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1. Waiting Underground 5.19 |
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01 – Gloria |
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1 Gone Again 3:16 |
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01 People Have The Power |
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1. Frederick 3.06 |
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1. Frederick 3.06 |
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01 – Till Victory 2.50 |
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01 – Till Victory 2.50 |
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1. Till Victory (02:51) |
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1. Till Victory (02:51) |
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01 – Ask The Angels 3.10 |
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01 – Ask The Angels 3.10 |
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1. «Gloria: In Excelsis Deo / Gloria (version)» (Patti Smith, Van Morrison) – 5:57 |
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1. «Gloria: In Excelsis Deo / Gloria (version)» (Patti Smith, Van Morrison) – 5:57 |
Patty Smyth
Patty Smyth (Nueva York, 26 de junio de 1957) es una cantante de rock estadounidense. A principios de los años 80 fue cantante de la banda Scandal, abandonó el grupo en 1984 y comenzó una carrera en solitario publicando dos discos en 1987 y 1992.
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En 1997 se casó con el famoso extenista John McEnroe con quien vive en Nueva York en compañía de su hija Ruby, los hijos de John (de su anterior relación con Tatum O’Neal) y los hijos que han tenido juntos (Ava y Anna).
Álbumes de estudio
Never Enough (1987) nº66 EE.UU.
Patty Smyth (1992) nº47 EE.UU.
Greatest Hits – Featuring Scandal (1998)
Extracto de Wikipedia
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CD1: Pat Metheny – electric and acoustic guitars, guitar synth, electronics, orchestrionics |
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1. Last Train Home |
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1 On Day One 15:15 Personnel: |
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01. New Year 7:37 musicians |
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1 Orchestrion 15:48 |
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01. Son Of Thirteen musicians |
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Tromsø 9:45 |
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Disc 1: Pat Metheny: Guitars, Guitar Synthesizer, Synclavier Guitar prototype |
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01. Opening 5:17 musicians |
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01. Introduction Pat Metheny: guitars, guitar synth, 42-string guitar |
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01. Bright Size Life musicians |
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1 One Quiet Night 5:01 |
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1 One Quiet Night 5:01 |
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01. As It Is (07:42) |
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01. As It Is (07:42) |
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CD1 |
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01 (Go) Get It Pat Metheny – Guitar |
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01. A Map Of The World 5:36 musicians |
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01. Imaginary Day (10:11) |
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1 Waltz For Ruth 4:28 |
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01. Introduction (00:57) |
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01. Theme from »Passaggio per il paradiso» 3:07 |
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01. Here To Stay 7:41 musicians |
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01. Part 1 18:18 |
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01. I Can See Your House From Here 7:43 musicians |
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1 Phase Dance 7:48 |
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CD1 musicians |
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01. Have You Heard (06:47) |
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01. Above the Treetops (02:44) |
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1 Have You Heard 7:18 |
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1 Phase Dancer 9:05 |
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01. Solar (08:27) |
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Disc 1 |
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01. Have You Heard 6:25 musicians |
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01. Have You Heard 6:25 musicians |
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01. Unquity Road (03:33) |
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01. Minuano (Six Eight) 9:25 musicians |
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01. Minuano (Six Eight) 9:25 musicians |
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01. Song X (05:38) |
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01. Psalm 121 / Flight Of The Falcon Personnel |
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1 Sueño Con México 5:57 |
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01. Lonely Woman 6:46 musicians |
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01. Forward March (02:49) |
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Disc 1 musicians |
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01. Barcarole (03:18) |
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Disco 1 |
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01. As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls 20:42 musicians |
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01. New Chautauqua |
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01. (Cross the) Heartland 6:51 musicians |
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01. San Lorenzo 10:12 musicians |
