ Extended Remix) 7:21 |
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1 Like a Prayer (12″ Dance Mix) |
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01. Like a Prayer |
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01. Like a Prayer |
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1 Spotlight (Single Edit) 4:32 |
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01. Madonna / Who’s That Girl [0:04:00.00] |
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01. Madonna / Who’s That Girl [0:04:00.00] |
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01. Madonna – Who’s That Girl |
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1. Papa Don’t Preach |
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1. Papa Don’t Preach |
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01. Papa Don’t Preach |
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01 – Material Girl |
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Material Girl |
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01. Material Girl [0:04:02.42] |
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01. Material Girl |
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1 Lucky Star 5:30 |
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01. Lucky Star |
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01. Lucky Star |
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01. Lucky Star |
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1 Come By And See 4:27 |
Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart? (Salzburgo, 27 de enero de 1756-Viena, 5 de diciembre de 1791), más conocido como Wolfgang Amadeus Mozart o simplemente Mozart, fue un compositor y pianista del antiguo Arzobispado de Salzburgo (anteriormente parte del Sacro Imperio Romano Germánico, actualmente parte de Austria), maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.
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La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época e incluye más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para fortepiano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión internacional.
En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito.
Según críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión —todo bien fundado por una visión de la humanidad «redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto»—. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años».
Wolfgang Amadeus Mozart nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, en la actual Austria, que en esa época era un arzobispado independiente del Sacro Imperio Romano Germánico. Fue el último hijo de Leopold Mozart, músico al servicio del príncipe arzobispo de Salzburgo. Leopold era el segundo maestro de capilla en la corte del arzobispo aunque fue un experimentado profesor. Su madre se llamaba Anna Maria Pertl. Debido a la altísima mortalidad infantil en la Europa de la época, de los siete hijos que tuvo el matrimonio sólo sobrevivieron Maria Anna, apodada cariñosamente Nannerl, y Wolfgang Amadeus. Fue bautizado en la catedral de San Ruperto el día después de su nacimiento con los nombres de Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart; a lo largo de su vida firmaría con diversas variaciones sobre su nombre original, siendo una de las más recurrentes «Wolfgang Amadè Mozart».
La casa natal de Mozart se encuentra en la Getreidegasse de la ciudad de Salzburgo. Se trata de una casa que actualmente cuenta con una gran cantidad de objetos de la época e instrumentos que pertenecieron a Mozart durante su niñez. Es uno de los lugares más visitados de Salzburgo y una especie de santuario para músicos y aficionados a la música de todo el mundo.
Leopold componía y daba clases de música. El año del nacimiento de Wolfgang publicó un exitoso tratado para la interpretación del violín titulado Versuch einer gründlichen Violinschule. Después del nacimiento de Wolfgang abandonó todo, salvo las tareas propias de su cargo, para dedicarse de manera exclusiva a la formación de su hijo. Fue exigente como padre y como profesor y en todo momento estuvo al tanto de la formación de Wolfgang, para guiarlo como hombre y como artista.
Nannerl y Wolfgang Amadeus mostraron desde muy pequeños facultades para la música. Nannerl comenzó a recibir clases de teclado con su padre cuando tenía siete años, y su hermano, cuatro años y medio menor que ella, la miraba evidentemente fascinado. Años después de la muerte de su hermano, ella rememoró:
A menudo pasaba mucho tiempo en el teclado, eligiendo terceras, que a él siempre le sorprendían y mostraba con placer que el sonido le gustaba. […] En su cuarto año de edad, su padre comenzó a enseñarlo, como un juego, a interpretar unos minuetos y otras piezas en el teclado. […] Podría tocarlo impecablemente y con la mayor delicadeza y manteniendo exactamente el tempo. […] a la edad de cinco años ya componía pequeñas piezas, que interpretaba para su padre, al que estaban dedicadas.
Muse es una banda británica de rock formada en 1994 en Inglaterra. Desde su formación en la década de los 90, sus integrantes son: Matt Bellamy (compositor, voz, guitarra, teclados); Dominic Howard (batería, percusión); y Christopher Wolstenholme (bajo eléctrico, teclados, coros).
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Tras el lanzamiento de Black Holes and Revelations, Morgan Nicholls comenzó a colaborar con la banda durante las presentaciones en vivo, haciéndose cargo de teclados, samples, de algunos coros, rara vez del bajo y últimamente de la segunda guitarra. La banda es conocida por sus extravagantes espectáculos en vivo, por fusionar géneros musicales como el rock alternativo, rock espacial, rock progresivo, rock sinfónico y electrónica,? además por los atípicos intereses de Bellamy en la conspiración global, la revolución, la astrofísica, vida extraterrestre, pensamientos humanos y la idea de un fin del mundo simbólico; temas que se ven reflejados en sus letras.
Muse ha lanzado ocho álbumes de estudio: Showbiz (1999), Origin of Symmetry (2001). Absolution (2003), Black Holes and Revelations (2006), The Resistance (2009), The 2nd Law (2012), Drones (2015) y Simulation Theory (2018). También han publicado tres álbumes en vivo: Hullabaloo Soundtrack (2002), el cual también contiene una compilación de lados B; HAARP (2008), que documenta las presentaciones de la banda en el Estadio de Wembley en 2007; y Live at Rome Olympic Stadium (2013), una presentación de la banda ante más de 60 000 personas en Italia.
Black Holes and Revelations le otorgó a Muse una nominación al Mercury Prize y un tercer lugar en la lista de sus mejores álbumes del año según la revista NME en 2006. Muse también ganó diversos premios a lo largo de su carrera, incluyendo cinco MTV Europe Music Awards, seis Q Awards, ocho NME Awards, dos Brit Awards (premio a la «mejor actuación británica en vivo» dos veces), un MTV Video Music Award, cuatro Kerrang! Awards y un American Music Award. También fueron nominados para cinco Premios Grammy, donde ganaron en la categoría mejor álbum de rock en 2011, por su quinto álbum de estudio The Resistance (2009), siendo también ganadores del mismo premio por Drones en el 2015. Para junio de 2016 han vendido más de 20 millones de álbumes en todo el mundo.
Los miembros de Muse se desempeñaron en diferentes bandas durante su estancia en Teignmouth Community College y Coombeshead College a principios de 1990. Matt Bellamy tocaba en una banda llamada Carnage Mayhem y Dominic Howard en Gothic Plague. Ambos asistían al mismo colegio y se hicieron amigos. Para diciembre de 1992, Bellamy abandonó su banda por pensar que «no era tan cool como la de Dominic», al mismo tiempo, Howard le pidió reemplazar al guitarrista que había abandonado. Tiempo después y tras varios cambios en la banda (la salida del vocalista y otros miembros) le pidieron a Christopher Wolstenholme que aprendiera a tocar el bajo para unírseles. Wolstenholme estuvo de acuerdo y tomó lecciones.
En 1994, el grupo, bajo el nombre Rocket Baby Dolls y con una imagen goth/glam, ganó una batalla de bandas locales, destrozando a sus equipos en el proceso. «Se suponía que iba a ser una protesta, una declaración», dijo Bellamy, «así que, cuando realmente ganamos, fue una verdadera sorpresa. Una enorme conmoción. Después de eso comenzamos a tomarnos en serio a nosotros mismos». Poco después, los tres decidieron renunciar a la universidad, dejar sus puestos de trabajo, cambiaron el nombre de la banda a Muse (1994-1995), y alejarse de Teignmouth.
Álbumes de estudio
1999: Showbiz
2001: Origin of Symmetry
2003: Absolution
2006: Black Holes and Revelations
2009: The Resistance
2012: The 2nd Law
2015: Drones
2018: Simulation Theory

Muddy Waters
McKinley Morganfield (Condado de Issaquena, Mississippi; 4 de abril de 1913 – Westmont, Illinois; 30 de abril de 1983), más conocido como Muddy Waters, fue un músico de blues estadounidense, generalmente considerado el padre del Chicago blues. Su figura y su sonido fueron, del mismo modo, una de las máximas inspiraciones para la escena del blues británico, que comenzó a despuntar en el Reino Unido hacia principios de la década de 1960.
Muddy Waters ha sido ubicado en el puesto # 17 de la lista de los más grandes artistas de todos los tiempos realizado por la revista Rolling Stone.
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Waters fue grabado por primera vez en una plantación del delta del río Mississippi por Alan Lomax para la Biblioteca del Congreso en 1940. Más tarde se mudó a Chicago, Illinois, donde pasó de la guitarra acústica a la guitarra eléctrica, volviéndose cada vez más popular entre los músicos negros de la época.
La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del slide. Su primera grabación para Chess Records mostraba a Waters en guitarra y voces, apoyado por un contrabajo. Más tarde añadió percusión y la armónica de Little Walter para completar su clásica formación de blues.
Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Chicago blues, y B.B. King lo recordaría como el «Jefe de Chicago». Todas sus bandas fueron un quién-es-quién de los grandes del Chicago blues: Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Carey Bell en la armónica, Willie Dixon en el bajo, Otis Spann, Pinetop Perkins en el piano, Buddy Guy en la guitarra, entre otros.
Las grabaciones de Waters de finales de los 50 y principios de los 60 son particularmente notables. Muchas de las canciones que tocó se convirtieron en clásicos, entre ellas: «Got My Mojo Working», «Hoochie Coochie Man», «She’s Nineteen Years Old» y «Rolling and Tumbling» son todos grandes clásicos, muy frecuentemente objetos de versiones por bandas de diferentes géneros.
Su influencia ha sido enorme a través de muchísimos géneros musicales, como el blues, rhythm & blues, rock, folk, jazz y el country. Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación.
Álbumes de estudio
Muddy Waters Sings Big Bill (1960)
Folk Singer (1964)
Brass and the Blues (1966)
Electric Mud (1968)
After the Rain (1969)
Fathers and Sons (1969)
The London Muddy Waters Sessions (1972)
Can’t Get No Grindin’ (1973)
‘Unk’ in Funk (1974)
Muddy Water’s Woodstock Album (1975)
Hard Again (1977)
I’m Ready (1978)
King Bee (1981)

Mr. Mister
Mr. Mister fue una banda estadounidense de estilo pop rock y soft rock, formada en Phoenix, Arizona, en el año 1982. Firmaron contrato en el año 1984, con RCA Records. Sus mayores éxitos fueron las baladas «Broken Wings», «Kyrie» e «Is It Love», todas del año 1985. La banda estaba compuesta por Richard Page en la voz principal y bajo, Steve George en teclados / coros, Pat Mastelotto en batería acústica y electrónica / percusión y Steve Farris en guitarras / coros. Mr. Mister fue el sucesor de la banda Pages, liderada por Page y George de 1978 a 1981.
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El nombre de la banda proviene de una broma sobre el álbum de Weather Report Mr. Gone, en el que se referían entre ellos como «Mister This» o «Mister That», y finalmente seleccionaron «Mr. Mister».
El jueves 18 de febrero de 1988, durante la emisión del XXIX Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar en Chile, el bajista y vocalista del grupo, Richard Page, leyó una declaración a favor de los artistas amenazados, perseguidos y castigados por la dictadura militar chilena, lo que produjo que se cortara la emisión televisiva de su show generando la incredulidad tanto de sus seguidores como del público en general.
Álbumes
1984 – I Wear the Face
1985 – Welcome to the Real World
1987 – Go On…
1990 – Pull – (grabado en 1989)
Compilaciones
1999 – Broken Wings: The Encore Collection
2001 – The Best of Mr. Mister
Moya Brennan, (4 de agosto de 1952 – ), seudónimo de Máire Philomena Ní Bhraonáin, es una cantante irlandesa de música New age y celta, nacida en Gweedore, condado de Donegal.
Anteriormente conocida como Máire Brennan, Moya pertenece al clan Brennan, que ha dado al mundo cantantes como sus hermanas Enya, Bridin Brennan o los Clannad, donde comenzaron Moya y su hermana Enya.
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La carrera musical de Clannad fue muy longeva, empezando en el 1972 en la taberna de su padre, junto a dos de sus tíos Noel y Padraig Duggan, y sus hermanos Pol y Ciaran Brennan. Tiempo después se unió Enya, que abandono el grupo a mediados de los 80. Moya siguió con su grupo recorriendo todo el mundo, con un estilo mezcla de Folclore, celta y pop, hasta que en 1998, con el último disco publicado por Clannad, consiguieron el Grammy (con su disco «Landmarks»)
Pero Moya comenzó su carrera en solitario estando todavía en Clannad, en el 1992, con su disco Maire, consiguiendo gran éxito con su single «Against The Wind». Continuó su carrera en solitario con «Misty Eyed Adventures» en 1994, «Perfect Time» en 1998, «Whisper To The Wild Water» en 1999.
Ya en el nuevo milenio, Moya lanza lo que definió como su mejor trabajo, «Two Horizons» (2003), una gran mezcla de estilos, consiguiendo un enorme éxito y las alabanzas de la crítica.
Tiempo después, lanza «An Irish Christmas» (2005/2006), un disco de villancicos, gran deseo de Moya, pues es una mujer muy religiosa.
Actualmente promociona su último trabajo, «Heart Strings» (2008), y ha hecho una nueva gira entre noviembre y diciembre de 2008 para seguir promocionando su disco navideño, llevándola a diferentes escenarios e iglesias europeas. Próximamente volverá a hacer un nuevo proyecto con Clannad.
Moya ha colaborado con numerosos artistas, tanto junto a Clannad como en solitario, tales como Bono (U2), Delerium, Ronan Keating, Schiller.
Discos en solitario
Máire, (1992)
Misty Eyed Adventures, (1994)
Perfect Time, (1998)
Whisper To The Wild Water, (1999)
New Irish Hymns, (2002) (con Joanne Hogg y Margaret Becker)
Two Horizons, (2003)
Óró – A Live Session, (2005)
An Irish Christmas, (2005)
Signature, (2006)
Signature (Tour Edition) (2007)
Heart Strings (2008)
My Match Is A Makin’ (con Cormac de Barra) (2010)
T with the Maggies (con T with the Maggies) (2010)
Voices & Harps (con Cormac de Barra) (2011)
Affinity (con Cormac de Barra) (2013)

Músorgski
Modest Músorgski (en ruso romanización Modest Petróvich Músorgski) (Karevo, Pskov, 21 de marzo de 1839-San Petersburgo, 28 de marzo de 1881) fue un compositor ruso, integrante del grupo de «Los Cinco». Entre sus obras destacan las óperas Borís Godunov (1872) y Khovanshchina (1886), el poema sinfónico Una noche en el Monte Pelado (1867) y la suite para piano Cuadros de una exposición (1874).
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Músorgski fue un innovador de la música rusa en el período romántico. Se esforzó por lograr una identidad musical exclusivamente rusa, a menudo desafiando deliberadamente las convenciones establecidas de la música occidental. Muchas de sus obras se inspiraron en la historia rusa, el folklore ruso y otros temas nacionales.
Durante muchos años, las obras de Músorgski se conocieron principalmente en versiones revisadas o completadas por otros compositores. Muchas de sus composiciones más importantes han adquirido póstumamente sus formas originales y algunas de las partituras originales ahora también están disponibles.

Morrissey
Steven Patrick Morrissey (Davyhulme, Lancashire, 22 de mayo de 1959), o simplemente Morrissey, es un cantante, compositor y autor británico. Llegó a la prominencia como el líder de The Smiths, una banda de rock activa desde 1982 hasta 1987. Desde entonces, ha creado una carrera comercialmente exitosa como solista. Su música se caracteriza por su estilo vocal barítono y su distintivo contenido lírico con temas recurrentes de aislamiento emocional y anhelo sexual, autodegradación y humor negro, y posturas anti-sistema.
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Nacido en Davyhulme, Lancashire, de una familia de inmigrantes irlandeses de clase obrera, creció en Mánchester. De niño desarrolló un amor por la literatura y la música pop. A finales de la década de 1970, lideró la banda de punk rock The Nosebleeds con poco éxito antes de comenzar una carrera en periodismo musical y escribir varios libros sobre música y cine a principios de la década de 1980. Junto con Johnny Marr formaron The Smiths en 1982, obteniendo reconocimiento nacional por su álbum debut homónimo. Como líder de la banda, llamó la atención por su jopo y por sus letras ingeniosas y sardónicas. Evitando deliberadamente el machismo rupestre, él cultivó la estética de un intruso social sexualmente ambiguo que abrazaba el celibato. Los Smiths lanzaron otros tres álbumes de estudio: Meat is Murder, The Queen is Dead y Strangeways, Here We Come, que generaron sencillos exitosos. La banda fue aclamada por la crítica y atrajo un seguimiento de culto. Las diferencias personales entre Morrissey y Marr resultaron en la separación de los Smiths en 1987.
En 1988 lanzó su carrera solista con Viva Hate. Este álbum y los que le siguieron —Kill Uncle, Your Arsenal y Vauxhall and I— posicionaron favorablemente en la lista de álbumes del Reino Unido. Durante este tiempo su imagen comenzó a cambiar a la de una figura más corpulenta, coqueteando con imágenes patrióticas y una masculinidad de clase obrera. A mediados y finales de la década de 1990, sus álbumes Southpaw Grammar y Maladjusted también posicionaron en las listas, pero no fueron bien recibidos por los críticos. Reubicado en Los Ángeles, tomó un paréntesis musical desde 1998 hasta 2003 antes de lanzar un aclamado álbum de regreso, You Are the Quarry, en 2004. En los años siguientes lanzó los álbumes Ringleader of the Tormentors, Years of Refusal, World Peace Is None of Your Business y Low in High School, así como una autobiografía y una novela.
Muy influyente, ha sido acreditado como una figura seminal en la aparición del indie rock y del britpop. Es a menudo considerado como uno de los mejores letristas de la historia británica, con sus letras convirtiéndose en tema de estudio académico. Ha generado controversia desde el principio en su carrera musical con sus opiniones francas: respaldando el vegetarianismo y los derechos de los animales, criticando a la realeza y a los políticos prominentes, y defendiendo una visión particular de la identidad nacional inglesa.? En una encuesta de 2006 para The Culture Show de la BBC, fue votado como el segundo mayor icono cultural británico viviente.
Solista
Viva Hate (1988)
Bona Drag (1990)
Kill Uncle (1991)
Your Arsenal (1992)
Vauxhall and I (1994)
Southpaw Grammar (1995)
Maladjusted (1997)
You Are the Quarry (2004)
Ringleader of the Tormentors (2006)
Years of Refusal (2009)
World Peace Is None of Your Business (2014)
Low In High-School (2017)
California Son (2019)
I Am Not a Dog on a Chain (2020)
The Moody Blues es un grupo de rock de Reino Unido que se formó en Birmingham en 1964. Su primera voz fue Denny Laine, que más adelante sería compañero de Paul McCartney en Wings. También participaban en el grupo Graeme Edge (batería), Ray Thomas (flauta y voz), Clint Warwick (bajo y voz) y Mike Pinder (teclados).
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Sus comienzos fueron como una banda de R&B típica de la Inglaterra de la época, y sacan su primer single, Steal Your Heart Away, en septiembre. No fue hasta su segundo single, Go Now with the Moody Blues, cuando prueban las mieles del éxito y ventas, lo que les permite salir de gira, hacer las Américas y editar su primer LP, The Magnificent Moodys (Go Now en Norteamérica).
Tras el primer disco, Denny Laine cedió su sitio a Justin Hayward (guitarra y voz) y también se incorporó al grupo John Lodge (bajo). Su segundo trabajo, Days of Future Passed (1967), representó un enorme cambio en los planteamientos musicales y un enorme éxito. Hoy es considerado uno de los mejores discos de la historia, habiéndose reeditado en multitud de ocasiones. El disco contenía una de sus canciones más exitosas, Nights in White Satin.
La concepción del disco fue un cúmulo de aciertos y casualidades. La compañía discográfica buscaba una versión rock de la sinfonía de Antonín Dvo?ák Sinfonía del Nuevo Mundo. Pretendían con ello potenciar y rentabilizar los nuevos aparatos estéreo de los estudios. Los Moody Blues, sin conocimiento de la discográfica y con la buena vista del productor, Tony Clark, lo convirtieron en una obra personal (con la orquesta perfectamente ensamblada); un álbum conceptual que fue el disco más representativo de lo que en esos años se llamó rock psicodélico.
Otros discos de éxito fueron On the Thresold of a Dream (1969), A Question of Balance (1970) o, su último gran éxito, Long Distance Voyager (1981). El resto es historia, con los Moody Blues funcionando hasta el siglo XXI, con cambios (Mike Pinder abandonó la banda; Ray Thomas se retiró de la música) y reconversiones, pero convertidos en unos clásicos del rock.
Discografía
Go Now! en EE UU (titulado The Magnificent Moodies en Gran Bretaña) (1965)
Days of Future Passed (1967)
In Search of the Lost Chord (1968)
On the Threshold of a Dream (1969)
To Our Children’s Children’s Children (1969)
A Question of Balance (1970)
Every Good Boy Deserves Favour (1971)
Seventh Sojourn (1972)
Octave (1978)
Long Distance Voyager (1981)
The Present (1983)
The Other Side of Life (1986)
Sur la Mer (1988)
Keys of the Kingdom (1991)
Strange Times (1999)
December (2003)
The Monkees es una banda de rock formada en 1966, cuyos componentes son originarios de la ciudad de Los Ángeles, Estados Unidos. El grupo fue creado originalmente para una comedia televisiva del mismo nombre, en la cadena NBC.
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Los miembros de la banda fueron seleccionados entre más de 500 jóvenes (entre los rechazados estaban músicos que después fueron famosos como Stephen Stills y Danny Hutton, ya que los productores estaban más interesados en crear un concepto comercial que tener músicos con talento que tocasen o compusiesen música, pese a ello Michael Nesmith logró desde el primer disco integrar sus composiciones) que fueron a las audiciones para un espectáculo de televisión y discos producidos por Don Kirshner. El espectáculo contaba con un sentido del humor irreverente, muy similar o más bien copiado al de A Hard Day’s Night, la primera película protagonizada por The Beatles; además de esto, sólo dos de ellos eran músicos (Michael Nesmith y Peter Tork), y el resto aprendió a tocar sobre la marcha, mientras en sus primeros álbumes la pista era tocada y compuesta por los mejores músicos y compositores de Estados Unidos, como Carole King, Neil Sedaka, Neil Diamond, Tommy Boice y Bobby Hart, así que no podía haber fallo en el aspecto de los éxitos, y entre los años 1966 y 1968 no lo hubo.
Desde el primer momento el talento de Nesmith fue saliendo a la luz y en cada disco de la banda sus composiciones fueron ganando peso, llegando a tener cinco canciones suyas en el disco Headquarters. El resto del grupo también fue poco a poco colaborando con temas propios. A partir del disco Headquarters, ya tenían la capacidad de tocar los instrumentos en el disco, y así lo hicieron. Desgraciadamente para ellos salió a la venta el álbum de The Beatles, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, y fueron desplazados del número 1 después de sólo una semana. Además, emprendieron junto a Jack Nicholson el proyecto de la película Head, que fue un desastre; su programa se canceló, y al poco tiempo Michael Nesmith dejó la banda, comprendiendo que para sus creadores los Monkees sólo fueron un producto y nada más. Posteriormente Nesmith tendría una interesante carrera en solitario y con la First National Band como precursor del estilo Country Rock.
Curiosamente, en esta época The Monkees rechazó grabar «Sugar Sugar», y Kirshner, al ver la posibilidad de ahorrarse la selección y conflictos que llevaba elegir a los miembros, creó un grupo de dibujos animados, llamado The Archies, basado en la tira cómica Archie, con cuyo nombre se publicó la canción. «Sugar Sugar» fue el mayor éxito de 1969.
The Monkees tuvieron éxitos de ventas como «Last train to Clarkville», «I’m a Believer», «She», «I’m Not Your Steepin’ Stone», «A Little Bit Me A Little Bit You»,»Sweet Young Thing», «Look Out Here Comes Tomorrow», «Pleasent Valley Sunday «, «When Loves Come Knockin’ At Your Door», «I Wanna Be Free», «Theme Of The Monkees», «Daydream Believer» y en 1986 se reunieron y tuvieron un éxito importante más «That Was Then, This Is Now».
Álbum
The Monkees
More of the Monkees
Headquarters
Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd.
The Birds, The Bees & The Monkees
Instant Replay Febrero de 1969 POP #32
The Monkees Present
Changes4
Pool It!
Justus
Good Times!
Álbumes Recopilatorios
The Monkees Greatest Hits Junio de 1969
The Monkees Greatest Hits Julio de 1976
Then & Now… The Best Of The Monkees Junio de 1986
Hey Hey It’s The Monkees – Greatest Hits Marzo de 1989
Listen To The Band
Greatest Hits Octubre de 1995
Anthology Abril de 1998
Headquarters Sessions? Septiembre de 2000
The Definitive Monkees Febrero de 2001
Music Box Febrero de 2001
The Very Best Of The Monkees Abril de 2003
Richard Melville Hall (Harlem, Nueva York, Estados Unidos; 11 de septiembre de 1965), más conocido como Moby, es un compositor de música electrónica estadounidense. Tomó su nombre artístico del libro más famoso de su conocido tío bisabuelo, Herman Melville, Moby-Dick. Después de colocar ocho de sus sencillos en la lista de sencillos del Reino Unido? en los años 1990 haciendo música techno, su mayor éxito fue Play, lanzado en 1999, del cual vendió doce millones de copias en todo el mundo.
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Ha tenido conflictos dialécticos con Marilyn Manson y Eminem. Desde 2007 sube música a su cuenta de YouTube y cuenta con más de cincuenta millones de reproducciones. Su etapa como solista, cuenta con doce álbumes de estudio, diez álbumes recopilatorios, más de sesenta y cinco sencillos, entre otras apariciones. A lo largo de su carrera vendió más de veinte millones de álbumes y tres millones solo en Estados Unidos, tiene certificaciones tales como un disco de diamante en Francia, veinte discos de platino, dieciséis discos de oro y uno de plata.
A comienzos de los años 1980, Moby era miembro de una banda de hardcore punk llamada Vatican Commandos, la cual lanzó un EP llamado Hit Squad for God. Desde 1985, fue disc jockey en «The Beat» Port Chester (Nueva York) y en 1989 firmó un contrato de grabación con Instinct Records. Su primera canción se considera que es «Time’s Up».
Su primer éxito fue «Go», una canción progresiva que usaba la línea de Laura Palmer en la serie televisiva Twin Peaks. La canción alcanzó el top 10 británico en octubre de 1991, y le hizo ganar una aparición en Top of the Pops. En 1993, gracias al ascendente éxito, fue de gira con The Prodigy, Orbital y Aphex Twin.
En 1991 participa en un remix de la canción «Miserablism», cara b del sencillo «Was It Worth It?» de Pet Shop Boys. El remix se tituló «Miserablism (electro mix)».
En 1992, lanzó su primer álbum llamado simplemente Moby que contiene estilos techno en la mayoría de las canciones, a excepción del último corte «Stream» que es una pieza de género ambiente con atmósfera profunda y misteriosa con sonidos de percusión. Con esto pareciera que Moby nos dejaría entrever que es lo que depararía el siguiente álbum.
Igualmente en ese mismo año 1992, Moby lanzó su siguiente álbum titulado Ambient en el cual dejó de lado los sonidos techno del primer material para enfocarse a sonidos ambiente. El corte de inicio, «My Beautiful Blue Sky» es una muestra de este trabajo muy enfocado a los sonidos característicos de este sub-género de la electrónica en la cual se disfruta escuchándose muy concentrado en los sonidos y en la atmósfera que lo rodea.
En 1993, lanzó su álbum Early Underground que es un recopilatorio de canciones hechas por él anteriormente; todo el álbum vuelve a ser techno-trance.
Discografía
Moby (1992)
Ambient (1993)
Everything Is Wrong (1995)
Animal Rights (1996)
Play (1999)
18 (2002)
Hotel (2005)
Last Night (2008)
Wait for Me (2009)
Destroyed (2011)
Innocents (2013)
Long Ambients 1: Calm. Sleep. (2016)
These Systems Are Failing (junto a The Void Pacific Choir) (2016)
More Fast Songs About the Apocalypse (junto a The Void Pacific Choir) (2017)
Everything Was Beautiful, and Nothing Hurt (2018)
Long Ambients 2 (2019)
All Visible Objects (2020)
The Mission —conocidos como The Mission UK en los Estados Unidos para diferenciarlos de una agrupación de rhythm and blues de Filadelfia— es una banda británica de rock gótico formada en 1986 en Leeds por los exmiembros de The Sisters of Mercy, Wayne Hussey y Craig Adams.
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Alcanzaron una gran fama en Norteamérica y Europa, pero especialmente en el Reino Unido gracias a los álbumes God’s Own Medicine (1986), Children (1988) y Carved in Sand (1990), por mencionar algunos. Sin embargo, la salida de dos de sus integrantes originales a principios de 1992, llevó a la banda a un declive comercial y con ello a su primera separación en 1996. En 1999 Wayne decidió reformar el grupo con nuevos músicos, donde lanzaron nuevos álbumes de estudio y a su vez estuvieron en extensas giras, pero por decisión del vocalista se tomaron un receso indefinido en 2008. En 2011, con motivos de la conmemoración del 25° aniversario, Wayne Hussey, Craig Adams, Simon Hinkler y el baterista Mike Kelly se reunieron para una extensa gira que los llevó a varios países del mundo. Posteriormente, publicaron los álbumes The Brightest Light (2013) y Another Fall from Grace (2016).
The Mission es considerada como una de las «bandas fundamentales de la invasión británica de rock gótico» y hasta el 2013 se estimó que sus discos superaban los cuatro millones de copias vendidas.
A mediados de 1985, Wayne Hussey (voz y guitarra) y Craig Adams (bajo) abandonaron The Sisters of Mercy después de tener un altercado con Andrew Eldritch. Al poco tiempo el dúo comenzó a escribir las primeras ideas para un eventual álbum de estudio, pero ante la ausencia de una batería y sin ganas de incluir una caja de ritmos solicitaron ayuda al baterista Mick Brown de Red Lorry Yellow Lorry, que antes de finalizar el año ingresó como miembro activo a la banda. Por su parte, como Hussey fungiría como vocalista, la banda consideró contratar a un segundo guitarrista para las presentaciones en vivo y para ello escogieron a Simon Hinkler de Artery, quien también sabía tocar los teclados. Ya como cuarteto, dieron su primer concierto el 20 de enero de 1986 en el recinto Alice in Wonderland de Londres con el nombre The Sisterhood.
Mientras estaban de gira con The Cult por Europa, su excompañero Andrew Eldritch lanzó el disco Gift con un proyecto llamado The Sisterhood, que trajo problemas legales entre ambas agrupaciones debido al uso del nombre.? Debido a ello, Hussey optó por cambiarlo a The Mission que según él fue elegido debido a su educación mormona en alusión a los misioneros de dicha religión, no obstante, Craig Adams mencionó que lo escogieron por su marca preferida de altavoces llamada precisamente Mission. Como Hussey y Adams aún tenían sus contratos vigentes con el sello WEA, el mánager Tony Perrin estimó necesario publicar algunos sencillos antes de comenzar una gira por Europa; en mayo de 1986 se lanzó al mercado «Serpent’s Kiss» y dos meses más tarde fue publicado «Garden of Delight». Ambos sencillos lograron entrar en la lista UK Singles Chart en los puestos 70 y 49 respectivamente.
Álbumes de estudio
1986: God’s Own Medicine
1988: Children
1990: Carved in Sand
1990: Grains of Sand
1992: Masque
1995: Neverland
1996: Blue
2001: Aura
2007: God Is a Bullet
2010: Dum-Dum Bullets
2013: The Brightest Light
2016: Another Fall from Grace