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01. Watercolors 6:29 musicians |
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01. Bright Size Life 4:43 musicians |
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1. Paisaje De Catamarca 3.30 |
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CD 1 |
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1 Saturno 3:41 |
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Paco Ibañez Interpreta A Pablo Neruda |
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CD 1 |
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01. – Déjame En Paz, Amor Tirano – 2:33″ |
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01. – La Poesia es un Arma Cargada de Futuro (Gabriel Celaya) – 3:03″ |
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CD 1 |
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CD 1 |
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01. Maria De La O musicians |
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CD 1 |
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1 Zorongo Gitano 2:59 |
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CD 1 |
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CD01 |
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Zyryab |
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1 Rondeñas 4:19 |
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1 Rondeñas 4:19 |
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CD01: Ricardo Modegro y Paco de Lucia – Dos Guitarras Flamencas en Stereo (1965-1) 01. Jerez en fiestas 02. En la Alcazaba 03. Gaditanas 04. Tientos del amanecer 05. Guajira flamenca 06. Real de la feria 07. Taconeo gitano 08. Sortilegio 09. Seguiriya tradicional 10. Entre arranyanes 11. Fuente de Carmona 12. La Caleta |
CD02: Paco de Lucia y Ricardo Modrego – 12 Canciones de Garcia Lorca para guitara (1965-2) 01. Zorongo Gitano 02. Sevillanas del Siglo XVIII 03. Las Morillas de Jaen 04. Anda Jaleo 05. Los Mozos de Monleon 06. Los Reyes de la Baraja 07. Los Cuatro Muleros 08. Nana de Sevilla 09. Caf- de Chinitas 10. El Vito 11. Los Peregrinitos 12. Las Tres Hojas |
CD03: Paco de Lucia y Ramon de Algeciras – Canciones Andaluzas Para Dos Guitarras (1967-1)  01. Que viene el coco 02. La Zarzamora 03. Cancion del Rio 04. Al Conquero 05. Los piconeros 06. Roja de celos 07. Pepa Banderas 08. El Inclusero 09. Limosna de Amores 10. Romance Gitano 11. Te lo juro yo 12. Abril en Sevilla |
CD04: Paco De Lucia y Ramon De Algeciras – Dos Guitarras Flamencas En America Latina (1967-2)  01. Cielito Lindo 02. Alma Llanera 03. Manana de Carnaval 04. El Jarabe Tapatio 05. La Flor de la Canela 06. A Pesar de Todo 07. Siboney 08. Granada 09. Fina Estampa 10. Virgen de Amor 11. Malaguena Salerosa 12. Tomo y Obligo |
CD05: Paco de Lucia – La Fabulosa Guitarra de Paco de Lucia (1967-3)  01. Gitanos Trianeros 02. Llanto a Cadiz 03. Recuerdo a Pati?o 04. Punta Umbria 05. Jerezana 06. Viva la Union 07. Llora la Siguiriya 08. En la Caleta 09. Impetu 10. El Tajo |
CD06: Paco de Lucia – Fantasia Flamenca de Paco de Lucia (1969-1)  01. Aires de Linares 02. Mi Inspiracion 03. Guajiras de Lucia 04. Mantilla de Feria 05. El Tempul 06. Panaderos Flamencos 07. Generalife bajo la luna 08. Fiesta en Moguer 09. Lamento minero 10. Celosa |
CD07: Paco de Lucia y Ramon de Algeciras – En Hispanoamerica (1969-2)  01. Amapola 02. Pajaro cbogui 03. Yo vendo unos ojos negros 04. Guadalajara 05. Limena 06. Las Mananitas 07. Alma, corazon y vida 08. Quizas, quizas, quizas 09. Tico, tico 10. Lamento Borincano 11. Y todo a media luz 12. La paloma |
CD08: Paco de Lucia y Ramon de Algeciras – 12 hits (1969-3)  01. Los Pescadores de Perlas 02. Tango de la rosa 03. Si no me more 04. El amor de Laura 05. La luna sobre las ruinas del castillo 06. Celos 07. La Virgen de la Macarena 08. Que sera sera 09. Yo que no vivo sin ti 10. Reserva el ?ltimo baile para mi 11. Besame mucho 12. Perfidia |
CD09: Paco de Lucia – El Mundo del Flamenco (1971-1)  01. Guajiras de Lucia (Guajira) 02. Con el pensamiento (Solea) 03. Al Tempul (Bulerias) 04. Al Puerto (Alegrias) 05. Maria de los Dolores (Taranto) 06. Taconeo Gitano (Zapateado) 07. Callecita que subes (Seguirilla) 08. Recuerdos (Farrucas) 09. El Impetu (Bulerias) 10. El Rinconcillo (Tangos) |
CD10: Paco de Lucia y Ricardo Modrego – 12 Exitos para 2 Guitarras Flamencas (1971-2)  01. Malague?a 02. A tu Vera 03. Maria de la O 04. Moliendo Cafe 05. Tangos de la Vieja Rica 06. Sevillanas Populares 07. Ojos Verdes 08. La Luna y el Toro 09. La Ni?a de la Puerta Oscura 10. La Carcel de Oro 11. No me Digas que No 12. El Emigrante |
CD11: Paco de Lucia – Recital de guitarra (1971-3)  01. El vito 02. Mi inspiracion 03. Malaguena de lecuona 04. Serrana de malaga 05. Ramba improvisada 06. Tempas del pueblo 07. Plazuela 08. Zarda de monty 09. Andalucia de lecuona 10. Fuente nueva |
CD12: Paco de Lucia – El Duende Flamenco (1972)  01. Percussion Flamenca 02. Barrio la Vi?a 03. Doblan Campanas 04. Farruca de Lucia 05. Tiendos del Mentidero 06. Farolillo de Feria 07. De Madruqada 08. Cuando Canta el Gallo 09. Punta del Faro 10. Canastera |
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01. Patio custodio (Bulería) Artist |
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01. Patio custodio (Buleria) |
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01. Convite 3:57 musicians |
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01. Punta Del Faro 3:59 |
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01 – Rio De La Miel (Buleria) Personnel: |
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01 – Rio De La Miel (Buleria) Personnel: |
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01 – La Estiba |
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01 – La Estiba |
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DISC 1: |
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DISC 1: |
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01 – Mi Nino Curro (Rondena) |
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01 – Mi Nino Curro (Rondena) |
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01 – Joaquin Rodrigo – Concierto de Aranjuez – Allegro con spirito Personnel: |
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01 – Joaquin Rodrigo – Concierto de Aranjuez – Allegro con spirito Personnel: |
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01 – Soniquete (Bulerias) Personnel: |
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01 – Soniquete (Bulerias) Personnel: |
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01 – La Canada (tangos) |
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01 – La Canada (tangos) |
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Interpreta a Manuel de Falla (1978) |
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01 – Palenque |
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01 – Palenque |
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Viviré 3:50 |
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Aspan 4:07 |
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1 Romance De La Luna 4:04 |
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01 – Solo Quiero Caminar (Tangos) |
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01 – Solo Quiero Caminar (Tangos) |
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01. Entre Dos Aguas Musicians: |
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01. Entre Dos Aguas Musicians: |
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01 – Monasterio de Sal (Colombiana) |
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01 – Monasterio de Sal (Colombiana) |
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1 Como El Agua (Tangos) 3:42 |
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01. Mediterranean Sundance – Rio Ancho (11:36) |
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01 – Danza de los vecinos |
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01 – Danza de los vecinos |
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1 Samara 3:24 |
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01 – Almoraima (Bulerias) |
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01 – Almoraima (Bulerias) |
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1. Rosa María (Tangos) 2:16 |
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01 – Alegrias |
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01 – Alegrias |
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1 Que Mis Ojitos Te Vean (Soleá) 3:25 |
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1 El Caminante (Bulerías) 3:51 |
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01 – Entre Dos Aguas (Rumba) |
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01 – Entre Dos Aguas (Rumba) |
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1 Caminito De Totana (Taranto Almeriense) 3:06 |
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01 – Percusion Flamenca (Zapateado) con Orquesta |
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01 – Percusion Flamenca (Zapateado) con Orquesta |
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Canastera (Canastera) 3:49 |
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01 – El Vito |
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01 – El Vito |
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01 – Guajiras de Lucia (Guajira) |
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01 – Guajiras de Lucia (Guajira) |
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1 Son Tus Ojos Dos Estrellas (Bulerías) 3:30 |
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Cada Vez Que Nos Miramos (Soleá) 4:08 |
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01 – Aires de Linares – Tarantas |
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01 – Aires de Linares – Tarantas |
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01 – Amapola |
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01 – Amapola |
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1 Al Verte Las Flores Lloran 2:40 |
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01 – Los Pescadores de Perlas |
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01 – Los Pescadores de Perlas |
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01 – Gitanos Trianeros (Solea) |
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01 – Gitanos Trianeros (Solea) |
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01 – Cielito Lindo (popular) |
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01 – Cielito Lindo (popular) |
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01 – Que viene el coco |
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01 – Que viene el coco |
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01 – Zorongo Gitano |
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01 – Zorongo Gitano |
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01 – Malaguena |
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01 – Malaguena |
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1 Jerez En Fiestas 3:53 |
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1 Jerez En Fiestas 3:53 |
Puccini
Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini (Lucca, 22 de diciembre de 1858-Bruselas, 29 de noviembre de 1924), más conocido simplemente como Giacomo Puccini, fue un compositor italiano de ópera, considerado entre los más grandes, de fines del siglo XIX y principios del XX.
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Fue un visionario, creador de los conceptos de música que regirían el cine durante el siglo XX. Para él, el uso de pasajes modales o recursos politonales y la tonalidad o la atonalidad eran cuestiones de efecto que estaban definidas por las necesidades dramáticas de la obra. Por ejemplo, en Tosca, la forma en que reemplaza el texto por pasajes musicales nos anticipa la acción que está por acontecer, al mejor modo de Alfred Hitchcock en sus películas de suspense. Otro ejemplo es en La bohème, cuando se escucha el tema de Mimí antes de que ella aparezca en escena, cuando Rodolfo les dice a sus amigos que se va a quedar en la buhardilla.