Minnie Riperton
Minnie Riperton (Chicago, 8 de noviembre de 1947-Los Ángeles, 12 de julio de 1979) fue una cantante de soul reconocida por su rango vocal, llegando a las cinco octavas y media. Se estableció en el panorama musical de los años 1970 como una de las estrellas del soul, tras su paso por la formación de The Rotary Connection. Consiguió éxitos en solitario como la balada soul «Lovin’ You».
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Nació el 8 de noviembre de 1947 en Chicago, Illinois; como la menor de los ocho hijos de Thelma Inez y Daniel Webster Riperton, un botones. Sus padres, al percatarse del talento vocal y de las habilidades musicales de su hija, decidieron apoyarla a emprender una carrera musical. Así, durante su adolescencia, ingresó al Lincoln Center de Chicago donde estudió ópera con Marion Jeffery, quien le enseñó a emplear todo su rango vocal. Allí se especializó en técnicas de respiración, Fraseo y dicción.
Jeffery, convencida de las habilidades vocales de su alumna, indujo a sus padres a matricularla en la Opera de Chicago.
Riperton, sin embargo, se mostró más interesada en géneros populares como el Soul, Rhythm and blues y Rock que en el canto clásico. Tras graduarse de la educación secundaria, inició estudios superiores mas los abandonó para perseguir una carrera musical.
Discografía
1970 Come to my garden GRT
1974 Perfect Angel Capitol
1975 Adventures in the Paradise Epic
1977 Stay in love Epic
1979 Minnie Capitol
1980 Love lives forever Capitol

Milli Vanilli
Milli Vanilli fue un dúo alemán de pop y R&B contemporáneo compuesto por Rob Pilatus y Fab Morvan bajo la producción de Frank Farian. Su debut en 1988, Girl You Know It’s True, vendió más de 7 millones de copias a nivel mundial y les permitió ganar el Grammy al mejor artista revelación en 1990. Sin embargo, su carrera terminó ese año al descubrirse que Morvan y Pilatus no habían grabado ninguna de sus canciones, limitándose a hacer playback y prestar su imagen. Son el primer grupo en la historia de los Grammy al que le han retirado el galardón.
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Milli Vanilli es un dúo formado por el alemán Rob Pilatus (1964-1998) y el francés Fab Morvan (1966). Rob era bailarín de break dance y futbolista amateur, mientras que Fab emigró a Alemania para trabajar como modelo. Ambos se conocieron en una discoteca de Múnich y se asociaron como bailarines de apoyo de otros artistas; por ejemplo, Rob salió al escenario con el grupo Wind en el Festival de Eurovisión 1987. y en el videoclip de la canción Soul Survivor de C.C. Catch. Además, ese mismo año Rob y Fab formaron el trío electropop Empire Bizarre.
En paralelo el productor alemán Frank Farian, famoso por su trabajo con Boney M, estaba preparando una nueva formación musical para dejar atrás el sonido disco de los años 1970. Un DJ de Fráncfort le entregó un vinilo de Numarx, un desconocido grupo de R&B de Maryland, con la canción Girl You Know It’s True que sonaba en las discotecas de los militares estadounidenses en Alemania. Sobre ese tema, Farian introdujo nuevas bases, instrumentos musicales y unas voces que correspondían a los exmilitares Brad Howell y Charles Shaw.
Farian ya conocía a Rob Pilatus por su trabajo como bailarín de televisión, así que le propuso crear un dúo musical con su amigo Fab en el que sólo tendrían que bailar, hacer playback y prestar su imagen a las canciones que él componía y otros cantaban. El hecho de que ambos fueran de raza negra era un aliciente, pues Farian quería que se asemejaran a un auténtico grupo de R&B estadounidense. Y a pesar de que ninguno de los dos sabía hablar bien inglés, el productor les prefirió a los cantantes originales porque su imagen era «más joven y atractiva».? El contrato fue firmado en enero de 1987 y Farian se encargó de promocionarles como un grupo para adolescentes, aprovechando su reputación en la industria discográfica germana.? El término «Milli Vanilli» es una referencia al apodo de la esposa de Frank, aunque en su momento se vendió como «un nombre turco».
Los cantantes de estudio eran Brad Howell, Charles Shaw y las gemelas Jodie y Linda Rocco como coristas.? Ninguno de ellos figuraba en los libretos de los álbumes europeos. Shaw acabó marchándose del proyecto por desencuentros con Farian y fue reemplazado por John Davis.
Álbumes
All or Nothing (1988)
Girl You Know It’s True (1989)
The U.S.-Remix Album: All or Nothing (1989)
Sencillos
Girl you know it´s true (1988)
Baby don’t forget my number (1989)
Blame it on the rain (1989)
Girl I’m Gonna Miss You (1989)
All or nothing (1990)
Keep on running (1990)
Miles Dewey Davis III (Alton, 26 de mayo de 1926-Santa Mónica; 28 de septiembre de 1991), conocido como Miles Davis, fue un trompetista y compositor estadounidense de jazz.
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Se trata de una de las figuras más relevantes, innovadoras e influyentes de la historia del jazz, junto con artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker o John Coltrane. La carrera de Davis, que abarca cincuenta años, recorre la historia del jazz a lo largo de toda la segunda mitad del siglo XX, caracterizándose por su constante evolución y búsqueda de nuevos caminos artísticos: Davis participa con igual fuerza del bebop y del cool, como del hardbop y de la vanguardia jazzística, sobre todo en su vertiente modal y de fusión con el rock. El sonido de su trompeta es característico por su uso de la sordina de acero Harmon, que le proporcionaba un toque más personal e íntimo; el sonido es suave y melódico, a base de notas cortas, tendente al lirismo y a la introspección.
Davis era hijo de un dentista, Dr. Miles Dewey Davis, Jr., y de una profesora de música, Cleota Mae (de soltera, Henry) Davis; creció, por tanto, en una familia afroamericana de clase media en East St. Louis en Illinois, que se trasladó allí tras su nacimiento. Se interesó por la música durante su infancia y, aproximadamente a los doce años, comenzó a recibir clases de trompeta. Mientras estudiaba en institutos, se desempeñó laboralmente tocando en bares locales y a los 16 años ya tocaba fuera de la ciudad durante los fines de semana. A los 17 se unió a los Eddie Randle’s Blue Devils, una banda regional de San Luis.
Sello disquero: Prestige/Blue Note (1951–1961)
1951: The New Sounds
1952: Young Man With A Horn
1953: Blue Period
1953: The Compositions Of Al Cohn
1953: Miles Davis Volume 2
1954: Miles Davis Volume 3
1954: Miles Davis Quartet
1954: Miles Davis All-Star Sextet
1954: Miles Davis Quintet
1954: Miles Davis with Sonny Rollins
1955: Miles Davis All Stars, Vol 1
1955: Miles Davis All Stars, Vol 2
1955: Musings
1955: Blue Moods
1956: Dig
1956: Miles: The New Miles Davis Quintet
1956: Miles Davis and Horns
1956: Quintet / Sextet
1956: Collectors’ Items
1956: Blue Haze
1957: Walkin´
1957: Cookin´
1957: Bags´ Groove
1958: Relaxin´
1959: Miles Davis And The Modern Jazz Giants
1959: Workin´
1961: Steamin´
Sello disquero: Columbia (1955–1975)
1957: ‘Round About Midnight
1957: Miles Ahead
1958: Milestones
1958: Jazz Track
1958: Porgy and Bess
1959: Kind of Blue
1960: Sketches of Spain
1961: Someday My Prince Will Come
1963: Quiet Nights
1963: Seven Steps to Heaven
1965: E.S.P.
1967: Miles Smiles
1967: Sorcerer
1967: Nefertiti
1968: Miles In The Sky
1968: Filles De Kilimanjaro
1969: In a Silent Way
1970: Bitches Brew
1971: Jack Johnson
1971: Live-Evil
1972: On The Corner
1974: Big Fun
1974: Get Up With It
1976: Water Babies
Sello disquero: Columbia/Warner Bros. (1981–1991)
1981: The Man With The Horn
1983: Star People
1984: Decoy
1985: You’re Under Arrest
1986: Tutu
1989: Amandla
1989: Aura
1992: Doo-Bop (póstumo)
2019: Rubberband (póstumo)
Compilaciones
1957: Birth of the Cool
Álbumes en vivo
1957: Amsterdam Concert
1960: Copenhagen 1960
1960: Free Trade Hall, Vol. 1
1960: Free Trade Hall, Vol. 2
1961: Miles Davis at Carnegie Hall
1961: Live Miles: More Music from the Legendary Carnegie Hall Concert
1964: Miles Davis in Europe
1965: Miles in Berlin
1965: My Funny Valentine
1969: Miles in Tokyo
1970: Miles Davis at Fillmore: Live at the Fillmore East
1973: Miles Davis in Concert
1973: Jazz at the Plaza
1973: Black Beauty: Live at the Fillmore West
1975: Agharta
1976: Pangaea
1977: In Paris Festival International de Jazz 1949
1977: Dark Magus
1982: We Want Miles
1987: that’s what happened, live in germany
1988: Miles & Coltrane
1992: Miles Davis Live in Stockholm 1960 Complete with John Coltrane and Sonny Stitt
1993: Live in Zurich 1960
1993: 1969 Miles Festiva De Juan Pins
1993: Miles! Miles! Miles!
1993: Miles & Quincy Live at Montreux
1994: Live at Newport 1958 & 1963
1995: Live at the Plugged Nickel
1996: Live Around the World
2000: Chasin’ the Bird
2001: At Newport 1958
2001: Live at the Fillmore East, March 7, 1970: It’s About That Time
2002: The Complete Miles Davis at Montreux
2003: In Person Friday and Saturday Nights at the Blackhawk
2004: Birdland 1951
2007: Live at the 1963 Monterey Jazz Festival
2011: Bitches Brew Live
Mikel Erentxun Acosta, más conocido como Mikel Erentxun (Caracas, 23 de febrero de 1965), es un cantautor español, afincado en San Sebastián desde 1973. Fue el vocalista de Duncan Dhu junto a Diego Vasallo (y anteriormente Juan Ramón Viles) antes de iniciar su carrera en solitario.
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Mikel Erentxun es el vocalista del grupo Duncan Dhu junto a Diego Vasallo y anteriormente con Juan Ramón Viles. Editaron su primer álbum titulado Por tierras escocesas en 1985, y estuvieron en activo hasta el año 2001, en el que publicaron Crepúsculo, conformando uno de los grandes grupos de los años ochenta. Han hecho varias recopilaciones de sus grandes éxitos, y también les hicieron el disco tributo Cien gaviotas dónde irán… un tributo a Duncan Dhu, en el que colaboraron, entre otros, Los Secretos, La Cabra Mecánica, Carlos Goñi, Amaia Montero, Leiva, Andrés Calamaro, Hombres G y Álex Ubago.
En 2013, Duncan Dhu volvieron a la escena con el álbum de estudio El duelo y el álbum recopilatorio 1, haciendo una nueva gira por España y el extranjero.
En paralelo al proyecto con Duncan Dhu, Erentxun comenzó una carrera en solitario en 1992 con el disco Naufragios, del que destacan temas como A un minuto de ti, Jugando con el tiempo o Esta luz nunca se apagará, versión española del tema There’s a light that never goes out, del grupo británico The Smiths.
Continúa con su carrera en solitario, publicando El abrazo del erizo (1995), Acróbatas (1998) y Te dejas ver (2000).
Una vez disuelto Duncan Dhu en 2001, publica Ciudades de paso (2003) y el recopilatorio Éxitos (2004).
En sus discos han colaborado músicos como Mark Gardener, Robert Quine, Pete Thomas, Lloyd Cole, Mathew Sweet y Fred Maher. También él colaboró en el primer disco del grupo La Oreja de Van Gogh, Dile al sol (1998), donde hace la segunda voz coral en los temas Pesadilla y Qué puedo pedir, además de aparecer en el videoclip El 28.
En octubre de 2006 salió a la luz su séptimo disco en solitario que lleva por título El corredor de la suerte. En este disco cuenta, entre otras, con la colaboración de Dani Martín (del grupo El Canto del Loco) y de los integrantes de Amaral. Con un sonido más enfocado hacia el folk y el country rock y un poco menos al pop, sin perder ese sonido único de sus canciones. Temas como Me Recuerdas A Mí Cuando Era Yo y Cartas De Amor (Cuando No Hay Amor) destacan, convirtiéndose en clásicos del músico.
Erentxun participó haciendo un pequeño papel en el cortometraje Manhattan Pictures, rodado en Nueva York en noviembre de 2006. El corto, en el que también intervienen los actores Kira Miró y Jorge Monje, cuenta con la canción inédita Come to New York, compuesta expresamente por Mikel para la ocasión.
En noviembre de 2007, en el recopilatorio de la radio musical vasca Euskadi Gaztea, Gaztea The Singles, cantó a dúo en euskera con la cantautora Amaia Montero la clásica canción Lau teilatu («Cuatro Tejados») del antiguo grupo Itoiz.
En junio de 2008 publicó el directo Tres Noches en el Victoria Eugenia con el que pretende cerrar una etapa, para empezar desde cero, un disco en directo que ofrece lo mejor de los tres conciertos que ofreció tres noches seguidas en el emblemático teatro donostiarra. En él, cuenta con invitados de excepción como Iván Ferreiro, Leiva de Pereza, Rafael Berrio, Bunbury y Amaia Montero.
Discografía
Naufragios – 1992 (+260.000 copias)
El abrazo del erizo – 1995 (+80.000 copias)
Acróbatas – 1998 (+50.000 copias)
7 años (Sólo EE. UU.) – 2000
Te dejas ver – 2000 (+50.000 copias)
Ciudades de paso – 2003
Éxitos – 2004
El corredor de la suerte – 2006
Tres noches en el Victoria Eugenia – 2008
Detalle del miedo – 2010 (Junto a Las Malas Influencias)
24 golpes + Eléctrica PKWY – 2012
Corazones – 2015
Corazón salvaje EP – 2015
El hombre sin sombra (álbum de estudio) + Live at the Roxy (directo) – 2017
El último vuelo del hombre bala – 2019
Michael Scott (nacido el 14 de diciembre de 1958) es un cantante, compositor y músico escocés. Es miembro fundador, cantante principal , guitarrista y compositor de la banda de rock The Waterboys . También ha producido dos álbumes en solitario, Bring ‘em All In y Still Burning . Scott es vocalista , guitarrista y pianista , y ha tocado una amplia gama de otros instrumentos, incluidos el bouzouki , la batería y el órgano Hammond en sus álbumes. Scott también es un escritor publicado, que lanzó su autobiografía, Adventures of a Waterboy , en 2012.
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Después de haber comenzado una carrera musical en la década de 1970 que ha continuado hasta nuestros días, Scott ha estado haciendo música profesionalmente desde la década de 1980 y es conocido por sus cambios radicales en los géneros musicales a lo que se refiere como su carrera «supuestamente poco ortodoxa». Scott actualmente vive en Dublín , Irlanda.
Scott nació y creció en Edimburgo, hijo de Allan y Anne Scott. Su padre dejó a la familia cuando Mike tenía diez años, pero los dos se reunieron en 2007. La madre de Scott era maestra de inglés, exponiéndolo a los grandes de la literatura inglesa desde muy joven.
Scott estuvo interesado en la música desde temprana edad. A los 12 años, después de que la familia se mudó a Ayr , comenzó a interesarse seriamente en aprender guitarra. Scott recuerda que, «desde el momento en que [compró]» Last Night in Soho de Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich en 1968 «sabía que [él] tenía que estar en la música», y menciona escuchar a Hank Williams como una experiencia que «cambia la vida». Al año siguiente, Scott tocaba en bandas escolares y formó la banda Karma, llamada así por el principio del hinduismo , con un amigo llamado John Caldwell. El sonido de Karma fue inspirado por David Bowie , The Beatles yBob Dylan.
En 1977 Scott ingresó a la Universidad de Edimburgo , estudiando literatura y filosofía en inglés . Scott más tarde organizar la poesía de William Butler Yeats , Robert Burns , y George MacDonald para las grabaciones Waterboys. Otras influencias literarias en la carrera de Scott incluyen CS Lewis y The Diary of Vikenty Angorov . Scott dejó la Universidad de Edimburgo después de su primer año.
Scott se interesó en la escena de la música punk británica y comenzó a escribir para fanzines , y finalmente comenzó el suyo, Jungleland . Scott estaba especialmente interesado en la música de The Clash y Patti Smith , un tributo a quien, » A Girl Called Johnny «, se convertiría en el primer sencillo de Waterboys .
Albums
Bring ‘Em All In (1995)
Lion of Love (fan club only release.)
Sunflowers (fan club only release.)
Still Burning (1997)
The Whole of the Moon: The Music of Mike Scott and the Waterboys (1998) (best-of collection)
Singles
«Bring ‘Em All In» (1995)
«Building the City of Light» (1995)
«Love Anyway» (1997)
«Rare, Precious and Gone» (1998)

Mike Rutherford
Michael John Cleote Crawford Rutherford, conocido como Mike Rutherford, es un guitarrista y bajista inglés nacido el 2 de octubre de 1950 en Guildford, Surrey. Es uno de los miembros fundadores de Genesis, grupo en el que toca la guitarra y el bajo.
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Tiene un particular instrumento de dos brazos; el primer brazo es una guitarra de doce cuerdas y el otro brazo es un bajo. Cuando tocaba la guitarra de doce cuerdas, los bajos eran hechos con un Moog Taurus, una octava de Do a Do en pedales. Estos eran a veces interpretados por Steve Hackett y a veces por este bajista.
Se acredita a Rutherford como uno de los bajistas más prominentes de los años 1970, y uno de los máximos exponentes del rock progresivo de esta década gracias a su característico estilo de tocar el bajo y a su empleo de guitarras de doce cuerdas en varias de las primeras grabaciones de Genesis.
Además de su carrera en Genesis ha desarrollado su propia carrera en solitario, que dio sus frutos con dos discos (Smallcreep’s day y Acting very strange) a principios de la década de los 80, y fundó su propio proyecto, Mike + The Mechanics, que ha sacado hasta la fecha siete discos de estudio, el último de ellos en 2011, con cambio de integrantes incluido.
Solitario
Smallcreep’s day (1980)
Acting very strange (1982)
Michael Thomas Pinder (nacido el 27 de diciembre de 1941, en Erdington , Birmingham ) es un músico de rock inglés, y es miembro fundador y teclista original del grupo de rock británico Moody Blues . Abandonó el grupo luego de la grabación del noveno álbum de la banda, Octave, en 1978. Se destaca especialmente por su contribución tecnológica a la música. En 2018, Pinder fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Moody Blues.
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Pinder nació de Bert y Gladys Pinder en Kingstanding , Birmingham, y cuando era un joven adulto tocó en El Riot and the Rebels, una banda de rock que logró cierto éxito regional. Los compañeros de banda en El Riot incluyeron a los futuros miembros de Moody Blues, Ray Thomas y John Lodge .
Después de un período en el ejército británico, Pinder y Thomas tocaron juntos en una banda llamada Krew Cats; la banda terminó en Alemania tocando en algunas de las bodegas donde The Beatles habían pulido su musicalidad. Pinder y Thomas, sin dinero, tuvieron que cruzar el norte de Europa para regresar a Inglaterra. Alrededor de este tiempo, Pinder era empleado de Streetly Electronics, una empresa que fabricaba el Mellotron .
Discografía Solo
La promesa (1976)
Entre las estrellas (1994)
Michael Gordon Oldfield (Reading, Reino Unido, 15 de mayo de 1953 es un músico, compositor, multiinstrumentista y productor británico. Ganador de un Grammy en 1975 a la Mejor Composición Instrumental por el álbum Tubular Bells publicado por Virgin Records en 1973.
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El padre del músico, Raymond Oldfield, adquirió una guitarra cuando servía en la Real Fuerza Aérea británica en Egipto durante la Segunda Guerra Mundial. Mike recuerda cómo su padre «solía tocar la guitarra cada Nochebuena, cantando la única canción que sabía tocar, Danny Boy». Mike también atribuyó su temprano interés por la música al hecho de haber visto de niño al virtuoso guitarrista Bert Weedon: «Le vi en la tele cuando tenía siete años y enseguida convencí a mi padre para que me comprara mi primera guitarra. De hecho, creo que de no haber sido por Bert nunca hubiera llegado a ser lo principal en mi vida».
Los Oldfield se convirtieron en una familia enlazada a la música: el hermano mayor de Mike, Terry Oldfield, es un compositor de prestigio en el campo de la música para documentales televisivos, y tiene varios álbumes en el mercado; su hermana, Sally Oldfield, consiguió un gran éxito a principios de los 80 con el tema vocal «Mirrors».
A la edad de 10 años, Mike ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. La guitarra era para él más que un instrumento, era una vía de escape de una situación familiar que fue empeorando y apartándolo del mundo exterior durante mucho tiempo. A lo largo de esa década, la escena musical acústica había gozado de muy buena salud, debido al resurgimiento de la cultura folclórica británica que tuvo lugar en las décadas anteriores. Fue en uno de los muchos clubes dedicados a este movimiento donde el joven Mike empezó a darse cuenta de que su virtuosismo musical era del agrado del público.
Oldfield recuerda: «Tenía dos instrumentales de 15 minutos cada uno que tocaba en los clubes de folk, locales en los que iba repasando todos los estilos. Incluso desafinaba las cuerdas totalmente y las doblaba sobre el mástil y hacía todo tipo de cosas. En cuanto me daban vacaciones en la escuela, pasaba la semana entera practicando y tocando la guitarra». Probó también con la música eléctrica, tocando piezas instrumentales de The Shadows en un grupo amateur.
Cuando Mike cumplió 13 años, la familia Oldfield se trasladó a Romford, Essex. En 1967 dejó la escuela y junto con su hermana Sally formó The Sallyangie, un dúo folk-hippie de voz y guitarra. Firmaron por la compañía Transatlantic, que les editó el álbum Children of the Sun en 1968 y el sencillo «Two Ships» en 1969. Por esta época, el toque de guitarra de Mike fue fuertemente influido por el «folk barroco» popularizado por John Renbourn, líder de Pentangle y Bert Jansch. Después de un año, llegó el fin de Sallyangie.
Con The Sallyangie
1968 – Children of the Sun
Álbumes de estudio
1973 – Tubular Bells
1974 – Hergest Ridge
1975 – Ommadawn
1978 – Incantations
1979 – Platinum
1980 – QE2
1982 – Five Miles Out
1983 – Crises
1984 – Discovery
1987 – Islands
1989 – Earth Moving
1990 – Amarok
1991 – Heaven’s Open
1992 – Tubular Bells II
1994 – The Songs of Distant Earth
1996 – Voyager
1998 – Tubular Bells III
1999 – Guitars
1999 – The Millennium Bell
2002 – Tr3s Lunas
2003 – Tubular Bells 2003
2005 – Light + Shade
2008 – Music of the Spheres
2014 – Man on the Rocks
2017 – Return to Ommadawn
Álbumes en vivo
1975 – The Orchestral Tubular Bells
1979 – Exposed
Álbumes recopilatorios
1976 – Boxed
1981 – Music Wonderland
1985 – The Complete Mike Oldfield
1997 – The Essential Mike Oldfield XXV
2006 – The Platinum Collection
2012 – Two sides – The very best of Mike Oldfield
Álbumes de remezclas
2013 – Tubular Beats (Remixes)
Bandas sonoras
1984 – The Killing Fields

Mike Harrison
Mike Harrison (3 de septiembre de 1945 en Carlisle , Cumbria , Inglaterra – 25 de marzo de 2018) fue un Inglés músico , más notable como el cantante principal de Spooky Tooth y como artista en solitario. También fue el cantante principal en el VIP , el Arte y la banda de azules de Hamburgo, entre otros.
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Notabilidad director de Harrison era como un cantante de Spooky Tooth , una banda que en un principio uno de los fundadores, con Mike Kellie , Luther Grosvenor y Greg Ridley , y que Gary Wright se unió. Harrison, Grosvenor, Ridley y Kellie habían estado previamente en una banda con sede en Carlisle llamada Los VIPs , que también incluyó Keith Emerson . Cuando Emerson dejó a principios de 1967 a co-fundar The Nice , los miembros restantes de la banda cambió el nombre del grupo al Arte y lanzado un álbum a finales de 1967 en Island Records. Propietario del sello Chris Blackwell se interesó en la banda, animándoles a trabajar con Gary Wright y arreglos para Jimmy Miller a ser productor de la banda. Con la adición de Wright, la banda se hizo conocida como Spooky Tooth, la liberación de cuatro discos entre 1968 y 1970, antes de separarse por primera vez, y tres discos más durante la reforma y la ruptura final en el periodo 1972-1974. El sonido de la banda se considera especialmente único, ya que se trataba de dos teclistas, Harrison y Wright, cuyo estilo de canto implicado a menudo voces, similares a las alternando Righteous Brothers o Hall y Oates .
Spooky Tooth rompió por primera vez en 1970, reformado en 1972 y se separó por última vez en 1974. Harrison comenzó una carrera en solitario en 1971, que fue anticipado con la última bocanada de 1970 álbum de la ruptura de la banda, considerado como el «Spooky Tooth, que ofrece Mike Harrison». Harrison lanzó dos álbumes en solitario en 1971 y 1972, seguida de una tercera en 1975, después de la ruptura definitiva de la banda en 1974. Harrison descubrió entonces que se estaban aplicando las regalías de sus álbumes en solitario, sin su conocimiento o consentimiento, a las deudas supuestamente adeudados por Spooky Tooth para Island Records . Después del lanzamiento de su álbum de 1975 del arco iris del jinete , Harrison decidió abandonar la industria de la música por completo, y se mantuvo prácticamente inactivo desde 1975 hasta 1997. El motivo de su salida extendido desde la música era principalmente financiera. Más allá de un estipendio semanal de Island Records, miembros de la banda recibieron más beneficios, incluyendo las regalías. En su lugar, las deudas se acumularon, considera que se le debe a la compañía discográfica. Entre otras ocupaciones, Harrison trabajó como barman y condujo camiones de reparto de carne y leche.
Solo
1971 Mike Harrison ( Isla )
1972 Chimenea Rayo (Isla)
1975 arco iris del jinete (Isla)
2006 tardío arranque ( halo )

Mike + the Mechanics
Mike & The Mechanics es una banda británica de pop rock formada en 1985 como un proyecto secundario del guitarrista-bajista Mike Rutherford, miembro fundador de la banda Genesis. Conocieron el éxito internacional con temas como «Silent Running», «All I Need Is a Miracle», «Over My Shoulder» y «The Living Years». Los otros integrantes originales de la banda fueron su vocalista Paul Carrack líder del grupo ACE, ganó popularidad como artista en solitario y por su pertenencia a grupos como Roxy Music, Squeeze y The Bleeding Heart Band, grupo de respaldo de Roger Waters.
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Carrack cantó varios de los mayores éxitos en las bandas donde trabajó, incluyendo «How Long?» en Ace, «Tempted» en Squeeze, y «Silent Running» en Mike + The Mechanics. Además, participó como vocalista en los álbumes de Roger Waters Radio K.A.O.S. y The Wall – Live in Berlin, y logró un importante éxito en solitario con la canción «Don’t Shed a Tear». Varias canciones de Carrack fueron versionadas por grupos y artistas tales como Eagles, Diana Ross, Tom Jones, Michael McDonald y Jools Holland.
Paul Young apodado ‘Youngly’ por sus compañeros de Mike & The Mechanics Mike Rutherford y Paul Carrack (para evitar la confusión con el propio Carrack y con otro Paul Young, un conocido solista inglés de soul). el teclista Adrian Lee y el baterista Peter Van Hooke. Para su álbum Beggar on a Beach of Gold de 1995, solo Rutherford, Carrack y Young continuaron con la banda, hasta que Young murió en 2000.
Mike & The Mechanics fue un proyecto de un grupo de amigos músicos que se unieron para hacer las canciones que les gustaban. Mike Rutherford era miembro de Genesis (banda que lideró Peter Gabriel y después Phil Collins) y en este nuevo proyecto era el encargado de la guitarra, el bajo eléctrico y los teclados. Paul Young era otro conocido músico que destacaba por sus actuaciones en vivo y que hacía las voces al igual que Paul Carrack, cantante y compositor de la mayoría de los temas de la banda.
Ese mismo año, 1985, llegó el primer álbum que se llamó simplemente Mike + The Mechanics, y que incluía tres canciones que se lanzaron como sencillos y que alcanzaron altos puestos en las listas anglosajonas. Estas eran «Silent Running», «Taken In» y «All I Need Is a Miracle». Se mantuvieron en las listas de éxitos hasta principios de 1986.
Durante ese 1986 la banda se tomó un receso que duraría casi dos años. Mike Rutherford volvió a Genesis y Paul Carrack retomó su carrera en solitario.
En 1988 publican su siguiente disco, The Living Years, que cosechó más éxito que el primero, alcanzando el sencillo que daba nombre al álbum el número uno de los rankings. Nuevamente hicieron una pausa de varios años en los que cada uno continuó con sus propios proyectos, hasta que en 1991, volvieron a juntarse y acordaron lanzar un nuevo trabajo, que llevó por nombre «Word of Mouth», el que no funcionó tan bien como los dos primeros. El grupo es el mismo que grabó el disco anterior.
La producción corre a cargo de Christopher Neil y Mike Rutherford, ejerciendo de ingeniero de sonido Nick Davis. Entre sus canciones sobresalen las baladas «The Living Years», «Nobody Knows» y «Why Me?». Para la canción «Black & Blue» colaboran los miembros de Genesis, Phil Collins y Tony Banks, y en los créditos figuran los coros de la King’s House, que también aparecerán en su siguiente disco. A partir de este disco Paul Carrack tomará un rol cada vez más importante tanto en la interpretación como en la composición de las canciones.
De nuevo volvieron a hacer otra pausa, hasta 1995 cuando volvieron con su cuarto disco «Beggar on a Beach of Gold». El título del álbum se basa en el materialismo que según ellos caracterizó a la década de los 80. Este disco salió a la venta el 6 de marzo de 1995. El primer sencillo se llamó «Over My Shoulder» y fue producido por Mike Rutherford y por Christopher Neil, con quién también escribió otros temas del álbum. Aparte el disco también contenía versiones de los temas «You´ve Really got a hold on me» de Smokey Robinson y «I Believe» (When I Fall In Love It Will Be forever) de Stevie Wonder. El disco llegó a tener un moderado éxito en el Reino Unido, aunque consiguieron vender casi dos millones de copias de él en todo el mundo.
En 1996 pusieron a la venta un grandes éxitos. El 10 de mayo de 1999 se presentó en directo en Londres el nuevo disco de Mike & The Mechanics, que se llamó «M6», y que se puso a la venta el 24 de mayo. Su primer sencillo se llamó «Now that You´ve Gone» contaba con la producción de Brian Rawling, responsable del tema «Believe» de la cantante norteamericana Cher, considerada una de las grandes canciones de ese año.
Los planes del grupo se vieron frustrados súbitamente el 15 de julio de 2000 cuando Paul Young falleció víctima de un paro cardiaco, en la localidad de Chester, Reino Unido, lo que hizo que Rutherford y Carrack se cuestionaran seriamente la continuidad del grupo.
Pese a ello, en años posteriores Mike & The Mechanics ha actuado en variadas giras por Europa, tanto en solitario como haciendo de teloneros en los conciertos de Phil Collins. En junio de 2004 presentaron en directo su último disco llamado «Rewired» en el cual Paul Carrack es el único vocalista principal, y participa de manera destacada en producción y composición, hasta el punto de que el disco sale bajo el nombre «Mike + the Mechanics + Paul Carrack». Este CD presenta una edición especial en formato DVD, en el que diversos artistas han representado en video las distintas canciones del disco.
Llegado el año 2011, Mike Rutherford se propone darle vida nuevamente a su proyecto solista, de esta forma recluta 2 nuevos miembros Andrew Roachford (de destacada actuación en el ámbito del R&B británico) y el canadiense Tim Howar (actor y cantante). En abril de 2011 sale a la venta el nuevo álbum The Road, marcando el retorno a tareas de producción y composición de Christopher Neil.
En el participan también el hijo de Mike (en percusión y batería) y Anthony Drennan, guitarrista que acompañó las actuaciones en vivo de Genesis con Ray Wilson. Con esta formación se desarrolla la gira Hit The Road Tour 2011 por Europa, basada en el último disco. Durante el año 2013, bajo la gira denominada «On The Road 2013», se produjeron diversos conciertos en Alemania, Suiza, Francia, Inglaterra y Rumanía, siempre dentro de festivales (excepto el de Rumanía, que fue como teloneros de Sting).
En abril del 2017 la banda presentó su disco Let Me Fly.
Discografía
1985 – Mike and The Mechanics
1988 – The Living Years
1991 – Word Of Mouth
1995 – Beggar On a Beach Of Gold
1996 – Grandes Éxitos
1999 – M6
2004 – Rewired
2011 – The Road (álbum)
2014 – Singles 1985-2014
2017 – Let me Fly
2019 – Out of the Blue
Miguel Ríos Campaña (Granada, 7 de junio de 1944), conocido simplemente como Miguel Ríos, es un cantante y compositor de rock español, uno de los pioneros de este género en su país.
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En activo desde los años 1960, cuando fue conocido como Mike Ríos, el Rey del Twist, alcanzó su mayor éxito con el «Himno a la alegría», cuya versión en inglés «A Song of Joy» fue un éxito a nivel mundial. Su álbum más vendido ha sido Rock and Ríos, un doble directo editado en 1982. Cinco años más tarde presentó en Televisión Española el programa ¡Qué noche la de aquel año!, un repaso por la historia de la música rock en castellano. Desde entonces ha colaborado con infinidad de artistas de España y Latinoamérica y ha participado en diversas giras con algunos de ellos, como Sabina, Víctor Manuel, Ana Belén o Serrat. A lo largo de estos años su estilo ha variado desde el rock and roll más primigenio al sinfónico o, en los últimos años, el jazz con big band o el blues.
Miguel Ríos nació en el barrio Cartuja de Granada, el menor de los siete hijos de una familia de clase baja. Su familia provenía del municipio granadino de Chauchina. Nada más acabar los estudios, en los Salesianos, tuvo que ponerse a trabajar. Su primera ocupación, a los quince años, fue como dependiente en un bar y posteriormente trabajó como empleado en la sección de discos de unos grandes almacenes, donde entraría en contacto con el rock and roll, lo que hizo nacer en él el deseo de convertirse en cantante.
Acompañado de un grupo de amigos, se presentó al concurso Cenicienta 60 de Radio Granada, interpretando «You Are My Destiny», de Paul Anka, y ganó. Con el permiso materno, ya que su padre había muerto unos meses antes, se trasladó a Madrid en 1960, cuando sólo contaba dieciséis años, de la mano de un cazatalentos. Tras una primera etapa de apuros económicos, el 2 de enero de 1962 grabó con la compañía Polygram sus cuatro primeras canciones para un EP, trabajo por el que cobró 3000 pesetas.
Por entonces se decía que el rock and roll había muerto y que lo que triunfaría sería el twist, por lo que, deseoso de grabar a toda costa, accedió a ser bautizado comercialmente como Mike Ríos, el Rey del Twist, nombre que dio título a esa primera grabación y con el que se haría popular durante la primera mitad de los años 60. Así pues, en este primer trabajo se incluyó «El twist», versión en español del original de Hank Ballard y «Twist de Saint-Tropez», así como «Pera madura», un rock del italiano Pino Donaggio. Durante ese año graba tres EP más: «Mike Ríos» (que incluye el «Twist del reloj»), «Mike Ríos Locomoción» (con «La locomoción», versión del «The Loco-Motion» de Carole King y Gerry Golfin) y «Mike Ríos con Los Relámpagos. ¡Explosivo!» (con «Popotitos», versión del «Bonny Moronie» de Larry Williams)
En 1963 comienza a participar en las Matinales del Price, galas de música juvenil celebradas los sábados por la mañana en el Circo Price, y publica un nuevo EP con Los Relámpagos y otros dos ya sin el grupo. En el primero de ellos se incluye «El ritmo de la lluvia», versión del «Rhythm of the Rain» del grupo The Cascades. En esta época participa en un concurso presentado por Joaquín Soler Serrano.
En 1964 graba sus dos últimos trabajos como Mike Ríos. En el primero de ellos, acompañado por el grupo Los Sonor, se incluye «Oh, mi señor» («O mio signore» de Mogol, Vianello y Mapel). Para la grabación del tercer trabajo de ese año recupera por fin su nombre auténtico. En este disco se incluye el tema «Serenata bajo el sol», escrito por Waldo de los Ríos y para el que vuelven a acompañarle Los Relámpagos. El tema se incluiría al año siguiente en su primera incursión en el cine, Dos chicas locas, locas. Durante ese 1965 graba otros dos EP, en el segundo de los cuales se incluye «Melodía encadenada», versión del «Unchained Melody» de Alex North, y «Ayer», versión del «Yesterday» de The Beatles.
En 1966 abandona la discográfica Philips y firma contrato con la española Sonoplay, con la que en ese año grabará varios temas originales en los que comienza a colaborar a la hora de escribir las letras. Estos temas se recogerán en cuatro sencillos y en su último EP, que incluye cuatro temas de la película Hamelín, en la que participa. Al año siguiente Philips publica un sencillo que incluye la ya publicada «¡Oh, mi señor!» y «Tema para Rocío», de Herrero y Armenteros, de nuevo con Los Sonor.
Discografía
EP
Mike Ríos. El Rey del Twist: «El twist», «Pera madura», «Twist de Saint-Tropez», «Cayendo lágrimas» (1962)
Mike Ríos: «Twist del reloj», «No te alejes de mí», «El anillito», «Bristol» (1962)
Mike Ríos: Locomotion: «No, no lo quiero», «Locomotion», «Twist del mundo», «Vayamos juntos» (1962)
Mike Ríos con Los Relámpagos. ¡Explosivo!: «Detén la noche», «Popotitos», «Hey baby madison», «Spanish twist» (1962)
Mike Ríos: «Una voz extraña», «El rebelde», «Un océano nos separa», «Ruby baby» (1963)
Mike Ríos: «¿Quieres bailar?», «El ritmo de la lluvia», «Una chica igual», «Mi tonta mano» (1963)
Mike Rïos: «Pecosita», «Da-doo-ron-ron», «Los brazos en cruz», «Un diablo disfrazado» (1963)
Mike Ríos con Los Sonor: «¡Oh, mi Señor!», «Hay tantas chicas», «Drip drop», «Bailando surfing» (1964)
Canta Mike: «No pido excusa», «Eso sí que es cariño», «El vagabundo en la playa», «Tu nombre» (1964)
Miguel Ríos: Serenata bajo el sol: «Serenata bajo el sol», «La puedo ver», «Vuelve conmigo», «Dam dam» (1964)
Miguel Ríos: «Consejos de amor», «Cielito lindo», «Huyendo de mí», «He preguntado a mí corazón» (1965)
Miguel Ríos: «Ayer», «Yo no puedo», «Melodía encadenada», «La historia de tres rosas rojas» (1965)
Canciones de la película Hamelín: «Donde», «Linda chica», «Ya lo pagarán», «Mi ilusión de vivir» (1967)
Sencillos
«Tú sí tienes ángel» / «Lejos de ti» (1965)
«Ahora que he vuelto» / «Hermanos» (1966)
«La guitarra» / «Antimusical» (1966)
«La guitarra» / «Germans» (1966)
«Caperucita ye-yé» partes 1 & 2 (con Marta Baizan, Mari Carmen Goñi y Los Impala, 1966)
«El río» / «Vuelvo a Granada» (1968)
«Contra el cristal» / «No sabes como sufrí» (1969)
«Himno a la alegría» / «Mira hacia ti» (1969)
«Yo sólo soy un hombre» / «El cartel» (1969)
«Como el viento» / «Ella se fue» (1970)
«Da-dou-ron-ron» / «La pecosita» (1970)
«Despierta» / «El rock de la cárcel» (1970)
«El Blues de la Tercera Edad» (2020)
Álbumes Estudio
Mira hacia ti (1969)
Despierta (1970)
Unidos (1971)
Memorias de un ser humano (1974)
La huerta atómica (1976)
Al-Andalus (1977)
Los viejos rockeros nunca mueren (1979)
Rocanrol bumerang (1980)
Extraños en el escaparate (1981)
El Rock de una noche de verano (1983)
La encrucijada (1984)
El año del cometa (1986)
Miguel Ríos (1989)
Directo al corazón (1991)
Como si fuera la primera vez (1996)
60 mp3 (2004)
Solo o en compañía de otros (2008)
Directos
Conciertos de rock y amor (1972)
Rock & Ríos (1982)
¡Qué noche la de aquel año! (1987)
¡Qué noche la de aquel año! Vol. 2 (1987)
Big Band Ríos (1998)
Bye Bye Ríos (2010)
Symphonic Ríos (1CD + DVD) (2018)
Recopilatorios
Miguel Ríos (1969)
Grandes éxitos de Miguel Ríos (1970)
Miguel Ríos: Éxitos (1973)
Baladas (1982)
Rock de siempre (1982)
Canciones de una época (1982)
Rock en el ruedo (1985)
Así que pasen treinta años (1992)
Por siempre (1995)
Canciones de amor para tiempos difíciles (1995)
Mike Ríos: sus mejores EP, Volumen 1 (1998)
Miguel Ríos (1999)
Mike/Miguel Ríos, Volumen 2. Todos sus EP (2000)
Miguel Ríos y las estrellas del rock latino (2001)
Vuelvo a Granada (2003)
45 canciones esenciales. Antología audiovisual (3 CD + DVD) (2007)
Midge Ure, OBE, nacido como James Ure (Cambuslang, Lanarkshire, 10 de octubre de 1953), es un músico escocés, un importante contribuyente del Live Aid y Live 8 y anterior líder de la banda de synth pop Ultravox.
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Nació como hijo de un humilde conductor de camión. De adolescente aprendió a tocar la guitarra, y también, a los 15 años, dejó la Rutherglen Academy, su escuela. En 1969, formó una banda llamada Stumble.
Michael Philip Jagger (Dartford, Kent; 26 de julio de 1943), conocido profesionalmente como Mick Jagger, es un cantante, compositor, músico y actor británico, reconocido por ser el principal cantante de la banda de rock The Rolling Stones. Su carrera abarca más de cinco décadas y ha sido descrito como «uno de los cantantes más populares e influyentes en la historia del rock & roll». Por su distintiva voz y su puesta en escena, junto con el estilo de guitarra de Keith Richards, han sido la marca registrada de la banda durante toda su carrera. Con el tiempo Jagger logró notoriedad en la prensa por su admitida relación con las drogas y sus polémicas relaciones personales, siendo nombrado a menudo como una figura contracultural.
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Creció en su ciudad natal y estudió en la London School of Economics, que abandonó para unirse a The Rolling Stones. Ha escrito la mayoría de las canciones de la banda con Keith Richards, colaboración que perdura hasta la actualidad. Desde finales de la década de 1960, Jagger ha actuado en algunas películas (empezando con Performance y Ned Kelly en la década de 1970), recibiendo críticas mixtas por su interpretación. Inició una carrera en solitario en 1985, cuando publicó su primer álbum, She’s the Boss, y se unió al supergrupo SuperHeavy en 2009. Las relaciones con los miembros de los Rolling Stones, en particular con Richards, se deterioraron durante la década de 1980, pero Jagger ha tenido más éxito con la banda que con sus proyectos individuales y secundarios.
En 1989 fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll y en 2004 en el Salón de la Fama del Reino Unido con The Rolling Stones. Como miembro de los Stones y como músico solista, alcanzó el número uno en las listas de sencillos del Reino Unido y de los Estados Unidos con 13 sencillos, el Top 10 con 32 sencillos y el Top 40 con 70 sencillos. Ha recibido tres Premios Grammy y otras trece nominaciones, un Globo de Oro y un MTV Video Music Award, entre otras distinciones. En 2003 fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico por su aporte a la música popular.
Estuvo casado una vez y ha sostenido varias relaciones sentimentales. Tiene ocho hijos con cinco mujeres diferentes. Además, tiene cinco nietos y se convirtió en bisabuelo el 19 de mayo de 2014, cuando su nieta Assisi dio a luz a una niña. El valor neto de su patrimonio ha sido estimado en 360 millones de dólares.
Nacido el 26 de julio de 1943 en Dartford (condado de Kent, Inglaterra), Mick es hijo del profesor de Educación física Basil Joseph Jagger, de origen eslavo —conocido, además, por ser una de las personas que ayudó a popularizar el baloncesto en la isla y de la ama de casa australiana Eva Scutt.
Aunque fue criado para seguir la carrera de su padre, Jagger siempre se interesó por la música. Se refirió a este hecho en el libro According to The Rolling Stones de la siguiente manera: «Siempre canté de niño. Yo era uno de esos niños a los que les gustaba cantar. Algunos niños cantan en coros, otros prefieren presumir delante del espejo. Yo estaba en el coro de la iglesia y también me encantaba escuchar a los cantantes en la radio, en la televisión y en las películas».
En septiembre de 1950, Keith Richards y Jagger fueron compañeros de clase en la Escuela Primaria de Wentworth en Dartford. En 1954, Jagger pasó a la Dartford Grammar School, que ahora cuenta con una instalación llamada Centro Mick Jagger, bautizada de esta forma por su exalumno más famoso. Jagger y Richards perdieron contacto cuando fueron a diferentes escuelas, pero después de un encuentro casual en la plataforma dos en la estación de Dartford en julio de 1960, reanudaron su amistad y descubrieron su amor compartido por el rhythm and blues, que para Jagger había comenzado con Little Richard.
Jagger dejó la escuela en 1961. Con Richards se mudó a un piso en Edith Grove, Chelsea, Londres, con el guitarrista Brian Jones. Mientras Richards y Jones planeaban comenzar su propio grupo de rhythm and blues, Blues Incorporated, Jagger continuó estudiando negocios con una beca del gobierno como estudiante de pregrado en la London School of Economics y en esa época consideraba seriamente convertirse en periodista o político.
Brian Jones, usando el nombre de Elmo Jones, comenzó a trabajar en el club Ealing, donde más tarde se presentaría la banda Blues Incorporated. Jagger finalmente se convirtió en un cantante destacado en sus participaciones con el grupo, hecho que terminó sentando las bases para la creación de los Rolling Stones.
Solista
1985 She’s the Boss
1987 Primitive Cool
1993 Wandering Spirit
2001 Goddess in the Doorway
2007 The Very Best of Mick Jagger

Mick Hucknall
Michael James Hucknall (Denton, Inglaterra, 8 de junio de 1960) es el vocalista y principal miembro, a la vez compositor de la banda Simply Red. Mick Hucknall cantó en una banda punk llamada the Frantic Elevators, quienes sacaron cuatro sencillos, todos fracasaron en las listas. Se separaron en 1979 y Hucknall formó un grupo mas exitoso, Simply Red, en 1980.
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Su primer sencillo, una versión de la canción de the Valentine Brothers’ «Money’s Too Tight (to Mention)», fue número 13 en 1985. Pero los siguientes tres sencillos de la banda, los cuales incluyeron una grabación de «Holding Back the Years» (sencillo original de the Frantic Elevators), fallaron en entrar al top 40 y parecía que Simply Red podrían fallar en causar un gran impacto . Pero en 1986, «Holding Back the Years» fue re-lanzado, tuvo radio difusión y alcanzó la posición número 2 en las listas del Reino Unido (y encabezó la lista en Estados Unidos ). Esta canción , y muchos otros sencillos exitosos, consolidaron a Simply Red como un acto de white soul. Sin embargo , tuvieron que esperar hasta 1995 para su primer número uno en el Reino Unido, «Fairground».
Hucknall nació en Denton, Gran Mánchester, como hijo único. Su madre lo abandonó cuando tenía tres años; este evento lo motivó a escribir la canción «Holding Back the Years». Fue criado por su padre, Reg, un barbero de Stockport. Estudió en Audenshaw School.
Álbumes
2008 Tribute to Bobby
2012 American Soul

Mick Fleetwood Band
Mick Fleetwood (Redruth, Cornualles; 24 de junio de 1947) es un músico y actor británico conocido por ser el batería y cofundador de la banda de rock Fleetwood Mac. Cabe señalar que su apellido junto con parte del de John McVie fueron escogidos para titular la banda y además, ambos son los únicos músicos que han permanecido durante toda la carrera de la agrupación inglesa.
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Además de su carrera en Fleetwood Mac, ha lanzado una serie de discos como solista y también ha participado como actor secundario en algunas películas y series de televisión. Por otro lado, en 1998 ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Fleetwood Mac.
Nació en la ciudad de Redruth en el condado de Cornualles al sur de Inglaterra y es el segundo hijo del matrimonio integrado por John Joseph Kells Fletwood y Bridget Maureen Fleetwood. Su hermana mayor era la actriz Susan Fleetwood que lamentablemente falleció en 1995 por cáncer de mama.2? Su niñez la pasó en Egipto, ya que su padre era piloto de guerra de la Real Fuerza Aérea Británica. Después de seis años se trasladaron a Noruega cuando su padre fue convocado por la OTAN, y allí estudió y aprendió el idioma noruego.
Según la biógrafa Cath Carroll, tuvo una «juventud soñadora y empática» y a pesar de ser inteligente nunca resaltó en lo académico. Por otro lado y según su propia autografía, le iba muy mal en el colegio principalmente por la poca atención en clase y falta de memoria.
Inició a tocar la batería cuando le regalaron un kit Gigster a los 13 años y su padre —un batería aficionado— lo animó para que iniciara una carrera artística.? Aprendió de manera autodidacta influenciado por Tony Meehan, batería de la banda The Shadows y por los The Everly Brothers. A los 15 años se retiró del colegio con la aprobación de su padre para iniciar su carrera como batería y para ello viajó en 1963 a Londres donde vivió con su hermana en Notting Hill.
Solista
1981: The Visitor
1983: I’m Not Me
1992: Shakin’ the Cage
2004: Something Big
2008: Blue Again!
Michelle Jacquet DeSevren Branch (Phoenix, Arizona, 2 de julio de 1983) es una cantautora y guitarrista estadounidense, de origen irlandés, holandés, indonesio y francés. Debutó en 2000 con Broken Bracelet. Su música tiene influencias de artistas como The Beatles, Led Zeppelin, Queen, Aerosmith, Cat Stevens o Joni Mitchell.
Empezó a escribir de adolescente. A los 14 años le regalaron su primera guitarra, poco tiempo después se apuntó a clases de canto en la Red Rock High School de Sedona (Arizona), y tocó en clubs durante años antes de su debut.
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En 2000 Michelle saca su primer trabajo discográfico titulado Broken Bracelet que le sirvió como carta de presentación para luego firmar un contrato con la compañía de discos de Madonna, Maverick Records y sacar su segundo álbum The Spirit Room, en agosto de 2001. En 2002 colabora con la canción Without You para el grupo Justincase y seguido con Carlos Santana graba la canción «The Game Of Love» para su álbum Shaman, ganando el Grammy como mejor colaboración femenina. Ese mismo año se presenta junto a Santana en la primera edición de los Premios MTV Latinoamérica interpretando «The Game of Love» y ganó un premio en los MTV Video Music Awards de ese mismo año.
Para 2003, fue lanzado “Hotel Paper, Los sencillos de su tercer material discográfico fueron «Are You Happy Now?», «Breathe» y ‘Til I Get Over You. Pero estos no son los únicos temas sobresalientes de su tercer trabajo, «Empty Handed» es el tema con mayor carga emocional y psicodélica. A ello ha contribuido el arreglo de cuerda a lo «Sergeant Peppers» oficiado en los estudios Henson, propiedad de David Campbell. Ese mismo año vuelve a ser nominada a los Grammy en las categorías de “Best New Artist” (Mejor Artista Nueva), y “Best Pop Collaboration With Vocals” (Mejor Colaboración Pop).
El 23 de mayo de 2003 se casó a sus casi 20 años con el bajista Teddy Landau en México. Ese mismo año Branch colabora con Will Hoge para el álbum «Blackbird On A Lonely Wire» con la canción «Baby Girl». También participó en el álbum «Peace Songs» con la canción «What the World Needs Now Is Love» (Jackie DeShannon) con artistas como «Chantal Kreviazuk», Avril Lavigne & Celine Dion.
El estilo musical de Michelle es una mezcla de pop con rock y sonidos orgánicos algunos lo catalogan como adult alternative
En 2005 Michelle y Teddy se convierten en los padres de una niña llamada Owen Isabelle. Pero su carrera no queda ahí, ese año graba la canción «Life On Mars» (de David Bowie), para el disco «Gap Favorite Songs: Fall 2005» y a finales de 2005 se corre el rumor de una posible unión musical con su amiga Jessica Harp.
Para 2006 la unión ya era un hecho Michelle y Jessica Harp forman un dúo de country llamado The Wreckers, el disco fue lanzado en ese año, bajo el nombre Stand Still, Look Pretty, el primer sencillo Leave The Pieces se colocó en el primer lugar de las listas de música country en los Estados Unidos y Reino Unido, siguiéndole como segundo sencillo el tema «My, Oh My». Por segunda vez ese año Michelle es invitada por Santana a formar parte de su siguiente trabajo discográfico «All That I Am» con la canción «I’m Feeling You» pero Branch recalcó que ahora no solo era Michelle Branch sino The Wreckers, así que «Harp» participó en la canción y video de la misma, en los coros.
El 4 de diciembre de 2007, sale a la venta «Way Back Home: Live at New York City» su segundo álbum como The Wreckers y su primer álbum en vivo.
Álbumes
Broken Bracelet (2000)
The Spirit Room (2001)
Hotel Paper (2003)
Stand Still, Look Pretty con Jessica Harp (con el nombre de The Wreckers) (2006)
Way Back Home: Live From New York City con Jessica Harp (con el nombre de The Wreckers) (2007)
West Coast Time (2011)
Hopeless Romantic (2017)
EP
Everything Comes and Goes (2010)
The Loud Music Hits (2011)
Sencillos
2001: «Everywhere»
2002: «All You Wanted»
2002: «Goodbye to You»
2002: «The Game of Love» (Santana featuring Michelle Branch)
2003: «Are You Happy Now?»
2003: «Breathe»
2004: «‘Til I Get Over You»
2005: «I’m Feeling You» (Santana featuring Michelle Branch and The Wreckers)
2005: «The Good Kind»
2006: «Leave The Pieces»
2006: «My, Oh My»
2007: «Tennessee»
2007: «Leave The Pieces» (Live)
2009: «This Way»
2009: «Sooner Or Later»
2010: «Getaway» [Feat. Timbaland]
2011: «Loud Music»
2017: «Hopeless Romantic»
2017: «Best You Ever»
2017: «Fault Line»
Michel Sánchez (1 de julio de 1957 Somain, Francia). Pasó gran parte de su juventud dedicado al estudio de la música (piano, percusión, órgano clásico). Sánchez es el cofundador de la banda Deep Forest. Ganó un premio Grammy en 1995, y un Premio Mundial al mejor álbum de músicas del mundo. A principios de la década de los 90 la mezcla del sintetizador de Sánchez con el canto tradicional de las Islas Salomón fue el punto de partida de Deep Forest.
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Álbumes en solitario
1994 Windows
1996 Welenga (con Wes Madiko)
2000 Hieroglyphes
2008 The Touch
2008 The Day of a Paper Bird