Fue uno de los pocos compositores de ópera capaces de usar brillantemente las técnicas operísticas alemana e italiana. Se le considera el sucesor de Giuseppe Verdi. Algunas de sus melodías, como «O mio babbino caro», de Gianni Schicchi; «Che gelida manina», de La bohème, y «Nessun dorma», de Turandot, forman parte hoy día de la cultura popular.
Su primera ópera fue Le Villi (1884) y su primer triunfo, Manon Lescaut (1893). Además de doce óperas, Puccini escribió otras obras notables, como una Misa de Gloria, un Himno a Roma, un capricho sinfónico, dos preludios sinfónicos y tres minués para cuarteto de cuerda.
Óperas
Las doce óperas de Puccini, y la ciudad y teatros donde se estrenaron:
Le Villi, Milán (Dal Verme), 31-V-1884.
Le Villi (2.ª versión), Turín (Regio), 26-XII-1884.
Le Villi (3.ª versión), Milán (Scala), 24-I-1885.
Le Villi (4.ª versión), Milán (Dal Verme), 7-XI-1889.
Edgar, Milán (Scala), 21-IV-1889.
Edgar (2.ª versión), Lucca (Giglio), 5-IX-1891.
Edgar (3.ª versión), Ferrara (Comunale), 28-I-1892.
Edgar (4.ª versión), Buenos Aires (Ópera), 8-VII-1905.
Manon Lescaut, Turín (Regio), 1-II-1893.
Manon Lescaut (2.ª versión), Novara (Teatro Coccia), 21-XII-1893.
La Bohème, Turín (Regio), 1-II-1896.
Tosca, Roma (Costanzi), 14-I-1900.
Madama Butterfly, Milán (Scala), 17-II-1904.
Madama Butterfly (2.ª versión), Brescia (Grande), 28-V-1904.
Madama Butterfly (3.ª versión), Londres (Covent Garden), 10-VII-1905.
Madama Butterfly (4.ª versión), París (Opéra-Comique), 28-XII-1906.
Madama Butterlfy (5.ª versión), Milán (Teatro Carcano), 9-XII-1920.
La fanciulla del West, Nueva York (Metropolitan), 10-XII-1910.
La fanciulla del West (2.ª versión), Milán (Scala), 29-XII-1912.
La rondine, Montecarlo (Opéra), 27-III-1917.
La rondine (2.ª versión), Palermo (Teatro Massimo), 10-IV-1920.
La rondine (3.ª versión), Rijeka (Teatro Verdi), 11-IV-1924.
Il Trittico (‘El tríptico’): (Il Tabarro, Suor Angelica y Gianni Schicchi), Nueva York (Metropolitan), 14-XII-1918.
Turandot (inacabada a la muerte de Puccini y completada por Franco Alfano en 1926 y por Luciano Berio en 2002), Milán (Scala), 25-IV-1926
Otras obras. Cartel original de Tosca
Piezas para órgano y para piano (1874-1878?)
A Te, romanza para voz y piano, (sin fecha pero probablemente compuesta en la década de 1870)
Preludio a orquesta en Mi menor (1876)
Mottetto per San Paolino para voz solista, coro y orquesta (1877)
I figli d’Italia bella, cantata para voz solista, coro y orquesta (1877)
Credo para solos, coro y orquesta (1878, reutilizada en la Misa a cuatro voces)
Prime fantasie, valzer para banda, (1879, perdida)
Vexilla Regis para coro masculino y órgano, sin fecha pero compuesta entre 1874 y 1880
Misa para cuatro voces con orquesta, 1880
Adagio en La mayor, para cuarteto de cuerda, 1881-1882
Fuga en Re menor, 1881-1882 (?)
Fuga en Do menor para cuatro voces (compuesta entre 1881 y 1883)
Fuga en Sol mayor para cuatro voces (compuesta entre 1881 y 1883)
Fuga en Do mayor para cuatro voces (compuesta entre 1881 y 1883)
Fuga en Mi menor para cuatro voces (compuesta entre 1881 y 1883)
Fuga en Sol mayor para cuatro voces (compuesta entre 1881 y 1883)
Fuga en Sol mayor para cuatro voces (compuesta entre 1881 y 1883)
Cuarteto de cuerda en Re mayor (compuesta entre 1881 y 1883)
Preludio sinfónico en La mayor, para orquesta (1882)
Ah! se potesse, romanza para tenor y piano, (1882?, perdida)
scherzo en La menor para cuerda (1882)
Seguitiam del reo le impronte, fragmento de una ópera desconocida (quizá Lucida Mansi, posterior a 1882)
Fuga Reale para cuarteto de cuerda (1883)
Melanconia, romanza para voz y piano (1883?)