Michel Polnareff
Michel Polnareff (Nérac, 3 de julio de 1944) es un cantante y compositor francés, que fue muy popular desde mediados de 1960 hasta 1980. Aunque su éxito comercial es significativamente menor que en esos años, se mantiene en actividad hasta el día de hoy, y continúa siendo muy respetado por la crítica musical de su país.
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Michel Polnareff nació dentro de una familia artística, su madre, Simone Lane, fue bailarina, mientras su padre Leib Polnareff, de origen ucraniano, trabajó junto a Édith Piaf bajo el seudónimo de «Leo Poll». El pequeño Michel aprendió a tocar el piano a la edad de cinco años, y posteriormente estudió música en el Conservatorio de París, donde fue un buen estudiante, y también aprendió a tocar la guitarra.
Pasó toda su infancia en la música y, debido a ello, Michel Polnareff recibe a los doce años su primer premio de solfeo del Conservatorio, a pesar de mantener un mal recuerdo de su período escolar y de su aprendizaje musical, pues alega en su autobiografía que su padre lo maltrataba físicamente a base de bofetadas y golpes de cinturón cuando él cometía algún error en las notas. A raíz de esta experiencia, su objetivo fue <<convertirse en todo lo contrario a su padre>>, de forma que su sueño se convirtió en ser una estrella de rock y viajar a América, y no ser un pianista clásico como le enseñaron.
En 1957, se acaba de familiarizar con la lengua inglesa después de una experiencia lingüística en Dorset. En 1961, repite curso en su bachillerato de letras y obtiene finalmente dicho título para posteriormente realizar siete meses se servicio militar en Épinal y Montluçon.
A los 20 años, abandona su hogar y empieza a dedicarse a múltiples trabajos. Después de haber sido trabajador de un banco, vendedor de postales y comercial de seguros, se instala en las calles de Sacré-Coeur con una guitarra comprada gracias a sus ahorros. Surgió entonces una de sus primeras canciones, La poupée qui fait non.
Discografía
Love Me Please Love Me (1966)
Le Bal des Laze (1967)
Polnareff’s (1970)
Polnarévolution (1972)
Michel Polnareff (1974)
Fame à la Mode (1975)
Coucou Me Revoilou (1978)
Bulles (1981)
Show télé 82/Public (1982)
Incognito (1985)
Kâma Sûtra (1990)
Live at the Roxy (1996)
Ze re Tour 2007 (2007)
À L’Olympia 2016 (2016)
Enfin! (2018)
Michael Laurencee Nyman, CBE (nacido en Stratford, Londres, el 23 de marzo de 1944) es un pianista, musicólogo, crítico musical y compositor británico, perteneciente al género neoclásico. Conocido sobre todo por las obras escritas durante su larga colaboración con el cineasta británico Peter Greenaway y también por su álbum multiplatino The Piano, perteneciente a la película homónima producida por Jane Campion en 1993. Las óperas que ha compuesto incluyen: The man who mistook his wife for a hat, Letters, Riddles and Writs, Noises, Sounds & Sweet Airs, Facing Goya, Man and Boy: Dada, Love Counts y Sparkie: Cage and Beyond. Además ha escrito seis conciertos, cuatro cuartetos de cuerda, y música de cámara creada para su banda Michael Nyman Band, con quienes realiza sus giras como pianista. En varias ocasiones ha declarado que prefiere componer óperas en comparación a otro tipo de música. En el 2008 publicó la banda sonora de la película Man on Wire, inspirada en su álbum de 2006, The Composer’s Cut Series Vol. II: Nyman/Greenaway Revisited.
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Michael Nyman nació en la zona de East London, en el seno de una familia de clase obrera, practicantes del judaísmo. Se ganaban la vida fabricando abrigos y prendas de piel. Durante su niñez vivió en la ciudad de Chingford, en la región de North East London, y en vez de asistir a sus lecciones de Benei Mitzvá, permanecía en el bus que lo transportaba, dirigiéndose hacia St Albans o Woolwich.
Nyman (que estudió con el académico Thurston Dart, experto en música barroca en el King’s College de Londres) se ha inspirado frecuentemente en Música antigua en sus composiciones para los largometrajes de Greenaway: Henry Purcell en El contrato del dibujante y El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante; Heinrich Ignaz Franz von Biber en Zoo (A Zed & Two Noughts); Mozart en Conspiración de mujeres (Drowning by Numbers) y John Dowland en Prospero’s Books.
Su popularidad se disparó después de componer la banda sonora de la galardonada película de Jane Campion El Piano (1993). La banda sonora no fue nominada por la Academia a pesar de haberlo sido por la Academia Británica y para el Globo de Oro. Ha compuesto bandas sonoras para muchos otros filmes, la gran mayoría de ellos obras de autores independientes europeos. Sus pocas incursiones en la composición de bandas sonoras para Hollywood han sido Gattaca, Ravenous (con Damon Albarn) y The End of the Affair.
Las obras más conocidas de Nyman no dirigidas al cine son Noises, Sounds & Sweet Airs (1987) para soprano, alto, tenor y conjunto instrumental (basada en la banda sonora -también de Nyman- de La Princesse de Milan); Ariel Songs (1990) para soprano y banda; MGV (Musique á Grande Vitesse) (1993); conciertos para piano (basado en El Piano), clave, trombón y saxofón; la ópera The Man Who Mistook His Wife for a Hat (1986) (basada en un estudio de Oliver Sacks); así como diversos cuartetos de cuerda.
Muchas de las obras de Nyman han sido escritas para su propio conjunto, la Michael Nyman Band, creado en 1976 para una producción de Carlo Goldoni titulada Il Campiello. La orquesta estaba compuesta originalmente por instrumentos antiguos como el rebec y la chirimía junto a instrumentos modernos como el saxofón (incluido para conseguir un sonido lo más fuerte posible sin usar amplificación), pero pasó a usar un cuarteto de cuerda amplificado, tres saxofones, trombón bajo, bajo y piano, formación que ha sido modificada para algunos trabajos.
Nyman también escribió un trabajo seminal en 1974 sobre música experimental llamado Experimental Music: Cage and Beyond, que exploraba la influencia de John Cage en los compositores de música clásica europea.? También es reconocido por haber sido el inventor del término «minimalismo» a la música, en un artículo de 1968 en The Spectator sobre el compositor inglés Cornelius Cardew.
Ha grabado música pop, con los Flying Lizards.
Michael McDonald (St. Louis, Misuri, Estados Unidos, 12 de febrero de 1952) es un cantante estadounidense de R&B y soul.
McDonald tocó en múltiples bandas (como Mike and the Majestics, Jerry Jay and the Sheratons, the Reebtoors y The Guild) en su pueblo natal Ferguson, Misuri, un suburbio de St. Louis. Fue descubierto cuando hacía parte de un grupo llamado Blue y en consecuencia se mudó a Los Ángeles en 1970. Inicialmente fue conocido como miembro ocasional de Steely Dan, poniendo la voz en Katy Lied y en subsiguientes álbumes como The Royal Scam y Aja.
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McDonald se unió a los The Doobie Brothers en abril de 1975 cuando su voz líder Tom Johnston enfermó durante una gira nacional. Como miembro de los Doobies, grabó canciones como «Takin’ It To The Streets,» «Little Darling,» «It Keeps You Runnin'» (usada en la película Forrest Gump), «Minute by Minute» y «What a Fool Believes» (que llegó al número uno en Estados Unidos y por la cual ganó un premio Grammy en 1980 en la categoría de canción del año).
Después de la separación de los Doobies, McDonald continuó su carrera en solitario con éxitos como:
«I Keep Forgettin», un dúo con su hermana Maureen, después usado en 1994 por Warren G y en 2005 por Papoose.
«Sweet Freedom», canción de la película de 1986 llamada Running Scared.
«Take It To Heart»
«Yah Mo B There», a dúo con James Ingram con la cual ganó el Grammy en 1985
«On My Own», con Patti Labelle, llegó al número 1 en listas de Estados Unidos en 1986
«I’ll be over You, con el grupo Toto en el año 1987. McDonald hace los coros de dicha canción, además aparece con el grupo en la grabación del video
McDonald ha producido y ha aparecido en grabaciones de otros artistas como su esposa Amy Holland, Christopher Cross y Bonnie Raitt. McDonald es el cofundador del sello independiente Ramp Records junto a Chris Pelonis y el actor Jeff Bridges. En la actualidad se ha centrado en álbumes de tributo al sonido Motown.
En 2003 McDonald recibió una estrella en el Paseo de la Fama de St. Louis.
En 2008 interpretó en la Convención Demócrata (Democratic National Convention) encabezada por Barack Obama en vísperas de las elecciones en Estados Unidos la canción «America The Beautiful».
En 2009 hace aparición en el último capítulo de la 3º temporada de la serie norteamericana Rockefeller Plaza (30 Rock), junto a otros destacados artistas del panorama musical.
En 2009, lanza un álbum navideño titulado This Christmas.
Michael Joseph Jackson? (Gary, Indiana; 29 de agosto de 1958-Los Ángeles, California; 25 de junio de 2009) fue un cantante, compositor, productor discográfico, bailarín, actor y filántropo estadounidense.? Conocido como el «Rey del Pop»,? sus contribuciones y reconocimiento en la historia de la música y el baile, así como su publicitada vida personal, lo convirtieron en una figura internacional en la cultura popular durante más de cuatro décadas. Es reconocido como la estrella de música pop más exitosa en el mundo.6? No obstante, su música incluyó una amplia acepción de subgéneros como el rhythm and blues (soul y funk), rock, disco y dance.
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Comenzó su carrera artística a mediados de los años 1960 en la agrupación musical The Jackson 5, en la cual publicó, junto con algunos de sus hermanos, diez álbumes hasta 1975. En 1971 inició su carrera como solista, aunque siguió perteneciendo al grupo. A principios de la década de 1980, Jackson se convirtió en una figura dominante en la música popular. Sus vídeos musicales, entre los que se destacan «Beat It», «Billie Jean» y «Thriller», de su álbum de 1982 Thriller, son acreditados como una ruptura de las barreras raciales y la transformación del medio en una forma de arte y herramienta promocional. La popularidad de estos ayudó a llevar a la cadena televisiva MTV a la fama. El álbum Bad (1987) produjo el número uno de los sencillos «I Just Can’t Stop Loving You», «Bad», «The Way You Make Me Feel», «Man in the Mirror» y «Dirty Diana» en el Billboard Hot 100, por lo que se convirtió en el primer álbum en tener cinco sencillos número uno en ese ranking. Continuó innovando con vídeos como «Black or White» y «Scream» a lo largo de la década de 1990, y forjó una reputación como artista solista en varias giras. A través de sus presentaciones en escena y en vídeo, Jackson popularizó una serie de técnicas de baile complicadas, como el robot y el moonwalk, a las cuales dio el nombre. Su sonido y estilo distintivos han influido en numerosos artistas de diversos géneros musicales.
Thriller es el álbum más vendido de todos los tiempos, con ventas estimadas en 65 millones de copias en todo el mundo. Otros álbumes de Jackson, Off the Wall (1979), Bad (1987), Dangerous (1991) y HIStory (1995), también figuran entre los álbumes más vendidos de la historia. Con Off the Wall, Jackson se convirtió en el primer artista en solitario en tener cuatro sencillos del mismo álbum dentro de los diez primeros puestos 10 del Billboard Hot 100. Es reconocido como el artista más exitoso de todos los tiempos por El libro Guinness de los récords.? Jackson es uno de los pocos artistas que han sido introducidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll dos veces, y también fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores y el Salón de la Fama de la Danza como el único bailarín de música pop y rock. Sus otros logros incluyen varios récords Guinness, 13 premios Grammy, el premio Grammy Leyenda, el premio Grammy a la carrera artística, 26 premios American Music —más que cualquier otro artista— incluyendo el Artista del siglo y Artista de los años 1980, 13 sencillos número uno en los Estados Unidos durante su carrera en solitario —más que cualquier otro artista masculino en la era Hot 100— y ventas estimadas de más de 350 millones de producciones musicales en todo el mundo. Se convirtió en el primer artista en la historia en tener un top 10 en el Billboard Hot 100 en cinco décadas diferentes, cuando «Love Never Felt So Good» alcanzó el número nueve el 21 de mayo de 2014. Jackson viajó por todo el mundo asistiendo a eventos en honor a su solidaridad, y en 2000, el libro Guinness de los récords lo reconoció por apoyar a 39 organizaciones benéficas, más que cualquier otro artista.
Aspectos de la vida personal de Jackson, como su apariencia cambiante, sus relaciones personales y comportamiento, generaron controversia. En 1993, fue acusado de abuso sexual infantil, pero el caso civil fue resuelto fuera de la corte por un monto no revelado y no se presentaron cargos formales.? En 2005, fue juzgado y absuelto de nuevas acusaciones de abuso sexual infantil y varios otros cargos después de que el jurado lo declaró inocente en todos los cargos. Mientras se preparaba para su serie de conciertos de regreso, This Is It, Jackson murió de intoxicación aguda de propofol y benzodiazepina el 25 de junio de 2009, después de sufrir un paro cardíaco.? El forense del condado de Los Ángeles dictaminó que su muerte era un homicidio, y su médico personal, Conrad Murray, fue declarado culpable de homicidio involuntario. La muerte de Jackson provocó conmoción general, y la transmisión en directo de su funeral fue vista en todo el mundo.? En 2010, Sony firmó un contrato con su familia por 250 millones de dólares para retener los derechos de distribución de sus discos y publicar siete álbumes póstumos hasta 2017.22?23?24? Forbes ha clasificado a Jackson como una de las celebridades fallecidas con más ingresos, con ganancias de 825 millones de dólares en 2016, la cantidad anual más alta jamás registrada por la publicación.? En 2019 se detallaron nuevas alegaciones de abuso sexual infantil en contra del cantante en el documental Leaving Neverland, lo que causó una reacción internacional tanto en su defensa como en su contra. Pese a la controversia y al debate público sobre el legado de Jackson, su música y marca experimentaron un incremento de popularidad y demanda tras la emisión del documental.? De acuerdo con el informe de Forbes de 2019 de las celebridades fallecidas con más ingresos, Jackson conservó la posición número uno durante ese año por décima vez consecutiva.
Discografía
Got to Be There (1972)
Ben (1972)
Music and Me (1973)
Forever, Michael (1975)
Off the Wall (1979)
Thriller (1982)
Bad (1987)
Dangerous (1991)
HIStory: Past, Present and Future, Book I (1995)
Blood on the Dance Floor: HIStory in the Mix (1997)
Invincible (2001)
Álbumes póstumos
Michael (2010)
Xscape (2014)

Michael Hedges
Michael Hedges (Sacramento, California; 31 de diciembre de 1953-condado de Mendocino, California; 2 de diciembre de 1997) fue un guitarrista acústico instrumental, cuya música se podría catalogar entre new age y experimental.
Estudió composición en el Peabody Institute de Baltimore, Maryland. Fusionó el estilo clásico con otras técnicas para guitarra acústica. Su talento fue descubierto, a principios de los 80, por William Ackerman, quien le escuchó tocar en un café, en Palo Alto, California.
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Michael Hedges murió a los 43 años en un accidente automovilístico, de camino a casa después de visitar a su novia. Falleció de forma casi instantánea. Su cuerpo se encontró unos días más tarde.
Discografía
Breakfast In The Field (1981)
Aerial Boundaries (1984)
Watching My Life Go By (1986)
Live On The Double Planet (1987)
Strings of Steel (1993)
Taproot (1990)
The Road To Return (1994)
Oracle (1996)
Torched (1999 – póstumo)

Michael Cretu
Michael Cretu (en rumano Mihai Cre?u; Bucarest, 18 de mayo de 1957) es un músico conocido sobre todo por ser el creador del proyecto musical Enigma.
Ha trabajado a lo largo de su carrera con Boney M, Goombay Dance Band, Hubert Kah, Peter Cornelius, Manfred «Thissy» Thiers, Inker & Hamilton, Peter Schilling, Mike Oldfield, Sandra, Peter Ries, Jens Gad, Frank Peterson, David Fairstein, Ruth-Ann Boyle y Andru Donalds.
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Tuvo su propio estudio de grabación, los A.R.T. Studios, situado en su casa emplazada en la isla de Ibiza (España) desde 1988.
Michael Cretu nació de padre rumano y madre austríaca con el nombre de Mihai Cre?u. Estudió música clásica en Bucarest en 1965, y en París (Francia), en 1968. Después cursó estudios en la Academia de Música de Fráncfort (Alemania), de 1975 a 1978, graduándose y obteniendo el Título en Música. Cretu fue empleado entonces como teclista y arreglista por Frank Farian, productor alemán que estaba detrás de artistas como Boney M. y Milli Vanilli en los años 1970 y 1980, respectivamente.
El primer lanzamiento de Cretu como solista fue el sencillo «Shadows Over My Head», de 1978, bajo el sello Polydor. Su primer álbum fue publicado en 1979 bajo el título de Moon, Light & Flowers.
El segundo álbum de Cretu como solista fue Legionäre, cantado en alemán y lanzado en 1983 en el sello Virgin junto a la versión cantada en inglés que lleva el título Legionnaires.
El tercer álbum de Cretu fue titulado Die chinesische Mauer, lanzado en 1985, cuyo título hacía referencia a la Gran Muralla China. Como su álbum anterior, fue cantado por Michael Cretu en alemán. Este álbum también se había lanzado en versión inglesa y con diferente listado de canciones bajo el nombre The Invisible Man. Varias de las pistas en The Invisible Man fueron remezcladas, teniendo una duración diferente a las versiones alemanas de Die chinesische Mauer. Contenía el sencillo «Samurai», que llegó a ser un éxito en Europa.
Álbumes
1979 – Moon, Light & Flowers
1983 – Legionäre (Legionnaires, en su versión inglesa)
1985 – Die chinesische Mauer (The Invisible Man, en su versión inglesa ligeramente distinta a la alemana)
Mike Bloomfield (Chicago, Illinois, 28 de julio de 1943 – 15 de febrero de 1981) fue un guitarrista estadounidense de blues y rock.
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Se inició en el blues, de la mano del armonicista Paul Butterfield, con quien permaneció varios años. Después tocó con Bob Dylan y Al Kooper, además de sus propios grupos, entre los que destaca The Electric Flag. Convertido en una «superestrella del rock» en los años 1960, acabó en el olvido a mediados de la década de 1970, en parte por su adicción a la heroína, en parte por las dificultades que se derivaban de su artritis para seguir tocando. En 1981, apareció muerto, por sobredosis, en su coche, en un aparcamiento.
Con un estilo virtuoso y muy melódico, fue uno de los músicos blancos de blues más apreciados por la crítica especializada. En el año 2003 estaba situado en el número 22 del ranking de «Los 100 mejores guitarristas de la historia», elaborado por la revista Rolling Stone.Su disco más destacable, desde una perspectiva blues, es «Cruisin’ for a bruisin'», editado por Takoma Records, aunque el más conocido y exitoso es «Supersession».
En el año 2000, se publicó una autobiografía dictada.
Solo
It’s Not Killing Me (1969)
Try It Before You Buy It (1973) (Permaneció sin publicar hasta 1980)
If You Love These Blues, Play ‘Em As You Please(1976)
Analine (1977)
Michael Bloomfield (1978)
Count Talent And The Originals (1978)
Between A Hard Place And The Ground (1979)
Bloomfield-Harris (1979)
Crusin’ For A Brusin'(1981)
Colaboraciones
Super Session – Bloomfield, Al Kooper y Stephen Stills (1968)
The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper (1968)
Al Kooper and Mike Bloomfield: The Lost Concert Tapes (1968)
Two Jews’ Blues (1969), con Barry Goldberg. No aparece en los créditos, por razones contractuales.
My Labors (1969) con Nick Gravenites
Live at Bill Graham’s Fillmore West (1969) con Nick Gravenites
Medium Cool (1969), Banda sonora original
Steelyard Blues (1973) Banda sonora original, con Nick Gravenites y otros.
Mill Valley Bunch – Casting Pearls (1973)
Triumvirate (1973), Mike Bloomfield, con John Hammond, Jr. & Dr. John.
KGB (1976) – Grupo formado por Ray Kennedy – cantante, Barry Goldberg – teclados, Mike Bloomfield – guitarra, Rick Grech – Bajo, Carmine Appice – Batería

Melanie C
Melanie Jayne Chisholm (Lancashire, 12 de enero de 1974) es una cantante y compositora británica. Conocida artísticamente como Melanie C, Mel C y «Sporty Spice», saltó a la fama como miembro de las Spice Girls.
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En su carrera en solitario ha editado seis álbumes de estudio y varios sencillos. Posee el récord de mayor cantidad de sencillos posicionados n° 1 en Inglaterra en lo que respecta a artistas femeninas debido a sus éxitos con las Spice Girls sumado a sus trabajos solistas. Igualada con Madonna, ambas con 11 N°1 en UK.
Se ubica también en la tercera posición entre los artistas británicos que mayor cantidad de sencillos han coescrito, solo detrás de John Lennon y Paul McCartney. Es además la única artista femenina en alcanzar el n° 1 de Inglaterra como parte de un quinteto, un cuarteto, hacer un dúo y en solitario. Lleva vendidos 20 millones de discos mundialmente en su etapa solista y más de 145 millones con las Spice Girls.
Álbumes
Northern Star (1999) (+4 000 000 copias)
Reason (2003) (+500 000 copias)
Beautiful Intentions (2005) (+1 500 000 copias)
This Time (2007) (+300 000 copias)
The Sea (2011)
Stages (2012)
Version of Me (2016)
EP
The Night (2012) (Solo Para Itunes)
Melanie Anne Safka-Schekeryk, (3 de febrero de 1947) es una cantante y autora nacida en Nueva York (Estados Unidos).
Conocida profesionalmente como Melanie, ha creado numerosos éxitos con ventas superiores a veinticinco millones de discos en el curso de su carrera. Participó en el famoso Festival de Woodstock de 1969. Entre sus canciones más conocidas están «Beautiful People», «Lay Down», «Brand New Key».
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Melanie se crio en Astoria, en el barrio de Queens en Nueva York.
Su primera aparición pública, a la temprana edad de 4 años, fue en el programa de radio Live Like A Millionaire (Vivir como un millionario) interpretando la canción «Gimme a Little Kiss». Era una estudiante de la Academia Americana de Arte Dramático de Nueva York cuando comenzó a cantar en clubes de folk en Greenwich Village y firmó su primer contrato de grabación.
Inicialmente fue contratada por la compañía discográfica Columbia Records en Estados Unidos, con la que Melanie grabó dos sencillos. Más tarde firmó con la Buddah Records y entró en la lista de éxistos en Europa cuando su canción «Bobo’s Party» (1969) se convirtió en el número 1 de Francia. Su primer álbum recibió críticas muy favorables de la revista Billboard, que describió su voz como «…sabía más allá de su edad. Su enfoque no conformista de la selección en este LP la convierte en un nuevo talento a tener en cuenta.»
Melanie actuó en el Festival de Woodstock, donde cantó en una noche lluviosa para medio millón de personas canciones como Beautiful People, y de su experiencia proviene su canción emblemática, Lay Down (Candles in the Rain), inspirada por la visión de la multitud encendiendo velas y mecheros en la obscuridad, durante su presentación. Una combinación de pop con góspel, unas letras emocionantes y la sinceridad hippie que eran la marca de Melanie, hicieron de su música un éxito en Europa, en Estados Unidos y en todo el mundo en la primavera de 1970.
Lay Down, cantada con los Edwin Hawkin Singers, fue su primer gran éxito en los EUA, alcanzando la 6ª posición en el Billboard 100. Le siguió el éxito de una versión del tema Ruby Tuesday, de los Rolling Stones.
Discografía
1968 – Born to Be
1969 – Affectionately/Melanie
1970 – Melanie/Candles in the Rain
1970 – Leftover Wine
1970 – RPM – Soundtrack
1971 – All the Right Noises – Soundtrack
1971 – The Good Book
1971 – Gather Me
1971 – Live at Montreux
1971 – Garden in the City
1972 – Stoneground Words
1973 – Melanie at Carnegie Hall
1973 – Please Love Me
1974 – Madrugada
1974 – As I See It Now
1975 – Sunset and Other Beginnings
1976 – Photograph
1978 – Phonogenic/Not Just Another Pretty Face
1979 – Ballroom Streets
1982 – Arabesque
1983 – Seventh Wave
1985 – Am I Real or What
1987 – Melanie
1989 – Cowabonga
1991 – Precious Cargo
1993 – Freedom Knows My Name
1993 – Silver Anniversary Unplugged
1995 – Old Bitch Warrior
1996 – Unchained Melanie
1996 – Her Greatest Hits Live & New
1997 – Lowcountry
1997 – On Air
1997 – Antlers
2002 – Moments from my life
2002 – Crazy Love
2004 – Paled by Dimmer Light
2005 – Photograph Double Exposure
2010 – Ever Since You Never Heard of Me