Salve Regina, para soprano y armonio o piano (1883?)
Storiella d’amore, melodía para voz y piano (1883?)
Ad una morta, romanza para mezzosoprano o barítono y piano u orquesta (1883?)
Adagetto para orquesta (compuesto entre 1881 y 1883)
Trío en Fa mayor para orquesta (compuesto entre 1881 y 1883)
Fuga en Sol menor (1883)
Mentía l’avviso, escena y romanza para tenor y piano (1883)
Capriccio Sinfonico (1883)
Scherzo para cuarteto de cuerda (1883?)
Tre minuetti para cuarteto de cuerda (1884)
Sole e amore, romanza para voz y piano (1888)
Crisantemi, para cuarteto de cuerda (1890)
Piccolo Valzer para piano (1894)
Avanti Urania!, romanza para voz y piano (1896)
Inno a Diana, romanza para voz y piano (1897)
E l’uccellino, nana para voz y piano (1899)
Scossa elettrica, marchilla brillante para piano (1899?)
Terra e mare, romanza para voz y piano (1902)
Canto d’anime, página de álbum para voz y piano (1904)
Requiem para coro, viola, armonio u órgano (1905)
Ecce sacerdos magnus, para coro de cuatro voces (1905)
Dios y Patria, himno escolar (Buenos Aires, 3 de agosto de 1905)
Casa mia, para voz y piano (1908)
Piccolo tango para piano, (1907 o 1910, autenticidad muy dudosa)
Foglio d’álbum para piano, (1907 o 1910, autenticidad muy dudosa)
Sogno d’or, romanza para voz y piano (1912)
Morire?, romanza para voz y piano (1917?)
Inno a Roma(Himno a Roma), para voz y piano (1919)
Procol Harum
Procol Harum es un grupo británico de rock formado en 1967 que tuvo una gran influencia en el nacimiento de lo que después sería denominado rock progresivo, y cuya fama mundial reside en su mayor éxito musical, «A Whiter Shade of Pale», una canción de culto a través de los años y su carrera.
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Algunas de las raíces de Procol Harum se encuentran en la banda liderada por Gary Brooker y Robin Trower llamada The Paramounts, la cual logró cierta popularidad a principios de la década de 1960 al firmar con el sello Parlophone en 1963 y lograr un éxito modesto en el Reino Unido con su versión al tema de Jerry Leiber y Mike Stoller «Poison Ivy» («Hiedra Venenosa») en el año 1964. Incapaz de mantener el éxito, la banda se disolvió en 1966.
A principios de 1967, Brooker comenzó a trabajar como cantautor y formó Procol Harum en abril de 1967. Reunió al poeta y compositor Keith Reid, al organista Matthew Fisher, al guitarrista Ray Royer y al bajista David Knights. Al lado del baterista de estudio Bill Eyden, el productor Denny Cordell y el ingeniero de sonido Keith Grant, la agrupación grabó la canción «A Whiter Shade of Pale», lanzada el 12 de mayo de 1967. Con el sucesivo éxito del sencillo y de la canción de The Moody Blues «Nights in White Satin» («Noches en satén blanco») su sello fonográfico Deram Records se convirtió en la primera discográfica de rock progresivo conocida. Con cautivante tonalidad y su sabor a Bach, ambos provistos por Fisher, su interpretación sentida y letra misteriosa, «A Whiter Shade of Pale» alcanzó la posición número 1 en las listas de popularidad del Reino Unido y logró posicionarse en 5 lugar en las listas americanas, convirtiéndose desde entonces en un tema clásico en la historia musical.
Justo después del lanzamiento de su gran éxito la banda emprendió una gira; debutando como teloneros de Jimi Hendrix en 1967. La trayectoria del grupo siguió con su sencillo «Homburg», y con un cambio de alineación al incorporar a dos exmiembros de The Paramounts, B.J. Wilson en la batería y a Robin Trower en la guitarra, logrando un decoroso sexto lugar en las listas del Reino Unido, pero su larga duración Procol Harum fue menos exitoso que el anterior. Una serie de sencillos posteriores figuraron en posiciones demasiado bajas y rara vez figuraron simultáneamente en Estados Unidos y en su tierra natal. A mediados de la década de 1970, las ventas del grupo siguieron descendiendo. Su última canción en alcanzar el top 20 en el Reino Unido fue «Pandora’s Box», en 1975. Dos años después la banda se separó definitivamente, reuniéndose sólo cinco meses después cuando «A Whiter Shade of Pale» fue nombrada como el mejor sencillo de pop del Reino Unido entre 1952 y 1977, compartiendo el galardón con «Bohemian Rhapsody» de Queen.