Medicine Head
Medicine Head era una banda británica de blues rock , inicialmente un dúo, activa en la década de 1970. Su mayor éxito individual fue en 1973, con » One and One Is One «, un éxito número 3 en la lista de singles del Reino Unido . El grupo grabó seis álbumes originales; el trío de apertura de los cuales estaban en la etiqueta Dandelion de John Peel .
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Fiddler y Hope-Evans se conocieron mientras asistían a la Escuela de Gramática Wednesdayfield , Wolverhampton y más tarde a la Escuela de Arte Stafford , solo para dejar de fumar , y comenzaron a actuar juntos de manera informal. Alrededor de 1968, comenzaron a interpretar canciones de blues y rock and roll en pubs y clubes de Birmingham y sus alrededores . El DJ de radio John Peel vio a Fiddler y Hope-Evans tocar en el Lafayette Club y luego compartió su música con John Lennon , Eric Clapton y Pete Townshend . Ante la insistencia de Lennon, el dúo fue firmado por Dandelion Records.
La grabación de demostración de «His Guiding Hand» fue lanzada como un single, Peel describió como «el sencillo más barato jamás hecho y uno de los discos clásicos de todos los tiempos» y mantuvo el single en su caja de discos más preciados . El primer álbum del dúo, New Bottles Old Medicine , fue grabado en una sola sesión de dos horas, y estuvieron de gira con Peel en muchos de sus conciertos, y Peel les pagó con sus propios honorarios. Su segundo álbum, Heavy on the Drum , fue grabado con Keith Relf , anteriormente de The Yardbirds , como productor. El sencillo » (y las) imágenes en el cielo » subió al no.UK Singles Chart en 1971. Esto no se incluyó en Heavy on the Drum , pero se agregó a las reediciones en CD de su debut, New Bottles Old Medicine . » (Y The) Pictures in the Sky » fue el primer éxito de la etiqueta Dandelion.
Hope-Evans dejó la banda por más de un año, y Fiddler, Relf (en el bajo), y el baterista John Davies grabaron el tercer álbum de la banda y el último en Dandelion, Dark Side of the Moon . Fue lanzado en 1972, un año antes del álbum de Pink Floyd del mismo nombre . Según Nicholas Schaffner , Pink Floyd cambió brevemente el nombre de su pieza (que ya estaban tocando en vivo), a Eclipse , hasta que el álbum de Medicine Head resultó ser «un fracaso comercial». La canción «Only To Do What Is True» apareció en la compilación de 1972 , There Is Some Fun Going Forward .
Medicine Head firmó para Polydor Records , y Hope-Evans regresó para el álbum One & One Is One , producido por Tony Ashton y grabado con varios músicos de sesión . La canción principal se convirtió en el mayor éxito de la banda, alcanzando el número 3 en el Reino Unido en 1973, y lo siguieron con «Rising Sun» (número 11). Para el próximo álbum, Thru ‘A Five , el dúo fue aumentado regularmente por Rob Townsend, previamente de Family , en la batería, Roger Saunders en la guitarra y George Ford en el bajo. El álbum presentó el Slim Harpoinfluenciada por la canción «Slip and Slide», que se convirtió en el éxito final de la banda, alcanzando el número 22 en el Reino Unido en 1974. A pesar de las giras constantes, a menudo como un acto de apoyo , Medicine Head no logró colocar un álbum en los álbumes del Reino Unido trazar . Para su álbum final, Two Man Band , grabado en los estudios Eel Pie de Pete Townshend , volvieron a ser un dúo. Medicine Head finalmente doblado en 1977.
En 2005, Angel Air lanzó el álbum Don’t Stop The Dance . En efecto, fue un álbum ‘perdido’, compilando algunos singles de un período sin éxito con el sello WWA, y algunas sesiones inéditas con la banda como cinco piezas. En marzo de 2007, el álbum debut de Medicine Head, New Bottles, Old Medicine fue reeditado en CD por Cherry Red Records . En mayo de 2009, Cherry Red también lanzó, One And One Is One – The Very Best Of Medicine Head . Fiddler lanzó álbumes en solitario después de la separación de la banda, pero revivió el nombre de Medicine Head para Fiddlersophical en 2011.
Albums
New Bottles, Old Medicine (1970)
Heavy on the Drum (1971)
Dark Side of the Moon (1972)
One & One Is One (1973)
Thru a Five (1974)
Medicine Head (1976)
Two Man Band (1976)
Live at the Marquee (2001)
Don’t Stop the Dance (2005)
Only the Roses (2005)
BBC Radio Sessions (2010)
Fiddlersophical (2011)[8]
Singles
«His Guiding Hand» (1969)
«Coast to Coast (And Shore to Shore)» (1970)
«(And The) Pictures in the Sky» (1971) – UK No. 22[2]
«How Does It Feel»/»Morning Light» (1972)
«Only to Do What Is True» (1972)
«Kum On»/»On the Land» (1972)
«One and One Is One» (1973) – UK No. 3
«Rising Sun» (1973) – UK No. 11
«Slip and Slide» (1974) – UK No. 22
«Mama Come Out» (1974)
«(It’s Got to Be) Alright» (1974)
«It’s Natural» (1976)
«Me and Suzie Hit the Floor» (1976)
Medina Azahara es una banda de rock española, reconocida como una de las agrupaciones más emblemáticas del llamado rock andaluz. La banda se formó en 1979 en Córdoba, Andalucía, por Manuel Martínez (voz), Pablo Rabadán (teclados), Manuel S. Molina (bajo), José A. Molina (batería) y Miguel Galán (guitarra).
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Al poco tiempo de su formación tuvieron la oportunidad de grabar su primer álbum, editado en 1979 por CBS y titulado como el grupo, el cual recoge las influencias de la banda, mezclando el hard rock de nombres como Deep Purple o Rainbow con características propias del rock sinfónico, y del mencionado rock andaluz que practicaban grupos como Triana, el cual ha sido una de las mayores influencias en el estilo de Medina Azahara. En este disco se encontraba el éxito Paseando por la mezquita, que se convirtió en un himno del grupo, al punto que el mismo álbum pasó a ser familiarmente conocido con ese nombre.? Los componentes iniciales del grupo eran Manuel Martínez (Voz), Miguel Galán (Guitarra), Manuel S. Molina (bajo), José Antonio Molina (batería) y Pablo Rabadán (teclados).
Siguiendo en la misma línea que el disco debut, crearon un segundo álbum que se tituló La esquina del viento, publicado en 1981. Luego cuando llegó Andalucía, en 1982, pero la escena del rock andaluz y su popularidad comenzaban a quedar atrás, con la consecuente merma comercial, lo que provocó un descanso productivo de discos, al tiempo que se desvinculaban de la CBS, aunque Medina Azahara siguió su actividad de gira.
En 1984 sale de la banda Manuel S. Molina y entra el exbajista de Mezquita, Randy López, que permanece nueve años en el grupo y aporta como compositor en canciones como «Navajas de cartón», «El soldado», «Velocidad», «El destino» y «La guitarra» —con Vicente Amigo— entre otros. Poco tiempo después se produce otro cambio de formación con la salida de Pablo Rabadán debido a discrepancias personales con Miguel Galán, y entra Antonio Fernández como teclista.
En 1986 el grupo se autofinancia su nuevo álbum, Caravana española, con un sonido algo más moderno, cercano al pop rock —aunque conservando su estilo esencial—, el cual es lanzado por la pequeña compañía Tuboescape. No vio la luz hasta el año 1987, y el disco sería reeditado en reiteradas ocasiones por el sello Avispa.
A finales de 1988 Miguel Galán (guitarra) deja el grupo, lo que supone el regreso de Pablo Rabadán a los teclados. En 1989 Medina se puso en contacto con la mencionada compañía discográfica madrileña Avispa y con el mánager Javier Gálvez. Fue en julio de ese año cuando ingresa en el grupo un nuevo guitarrista, Paco Ventura. A continuación graban En Al-Hakim, que aparece el mismo año, en diciembre de 1989. La gira de este álbum supuso una vuelta a escena con un grupo renovado, ya que entró en el grupo Manuel Reyes, un baterista cordobés.? Para principios de 1990 la banda cuenta con un nuevo batería: Manuel Reyes.
Estudio
Medina Azahara (1979)
La esquina del viento (1981)
Andalucía (1982)
Caravana española (1986)
En Al-Hakim (1989)
Sin tiempo (1992)
Dónde está la luz (1993)
Árabe (1995)
Tánger (1998)
XX (2000)
Tierra de libertad (2001)
Aixa (2003)
La estación de los sueños (2005)
Se abre la puerta (2007)
Origen y leyenda (2009)
La historia continúa (2011)
La memoria perdida (2012)
Las puertas del cielo (2014)
Paraíso prohibido (2016)
Trece Rosas (2018)
En directo
En directo (1990)
A toda esa gente (1996)
En escena… (2008)
30 años y la historia continúa (2011)
Recopilaciones
Baladas (1999)
Versión Original (2002) (CD y DVD)
25 Años (2005) (2 CD & DVD)
Marcando el tiempo (2012)
Discos en solitario
Aventura (Paco Ventura) (1997)
En cuerpo y alma (Manuel Martínez) (1998)
Sol Navajo (Paco Ventura) (2009)
Black Moon (Paco Ventura) (2015)
Madre Tierra (Paco Ventura) (2019)
Las hojas de otoño (Manuel Martínez) (2019)

Meco
Meco (cuyo verdadero nombre es Domenico Monardo, nacido el 29 de noviembre de 1939 en Johnsonburg) es un productor discográfico y músico estadounidense, así como el nombre de un equipo de banda o de la producción en torno a él. Meco es mejor conocido por su versión de música disco del tema de Star Wars, en su álbum Star Wars and Other Galactic Funk, tanto el sencillo y el álbum fue certificado como disco de platino en los EE. UU.
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Meco Monardo nació en Johnsonburg, Pensilvania, de padres de origen italiano. La construcción de modelos de barcos, y las películas de ciencia ficción fueron algunas de las preocupaciones de su infancia. Su padre tocaba el trombón de pistones en una banda italiana pequeña, ya través de él, Meco recibió su primera educación musical. Meco quería tocar la batería, pero su padre lo convenció de que el trombón era el instrumento adecuado, ya los nueve que fue el instrumento que iba a quedarse, sin embargo, el trombón de vara fue su elección. Era su problemática como lo fue para el muchacho de baja estatura pequeña para ampliar la diapositiva completa en un primer momento. Se unió a la banda de la escuela secundaria, mientras que todavía asistía a la escuela primaria. A los 17 años ganó una beca para la Escuela de Música Eastman en Rochester, Nueva York, que le proporcionó una sólida educación musical clásica y el jazz. Allí, junto con sus dos amigos Chuck Mangione y Ron Carter, comenzó la Eastman School of Music Band Jazz. Cuando se inscribió en West Point, también tocó en la banda de cadetes.
Después del ejército, Meco se trasladó a Nueva York y se unió a Kai Winding, en sus cuatro trombones de banda, y luego desde 1965 hasta 1974 continuó como músico de estudio. Originalmente no se inclinan hacia la música pop, el corazón Meco cambió cuando se enteró de Petula Clark «Downtown». Él comenzó a hacer los arreglos, por ejemplo, la sección de vientos de Tommy James «Crystal Blue Persuasion» y la de Neil Diamond serie de comerciales de Coca-Cola. Como músico de sesión que tocaba el trombón con artistas como Tommy James, Diana Ross y David Barreto. A pesar de Meco centra en la producción a finales de 1970, contrajo los cuernos y actuó en Diana Diana Ross álbum de 1980 como un favor del productor (y vecino) Nile Rodgers. Su solo en el sencillo «I’m Coming Out» es notable debido a la rareza de las características de trombón en los registros de la época posterior a la gran banda de pop.
Alrededor de 1973, Meco, Tony Bongiovi, y una tercera persona formó la compañía de producción de la Corporación Disco de América, y desde 1974 hasta 1976 trabajó Meco como productor de discos. El equipo de Meco, Bongiovi, Jay Ellis, y Harold Wheeler produjo el 1974 Gloria Gaynor hit «Never Can Say Goodbye». Carol Douglas «Doctor’s Orders» fue una de las otras producciones de la época.
Según Meco:
«Cuando la música disco era nuevo, era fresco y emocionante porque era diferente. Pero muy pronto se hizo demasiado de molde y se llevaba a cabo.»
Meco abandonó temporalmente la industria de la música en 1985. Después de tres años de «no hacer nada, pero jugar al golf», comenzó a trabajar como corredor de productos básicos en la Florida.
Álbumes
Star Wars and Other Galactic Funk (1977)
Encounters Of Every Kind (1977)
Meco Plays The Wizard of Oz (1978)
Superman & Other Galactic Heroes (1978)
Moondancer (1979)
Meco Plays Music from The Empire Strikes Back (1980)
Christmas In The Stars: Star Wars Christmas Album (1980)
Music From Star Trek and Music From The Black Hole (1980)
Shogun (1980)
Across The Galaxy (1980)
The American Werewolf In London (1981)
The Raiders March and Cairo Nights (1981)
Summer 81 (1981)
Pop Goes The Movies (1982)
Swingtime’s Greatest Hits (1982)
Ewok Celebration (1983)
Hooked on Instrumentals (1985)
Star Wars/Cantina Band and Encounters Theme (1992)
The Best of Meco (1997)
The Complete Star Wars Collection (2000)
Five Stars (2002)
Star Wars Party (2005)
Camouflage/Showdown (2010)
Mecano fue un grupo español de música techno pop, activo entre 1981 y 1992, periodo al que hay que sumar una fugaz reaparición en 1998, que duró apenas ocho meses a partir de la edición de un doble disco recopilatorio que incluía siete nuevos temas grabados para la ocasión.
El grupo estaba formado por Ana Torroja y los hermanos Nacho y José María Cano. Fuera del grupo, pero parte integrante de la banda, tanto para las sesiones de estudio como para los directos, estuvieron grandes músicos entre bajistas y bateristas entre los que destacan Arturo Terriza, Manolo Aguilar, Nacho Mañó, Javier Quílez y los bateristas Ángel Celada y Óscar Astruga.
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Mecano realizó un pop que evolucionó desde una sonoridad puramente «tecno», durante su primera etapa (entre 1981 y 1985), hasta el eclecticismo de la que es considerada como segunda época artística (entre 1986 y 1992), en la que el grupo demostró una gran versatilidad a través de grandes producciones y de la incursión en diferentes estilos, siempre desde un planteamiento unificador logrado especialmente a través de la sonoridad pop de su vocalista, que sirvió como tamiz nivelador de las tan diferentes concepciones artísticas de sus dos autores.
Su éxito, sin precedentes en el mundo de la música cantada en español, se extendió, además de España, a toda Hispanoamérica, incluidos los Estados Unidos, y Filipinas. Llegando a obtener, cierta resonancia en otros países totalmente ajenos a la cultura musical española como Japón, Suecia, Alemania, Reino Unido, Brasil, Portugal y los Países Bajos. Gracias a las adaptaciones a otros idiomas realizadas de varios de sus temas, se dieron a conocer en otros países de habla no hispana como Italia, Francia, Bélgica, Suiza y Canadá, obteniendo una especial resonancia en Francia, donde la adaptación francesa del tema «Mujer contra mujer» («Une femme avec une femme»), alcanzó el primer puesto en la lista nacional de ventas, manteniéndose en esa posición durante ocho semanas consecutivas, lo que le hace seguir siendo, hasta el día de hoy, la canción extranjera que más semanas ha ocupado el primer puesto en las listas de ventas de ese país. Se estima que Mecano ha vendido 25 millones de discos en todo el mundo.
A mediados de la década de 1970, José María Cano conoce a Ana Torroja y comienza entre ambos un noviazgo adolescente. Así, y poco después, Ana Torroja, novia del joven guitarrista, acompañaría a éste en su afán por convertirse en cantautor, realizando las segundas voces y coros de sus primerizas composiciones de canción de autor, con canciones como «La cigarra y la hormiga» o el tema «¿Qué haces tú en el mundo?». Mientras tanto, Nacho acababa de romper relaciones con unos amigos con los que formaba el grupo Prisma, de sonido y pretensiones completamente alejadas de la música que realizaba su hermano. Posteriormente, a Ana y José María se uniría el menor de los Cano, también en las segundas voces y acompañando con una segunda guitarra.
Sería en esta andadura, ya en 1979, cuando José María se inscribe y es seleccionado para participar en el concurso de Televisión Española Gente Joven con el nombre de José María Cano y amigos. Durante el concurso interpretan la canción «¿Qué haces tú en el mundo?» compuesta por él mismo, así como una versión del tema «Al alba», de Luis Eduardo Aute. Tras su participación en este concurso, que se saldó con un mal resultado, siguieron actuando, ya no sólo en fiestas de colegios mayores de Madrid, sino también en pequeños locales de la capital, no como un grupo, sino siempre como un cantautor que se hace acompañar de su novia y de su hermano, del que empiezan a tocar algunas canciones. Será en ese ambiente cuando conocen a Miguel Ángel Arenas “Capi”, quien tanteando un par de compañías discográficas les consigue una prueba en CBS. Tras aconsejar que fuese Ana quien hiciese la voz principal, «el Capi» facilitó la decisión de la compañía de ofrecer al conjunto un inicial contrato que contemplaba la grabación de un único sencillo.
Los momentos iniciales del grupo están marcados por la desconfianza de la compañía en los tres jóvenes. A la discográfica le despistaba especialmente el componente cantautor del mayor de los hermanos, por lo que, de cara a la grabación del primer sencillo, se les plantea la necesidad de disponer de un material de marcado carácter juvenil, con la clara intención de buscar un éxito comercial. Así, tras varias semanas en el estudio, la compañía se decide por el tema «Hoy no me puedo levantar»,? editado el 22 de junio de 1981, en el que se describen las sensaciones juveniles después de un fin de semana de juerga, y con el tiempo convertido en auténtico himno del grupo.
Para la promoción del sencillo se pactó una escueta semana de radiodifusión en los 40 Principales que resultó insuficiente para darlo a conocer. Por este motivo, y de cara a lograr una mayor promoción, el padre de los Cano decide comprar, a precio de fábrica y de su propio bolsillo, 100 copias con el fin de enviarlas a distintas emisoras y prolongar así la promoción. Los resultados no se hicieron esperar, consiguiendo atraer la atención del público, especialmente a partir de un inicial éxito de carácter local en Valencia. Incluyendo en su cara B el tema «Quiero vivir en la ciudad», un homenaje a la ciudad de Madrid y único tema firmado por los dos hermanos, el sencillo debut contó con los arreglos de Luis Cobos y la producción de Jorge Álvarez y se convirtió finalmente en un gran éxito, vendiendo 40 000 ejemplares.
Sobre el nombre del grupo, al tratarse de tres personas que llegaban a una compañía discográfica sin pretensiones concretas al respecto, hubo de buscarse uno en los propios despachos de la compañía. Inicialmente, y a raíz de la admiración de los hermanos Cano (en especial Nacho) por el synth-pop inglés, se llegó a sugerir, jugando con el apellido de los chicos y la profesión del abuelo de Ana Torroja (mecánico), el nombre de Mecano Humano, en referencia al grupo The Human League , sin embargo, poco después, buscando un apelativo más comercial, lo acortaron quedando simplemente en Mecano, un nombre que, en todo caso, se ajustaba muy bien a la estética pop del momento y al sonido tecno que se decidiría dar a la primera producción del grupo. Años más tarde, ya en los 1990, Ana Torroja revelaría en una entrevista a la revista francesa Elle que «elegimos ese nombre (Mecano), para demostrar que se puede construir lo que uno quiera mezclando elementos de rock, flamenco, pop y soul», haciendo alusión al juego de construcción Meccano, algo completamente falso pero que encajaba muy bien con los diferentes estilos y sonidos que, con el tiempo, el grupo llegó a desarrollar en sus discos.
Álbumes de estudio:
1982: Mecano
1983: ¿Dónde está el país de las hadas?
1984: Ya viene el Sol
1986: Entre el cielo y el suelo
1988: Descanso dominical
1991: Aidalai
Álbumes en directo:
1985: Mecano en concierto
En otros idiomas:
1989: Figlio della Luna
1990: Descanso dominical (edición francesa)
1991: Aidalai (edición italiana)
1991: Aidalai (edición francesa)
1998: Ana|José|Nacho (edición francesa)
Álbumes recopilatorios, remixes y EP:
1983: Mecano (portada del reloj en color gris y amarillo; contraportada de «¿Dónde está el país de las hadas?» en color blanco grisáceo; cbs-dcs-1049; dl-nb:83-4566.).
1984: Mecano (foto-portada: columnas de mármol; edición Venezuela, nb: 87-3512.)
1986: Lo último de Mecano
1986: Baila con Mecano
1987: 12 grandes éxitos
1987: 15 grandes éxitos
1987: 15 éxitos (foto-portada: Ana vestida de azul; edición Venezuela, SonoRodven; nb: 87-2742.)
1989: 20 grandes canciones
1991: Hoy no me puedo levantar y otros grandes éxitos
1991: Hawaii-Bombay y otros grandes éxitos
1993: Queridos Mecano
1994: Personalidad vol. 1
1998: Ana|José|Nacho
2000: Grandes éxitos (foto-portada: foto montaje de «Descanso dominical» colocado sobre la foto de un atardecer, edición Venezuela, Líderes; nb: 259192.)
2005: Grandes éxitos
2005: Obras completas
2009: Siglo XXI
2013: Esencial Mecano
Sencillos:
«Hoy no me puedo levantar»
«Perdido en mi habitación»
«Me colé en una fiesta»
«Maquillaje»
«No me enseñen la lección»
«Barco a Venus»
«La fiesta nacional»
«El amante de fuego»
«Japón»
«Busco algo barato»
«No pintamos nada»
«Hawaii-Bombay»
«Ya viene el Sol»16?
«Aire»
«Ay qué pesado»
«Cruz de navajas»
«Me cuesta tanto olvidarte»
«No es serio este cementerio»
«Hijo de la Luna»
«No hay marcha en Nueva York»
«Los amantes»
«Mujer contra mujer»
«Un año más»
«Figlio della luna»
«La fuerza del destino»
«El blues del esclavo (versión tango)»
«El 7 de septiembre»
«El peón del rey de negras»
«Naturaleza muerta»
«Dalai Lama»
«Una rosa es una rosa»
«El fallo positivo»
«Tú»
«El club de los humildes»
«Stereosexual»
«Cuerpo y corazón»
«Otro muerto»
Max Lässer ha trabajado como músico independiente desde 1972. Los primeros años, especialmente en casa en la escena popular, siguieron la colaboración con los compositores Toni Vescoli y Walter Lietha. Otras estaciones fueron la banda de Hardy Hepp de la mano y el compositor Werner Widmer, con quien desarrolló un proyecto de comedia musical bajo el título Bluesmax. A mediados de la década de 1980, Max Lässer pertenecía a Andreas Vollenweider & Friends, con quien realizó giras por Europa y Estados Unidos y participó en grabaciones. Max Lässer se hizo un nombre como estudio y guitarrista en vivo, por ejemplo en la producción de Engelberg de Stephan Eicher, pero también como productor de Jellyfish Kiss y Les Reines Prochaines y como compositor de música para películas. Con Christoph Stiefel, creó la música para un documental sobre el Distrito 5 de Zúrich, la telenovela documental y la aerolínea, y para varios dibujos animados infantiles.
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Después de un primer álbum en estilo folk rock (1976), siguieron dos álbumes con antiguas danzas suizas en 1979 y 1981. Desde 1985 ha publicado varios álbumes instrumentales bajo el título El arca de Max Lässer. A finales de 1995 viajó a Sudáfrica. Los encuentros con los cantantes Lungiswa Plaatjies y Busi Mhlongo, el multiinstrumentista Pops Mohamed y otros músicos tuvieron una influencia audible en su música. El proyecto se realizó en vivo con 13 músicos y Büne Huber bajo el nombre de No naciones. El intercambio en el proyecto de la banda Madamax se profundizó con el guitarrista, cantante y compositor Madala Kunene de Durban, el cantante, percusionista y bailarín Lungiswa Plaatjies de Ciudad del Cabo y con Christoph Stiefel en los teclados. Paralelo a Madamax, Max Lässer comenzó a tocar música con Hank Shizzoe en 1998. 1999 y 2000 siguieron giras en dúo. En 2001 se lanzó el álbum Überland, una exploración de la música de la región alpina y vinculado a sus arreglos de antiguas danzas suizas hace más de 25 años. En 2002 se fundó la orquesta de once piezas con motivo de la Expo 02, seguida en 2003 por una gira suiza. 2001 también vio el primer contacto con Hubert von Goisern. Al año siguiente, Lässer fue invitado a las grabaciones en CD de Goiserns Trad II, que fue seguido en 2004 por una gira de 100 conciertos en Europa y África.
En 2010, Max Lässer recibió el Premio Cultura Aargau.
1985 Into The Rainbow (Max Lässer’s Ark) – AF Records – LP 85-01 / Impact, EAN 7640101898514
1989 Earthwalk (Max Lässer’s Ark) – Impact, EAN 7640101887518
1990 Timejump (Max Lässer’s Ark) – Impact, EAN 0076742676827
1992 A Different Kind Of Blue (Max Lässer’s Ark) – Impact, EAN 7640101979213
1996 Between – EAN 7619949896518
1999 Magic Hour – EAN 7619949811689
2000 Madamax – EAN 7640101979817
2001 Ueberland – EAN 7619949812037
2003 Labyrinth (Linard Bardill, Mich Gerber und Max Lässer) – Wigra Sound Service, EAN 9783908250722
2005 BAFO (Max Lässer’s Madamax) – Phonag Records, EAN 7619949813010
2009 Überländler (Max Lässer und das Überlandorchester) – EAN 7619994600016
2011 Iigschneit (Max Lässer und das Überlandorchester) – EAN 7619994600023
2014 1:1 (Max Lässer und das Überlandorchester mit Markus Flückiger, Töbi Tobler und Patrick Sommer) – EAN 7619949817421
Alte Schweizer Tänze – EAN 7619935030131

Massiel
María de los Ángeles Félix Santamaría Espinosa (Madrid, 2 de agosto de 1947), más conocida por el nombre artístico de Massiel, es una cantante, actriz y compositora española. Otorgó a España su primera victoria en el Festival de la Canción de Eurovisión, en 1968, con el tema La, la, la, consagrando su carrera en su país natal, Hispanoamérica y Europa.
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Massiel nació en Madrid el 2 de agosto de 1947. Hija de padres asturianos, pasó parte de su infancia entre Gijón y Oviedo. Su padre era el promotor musical Emilio Santamaría, republicano declarado, y su madre Concepción Espinosa Peñas quien falleció 2011 a los noventa y un años. Su padre fue representante de, entre otros, Los Bravos, Los Brincos, Karina o Miguel Ríos. El nombre artístico por el que es conocida se lo puso su profesor de ballet. La familia vivía en la conocida calle Leganitos.
Su primera actuación en público fue en 1966 interpretando en Madrid la canción Di que no. Ese mismo año acude al llamado Festival de la Rosa en Roma, al de Viña del Mar, en Chile, y al de Mallorca, donde gana el premio de la crítica con el tema Rufo el pescador.
En 1967 rueda sus dos primeras películas, Vestida de novia y Codo con codo, y consigue un gran éxito en España e Hispanoamérica con la canción Rosas en el mar, escrita por Luis Eduardo Aute, del que también interpretaría su Aleluya nº1. Algunas de aquellas canciones fueron consideradas por muchos como unas de las primeras canciones protesta o «nueva canción castellana».
Singles y Eps
1966 «Di que no/No sé por qué/Llueve/No comprendo»
1966 «Él era mi amigo»/»Sé que ríes al pensar»
1967 «Rosas en el mar» /»Llueve» /»Las estrellas lo sabrán» /»Hasta mañana»
1967 «Aleluya Nº1»
1967 «La moza de los ojos tristes»/»Mirlos, molinos y sol»
1968 «La La La»/»Pensamientos, sentimientos»
1968 «La La La (Alemán)» Internacional
1968 «La La La (Francés)» Internacional
1968 «La La La»/»Pensamientos, sentimientos» Internacional
1968 «La La La»/»He gives me love (La La La)» Internacional
1968 «La La La»/»Las estrellas lo sabrán» Internacional
1968 «La La La»/»Rosas en el mar» Internacional
1968 «Pensamiento, sentimientos»/»La, La, La»/»Rosas en el mar»/»Aleluya» Colombia
1968 «Deja la flor»/»Sol de medianoche»
1968 «Las rocas y el mar»/»Vida y muerte»
1968 «Niños y hombres»/»A espaldas de mi pueblo»
1969 «Amén»/»Al volar»
1969 «Canciones» / «Cómo cantan las sirenas»
1969 “En busca de ti”
1970 «Detrás de la montaña»/Viejo marino»
1971 «Dormido amor»
1971 «Veinte aniversario: Palabras»
1971 «Volveré al mar»
1972 «Balada de María Sanders»/Balada de la comodidad»
1972 «Corriendo corriendo»
1973 «Rompe los silencios»/»Corriendo, corriendo»
1977 “Mi voz limita al norte”
1977 «Tu me preguntas si soy feliz»/»Para vivir»
1978 “Que te perdí, que te vas”
1981 «El Noa-Noa»/»El Amor»
1981 “Esclava de ti”
1982 «Eres” / “De 7 a 9»
1982 «Tiempos difíciles»/»Loca»
1983 «Marinero»/»Otra mujer»
1983 «Brindaremos por él»/»Ay la nena»
1983 «Más fuerte»/»Basta de peleas»
1984 «Acordeón»
1984 «Voy a empezar de nuevo»/»Te fuiste»
1985 «Vaca pagana»/»Popurrí»
1985 «Rosas en el mar»
1985 «Qué más quisiera yo»
1986 «Volverán»/»Hoy me he propuesto pensar en ti»
1986 «Lo que cambié por ti»/»Poco después de las 12 de un 20 de marzo”
1986 “La última bandera”
1986 “Mi fiesta”
1990 “El vacío que deja el amor”
1990 “Soy más yo”
1990 «Ese es mi pueblo»
1990 “Deslizes”
1990 “Sueños”
1990 “Loco de Zamba”
1990 “El Suceso”
Álbumes
1967 Massiel (LP)
1969 Canciones de la película «Cantando a la vida» / Massiel en Beatleland
1970 Massiel en México
1972 Baladas y canciones de Bertolt Brecht
1975 Viva…
1976 Carabina 30-30
1977 Alienación
1979 Massiel en México
1981 Tiempos difíciles
1983 Corazón de hierro
1984 Sola en libertad
1985 Massiel en des… concierto (directo Teatro Alcalá)
1986 Desde dentro
1990 Deslizes
1993 Cheque en blanco
1997 Desátame
2007 Massiel canta Bertolt Brecht (reedición)
Compilados
1968 Volando alto (Venezuela)
1968 Massiel es diferente (Uruguay y Bolivia)
1972 Lo mejor de Massiel
1997 Autorretrato: Lo mejor de Massiel
1998 Grandes éxitos
1999 Todas sus grabaciones para Discos Polydor (1976-1977)
2003 Sus primeros años (1966-1975) 2 CD
2008 Sus dos grandes álbumes: «Viva» (1975) y «Deslizes» (1990)
2010 Sus años en Hispavox (1981-1986) 3 CD
2018 Orígenes

Mary Travers
Mary Travers (Louisville, 9 de noviembre de 1936 – Danbury, 16 de septiembre de 2009) fue una cantante y compositora estadounidense.
Mary Travers fue integrante del trío Peter, Paul and Mary, un exitoso grupo musical estadounidense de música folk en la década de 1960. También grabó cinco álbumes como solista.
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Se casó cuatro veces. Fue madre de dos hijas Erika Marshall y Alicia Travers.
Falleció debido a la leucemia que padecía, el 16 de septiembre de 2009 en Connecticut, a los 72 años.
Discografía
1962, Peter, Paul and Mary
1963, Moving
1963, In the Wind
1964, In Concert
1965, A Song Will Rise
1965, See What Tomorrow Brings
1966, The Peter, Paul and Mary Album
1967, Album 1700
1967, In Japan
1968, Late Again
1969, Peter, Paul and Mommy
1970, The Best of Peter, Paul and Mary: Ten Years Together
1971, Mary, Warner Bros. (solita)
1972, Morning Glory, Warner Bros. (solista)
1973, All My Choices, Warner Bros. (solista)
1974, Circles, Warner Bros. (solista)
1978, It’s In Everyone of Us, Chrysalis. (solista)
1978, Reunion
1983, Such Is Love
1986, No Easy Walk To Freedom
1988, A Holiday Celebration
1990, Flowers & Stones
1993, Peter, Paul and Mommy, Too
1995, Once Upon The Time
1995, PPM& (LifeLines)
1996, Lifelines Live
1998, Around the Campfire
1998, The Collection
1999, Songs of Conscience and Concern
2000, Don’t Laugh at Me
2004, Carry It On
2004, In These Times
2005, The Very Best of Peter, Paul & Mary
2005, Platinum Collection
2006, Weave Me the Sunshine
2008, The Solo Recordings (1971-1972)
Marvin Gaye, nacido como Marvin Pentz Gay, Jr. (Washington D. C., 2 de abril de 1939-Los Ángeles, 1 de abril de 1984), fue un músico, cantante y productor de soul, smooth soul, quiet storm, blaxploitation y uno de los componentes fundamentales del estilo Motown Sound. El cantante añadió la e al final de su apellido, Gay, en homenaje a su ídolo Sam Cooke, convirtiéndolo en Gaye, Se trata de uno de los grandes artistas de la música popular contemporánea.
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Durante sus primeros años, llegó a ser conocido como «El Príncipe de Motown» y «El Príncipe del Soul», grabando numerosos hits de su época como «Pride and Joy», «Ain’t No Mountain High Enough», «How Sweet It Is (To Be Loved by You)» y el número 1 en Estados Unidos y Reino Unido «I Heard It Through the Grapevine».
Pese a su éxito inicial, la carrera de Marvin Gaye se ve interrumpida tras resultar fuertemente afectado por la abrupta muerte de Tammi Terrell, su eterna compañera en los escenarios. Luego de un periodo de depresión (del que nunca salió por completo), intentó buscar una posición como receptor abierto en un equipo profesional de Fútbol Americano, los Detroit Lions, algo que finalmente no se le permitió por miedo a una posible lesión que afectara su carrera. Marvin Gaye regresa a la escena musical a comienzos de la década de los 70s para grabar algunos de los discos más aclamados de su carrera, entre los que se destacan «What’s Going On» (1971), «Let’s Get It On» (1973), «I Want You» (1976) y «Here, My Dear (1978).
Desde su muerte, muchas instituciones le han otorgado títulos póstumos, premios y distinciones -incluyendo el Premio Grammy a la carrera artística, un puesto en el Salón de la fama del Rhythm and Blues, otro en el Salón de la Fama de los Compositores y en 1987, en su primer año de elegibilidad, fue introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Además, ocupa el puesto decimoctavo (18º) de los 100 Grandes Artistas de la Revista Rolling Stone.
En solitario
1961: The Soulful Moods of Marvin Gaye
1963: That Stubborn Kinda Fellow
1963: Recorded Live on Stage
1964: Hello Broadway
1964: When I’m Alone I Cry
1965: How Sweet It Is To Be Loved By You (R&B #4, US #128)
1965: A Tribute to the Great Nat «King» Cole
1966: Moods of Marvin Gaye (R&B #8, US #118)
1967: Marvin Gaye at the Copa (cancelado; después realizado en 2005)
1968: In the Groove (renombrado en 1969 como I Heard It Through the Grapevine) (R&B #2, US #63)
1969: M.P.G. (R&B #1, US #40)
1970: That’s The Way Love Is (R&B #17, US #189)
1971: What’s Going On (R&B #1, US #6) [disco de oro]
1972: You’re the Man (retirado de la venta)
1972: Trouble Man (R&B #3, US #14)
1973: Let’s Get It On (R&B #1, US #2)
1974: Marvin Gaye Live! (R&B #1, US #8)
1976: I Want You (R&B #1, US #4)
1977: Live at the London Palladium (R&B #1, US #3)
1978: Here, My Dear (R&B #4, US #26)
1979: Love Man (cancelado)
1981: In Our Lifetime (R&B #6, US #32)
1994: The Norman Whitfield Sessions
Dúos
Marvin Gaye & Mary Wells
1964: Together (US #42)
Marvin Gaye & Kim Weston
1966: Take Two (R&B #24)
Marvin Gaye & Tammi Terrell
1967: Ain’t No Mountain High Enough
1967: United (R&B #7, US #69)
1968: You’re All I Need (R&B #4, US #60)
1969: Easy (US #184)
Diana Ross & Marvin Gaye
1973: Diana & Marvin (R&B #7, US #26)
Con Columbia Records
1982: Midnight Love (R&B #1, US #7) [3x Platinum]
1985: Dream Of A Lifetime (póstumo) (R&B #8, US #41)
1985: Romantically Yours (póstumo)
Recopilaciones
1964: Greatest Hits, Vol. 1 (US #72)
1967: Greatest Hits, Vol. 2 (R&B #19, US #178)
1969: Marvin Gaye & His Girls (R&B #16, US #183)
1970: Super Hits (R&B #19, US #117)
1970: Greatest Hits (w/Tammi Terrell) (R&B #17, US #171)
1974: Anthology (versión #1) (R&B #10, US #61)
1976: Marvin Gaye’s Greatest Hits (R&B #17, US #44) [Platinum]
1983: Every Great Motown Hit of Marvin Gaye (US #80) [Platinum]
1984: Anthology (versión #2)
1986: Motown Remembers Marvin Gaye (R&B #48, US #193)
1988: A Musical Testament: 1964-1984 (R&B #69)
1991: The Marvin Gaye Collection (R&B #67)
1995: Anthology (versión #3)
1995: The Master: 1961/1984 (box set)
2000: 20th Century Masters – The Millennium Collection: The Best of Marvin Gaye, Vol. 1 – the 1960s
2001: 20th Century Masters – The Millennium Collection: The Best of Marvin Gaye, Vol. 2 – the 1970s
2001: 20th Century Masters – The Millennium Collection: The Best of Marvin Gaye & Tammi Terrell
2001: The Complete Duets (w/Tammi Terrell)
2001: Love Songs: Greatest Duets
2002: Love Songs: Bedroom Ballads
2002: The Very Best of Marvin Gaye (re-released in 2005 as Marvin Gaye: Gold) (2002 – R&B #85, US #167; 2005 – R&B #95) [Gold]
Reediciones de lujo
2001: What’s Going On (Deluxe Edition)
2001: Let’s Get It On (Deluxe Edition)
2003: I Want You (Deluxe Edition)
2007: » Number 1´s»
Maroon 5 es una banda musical de pop rock estadounidense. El grupo se formó originalmente entre 1994 y 1995 como Kara’s Flowers mientras sus integrantes cursaban la secundaria. Adam Levine, Jesse Carmichael, Mickey Madden y [Ryan Dusick] firmaron con A&M Records y posteriormente lanzaron un álbum, The Fourth World, en 1997. Después de una respuesta indiferente al álbum, la banda se separó de su sello discográfico y siguieron con sus carreras académicas en la universidad. En ese mismo año, la banda se reagrupó, añadió a James Valentine a la agrupación, y siguió una nueva dirección bajo el nombre de Maroon 5.
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Desde su debut en 2002, la banda ha vendido más de 30 millones de álbumes y 48 millones de sencillos mundialmente. Ganadores de tres Premios Grammy y trece nominaciones,? la banda ha lanzado seis álbumes de estudio: Songs About Jane (2002), It Won’t Be Soon Before Long (2007), Hands All Over (2010), Overexposed (2012), V (2014) y Red Pill Blues (2017).
Miembros
Adam Levine: voz, guitarra
Mickey Madden: bajo
James Valentine: guitarra, coros
Matt Flynn: batería, percusión
Jesse Carmichael: teclados, sintetizador, guitarra, coros
P. J. Morton: teclados, sintetizador, coros
Sam Farrar: guitarra, teclados, sintetizador, percusión, coros
Álbumes de estudio
2002: Songs About Jane
2007: It Won’t Be Soon Before Long
2010: Hands All Over
2012: Overexposed
2014: V
2017: Red Pill Blues

Marta Botía
Marta Botía Alonso (Madrid, 15 de septiembre de 1974) es una cantautora española, conocida junto a Marilia Andrés por formar parte del dúo Ella Baila Sola, grupo musical que fue conocido a finales de los años noventa.
Marta, hija de un publicista y de una directora de Iberia, creció en el barrio madrileño de Lavapiés y ya desde pequeña sintió una gran afición por la música. Cuando cursaba COU, conoció a Marilia Andrés Casares con quien formaría en principio un dúo llamado The Just cambiando más tarde de nombre por el de Ella Baila Sola, que las catapultaría a la fama.
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Ella Baila Sola se separaron en 2001, en el cénit de la fama, tras tres discos de estudio y uno de grandes éxitos, y Marta Botía comenzó su carrera en solitario con un disco titulado Cumplir lo prometido, que cuenta con colaboraciones como la de Antonio Vega, DJ Kun, Tomatito o Enrique Bunbury, amigo y artista admirado por Marta desde su época en Héroes del Silencio.
En 2003 participa en el DVD Ellas & Magia de Disney, interpretando la canción de Aladdín y el rey de los ladrones, «Que tu Luz no se Nuble Jamás». En 2006 participó en la película Pobre Juventud, de Miguel Jiménez, interpretando el papel secundario de Esperanza. Actualmente, Marta reside en Nueva York con su marido y su hijo.
En septiembre de 2009, Marta vuelve de nuevo al panorama de la música con un nuevo dúo, sin Marilia pero con la incorporación de Rocío Pavón, llamado EBS. El nuevo álbum, editado por ellas mismas y con la colaboración del que fue su agente en la discográfica EMI durante su primera etapa, Gonzalo Benavides, lleva por título Despierta. En el año 2013 se anuncia la separación del nuevo dúo tras diversas desavenencias entre las dos componentes, además de con su representante. El éxito en esta etapa no es comparable con el obtenido previamente.
Después de esta separación, sin grabar disco, Marta realiza gira con María del Mar García.
En 2014 presenta su canción «No puedo parar de ti», que forma parte de su nuevo disco en solitario Martamente que se editará en 2015 bajo el sello propio Hormigas Lejanas Producciones.
En 2018 comienzan los rumores de nuevo disco de Ella Baila Sola con Marta Botía y una nueva integrante, Virginia Mos, y en marzo de 2019 ve la luz este nuevo trabajo.
En la actualidad, Marta reside en Nueva York con su marido y sus dos hijos.
En solitario
Cumplir lo prometido, 2002 (20.000)
Martamente, 2015
Mark Freuder Knopfler, OBE (Glasgow, Escocia, 12 de agosto de 1949) es un músico de sesión, guitarrista, productor discográfico, cantante y compositor escocés. Antes de su carrera como músico, trabajó de periodista y dio clases en la universidad. Principalmente conocido como fundador, guitarrista y cantante de la banda Dire Straits y su singular estilo con la guitarra sin púa, está considerado como uno de los músicos más importantes de la historia del rock. También ha tocado en otras bandas (Notting Hillbillies, Brewer’s Droop), para otros artistas (Bob Dylan en Slow Train Coming entre otros), participó en dos discos de Phil Lynott, Solo in Soho y The Philip Lynott Album) y ha realizado proyectos en solitario. Además, ha compuesto música para varias películas, incluyendo Local Hero, Comfort and Joy, Cal, La princesa prometida, Last exit to Brooklyn, La Cortina De Humo (Wag the dog), Metroland y A shot at glory y para otros cantantes como Tina Turner, Private Dancer. Actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con Dire Straits, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk. La revista Rolling Stone lo sitúa en el puesto 27º de la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.
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Mark Knopfler nació en Glasgow el 12 de agosto de 1949. Es el segundo de los tres hijos del matrimonio formado por el arquitecto húngaro judío Earwin Knopfler, cuyas simpatías comunistas le obligan en 1939 a exiliarse huyendo del régimen fascista establecido en su país, y Louisa Mary Laidler, inglesa de Newcastle. A los 9 años su familia se traslada a esta ciudad, a orillas del río Tyne, y se instala en Gosforth, un distrito suburbano de la misma. Ya por entonces le ha cogido gusto a la música oyendo a su tío Kingsley tocar boogie-woogie con el piano. Durante esos años de infancia, su padre intenta, con la ayuda de su tío, que aprenda a tocar el piano y también el violín, aunque lo que más le llama la atención es la guitarra.
Con 13 años, Mark asistía a la escuela primaria de su distrito y ya acostumbraba a coleccionar fotos de grupos musicales, sobre todo de guitarristas. Comenzó a insistirle a su padre para que le comprase una guitarra, y con 15 años consiguió por fin que le comprase una Hofner V2 Solid de colores rojo y negro, una guitarra estéticamente similar a una clásica «Stratocaster» que le costó 50 libras. Con ella aprendió escuchando a músicos como B.B. King, J.J. Cale, Jimi Hendrix o Hank Marvin y toca con amigos con los que practica en las casas de alguno de ellos, llegando incluso a tocar en algunas fiestas y bailes escolares. Uno de estos escarceos musicales lo llevó en 1966, con tan sólo 16 años, a aparecer junto a su amiga Sue Hercombe en una televisión local, la NRK, en una entrevista en la que interpretaron la canción «Chilly Winds».
En 1968, tras haber estudiado periodismo durante un año en el Harlow Technical College de Essex, consigue, gracias al hermano de una conocida suya, un empleo en el Yorkshire Evening Post de Leeds en el que trabajó durante dos años haciendo reseñas de grupos locales y de algunas de las grandes bandas que actuaban en la ciudad. Durante estos años, y gracias a su trabajo de reportero, conoce a Steve Phillips, músico local que trabaja como restaurador en el Leeds City Art Gallery and Temple Newsam House, con quien entabla amistad. Sus grandes afinidades musicales les lleva a formar un dúo al que llaman The Duolian String Pickers y a grabar, en abril de 1970, una maqueta de una canción original de Mark, Summer’s Coming my Way, junto a otros dos músicos, Dave Johnson en el bajo y Paul Granger en la percusión.
El 18 de septiembre de 1970 escribe su última crónica en el Yorkshire Evening Post acerca de la muerte de Jimi Hendrix. Conmocionado por la noticia, decide dejar el periódico e iniciar estudios de filología inglesa en la Universidad de Leeds que le mantienen en la ciudad hasta 1973. Durante ese período sigue tocando junto a Steve Phillips, quien recoge algunos de sus trabajos en común en el álbum Just Pickin’ publicado en 1996. También durante esta etapa universitaria se casa por primera vez con Kathleen Urwin White, una chica que, como él, viene de Newcastle y que estudia en su misma universidad. El matrimonio se celebró en el registro de Northumberland South de Leeds el 4 de marzo de 1972 y duró apenas dos años.
Álbumes de estudio
1996: Golden Heart
2000: Sailing to Philadelphia
2002: The Ragpicker’s Dream
2004: Shangri-La
2005: The Trawlerman’s Song (EP)
2005: One Take Radio Sessions (EP)
2007: Kill To Get Crimson
2009: Get Lucky
2012: Privateering
2015: Tracker
2018: Down the Road Wherever
Bandas sonoras
1983: Local Hero (Un tipo genial)
1984: Cal (Cal)
1984: Comfort & Joy (Comfort & Joy) (EP)
1986: The Color of Money (El Color del Dinero) (Banda sonora con varios artistas)
1987: The Princess Bride (La princesa prometida)
1987: In Private – In Public. The Prince and Princess of Wales (Documental) (Banda Sonora no editada)
1989: Last Exit To Brooklyn (Last exit to Brooklyn)
1995: Swan Hunter Shipyard (Documental) (Banda sonora no editada)
1997: Wag The Dog (La cortina de humo)
1999: Metroland (Metroland)
1999: Robbie the Rednose Reindeer: Hooves of fire (Película de dibujos animados) (Banda sonora no editada)
2000: A Shot At Glory (Camino hacia la gloria)
2016: Altamira (Altamira)
Colaboraciones
1989: Booze Brothers
1990: Missing… Presumed Having A Good Time (con Notting Hillbillies)
1990: Neck and Neck (con Chet Atkins)
2006: All the Roadrunning (con Emmylou Harris)
2006: Real Live Roadrunning (con Emmylou Harris)
Álbumes recopilatorios
1993: Screenplaying
2005: Private Investigations: The Best of Dire Straits & Mark Knopfler
Mark Ware Isham (n. 7 de septiembre de 1951; Nueva York, Estados Unidos) es un compositor estadounidense ganador de un Premio Emmy a la mejor música de un tema principal y de un Premio Grammy y candidato a los Premios Óscar y Globo de Oro.? Frecuente colaborador del cineasta Alan Rudolph, compuso la música de sus películas Trouble in Mind (1985), ,Fire In The Sky (1993),Mrs. Parker and the Vicious Circle (1994), Afterglow (1997), The Moderns (1988), Fly Away Home (1996) y Made in Heaven (1987), entre otras; las partituras de los filmes de Robert Altman Short Cuts (1993) y The Gingerbread Man (1998); y las bandas sonoras de A River Runs Through It (1992), Quiz Show: El dilema (1994) y Leones por corderos (2007) de Robert Redford, así como Los tiempos de Harvey Milk (1984) de Rob Epstein, Reversal of Fortune (1990) de Barbet Schroeder, Point Break (1991) de Kathryn Bigelow, La red (1995) de Irwin Winkler, Blade (1998) de Stephen Norrington, Crash (2004) de Paul Haggis o 42 (2013) de Brian Helgeland. También compuso la música para la serie de televisión Érase una vez.
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Mark Isham nació el 7 de septiembre de 1951 en Nueva York, Estados Unidos.? Su madre era violinista y su padre le enseñó música e historia así que pronto empezó a estudiar piano clásico, trompeta y violín desde una edad muy temprana. Empezó su carrera musical en las orquestas sinfónicas de Oakland y San Francisco y, posteriormente, formó parte de numerosos grupos de rock y jazz. Cuando Isham cumplió los 20 años de edad estuvo centrado en la música electrónica, creándose una reputación como programador, aunque mantuvo la trompeta como el instrumento principal de su carrera como compositor.? Estableció una carrera importante tocando la tormpeta como solista, aunque también lo hizo junto a bandas de jazz y con artistas de rock, llegando a trabajar para bandas tan importantes como los Rolling Stones. Por otro lado también ha participado en varios álbumes de estudio de artistas reputados como Van Morrison y Joni Mitchell.? Recibió el apoyo incondicional de la crítica especializada, lanzando al mercado sus propios álbumes de estudio llamados Vapour Drawings, Castalia y Tíbet, recibiendo nominaciones a los premios Grammy por su trabajo. Posteriormente su álbum titulado Remembered: The Silent Way Project fue premiado en el año de su publicación, 1999. Actualmente Mark Isham es uno de los compositores de música para películas más importantes de Hollywood, teniendo en su filmografía títulos importantes, habiendo ganado un Emmy y habiendo sido candidato a los Globos de Oro y al Óscar
Marillion es una banda británica de rock, formada en Aylesbury, Buckinghamshire, Inglaterra, en 1979. Es reconocida como la banda más exitosa de las que surgieron de la ola de rock neoprogresivo de Reino Unido de los años ochenta del siglo XX, ya que han vendido quince millones de álbumes en todo el mundo.
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Su discografía de estudio desde el año 1982 consta de diecisiete álbumes, los cuales se suelen dividir en dos épocas distintas, determinadas por la marcha del grupo del vocalista original, Fish, a finales de 1988, y la consiguiente llegada a Marillion de Steve Hogarth a comienzos de 1989. Además de Hogarth, forman parte de Marillion el guitarrista Steve Rothery (miembro original), el teclista Mark Kelly (desde diciembre de 1981), el bajista Pete Trewavas (desde 1982) y el percusionista Ian Mosley (desde 1984). Entre los años 1983 y 1994, Marillion consiguió colocar ocho álbumes entre las listas de los más vendidos en Reino Unido, incluyendo un número uno en 1985 con su álbum Misplaced Childhood. Además, durante el periodo liderado por Fish once de sus temas entraron en el Top 40 en la UK Singles Chart, entre ellos el éxito de 1985 «Kayleigh», que alcanzó el número dos y se convirtió así en su sencillo más exitoso. El primer álbum realizado con Hogarth a la voz, titulado Seasons End y publicado en 1989, también se situó entre los diez primeros en las listas de ventas; los álbumes posteriores, hasta su separación de la discográfica EMI tras la publicación en 1996 del directo Made Again y la pérdida de popularidad a finales de los noventa, obtuvieron también buenos resultados comerciales.? Excepto por un resurgimiento a finales de los años 2000, Marillion ha sido una banda de culto desde entonces.3?4? Con Hogarth a la voz, Marillion ha logrado otros doce éxitos en el Top 40 del Reino Unido, entre los cuales se encuentra el tema de 2004 «You’re Gone», que se alzó hasta el séptimo puesto, el más alto de los conseguidos en esta segunda época. La banda continúa dando conciertos por todo el mundo, y según la revista Classic Rock y su lista de los mejores cincuenta directos de la historia («50 Best Live Acts of All Time»), Marillion se sitúa en el 38.º lugar.
Marillion está considerada como una de las primeras bandas populares en haber reconocido y usado el potencial comercial de la interacción con sus aficionados a través de internet.? La historia del uso de internet por la banda, que comenzó hacia 1996, está descrita por Michael Lewis en el libro Next: The Future Just Happened como un ejemplo de cómo internet está desplazando el poder desde élites establecidas, como pueden ser las discográficas multinacionales. El grupo Marillion también es famoso por contar con una legión de aficionados realmente devotos de la banda que llegan a viajar grandes distancias regularmente tan sólo para acudir a un concierto,? lo cual se debe en gran medida a la relación estrecha que Marillion cultiva a través de su página web, de podcasts, convenciones bienales y publicaciones periódicas para los fanes.? El lanzamiento de su álbum Anoraknophobia en 2001, el cual fue financiado por sus seguidores mediante pedidos por adelantado en lugar de mediante un contrato con una compañía, adquirió una atención significativa y fue calificado por la BBC como «una campaña de fondos única».? Asimismo, Alexis Petridis escribió para el diario The Guardian que Marillion eran los «pioneros indiscutibles» de la música financiada por los seguidores.
Marillion se formó en 1979 con el nombre de «Silmarillion», en honor a la novela de J. R. R. Tolkien El Silmarillion, por Mick Pointer, Steve Rothery y otros. Dieron su primer concierto en el Berkhamsted Civic Centre, en Hertfordshire, el 1 de marzo de 1980.
Posteriormente, en 1981, el nombre fue acortado a Marillion para evitar posibles conflictos relacionados con los derechos de autor,? al mismo tiempo que Fish y William Minnitt? ocuparon el puesto del vocalista y bajista original, Doug ‘Rastus’ Irvin en una audición en Leyland Farm Studios en Buckinghamshire el 2 de enero de 1981. Rothery, el batería Mick Pointer y el teclista Brian Jelliman completaban esta formación, que dio su primer concierto en el Red Lion Pub de Bicester, Oxfordshire, el 14 de marzo de 1981. Para el final de 1981, Kelly ya había sustituido a Jelliman, mientras que Minnitt fue reemplazado por Pete Trewavas en 1982.? William «Diz» Minnitt formó más tarde [[Pride of Passion.
Los primeros trabajos de Marillion contenían las letras poéticas e introspectivas de Fish conjugadas con un tapiz musical complejo, para crear un sonido que reflejara las influencias, entre las que destacan Queen, Genesis, Pink Floyd, Van der Graaf Generator, Rush (específicamente de finales de los setenta) y Yes. La primera grabación de Marillion fue una cinta maqueta producida por Les Payne en julio de 1981, la cual incluía versiones iniciales de «He Knows You Know», «Garden Party» y «Charting the Single».
La banda atrajo atención hacia sí con una sesión de tres temas (versiones primeras de los temas «The Web», «Three Boats Down from The Candy» y «Forgotten Sons») para el Friday Rock Show, gracias a lo cual firmaron con EMI. A continuación, publicaron su primer sencillo, «Market Square Heroes», en 1982, con la canción épica «Grendel» en la cara B del formato de vinilo de 12″. Tras ese primer sencillo, Marillion puso a la venta en 1983 su primer álbum, Script for a Jester’s Tear.
Álbumes de estudio
Script for a Jester’s Tear (1983)
Fugazi (1984)
Misplaced Childhood (1985)
Clutching at Straws (1987)
Seasons End (1989)
Holidays in Eden (1991)
Brave (1994)
Afraid of Sunlight (1995)
This Strange Engine (1997)
Radiation (1998)
Marillion.com (1999)
Anoraknophobia (2001)
Marbles (2004)
Somewhere Else (2007)
Happiness is the Road (2008)
Less is More (2009)
Sounds That Can’t Be Made (2012)
FEAR (F*** Everyone and Run) (2016)
Compilaciones
Brief Encounter (EE. UU. Mini LP, 1986)
B’Sides Themselves (1988)
From Stoke Row To Ipanema (1990)
A Singles Collection (1992)
Marillion Music Collection (Italia, 1993)
Kayleigh (Países Bajos, 1996)
Essential Collection (Reino Unido, 1996)
The Best of Marillion (Rusia, 1996)
Best Of Both Worlds (1997)
Real to Reel y Brief Encounter relanzados como un CD doble (1997)
Kayleigh – The essential collection (Reino Unido, 1998)
The Singles 82-88 Caja de CD con 12 sencillos tal y como fueron lanzados en el Reino Unido. (2000)
The Singles 89-95 Caja de CD con 12 sencillos tal y como fueron lanzados en el Reino Unido. (2002)
Warm Wet Circles (Países Bajos, 2003)
Remixes
Remixomatosis (2005)
Álbumes en vivo
Real to Reel (1984)
The Thieving Magpie/La gazza ladra (2 CD, 1988)
Made Again (1996)
Anorak Live in the UK (2 CD, 2002)
Popular Music
Marbles Live (2005)
Marbles by the Sea (2005)
Friends Live (2007)
Live from Loreley ([1987])(2 CD) (A.C.U)
Live From Cadogan Hall (2010) Acústico
Brave Live 2014 (2014)
All One Tonight – Live At The Royal Albert Hall (2018)
Lanzamientos de Racket Records
Live at the Borderline (Racket 1, 1992)
Live in Caracas (Racket 2, 1992)
Live in Glasgow (Racket 3, 1993)
Tales From The Engine Room (Racket 7, 1998)
Marillionrochester (2 CD, Racket 8, 1998)
Piston Broke (Racket 9, 1998)
Unplugged At The Walls (2 CD, Racket 10, 1999)
marillion.zodiac (Racket 11, 1999)
marillion.co.uk (Racket 12, 2000, reissued 2002 & 2005)
How We Live: Dry Land (Racket 13, 1987)
The Wishing Tree: Carnival of Souls (Racket 14, 2001)
A Crash Course – An Introduction to Marillion (Racket 15, 2001)
ReFracted! (2 CD, Racket 17)
Another DAT at the office (2 CD, Racket 18)
Fallout (2 CD, Racket 19)
Caught in the Net (2 CD, Racket 20)
AWOL (Racket 21)
Brave Live 2002 (Racket 22, 5 April 2002)
View from the Balcony (Racket 23, Front Row Club Sampler)
Remixomatosis (2004, Racket 24, diferente del álbum mencionado com Remix)
CD/DVD de Navidad
Christmas 1998 Happy Christmas Everybody (1998) CD
Christmas 1999 marillion.christmas (1999 CD
Christmas 2000 A Piss-up in a Brewery (2000) CD
Christmas 2001 A verry Barry Christmas (2001) CD
Christmas 2002 Santa and his Elvis (2002) CD
Christmas 2003 Say Cheese! (2003) CD
Christmas 2004 Baubles (2004) CD
Christmas 2005 Merry XMas to our Flock (2005) CD
Christmas 2006 The Jingle Book (2006) CD
Christmas 2007 Somewhere Elf (2007) CD
Christmas 2008 Pudding on the Ritz (2008) CD
Christmas 2009 Snow de Cologne (2009) DVD
Christmas 2010 Ding, Dong Loreley On High… (2010) DVD
Christmas 2011 Live at German Space Day 2004 (2011) DVD
Christmas 2012 Sleighed Again (2012) DVD
Christmas 2013 Proggin’ around the Christmas Tree (2013) DVD
Christmas 2014 Chile for the Time of Year (2014) 2CD
Lanzamientos de Front Row Club
Front Row Club Issue 1 (FRC-001, Ludwigshalle, Dieburg, Alemania, 9 de noviembre de 1998)
Front Row Club Issue 2 (FRC-002, The Academy, Manchester, Inglaterra, 18 de noviembre de 1999)
Front Row Club Issue 3 (FRC-003, The Luxor, Arnhem, Países Bajos, 25 de junio de 1995)
Front Row Club Issue 4 (FRC-004, The Borderline Club, Londres, Inglaterra, 9 de mayo de 1992)
Front Row Club Issue 5 (FRC-005, The Barrowlands, Glasgow, Escocia, 4 de diciembre de 1989)
Front Row Club Issue 6 (FRC-006, Michael Hunter, River, 1994)
Front Row Club Issue 7 (FRC-007, Salle de Fetes Beaulieu, Lausana, Suiza, 19 de octubre de 1991)
Front Row Club Issue 8 (FRC-008, Le Spectrum, Montreal, Canadá, 6 de septiembre de 1997)
Front Row Club Issue 9 (FRC-009, Forum, Londres, Inglaterra, 28 de abril de 1996)
Front Row Club Issue 10 (FRC-010, Moles Club, Bath, Inglaterra, 12 de diciembre de 1990)
Front Row Club Issue 11 (FRC-011, Bass Brewery Museum, Burton-On-Trent Inglaterra, 17 de noviembre de 2000)
Front Row Club Issue 12 (FRC-012, Sala Bikini Barcelona, España, 12 de diciembre de 2000)
Front Row Club Issue 13 (FRC-013, Ahoy Rotterdam, Países Bajos, 29 de septiembre de 1995)
Front Row Club Issue 14 (FRC-014, The Ritz Roseville, USA, 22 de febrero de 1990)
Front Row Club Issue 15 (FRC-015, Curtain Call)
Front Row Club Issue 16 (FRC-016, Ateneu Popular de Nou Barris Barcelona, España, 10 de enero de 1998)
Front Row Club Issue 17 (FRC-017, 013 Tilburg, Países Bajos, 13 de octubre de 2001)
Front Row Club Issue 18 (FRC-018, The E-Werk, Colonia, Alemania, 2 de septiembre de 1992)
Front Row Club Issue 19 (FRC-019, Civic, Wolverhampton, Inglaterra, 4 de noviembre de 1998)
Front Row Club Issue 20 (FRC-020, Copenhague, Dinamarca, 28 de mayo de 1994)
Front Row Club Issue 21 (FRC-021, Londres, 28 de febrero de 2001)
Front Row Club Issue 22 (FRC-022, Utrecht, 29 de mayo de 1997)
Front Row Club Issue 23 (FRC-023, Aylesbury, 30 de abril de 2004)
Front Row Club Issue 24 (FRC-024, París, Francia, 18 de noviembre de 1998)
Front Row Club Issue 25 (FRC-025, Mannheim, Alemania, 4 de diciembre de 1999)
Front Row Club Issue 26 (FRC-026, Oxford, Inglaterra, 25 de julio de 1999)
Front Row Club Issue 27 (FRC-027, Cambridge, Inglaterra, 17 de septiembre de 1995)
Front Row Club Issue 28 (FRC-028, Sao Paulo, Brasil, 5 de octubre de 1992)
Front Row Club Issue 29 (FRC-029, Philadelphia, USA, 9 de octubre de 2004)
Front Row Club Issue 30 (FRC-030, Bielefeld, 20 de marzo de 1994)
Front Row Club Issue 31 (FRC-031, Milwaukee, 20 de septiembre de 1997)
Front Row Club Issue 32 (FRC-032, Richmond, 3 de agosto de 2002)
Front Row Club Issue 33 (FRC-033, Londres, 5 de septiembre de 1992)
Front Row Club Issue 34 (FRC-034, Utrecht, 3 de diciembre de 2005)
Front Row Club Issue 35 (FRC-035, Londres, 5 de diciembre de 2005)
Front Row Club Issue 36 (FRC-036, Bensancon, 5 de octubre de 1989)
Front Row Club Issue 37 (FRC-037, Nueva York, 12 de junio de 2005)
Front Row Club Issue 38 (FRC-038, Varsovia, 22 de mayo de 2007)
Front Row Club Issue 39 (FRC-039, Liverpool, 16 de septiembre de 1991)
Front Row Club Issue 40 (FRC-040, Ámsterdam, 12 de diciembre de 2007)
Front Row Club Issue 41 (FRC-041, Poughkeepsie, 15 de agosto de 1995) – descarga
Front Row Club Issue 42 (FRC-042, San Francisco, 11 de septiembre de 2005) – descarga
Front Row Club Issue 43 (FRC-043, Manchester, 30 de noviembre de 2007) – descarga