Álbumes
Dic-1967 Procol Harum Regal Zonophone Records RU
Dic-1968 Shine On Brightly Regal Zonophone Records RU
May-1969 A Salty Dog Regal Zonophone Records RU
Jun-1970 Home Regal Zonophone Records RU
Jun-1971 Broken Barricades Chrysalis Records RU
Abr-1972 Procol Harum Live: In Concert with the Edmonton Symphony Orchestra (en vivo) Chrysalis Records RU
Mar-1973 Grand Hotel Chrysalis Records RU
Abr-1974 Exotic Birds and Fruit Chrysalis Records RU
Ago-1975 Procol’s Ninth Chrysalis Records RU
Mar-1977 Something Magic Chrysalis Records RU
Feb-1992 The Prodigal Stranger Zoo
Jul-1995 The Long Goodbye RCA
Sep-2000 One More Time – Live in Utrecht 1992 Musea
Mar-2003 The Well’s on Fire Eagle
2004 Live at the Union Chapel Eagle
Abr-2017 Novum Eagle
Sencillos
May-1967 A Whiter Shade Of Pale
Sep-1967 Homburg
Abr-1968 Quite Rightly So
Jun-1969 A Salty Dog
Jul-1969 The Devil Came From Kansas
Jun-1970 Whiskey Train
Jun-1971 Broken Barricades
Oct-1971 Simple Sister
May-1972 Conquistador (en vivo)
Abr-1973 Robert’s Box
Abr-1973 Bringing Home The Bacon
Jun-1973 Grand Hotel
Ago-1973 A Souvenir Of London
Abr-1974 Nothing But The Truth
Jul-1975 Pandora’s Box
Oct-1975 The Final Thrust
Jun-1976 As Strong As Samson (When You’re Being Held to Ransom)
Ene-1977 Wizzard Man
Prince
Prince Rogers Nelson (Mineápolis, Minesota; 7 de junio de 1958-Chanhassen, Minesota; 21 de abril de 2016), conocido simplemente como Prince, fue un cantante, compositor, bailarín y músico estadounidense, conocido por su ecléctico trabajo, su extravagante puesta en escena, vestuario y aspecto; su vida llena de controversias y su amplio registro vocal.
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Su música integró un sinnúmero de géneros, entre los que se destacan el funk, el R&B, el new wave, el soul, el blues, el rock e incluso el jazz. En vida vendió más de 150 millones de discos en el mundo, siendo uno de los artistas más exitosos de la historia. Ganó siete premios Grammy, un American Music Award, un Globo de Oro y un premio Óscar por la banda sonora de la película Purple Rain.
Ingresó en 2004 en el Salón de la Fama del Rock and Roll en cuanto cumplió los requisitos de elegibilidad, y la prestigiosa revista Rolling Stone lo ubicó en la casilla 27 en su lista de los «100 artistas más influyentes de la era del rock & roll».
Prince nació en Mineápolis y desarrolló gran interés por la música desde muy joven. Firmó su primer contrato discográfico con Warner Bros. Records a los 18 años y lanzó su primer álbum, For You, en 1978. Su siguiente álbum, Prince de 1979, logró la certificación de platino y sus siguientes producciones: Dirty Mind de 1980, Controversy de 1981 y 1999 de 1982 aumentaron su éxito de forma progresiva. Durante esta época, sus letras contenían mensajes sexuales explícitos y combinaba géneros como el funk, el dance y el rock. En 1984 lanzó junto con su banda, en ese entonces llamada The Revolution, el álbum Purple Rain, banda sonora de la película del mismo nombre y de la cual fue protagonista. Dicha producción se convirtió en la más exitosa de su carrera, ubicándose en los primeros lugares en las listas durante meses y vendiendo más de 70 millones de copias, convirtiéndose en uno de los discos más vendidos de la historia.10?11?12? Más tarde, lanzaría Around the World in a Day en 1985 y Parade en 1986. En 1987 y ya como solista, lanzó Sign o’ the Times, un álbum doble considerado por la crítica como uno de los más grandes de la música contemporánea.
Lanzaría tres álbumes más hasta formar una nueva banda en 1991, New Power Generation. A partir de 1993 y debido a graves conflictos con Warner Bros. sobre la autoría y posesión de sus canciones, Prince cambió su nombre a un símbolo impronunciable para evitar cualquier vínculo con su compañía discográfica. Durante este periodo también fue apodado como «El artista antes conocido como Prince» (a menudo abreviado como TAFKAP por sus siglas en inglés, The Artist Formerly Known as Prince), o simplemente «El artista». Bajo su nuevo nombre lanzó cinco álbumes más hasta firmar un nuevo contrato con la compañía Arista Records en 1998. Recuperó su nombre en 2000 y en 2004 lanzó el álbum Musicology, el cual le devolvió la popularidad.
Si bien gran parte de su éxito tuvo lugar durante la década de los ochenta, Prince fue siempre catalogado como uno de los artistas más relevantes de la música moderna. Se le considera el fundador del llamado «sonido Minneapolis», un híbrido musical surgido de la mezcla del uso de sintetizadores y del rock, el pop y el funk, propios de la región. Solo en los Estados Unidos, vendió alrededor de 400 millones de álbumes y algunas de sus canciones como: «1999», «Little Red Corvette», «When Doves Cry», «Let’s Go Crazy», «Purple Rain» y «Kiss» ganaron popularidad a nivel mundial. Una de sus composiciones, «Nothing Compares 2 U», fue regrabada por la cantante Sinéad O’Connor en 1990 y disfrutó de un inmenso éxito en el mundo. La Enciclopedia Británica lo destaca como una de las más notables estrellas del pop junto con Michael Jackson y Madonna.
Prince falleció el 21 de abril de 2016 debido a una sobredosis accidental de fentanilo en su casa de Chanhassen. Tenía 57 años.
Álbumes de estudio
1978: For You
1979: Prince
1980: Dirty Mind
1981: Controversy
1982: 1999
1984: Purple Rain
1985: Around the World in a Day
1986: Parade
1987: Sign o’ the Times
1988: Lovesexy
1989: Batman
1990: Graffiti Bridge
1991: Diamonds and Pearls
1992: Love Symbol Album
1994: 1-800 New Funk
1994: Come
1994: The Black Album
1995: The Gold Experience
1996: Chaos and Disorder
1996: Emancipation
1998: Crystal Ball
1998: The Truth
1999: The Vault: Old Friends 4 Sale
1999: Rave Un2 the Joy Fantastic
2001: The Rainbow Children
2003: N.E.W.S
2004: Musicology
2006: 3121
2007: Planet Earth
2009: Lotusflow3r / MPLSound
2010: 20Ten
2014: Plectrumelectrum
2014: Art Official Age
2015: HITnRUN Phase One
2015: HITnRUN Phase Two
2018: Piano & a Microphone 1983
2019: Originals
Álbumes publicados solo en Internet
2003: Xpectation
2004: The Chocolate Invasion
2004: The Slaughterhouse
Compilaciones y otros
1993: The Hits/The B-Sides
1996: Girl 6
2001: Rave In2 the Joy Fantastic
2001: The Very Best of Prince
2006: Ultimate Prince
2016: 4Ever
2017: Deliverance (retirado de la venta por resolución judicial)
2018: Anthology: 1995–2010
Con The New Power Generation / The NPG Orchestra
1993: Goldnigga
1995: Exodus
1998: Kamasutra (publicado como CD en algunas ediciones de Crystal Ball)
1998: Newpower Soul
Álbumes en vivo
1988: Small Club
1990: Naked In The Summertime Volume 1
1990: Naked In The Summertime Volume 2
2002: One Nite Alone… Live!
2002: One Nite Alone… The Aftershow: It Ain’t Over
2003: C-Note
2008: Indigo Nights
2016: Rock in Rio 2 1991
Ediciones especiales
1995: The Versace Experience: Prelude 2 Gold (NPG, Legacy)
2001: Rave In2 the Joy Fantastic (NPG)
2017: Purple Rain Deluxe / Purple Rain Deluxe Expanded (Warner)
2019: Ultimate Rave (Legacy)
2019: 1999 Remastered / 1999 Deluxe / 1999 Super Deluxe (Warner)
2020: Sign o’ the Times Remastered / Sign o’ the Times Deluxe / Sign o’ the Times Super Deluxe (Warner)
Extracto de Wikipedia
Pretenders – The
The Pretenders es un grupo anglo-estadounidense de rock alternativo que en sus comienzos (1978) formó parte de la llamada new wave. La banda se componía originalmente de su fundadora, compositora, guitarrista y vocalista Chrissie Hynde, el guitarrista James Honeyman-Scott, el bajista Pete Farndon y el batería Martin Chambers. Las muertes de Honeyman-Scott y Farndon por consumo de drogas malograron esta formación, y los múltiples cambios de músicos en los años posteriores han dejado a Chrissie Hynde como único miembro permanente y referente absoluto del grupo. La actividad pública de Hynde ha trascendido el terreno musical y se ha destacado como activista en favor de diversas causas. El grupo se hizo conocido por Don’t get me wrong y Back On The Chain Gang.