María Dolores Pradera
María Dolores Fernández Pradera (Madrid, 29 de agosto de 1924 – ibidem, 28 de mayo de 2018?), artísticamente María Dolores Pradera, fue una cantante melódica y actriz española.? Su trayectoria artística comenzó en 1943 logrando ser primera figura del teatro, posteriormente como actriz de cine? y finalmente cantante en espectáculos en directo.
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Dado el éxito de sus grabaciones discográficas? realizó giras por varios países, especialmente en Hispanoamérica, y se dedicó por entero a la canción desde comienzos de la década de 1970.? Por su labor alcanzó mayor fama mundial por difundir algunos géneros de la música popular hispanoamericana, la canción española y la obra de sus más grandes autores.
Por su personalidad en el escenario, dotada de una voz grave y contundente y una gestualidad elegante,? popularmente se la conoce como La Gran Señora de la Canción.
Álbumes de estudio?
María Dolores Pradera (Amarraditos) (1966)
María Dolores Pradera (Y ya…) (1967)
María Dolores Pradera (Seis años) (1968)
Pa’ todo el año (1969)
María Dolores Pradera (Cariño malo) (1969)
María Dolores Pradera Canta (El tiempo que te quede libre) (1970)
María Dolores Pradera (Siete y mil veces) (1971)
María Dolores Pradera (No lo llames) (1972)
María Dolores Pradera (Te solté la rienda) (1973)
Canciones españolas (1974)
María Dolores Pradera (Pozo de arena) (1974)
María Dolores Pradera (Soledad sola) (1975)
María Dolores Pradera (El rey) (1975)
María Dolores Pradera con Los Gemelos (Señora hermosura) (1976)
Polo margariteño (1977)
Canta María Dolores Pradera (Que ya se acabó tu amor) (1977)
Paloma, llévale (1981)
Caballo viejo (1983)
Reverdecer (1986)
A mis amigos (1987)
María Dolores (1989) (Doble disco en vivo)
Por derecho (1991) (Doble disco en vivo)
Caminemos (1996)
As de corazones (1999)
A Carlos Cano (2001)
Canciones del alma (2003)
Recuerdos (2003) (Recopilación de sencillos y EP no recogidos anteriormente en LP y dos temas nuevos)
Al cabo del tiempo (2006)
En buena compañía (2007)
Te canto un bolero (2008)
Gracias a vosotros, Vol.1 (2012)
Gracias a vosotros, Vol.2 (2013)
Orígenes (2014) (Recopilación de los primeros singles y EP no recogidos anteriormente en LP)
Recopilaciones
Éxitos (1967)
María Dolores Pradera (Islas Canarias) (1969)
María Dolores Pradera (Cuando llora mi guitarra) (1973)
Por tierras de América (1975)
Homenaje a José Alfredo Jiménez (1975)
Álbum de oro (1980)
Homenaje a Chabuca Granda (1984)
Esencia de mujer – Las más bellas canciones (2000)
Ellas cantan así (2003)
María Trinidad Pérez de Miravete-Mille, más conocida como Mari Trini (Murcia, 12 de julio de 1947 – Murcia, 6 de abril de 2009), fue una cantautora española que gozó de enorme popularidad y éxito comercial tanto en España como en países de habla hispana durante las décadas de 70s y 80’s. Vendió más de diez millones de discos, por lo que fue galardonada con un Disco multidiamante en 2005, y en el mismo año fue homenajeada por la SGAE en reconocimiento a su larga carrera. De marcada personalidad y defensora del feminismo en sus letras, Mari Trini es una de las figuras esenciales de la música española en los años de la Transición. Cosmopolita por formación y gustos musicales, fue descubierta en la adolescencia por el cineasta Nicholas Ray, quien la empujó a curtirse musicalmente en Londres, y después residió durante cinco años en Francia. Fue autora e intérprete de baladas hoy ya fundamentales del cancionero en español, y se la recuerda también por sus interpretaciones en francés, particularmente del clásico Ne me quitte pas, de Jacques Brel.
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Era hija de Gonzalo Pérez-Miravete Pasqual de Riquelme y de María Mille Campos (1926-2016). Según casi todas sus biografías, nació en la pedanía de Singla, del término de Caravaca de la Cruz, Región de Murcia, España, el 12 de julio de 1947. A muy temprana edad se trasladó a Madrid con su familia, en la que no existía tradición artística.
Alumna de un colegio religioso, su infancia se vio marcada por una enfermedad que la obligó a permanecer en cama desde los siete años hasta los catorce. Durante su convalecencia comenzó a interesarse por la música: aprovechó para aprender a tocar la guitarra y empezó a componer sus primeras canciones. Esta vocación, y desavenencias con su madre, le empujaron a marchar de casa con ganas de libertad y en busca de más amplios horizontes.
Discografía
Mari Trini (1969)
Amores (1970)
Escúchame (1971)
Ventanas (1973)
L’automne (1973)
¿Quién? (1974)
Canta en francés (1975)
Transparencias (1975)
Como el rocío (1976)
El tiempo y yo (1977)
Solo para ti (1978)
A mi aire (1979)
Oraciones de amor (1981)
Una estrella en mi jardín (1982)
Mari Trini (Editado en México como Mari Trini interpreta grandes autores mexicanos) (1984)
Diario de una mujer (1984)
En vivo (1985)
Quién me venderá (1986)
En tu piel (1987)
Espejismos (1990)
Sus grandes éxitos (1993)
Sin barreras (1995)
Alas de cristal (1996)
Mari Trini con los Panchos (2001)
Marc Bolan (nacido Mark Feld; Londres, Inglaterra, 30 de septiembre de 1947-ibídem, 16 de septiembre de 1977) fue un músico y cantante británico y una de las figuras más populares del glam rock durante la década de 1970. Fue el líder del grupo Tyrannosaurus Rex, nombre posteriormente acortado a T. Rex.
El sobrenombre Bolan es una contracción del nombre de su admirado Bob Dylan (Bo-lan).
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Nació en Hackney, al este de Londres el 30 de septiembre de 1947, siendo el hijo de un camionero. Cuando tenía 15 años, su familia se mudó de Hackney a Wimbledon, en el sudoeste de Londres. Sus primeras influencias musicales fueron Gene Vincent, Eddie Cochran y Chuck Berry. Se convirtió en un mod, dejándose ver por los lugares más emblemáticos de Soho.
A los 15 años deja la escuela, y entra a trabajar como modelo.
Tras grabar varios discos bajo el nombre de Toby Tyler (sonando muy folk, como sus admirados Donovan y Bob Dylan), ingresa a la banda proto punk y mod John’s Children, la cual pareció inicialmente muy prometedora, siendo muy aclamados en sus recitales y llegando a realizar algunas grabaciones. Una de sus primeras grandes canciones sería «Desdemona» de 1967, escrita por el mismo Bolan, la cual fue vetada por la BBC por sus letras controvertidas.
Junto al percusionista Steve Peregrin Took fundó, en 1967, la banda Tyrannosaurus Rex. Bajo este nombre grabaron tres álbumes: My People Were Fair and Had Sky in Their Hair But Now They’re Content to Wear Stars on Their Brows (1968), Prophets, Seers and Sages – The Angels of the Ages (1968) y Unicorn (1969). A comienzos de los años setenta, Bolan echó a Took y se unió con Mickey Finn para formar T. Rex. Sus éxitos más recordados son canciones como Children of the Revolution, Ride a White Swan, Hot Love y Get It On (Bang a Gong), ambas nº 1 en el Reino Unido. así como Jeepster, Cadillac. A mediados de los años setenta, la popularidad de Marc Bolan descendió pese a que T. Rex continuó sacando discos a la venta.
Tyrannosaurus Rex
My People Were Fair and Had Sky in Their Hair… But Now They’re Content to Wear Stars on Their Brows (1968)
Prophets, Seers & Sages: The Angels of the Ages (1968)
Unicorn (1969)
A Beard of Stars (1970)
T. Rex
T. Rex (1970)
Electric Warrior (1971)
The Slider (1972)
Tanx (1973)
Zinc Alloy and the Hidden Riders of Tomorrow (1974)
Bolan’s Zip Gun (1975)
Futuristic Dragon (1976)
Dandy in the Underworld (1977)
Sencillos en solitario
«The Wizard» / «Beyond the Risin’ Sun» (1965)
«The Third Degree» / «San Francisco Poet» (1966)
«Hippy Gumbo» / «Misfit» (1966)
«Beyond The Sun» (2007)
Dib Cochran & The Earwigs
«Oh Baby / Universal Love» (1970)
Big Carrot
«Blackjack» / «Squint Eye Mangle» (1973)

Máquina!
Máquina! (en catalán Màquina!) fue un grupo de rock progresivo y jazz-rock fundado en Barcelona en 1969 y disuelto en 1972. Fueron pioneros del rock progresivo en España y están considerados como uno de los mejores grupos de rock de los años 70. Su primer disco, «Why?», es probablemente el más recordado del progresivo español y uno de los mejores discos de rock grabados en España.
El origen de Máquina! se encuentra como banda de acompañamiento de los diversos grupos que formaban el Grup de Folk durante el año 1968; en especial del cantante Jaume Sisa, con el que tocaban bajo el nombre de La Companyia, SL.
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Tras la disolución del Grup de Folk, Jordi Batiste y Enric Herrera deciden formar su propio grupo y pasarse al rock. Primero entra el baterista Santiago García “Jackie”. Según explica Herrera en el libro “Barcelona, del rock progresivo a la música layetana”, la intención inicial era ser un trío en el que él tocaría guitarra y teclado, como Steve Winwood en The Spencer Davis Group, pero la llegada de Lluís Cabanach “Luigi”, forzó un cambio de planes y la banda pasaría a ser un cuarteto.
El line-up final sería: Jordi Batiste, bajo, voz y flauta; Enric Herera, piano, órgano Hammond y arreglos musicales; Luigi, guitarra; Jackie, batería. Las mayoría de las canciones las componían juntos Batiste (letra) y Herrera (música). En toda la música de Máquina! se puede apreciar el talento de Herrera como conductor, siendo el teclado, en la gran mayoría de los casos, el instrumento que dirige las canciones.
El grupo Máquina! hizo su música siempre en inglés, según dicen, para diferenciarse de la corriente catalana de la Nova Cançó, y del pop español comercial de la época. Puesto que en España no se estudiaba este idioma en aquella época, los títulos de los singles solían ir acompañados de la traducción al castellano, que no siempre era literal. El inglés lo habían aprendido de forma autodidacta y, por supuesto, había errores gramaticales y de pronunciación.
Con el apoyo de Ángel Fábregas y su sello Als 4 Vents, donde trabajan a cambio de grabaciones y promoción, editaron su primer single en agosto de 1969: «Lands of Perfection/Let’s Get Smashed». La Cara A del single era una canción con un gran protagonismo de órgano Hammond y un marcado estilo de rock psicodélico. La Cara B era un alegre jazz instrumental dirigido por el piano.
Este primer single recibió una buena acogida en ventas, 10.000 copias, y en crítica. Aunque también se remarcaba el poco futuro de este tipo de música en España. En su presentación en Madrid en el mes de septiembre fueron echados de varios clubs por el tipo de música que hacían. La presentación en Barcelona, en el San Carlos Club, en octubre, fue mucho mejor recibida.
A finales de ese mismo año y ya con un nuevo baterista, Josep Maria Vilaseca “Tapioles” o “Tapi”, publicarían el single «Earth’s Daughter/Look Away Our Happiness». En este segundo trabajo se aprecia una evolución considerable. La Cara A es un cuidado tema pop con arreglos orquestales a cargo de Enric Herrera. La Cara B, un tema rock de gran originalidad dirigido magistralmente por el órgano Hammond. Este segundo single tendría todavía un éxito considerable con 7.000 copias vendidas.
Larga Duración
Why? (Diabolo/Als 4 Vents, 1970)
En Directo (Als 4 Vents, 1972)
… Funciona! (Wah Wah, 2004)
Lets Get Smashed (Picap, 2010)
Corta Duración
Lands of Perfection/Let’s Get Smashed (Diábolo, 1969)
Earth’s Daughter/Look Away Our Happiness (Diábolo, 1969)
I Believe/Thank You (Diábolo, 1970)
Sun bring the summer/Burning butts (Ariola, 1971)
Take it easy/King Kong Rides Again (Diábolo, 1972)
Funciona…! (Als 4 Vents, 1982)
Recopilaciones
Música Progressiva a Catalunya Nº1 (Concèntric, 1970)
Música Progresiva Española Vol. 1 (Ariola, 1971)
Descubrimiento del Tesoro Musical de los Años 70 (Apolo Records, 1978)
Grandes Grupos Españoles Paso a Paso, 1960-1977 (K-Tel International, 1978)
Barcelona Progressiva (Picap, 2011)

Manolo Tena
José Manuel de Tena Tena, conocido como Manolo Tena (Benquerencia de la Serena, Badajoz, 21 de diciembre de 1951-Madrid, 4 de abril de 2016) fue un cantante y compositor español.
Formó parte de los grupos musicales Cucharada (1977-1981) y Alarma!!! (1983-1986). Fue uno de los artistas referentes del rock madrileño en la década de 1980.
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En 1988 empezó su carrera en solitario con Tan raro mientras continuó componiendo para artistas como Miguel Ríos, Ana Belén, Luz Casal, Rosario Flores, o Ricky Martin. Entre sus principales creaciones están Frío, Sangre española o Tocar Madera.
En 2015 reapareció con un nuevo álbum titulado Casualidades.
Hijo de emigrantes extremeños que llegaron a Madrid,? vivió gran parte de su vida en el barrio de Lavapiés. Interesado por el rock and roll desde muy joven, a los 14 años ya tocaba los fines de semana con un bajo prestado en orquestas por Madrid y alrededores.
Dejó pronto los estudios y trabajó en numerosos oficios: botones, aprendiz de imprenta, camarero, dibujante y vendedor. Con su sueldo compró la primera guitarra.? Más tarde ingresó en la universidad para estudiar filología inglesa, pero no terminó la carrera.? Aprendió a tocar, de manera autodidacta, el bajo y algo de piano.4? Entre las impresiones que le marcan en su poética: el mar.
Entre sus primeras influencias en los años 70 estaba la ironía de Frank Zappa, las canciones de John Mayall y la estética de Lindsay Kemp. En sus entrevistas ha explicado que también era un ávido lector de poesía, con Rubén Darío y Antonio Machado entre sus autores predilectos.
«La verdad es que soy bastante autodidacta, aunque me fascinan, además de Lorca, Kavafís, Gil de Biedma y los poetas oscuros, como Rimbaud o Baudelaire. Ingresé en la Universidad después de los 25 años para estudiar Filología inglesa, pero no terminé porque solo me daban bibliografía. Aprendí inglés con un diccionario y el Sargent Peppers de los Beatles. Y aprendí guitarra fijándome en los acordes en los conciertos y ejercitándome en las posturas de las canciones de John Mayall», explica en una entrevista en 1994.
En sus comienzos empezó a actuar con el seudónimo de Lolilla Cardo, un personaje «izquierdista y chistoso»,? cantando temas sociales con sarcasmo. Entre sus primeras colaboraciones está la que hizo en 1975 con Luis Eduardo Aute en el disco Babel (Ariola Records).
Estudio
Tan raro (1988)
Sangre española (1992)
Las mentiras del viento (1995)
Juego para dos (1997)
García Lorca, poeta en Nueva York (1998)
Insólito (2000)
Canciones nuevas (2008)
Casualidades (2015)
Directo
Básicamente (2003)
El concierto de Las Ventas (2014), grabación de 1993
Recopilatorio
Grandes éxitos y rarezas (1998)
Manuel García García-Pérez, conocido como Manolo García, (Barcelona, 19 de agosto de 1955) es un cantautor, compositor y pintor amateur español.
Grabó sus primeros discos con grupos como Los Rápidos y Los Burros, alcanzó el éxito comercial con El Último de la Fila y actualmente continúa su carrera en solitario. Se caracteriza por un sonido pop rock mestizo con ritmos árabes, aflamencados y melódicos y por sus letras que aúnan poesía, lírica y surrealismo.
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El artista catalán se ha caracterizado durante toda su carrera por mantener su vida personal muy alejada de su vida pública, por lo que el estado civil de Manolo García, así como su vida privada y todo lo alejado de lo estrictamente artístico, queda fuera del conocimiento popular. No obstante, se sabe que es hermano de la también cantante Carmen García, componente del grupo Carmen.
Nacido en Barcelona e hijo de albaceteños (sus padres son de Férez),? su infancia estuvo marcada por sus primeros coqueteos artísticos y las vivencias en un barrio de inmigración barcelonés (Pueblo Nuevo) donde «todos éramos murcianos, andaluces…», en el que se escuchaba sobre todo copla. A la temprana edad de 7 años se encontraba realizando performances en la terraza de su hogar, en las que ya combinaba distintos enfoques artísticos mezclando la pintura con desechos industriales como bidones o plásticos y otros elementos de difícil categorización. Todo ello alternado con sus estudios básicos obligatorios.
El perfil artístico que primero empezó a manifestar fue su afición a la pintura y la plástica. A los 14 años aún continuaba experimentando con las posibilidades de las artes plásticas, dedicándose a probar nuevos productos y pegamentos, mediante una formación totalmente autodidacta y con carácter amateur. No es hasta poco después cuando entra en el mundo laboral como pintor de cuadros al óleo, donde, según Quimi Portet, se convirtió en un especialista en cielos y lagos, debido a que se encargaba de rellenar las zonas azules de los paisajes, generalmente cielos y lagos.
Tras acabar sus estudios básicos, en torno a los 17 años, comienza a dar tumbos en el mundo laboral, con trabajos como empleado de una empresa metalúrgica, donde ganó un concurso de dibujo organizado por la propia empresa, o botones en una agencia de publicidad, al tiempo que seguía su progresión artística. Buscando su vocación, empieza a trabajar en el estudio de diseño gráfico de dicha empresa publicitaria, es entonces cuando decide estudiar diseño gráfico, matriculándose en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, donde recibe su primera formación especializada sobre las artes plásticas.
A los 21 años, inmerso ya en el mundo de la música siendo componente de diversas bandas locales, trabajaba como diseñador para casas discográficas dedicadas a la realización de covers (copias piratas) de los LP nacionales de más éxito de mediados de los 70. Durante los seis años de trabajo en dicha discográfica, Manolo García llegó a realizar los diseños de más de 400 carátulas, generalmente de formato casete.
En 1981, al acabar el servicio militar, Manolo García llegó a rodar unas escenas al final de la película, con guion de Francesc Bellmunt, La batalla del porro, a la que llegó por casualidad supliendo a un compañero que no pudo asistir al rodaje.
Discografía básica
Arena en los bolsillos (BMG, 1998)
Nunca el tiempo es perdido (BMG, 2001)
Para que no se duerman mis sentidos (BMG, 2004)
Saldremos a la lluvia (Sony Music, 2008)
Los días intactos (Sony Music, 2011)
Todo es ahora (Sony Music, 2014)
Geometría del rayo (Sony Music, 2018)
Discografía extendida
Arena en los bolsillos: Singles (BMG, 1999)
Nunca el tiempo es perdido: Los singles + canciones en directo gira 2001-2002 (BMG, 2002)
Singles, directos y sirocos (BMG, 2005)
De mares y visiones (BMG, 2010): Recopilatorio editado sólo para Latinoamérica.
Saldremos a la lluvia, Digibook Edición especial. (DVD+CD). (2008, Sony Music)
Todo es ahora, En directo. (Doble CD) (2017, Sony Music)
Geometría del Rayo. En Directo, Oviedo. (Doble CD+DVD) (2018, Sony Music – Perro Records)
Geometría del Rayo. Edición Especial. (Triple CD+DVD) (2018, Sony Music – Perro Records): Contiene los álbumes Geometría Del Rayo + Geometría Del Rayo. En Directo, Oviedo
Acústico, Acústico, Acústico. (Doble CD+Doble DVD) (2020, Sony Music – Perro Records)
Sencillos
De «Arena en los bolsillos»
Pájaros de barro (BMG, 1998)
Carbón y ramas secas (BMG, 1998)
Zapatero (BMG, 1998)
Como quien da un refresco (BMG, 1998)
A San Fernando, un ratito a pie y otro caminando (BMG, 1999)
Sobre el oscuro abismo en que te meces (BMG, 1999)
De «Singles – Arena en los bolsillos»
Prefiero el trapecio (BMG, 1999)
De «Nunca el tiempo es perdido»
Nunca el tiempo es perdido (BMG, 2001)
Somos levedad (BMG, 2001)
Un plan (BMG, 2001)
Prendí la flor (BMG, 2001)
Rosa de Alejandría (BMG, 2002)
Vendrán días (BMG, 2002)
De «Los singles + Canciones en directo gira 2001-2002 – Nunca el tiempo es perdido»
Los singles de Nunca el tiempo es perdido (BMG, 2002)
De «Para que no se duerman mis sentidos»
Para que no se duerman mis sentidos (BMG, 2004)
Una tarde de sol (BMG, 2004)
Niña Candela (BMG, 2005)
Si te vienes conmigo (BMG, 2005)
De «Singles, directos y sirocos»
Sólo amar (BMG, 2005)
Ardió mi memoria (BMG, 2006)
De «Saldremos a la lluvia»
No estés triste (BMG, 2008)
Sabrás que andar es un sencillo vaivén (BMG, 2008)
Saldremos a la lluvia (BMG, 2009)
De «Los días intactos»
Un Giro teatral (2011)
Sombra de la sombra de tu sombrero (2011)
Lo quiero todo (2011)
De «Todo es ahora»
Es mejor sentir (2014)
Campanas de libertad (2014)
Caminaré (2014)
De «Geometría del rayo»
Nunca es tarde (2018)
Rarezas
Covers de Triana (Grabación ilícita, posiblemente en 1980)
Niña Candela (DVD promocional) (BMG, 2005)
Manfred Mann’s Earth Band es un grupo británico de rock progresivo formado en Londres en 1971 por el músico sudafricano Manfred Mann.(Manfred Mann es el nombre artístico de Manfred Lubowitz.)
Manfred Mann’s Earth Band nace en 1971 como secuela del anterior grupo de Mann: Manfred Mann Chapter Three, el cual llegó a editar dos álbumes durante su corta vida, entre 1969 y 1970, combinando el jazz rock con incipientes sonoridades progresivas, que se cristalizarían en la Earth Band más plenamente. Para este proyecto Mann se rodeó de nuevos músicos, quienes dieron forma a un álbum debut homónimo editado a principios de 1972: el guitarrista y vocalista Mick Rogers, el bajista Colin Pattenden y un joven Chris Slade en batería, quien luego sería parte de grupos como AC/DC, Uriah Heep, The Firm o Asia, entre otros.
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Hacia fines de 1972 la Earth Band edita un segundo LP, Glorified Magnified, seguido de una serie de álbumes que marcarían la época cásica de la banda, entre 1973 y 1976: Messin’, Solar Fire, The Good Earth y Nightingales & Bombers, todos grabados con la misma formación, tras lo cual el cantante y guitarrista Mick Rogers se aleja del grupo.
Para The Roaring Silence de 1976 es convocado el cantante y guitarrista Chris Hamlet Thompson, más un guitarrista líder, Dave Flett, pasando Manfred Mann’s Earth Band a ser un quinteto, no obstante Mick Rogers participa en coros. De aquí en más las formaciones de la Earth Band comienzan a tornarse más inestables: para el siguiente álbum Watch (1978), el bajista Colin Pattenden es reemplazado por Pat King, mientras que en Angel Station, de 1979, Geoff Britton reemplaza a Chris Slade, al tiempo que aparece el guitarrista y cantante Steve Waller haciéndose cargo de las voces junto a Chris Hamlet Thompson.
Álbumes
Manfred Mann’s Earth Band (1972)
Glorified Magnified (1972)
Messin’ (1973)
Solar Fire (1973)
The Good Earth (1974)
Nightingales & Bombers (1975)
The Roaring Silence (1976) UK # 101?
Watch (1978) UK # 331?
Angel Station (1979) UK # 301?
Chance (1980)
Somewhere in Afrika (1983) UK # 871?
Budapest Live (en vivo, 1984)
Criminal Tango (1986)
Masque (1987)
Plains Music (como «Manfred Mann’s Plains Music», 1991)
Soft Vengeance (1996)
Mann Alive (en vivo, 1998)
2006 (2004)
Maná es una banda de rock alternativo y rock pop mexicana. Se formó en Guadalajara, Jalisco en 1986. Está formada por Fher Olvera (guitarra rítmica líder, armónica y voz líder), Juan Calleros, (bajo líder y contrabajo), Álex González (batería y voz) y Sergio Vallín (guitarra y voz).? Ha vendido más de 40 millones de discos en todo el mundo.
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El grupo ha ganado cuatro premios Grammy, ocho Premios Grammy Latinos, cinco MTV Video Music Awards Latinoamérica, cinco Premios Juventud, diecinueve Premios Billboard de la Música Latina y quince de los Premios Lo Nuestro. Además ha obtenido múltiples premios por su labor a favor de la ecología. En el 2012 formaron parte del paseo de rock en Hollywood, Estados Unidos.
Su sonido se basa en los ritmos latinos y pop latino. En un principio recibieron el éxito comercial internacional en México, Australia y España, y desde entonces han ganado popularidad y la exposición en toda Latinoamérica, Estados Unidos, Europa Occidental, Asia y Oriente Medio.
Los orígenes de Maná se remontan a un grupo musical llamado Sombrero Verde, cuyos integrantes Fher Olvera, como voz, Gustavo Orozco, a la guitarra eléctrica, y los hermanos Calleros, Juan, al bajo, Ulises, a la guitarra eléctrica y Abraham, a la batería, eran originarios de Guadalajara. En un inicio tocaban en bares. En 1980 decidieron juntarse para tocar distintos temas de grupos a los que admiraban, entre ellos The Beatles, Led Zeppelin, The Police, The Rolling Stones, entre otros. Inicialmente, se hacían llamar The Green Hat Spies, pero pronto el nombre se abrevió a Green Hat y, finalmente, se adaptó al español como Sombrero Verde, ya que la banda deseaba tocar rock en su propio idioma, siendo de los primeros grupos en aventurarse a componer sus propias canciones aun cuando el rock en español no era una tendencia.5?
En 1981 publicaron su primer disco, Sombrero verde, con el sello Ariola; los sencillos fueron «Vampiro», «Profesor», «Long time» y «Despiértate».
En 1983 lanzaron A tiempo de rock; los sencillos del álbum serían «Laura», «Hechos nada más» y «Me voy al mar». Con esta producción el grupo logró escaso éxito.
En 1984, Abraham Calleros, baterista del grupo, decide dejar la banda para continuar su carrera musical en Estados Unidos. El grupo decide poner un anuncio en el periódico solicitando un nuevo integrante, gracias a esto encuentran al joven baterista de origen cubano-colombiano nacido en Miami, Álex González.
La vida de Sombrero Verde continuó hasta 1986, cuando el guitarrista Gustavo Orozco decide también abandonar la agrupación para concentrarse en sus estudios académicos. Al quedar de nuevo el grupo como cuarteto, Fher decide cerrar el libro de Sombrero Verde y formar una nueva banda que fusionara el rock, pop y los ritmos latinos.
En esa época comenzó en México el movimiento denominado «Rock en tu idioma», una estrategia comercial de algunas compañías discográficas encaminada a llamar la atención de los jóvenes para desarrollar música rock en español. La tendencia, importada de Argentina y España, estaba avalada por el trabajo pionero de grupos como Mecano, Soda Stereo, Enanitos Verdes, Ole, Ole, Los Prisioneros, Nacha Pop, La Unión, Radio Futura, Hombres G y Zas (la banda de Miguel Mateos); como consecuencia de ello, aparecieron varias bandas mexicanas formadas por jóvenes con influencias musicales de grupos estadounidenses y europeos. Surgieron así las bandas líderes del movimiento en México: Caifanes, Maldita Vecindad, Café Tacuba y, entre ellas, Maná, quienes lograrían éxito no solo a nivel local sino también internacionalmente.
The Mamas & the Papas (llamados The Mama’s and the Papa’s en su álbum debut) fue un grupo vocal líder en la década de 1960. Fue uno de los grupos estandartes del folk rock neoyorquinos y uno de los pocos grupos estadounidenses que mantuvieron su éxito durante la Invasión británica junto a The Beach Boys y The Byrds. El grupo hizo grabaciones y actuó desde 1965 a 1968; produciendo cinco álbumes y tuvieron diez canciones en las carteleras musicales; aunque estuvieron un corto tiempo en la cima de la música, mantienen todavía fieles seguidores.
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John Phillips, Cass Elliot, Denny Doherty y Michelle Phillips formaron la banda después de que fracasaran sus anteriores grupos de música folk. Su primer éxito en España fue Monday Monday, primer número uno de la historia de Los 40 Principales el 18 de julio de 1966, aunque el lado B del disco, la canción California Dreamin’, fue la que ha perdurado en el tiempo y la que más identifica al grupo.
El nombre del grupo fue inspirado en un programa de entrevistas que se emitía a diario en la TV. Después que el grupo grabó su álbum If You Can Believe Your Eyes and Ears, la banda fue conocida por un tiempo como «The Magic Circle» (el círculo mágico). Buscando un nombre fácil de recordar, ellos se sentaron a pensar uno nuevo. Alguien encendió la TV y estaban transmitiendo un programa de entrevistas.
Lo primero que ellos escucharon fue algo de una «Mamá», entonces Cass se paró y dijo que quería ser una mamá, y Michelle dijo que también quería ser una mamá. John y Denny se miraron y John dijo, «¿Papás? Okay, problema resuelto.» La banda tenía su nuevo nombre. Sin embargo, otra versión señala que en sus primeros conciertos, los jóvenes de entonces se referían a las chicas como «the mamas». Entonces, John y Denny reclamaron «Si ustedes son las mamás, entonces nosotros seremos los papás… seremos «The mamas and the papas».
La infidelidad provocó la ruptura del grupo. Denny Doherty llegó a convertirse en amante de Michelle Phillips, que estaba casada con John Philips, pero mantuvieron el secreto hasta que, durante un viaje a México, Denny reveló a Cass Elliot que estaba secretamente enamorado de Michelle. Cass, al enterarse, se puso furiosa porque a su vez estaba enamorada en secreto de él. Tiempo después John halló en la cama a Michelle y Denny y se marchó de casa.
Más adelante, Michelle y John se reconciliaron y compraron juntos una casa en Bel Air mientras la banda trataba de salir adelante. Las cosas fueron bien por un tiempo. El grupo grabó su tercer álbum, Deliver, que se convirtió en un gran éxito y durante ese tiempo Denny comenzó a beber para olvidar a Michelle.
El grupo se disolvió en 1968. En una entrevista tras su separación, en la revista Rolling Stone, Cass admitió que ella había declarado a sus compañeros que quería ser solista y que eso había propiciado la ruptura del grupo. Mientras tanto, según versiones más polémicas, el abuso de las drogas, los celos, el alcoholismo y los problemas de peso de Cass Elliot fueron los desencadenantes de la posterior separación del grupo.
Elliot empezó una exitosa carrera como solista y viajó por los Estados Unidos y Europa. En obligación a sus contratos, la compañía de discos decidió que la banda hiciera un álbum más. Después de estar un año separados, la banda se reagrupó y lanzó su último álbum en 1971 titulado People Like Us (Gente como nosotros).
Cass Elliot murió de un ataque al corazón el 29 de julio de 1974 mientras estaba de gira. Años después, en 1990, una hija de John y Michelle, Chynna, formó, junto con las hermanas Carnie y Wendy Wilson (hijas de Brian Wilson, miembro de The Beach Boys), el trío Wilson Phillips, que cultiva una música vocal claramente influenciada por la que realizaron sus padres y cuyos mayores éxitos fueron Hold On y Release Me, con los que obtuvieron sendos discos de oro.
En 1998, el grupo ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Papa John Phillips murió de un infarto el 18 de marzo de 2001. El 19 de enero de 2007, falleció Denny Doherty por unos problemas renales.
Álbumes de estudio
1966 If You Can Believe Your Eyes and Ears
1966 The Mamas & the Papas
1967 The Mamas & the Papas Deliver
1968 The Papas & The Mamas
1971 People Like Us
Recopilaciones de grandes éxitos
1967 Farewell To The First Golden Era
1968 Golden Era, Vol.2
1969 Hits Of Gold
1969 16 Greatest Hits
1972 Monday, Monday
1973 20 Golden Hits
1997 Greatest Hits

Mama Cass
Cass Elliot, nacida como Ellen Naomi Cohen (Baltimore, Maryland, 19 de septiembre de 1941-Londres, 29 de julio de 1974) y popularmente conocida como Mama Cass, fue una cantante estadounidense. Integrante fundadora del grupo The Mamas & the Papas; después de la disolución de la banda tuvo una brillante carrera como solista.
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Mama Cass Elliot falleció en un apartamento de dos dormitorios propiedad del músico Harry Nilsson, que utilizaba cada vez que viajaba a Londres? situado en el barrio de Mayfair, apenas unas horas después de haber cantado en el teatro London Palladium.
Una semana después de su muerte se confirmó que tuvo un infarto.
Ellen Cohen nació en Baltimore, Maryland, hija de un matrimonio judío conformado por Philip y Bess Cohen. Creció en Baltimore y después su familia se trasladó a Alexandria, Virginia, un suburbio de Washington DC. Adoptó el nombre «Cass» en el instituto, posiblemente, tal y como ha señalado Denny Doherty, tomándolo prestado de la actriz Peggy Cass. De todas formas era Cass, en ningún caso «Cassandra». Asumió el apellido Elliot más tarde, en memoria de un amigo que murió.
Empezó su carrera como actriz con un papel en la obra The Boy Friend (El Amigo) mientras aún estaba en el colegio. Después de dejar el instituto George Washington, poco antes de la graduación, se trasladó a Nueva York, donde apareció en la obra The Music Man, aunque acabó perdiendo el papel de Miss Marmelstein en I Can Get It for You Wholesale, en beneficio de Barbra Streisand en 1962.
Mientras trabajaba en un guardarropía en The Showplace, en Greenwich Village, Elliot solía cantar a veces, aunque no fue hasta su regreso al área de Washington para estudiar en la American University cuando empezó a labrarse una carrera como cantante. La música folk estaba en auge en América y Elliot conoció al músico y cantante Tim Rose y al cantante John Brown y juntos empezaron a actuar como «The Triumvirate» (El Triunvirato). En 1963, James Hendricks sustituyó a Brown y el trío fue rebautizado como «The Big Three» (Los 3 Grandes). La primera grabación de Elliot fue Winkin’, Blinkin y Nod, con «The Big Three», lanzada por FM Records en 1963.
Cuando Tim Rose dejó «The Big Three» en 1964, Elliot y Hendricks se juntaron con los canadienses Zal Yanovsky y Denny Doherty para formar el grupo «The Mugwumps». Este grupo duró ocho meses, tras los cuales Cass actuó como solista por un tiempo. Yanovsky se juntó con John Sebastian para co-fundar «The Lovin’ Spoonful», mientras Doherty se unió al grupo «The New Journeymen» con John Phillips y su mujer, Michelle. Finalmente, en 1965, Doherty convenció a Philips de que Cass tenía que unirse al grupo. Así lo hizo, mientras estaban de vacaciones en las Islas Vírgenes.
Una leyenda urbana sobre Elliot es que su rango vocal mejoró en tres notas después de ser golpeada en la cabeza por un tubo de cobre poco antes de unirse al grupo. Elliot confirmó dicha historia en una entrevista para la revista Rolling Stone en 1968. Sin embargo, según gente que la conocía bien, esta historia no era cierta y Elliot siempre tuvo una increíble voz. Sus amigos decían que la habladuría sobre el tubo de cobre era usada de una forma políticamente correcta para justificar el hecho de que John hubiera tardado tanto en hacerla entrar al grupo, ya que la razón real era que John la consideraba demasiado gorda.
Discografía en solitario
Álbumes de estudio
1968: Dream a Little Dream – US #87
1969: Bubblegum, Lemonade, and… Something for Mama – US #91
1969: Make Your Own Kind of Music – US #169 (es una nueva edición de Bubblegum, Lemonade… con otros sencillos exitosos incluidos)
1971: Dave Mason & Cass Elliot- US #49
1972: Cass Elliot
1972: The Road Is No Place for a Lady
Recopilaciones
1971: Mama’s Big Ones (grandes éxitos en solitario) – US #194
Conciertos
1973: Don’t Call Me Mama Anymore
Sencillos
1968: «Dream a Little Dream of Me» (Mama Cass with the Mamas & the Papas) – US #12 Pop/#2 AC, UK #11
1968: «California Earthquake» – US #67
1969: «Move in a Little Closer, Baby» – US #58 Pop/#32 AC
1969: «It’s Getting Better» – US #30 Pop/#13 AC, UK #8
1969: «Make Your Own Kind of Music» – US #36 Pop/#6 AC
1970: «New World Coming» – US #42 Pop/#4 AC
1970: «A Song That Never Comes» – US #99 Pop/#25 AC
1970: «The Good Times Are Coming» – US #104 Pop/#19 AC
1970: «Don’t Let the Good Life Pass You By» – US #110 Pop/#34 AC

Mahavishnu Orchestra
La Mahavishnu Orchestra fue un grupo de jazz rock pionero en la fusión entre el Rock y el Jazz . Estuvo activo entre 1970 y 1976, reuniéndose de nuevo brevemente de 1984 a 1986.
La versión original estaba liderada por el Mahavishnu John McLaughlin en guitarra acústica y guitarra eléctrica, y los miembros Billy Cobham , anteriormente cofundador del grupo Dreams, en la percusión, Rick Laird (bajo eléctrico y bajo acústico), Jan Hammer en piano eléctrico y acústico, y Jerry Goodman , que había sido líder del grupo The Flock, en el violín. El grupo tuvo 2 álbumes muy conocidos los cuales además de ser del género jazzistico y progresivo: The Inner Mounting Flame (1971) y Birds of Fire (1973).
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El grupo es considerado pionero del movimiento jazz fusión o Jazz Rock. McLaughlin y Cobham se conocieron mientras grababan para Miles Davis. McLaughlin también se influenció por sus estudios con el gurú Sri Chinmoy, quien le dio el nombre de Mahavishnu con el que se daría a conocer.
McLaughlin tenía ideas sui generis acerca de cómo instrumentar su grupo, buscando siempre el concepto de mezclar géneros a la hora de componer. Especialmente, buscaba un violinista. Luego hizo patente su guitarra de doble cuello (con 6 y 12 cuerdas), y Hammer añadió un sintetizador Moog, lo cual le permitió entablar un diálogo con el lenguaje de la guitarra de McLaughlin.
En los 2 álbumes mencionados arriba, sin embargo, el grupo va de esta intensa fusión de géneros (como en la canción «Noonward Race») hasta piezas más calmadas, como «A Lotus On Irish Streams» y «Thousand Island Park», que tenían guitarra acústica, piano y violín, o también desde bajo perfil hasta saturación en una misma canción (i.e., «Open Country Joy»).
Discografía
1. The Inner Mounting Flame (1971)
2. Birds of Fire (1972)
3. Between Nothingness and Eternity (1973, grabado en vivo)
4. The Lost Trident Sessions (1973, lanzado en 1999)
5. Apocalypse (1974)
6. Visions of the Emerald Beyond (1975)
7. Inner Worlds (1976)
8. Mahavishnu (1984)
9. Adventures in Radioland (1986)
Maggie Reilly (n. Glasgow, 15 de septiembre de 1956) es una cantante escocesa. Es conocida por sus éxitos junto al compositor Mike Oldfield y por sus primeros álbumes como solista.
En la década de 1970 fue parte de la banda de rock Cado Belle, lanzando con ellos un álbum en 1976.
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Es mayormente conocida por sus colaboraciones con el compositor y multiinstrumentista Mike Oldfield entre 1980 y 1984, especialmente co-componiendo y vocalizando Family Man y otras canciones del álbum Five Miles Out (1982), repitiendo su papel de vocalista en las canciones «Moonlight Shadow» y «Foreign Affair» del álbum Crises (1983) y «To France» del álbum Discovery (1984). La última colaboración entre Maggie y Mike Oldfield fue en la canción «Blue Night» del álbum Earth Moving (1989).
En 1992, lanzó su primer álbum como solista Echoes, cuyos temas más exitosos fueron «Everytime We Touch», Tears in the Rain y Wait. Su siguiente álbum de estudio fue Midnight Sun (1993), cuyo tema «Follow the Midnight Sun» fue el más exitoso.
En los años siguientes lanzó Elena (1996), Starcrossed (2000), Save It for a Rainy Day (2002) y Rowan (2006).
Ha trabajado también con muchos otros artistas como Mike Batt (en su álbum The Hunting of the Snark), Jack Bruce, Dave Greenfield & Jean-Jacques Burnel, Rick Fenn, Michael Cretu, Lesiëm, Ralph McTell, Simon Nicol, Stefan Zauner, Runrig, The Sisters of Mercy, y Smokie.
Álbumes como solista
Echoes (1992)
Midnight Sun (1993)
All the Mixes (1996)
Elena (1996)
Elena: The Mixes (1997)
The Best of Maggie Reilly, There and Back Again (1998)
Starcrossed (2000)
Save It for a Rainy Day (2002)
Rowan (2006)
Looking Back, Moving Forward (2009)
Heaven Sent (2013)
Sencillos
«Moonlight Shadow» (1983, junto a Mike Oldfield)
«As Tears Go By» (1984)
«Everytime We Touch» (1992)
«Wait» (1992)
«Tears in the Rain» (1992)
«Follow the Midnight Sun» (1993)
«Every Single Heartbeat» (1993)
«Don’t Wanna Lose» (1994)
«Walk on By» (1996)
«Walk on By- The Mixes» (1996)
«To France – The Mixes» (1996)
«Listen to Your Heart» (1996)
«To France – The Mixes II» (1997)
«Listen to Your Heart – The Mixes» (1997)
«Listen to Your Heart – The Mixes II» (1997)
«One Little Word» (1998)
Madonna Louise Veronica Ciccone? (Bay City, Míchigan; 16 de agosto de 1958), conocida simplemente como Madonna, es una cantante, compositora, actriz, empresaria e ícono estadounidense.
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Madonna pasó su infancia en Bay City y en 1978 se mudó a la ciudad de Nueva York para realizar una carrera de danza contemporánea. Después de participar en dos grupos musicales, Breakfast Club y Emmy, en 1982 firmó con Sire Records (filial de Warner Bros.) y lanzó su álbum debut Madonna al año siguiente. Siguió publicando una serie de álbumes en los que encontró una inmensa popularidad, superó los límites de contenido de las letras de sus canciones y explotó las imágenes en sus vídeos musicales, que a lo largo de su carrera se han convertido en piezas de arte.? Muchas de sus canciones han alcanzado el número uno en las listas musicales de varios países alrededor del mundo; sus mayores éxitos incluyen temas como «Like a Virgin», «Material Girl», «Papa Don’t Preach», «La isla bonita», «Like a Prayer», «Express Yourself», «Vogue», «Frozen», «Music», «Hung Up» y «4 Minutes». Madonna ha sido elogiada por los críticos por sus producciones musicales y puestas en escena, dándole el título de la «Reina del Pop».
Su carrera se vio reforzada por sus papeles en diversas películas por las que recibió comentarios variados. Su protagónico más elogiado es el de Eva Perón para Evita (1996), por el que incluso ganó un Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical; sin embargo, ha recibido críticas negativas por otros papeles.? Otras ocupaciones de Madonna incluyen ser diseñadora de moda, escritora de libros, directora de cine y productora discográfica, además de que es dueña del sello discográfico Maverick. También es una aclamada empresaria, y en 2007 firmó un contrato de 120 millones de dólares con Live Nation.
Madonna ha vendido más de 300 millones de producciones musicales,? con lo que establece el récord mundial de «la solista más exitosa y de mayores ventas musicales de todos los tiempos», incluido en el Libro Guinness de los récords. Según la Recording Industry Association of America (RIAA) es la solista con mayores ventas del siglo XX, y la tercera con mayores ventas en Estados Unidos (detrás de Barbra Streisand y Mariah Carey) con 64.5 millones de álbumes certificados.? En el Reino Unido, es la solista femenina con mayores ventas de sencillos en la historia, con 17,6 millones para junio de 2012.
En 2008, la revista Billboard clasificó a Madonna en el número dos, detrás de The Beatles, en el Billboard Hot 100 All-Time Top Artists, convirtiéndola en la solista más exitosa en esa lista, además de ser incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en ese mismo año. De manera general, diversos biógrafos, escritores, periodistas y demás medios de comunicación la consideran como la mujer más influyente y exitosa de la historia de la música contemporánea.? Además, es reconocida por reinventar continuamente tanto su música e imagen, así como ser una fuente de inspiración para varios artistas y por su legado a la cultura pop.
Discografía
1983: Madonna
1984: Like a Virgin
1986: True Blue
1989: Like a Prayer
1992: Erotica
1994: Bedtime Stories
1998: Ray of Light
2000: Music
2003: American Life
2005: Confessions on a Dance Floor
2008: Hard Candy
2012: MDNA
2015: Rebel Heart
2019: Madame X
Giras musicales
1985: The Virgin Tour
1987: Who’s That Girl World Tour
1990: Blond Ambition World Tour
1993: The Girlie Show World Tour
2001: Drowned World Tour
2004: Re-Invention World Tour
2006: Confessions Tour
2008-2009: Sticky & Sweet Tour
2012: The MDNA Tour
2015-2016: Rebel Heart Tour
2019-2020: Madame X Tour
Maceo Parker (/?me?si?o?/; 14 de febrero de 1943) es un cantante y saxofonista estadounidense de funk, soul y jazz. Es mundialmente conocido por su trabajo con James Brown en la década de los sesenta, con el grupo Parliament-Funkadelic en los setenta y más recientemente con Prince.
Parker era un solista prominente en muchas de las grabaciones que catapultaron a Brown a la fama, siendo además una parte dominante de su banda, tocando el saxofón alto, tenor y barítono. Desde principios de los noventa trabaja en solitario.
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Parker nació en Kinston, Carolina del Norte. Su padre tocaba el piano, la batería y, junto con su esposa, cantaban en la Iglesia. Su hermano, Melvin, también tocaba la batería y su hermano Kellis el trombón. El primero y Parker se unieron a James Brown en 1964, aunque Brown quería inicialmente que Melvin fuera el batería, pero aceptó contar con Maceo.
Parker, Melvin y algunos integrantes de la banda de Brown fundaron en 1970 Maceo & All the King’s Men, que estuvo de gira dos años. En 1974, Parker regresó con Brown para, un año después, volver a marcharse y unirse a la banda de George Clinton Parliament-Fundakelic. Entre 1984 y 1988 Parker volvió a trabajar con Brown.
En la década de los noventa comenzó una carrera en solitario. Su primer álbum en este período, Roots Revisited, se colocó durante diez semanas en lo más alto de las listas de Jazz contemporáneo en Estados Unidos. Hasta la fecha ha lanzado un total de 11 álbumes en solitario desde 1990. Por otra parte, su banda ha sido calificada como la orquesta funk más grande del mundo o la banda del millón de dólares.
En su álbum en vivo de 1992 Life on Planet Groove trabaja con la saxofonista holandesa Candy Dulfer. En 1993, Parker hizo varias apariciones como invitado en el álbum Buhloone Mindstate del grupo de hip-hop De La Soul. A finales de esta década, Parker comenzó a colaborar de manera semi-regular con Prince, acompañando en las giras a su banda, The New Power Generation.? También ha trabajado con Jane’s Addiction en la canción My Cat’s Name is Maceo para su álbum recopilatorio Kettle Whistle de 1997. En 1998, Parker actuó como invitado en el concierto de Dave Matthews Band, el cual se convirtió en uno de sus primeros álbumes en vivo: Live in Chicago.
En 2007, Parker actuó con Prince en las 21 Noches de Prince en el Millennium Dome? y en el Foro de Los Ángeles en 2011. El álbum de Maceo, Roots & Grooves con el WDR Big Band es un homenaje a Ray Charles, a quien Parker cita como una de sus influencias más importantes.? El álbum ganó un Jammie para el mejor álbum de jazz en 2009. Posteriormente, y tras el éxito recibido, volvió a colaborar con WDR Big Band en 2012 con el álbum Soul Classics. En octubre de 2011, Parker fue incluido en el Salón de la Fama de Carolina del Norte.? Por su parte, en julio de 2012 fue galardonado con el premio Lifetime Achievement de Victoires Du Jazz en París, Francia.? En mayo de 2016, Parker recibió de su estado natal el North Carolina Heritage Award.
Actualmente sigue viajando y encabezando las listas de numerosos festivales de jazz en Europa y haciendo hasta 290 conciertos al año.
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1. Are You Gonna Go My Way (3:31) |
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[03:46] 01. Yes Sir, No Sir |
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01. The Power To Believe I: A Cappella [0:44] |
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[02:38] 01. Johnny Cash – Ring of Fire |
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1. Waymore’s Blues |
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CD1: Show One |
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01. Orange Blossom Special (03:10) |
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01. On Top Of The World (featuring Eric Clapton & John McVie) (Live: 19 Mar 1966 London, UK) |
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01. Introduction (Live) |
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01. Unititled Original (6:38) |
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1 Last Night I Had The Strangest Dream 2:41 |
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CD1: |
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01. The Truth |
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[3:54] 01. The Allman Brothers Band – Melissa |
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1. Uncle John’s Band (False Start 1) (Not Slated) (01:04) |
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CD1 |
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[08:11] 01. Hell in a Bucket (with Branford Marsalis) (Live 1990) |
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1 When I Was Young 3:10 |
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CD 1 |
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CD 1 |
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01. American Crucifixion Resurrection |
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1. Feels Like The First Time |
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01. Sweet Little Angel (16.01.68) (04:28) |
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1. Riding with the King (04:23) |
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1. The Score (9:22) |
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CD1 |
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1 Your Song 4:00 |
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01. Overture (Remastered) |
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1. Jump In The Line (3:51) |
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01.Intro-Dirty Diana |
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1. Intro (02:29) |
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01. Nothing at All (4:43) |
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[7:04] 01. Knocking At Your Back Door |
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01. Hush [0:04:24.20] Personnel: |
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1. Look Back In Anger (Live at the Starplex Amphitheater, Dallas, 13th October, 1995) (04:36) |
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1. Sara Smile |
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01. Born Again |
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Disc: 1 |
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[01:41] 01. Cream – Steppin’ Out (Live in session 8 Nov 66) |
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CD1 – Live In London: |
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01. First Light [0:05:01.59] Personnel: |
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1. Dancing In the Dark (Live at Shoreline Amphitheatre, Mountain View, CA – 10/13/1986) (05:04) |
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Disc 1: |
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[00:08] 01. Intro with Bill Graham (Live) |
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01 – I Miss You |
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[4:18] 01. Statesboro Blues (Live At Fillmore East, March 13, 1971) |
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1. All I Really Want (04:44) |
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CD1: |
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CD1 |
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01. Jitter Bug (Live) |
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01. Double Trouble (Live) |
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01. I Ain’t the One (Live) |
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CD 1: |
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CD 1: |
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01. Double Trouble (Live) |
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CD1: |
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CD1: |
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1. Still Unbroken 5.07 |
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01. Travelin’ Man 4.04 |
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01 Double Trouble 3:01 |
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CD 1 |
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01 – Still Unbroken |
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01 Sweet Home Alabama 4:45 |
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CD1: |
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01. Lynyrd Skynyrd – Gimme Three Steps [04:32] |
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01. That’s How I like It [4:33] |
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CD 1 |
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01. Santa’s Messin’ With The Kid 3.15 |
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Sweet Home Alabama 4:45 |
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01. Rossington Collins Band – Prime Time |
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01. Workin’ (4:54) Personnel |
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[4:45] 01. Sweet Home Alabama |
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1. What’s Your Name 3.44 |
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01. We ain’t much different |
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1. «We Ain’t Much Different» – 3:44 |
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CD1: |
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1 Workin’ For MCA |
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01. Down South Jukin’ [02:39] |
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01. Good Lovin’s Hard To Find – 3:55 Personnel |





























































































































































































































































































































































































