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Como el resto de bandas encuadradas en el estilo new wave e inspiradas por tanto en el punk, The Pretenders reaccionaron contra los estilos predominantes en el rock durante la primera mitad de la década de 1970, caracterizados por la complejidad de los arreglos musicales y de los equipos de sonido, la exhibición del virtuosismo de los intérpretes o la edición de álbumes conceptuales. Como respuesta, The Pretenders y otras bandas retomaron el formato habitual de canción, renunciaron a la interpretación de largos solos instrumentales y, en general, adoptaron formaciones y emplearon instrumentos más tradicionales en el rock and roll.
Como inspiración acudieron, bien a fuentes alternativas de los años inmediatamente anteriores como el pub-rock —el grupo Rockpile y sus guitarristas Dave Edmunds y Billy Bremner, así como su bajista Nick Lowe, eran una influencia declarada de James Honeyman-Scott, o bien a otras comunes con sus compañeros de movimiento, como el beat británico de los años 60 incluyendo a los Beatles y, muy especialmente en su caso, a The Kinks.
Álbumes de estudio
1980 – Pretenders
1981 – Pretenders II
1984 – Learning To Crawl
1986 – Get Close
1990 – Packed!
1994 – Last of the Independents
1995 – The Isle of View
1999 – Viva el Amor
2002 – Loose Screw
2009 – Break Up The Concrete
2016 – Alone
2020 – Hate for Sale
Sencillos
1979 — «Stop Your Sobbing»
1979 — «Kid»
1980 — «Brass In Pocket»
1980 — «Talk of the Town»
1981 — «Message Of Love»
1981 — «Day After Day»
1981 — «The Adultress»
1981 — «I Go To Sleep»
1983 — «Back On The Chain Gang»
1983 — «My City Was Gone»
1983 — «2000 Miles»
1983 — «Middle Of The Road»
1984 — «Show Me»
1984 — «Thin Line Between Love And Hate»
1986 — «Don’t Get Me Wrong»
1986 — «Hymn To Her»
1987 — «My Baby»
1987 — «Room Full Of Mirrors»
1987 — «Where Has Everybody Gone»
1988 — «Windows of the World»
1990 — «Never Do That»
1990 — «Hold a Candle to This»
1990 — «Sense of Purpose»
1994 — «Night In My Veins»
1994 — «I’ll Stand by You»
2020 — «The Buzz»
Extracto de Wikipedia
Presuntos Implicados
Presuntos Implicados es un grupo musical español nacido en Yecla (Murcia) y afincado en Valencia, formado a principios de la década de los 80. Desde 2008, tras la partida de Sole Giménez, el grupo está formado por Lydia Rodríguez, Juan Luis Giménez y Nacho Mañó. Las ventas globales en la carrera de Presuntos Implicados superan los tres millones de copias, de las que un millón y medio han sido en España, donde han recibido catorce discos de platino.
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Presuntos Implicados comenzó su carrera artística en Yecla (Murcia) en 1983 cuando, tras formar una banda funk de once miembros y siguiendo las inquietudes artísticas de Juan Luis, grabaron una maqueta y trataron de presentarla ante las discográficas que operaban en el mercado en aquella época. Poco después, quedaron finalistas del concurso de maquetas Rock Spezial y se presentaron al concurso Don Domingo, creado por Radio Nacional de España y del que resultaron ganadores. Esto les llevó a grabar un disco, En el Transistor, donde aparecían con el resto de grupos que habían quedado clasificados. Gracias a este concurso, consiguieron por fin la atención de la industria y grabaron con RCA, ya como trío formado por Sole, Juan Luis y Pablo Gómez, el LP Danzad, Danzad, Malditos de estilo principalmente funky. Las diferencias de planteamiento con la discográfica, que quería un sonido más cercano a grupos muy vendedores de ese momento como Objetivo Birmania, sumado a la inexperiencia del grupo, hicieron que el disco no terminase con el resultado deseado, aunque algunas canciones como Miss Circuitos llegaron a ser bastante conocidas en las discotecas.
Discografía
1985 Danzad, Danzad Malditos RCA Descatalogado. Reeditado en 1993
1987 De Sol a Sol Intermitente Reeditado por WEA en 1990
1989 Alma de Blues WEA
1991 Ser de Agua WEA
1994 El Pan y la Sal WEA
1995 La Noche WEA Doble CD en directo. Lanzado en también en formato DVD. Descatalogado y reeditado.
1997 Siete WEA
1999 Versión Original WEA
2001 Gente WEA
2003 Grandes Éxitos. Selección Natural WEA
2003 Selección Inédita WEA
2005 Postales WEA Editado en dos versiones: la normal con 12 canciones, la especial con 14.
2006 Todas las Flores: La Colección Definitiva WEA CD recopilatorio + DVD
2008 Será WEA En iTunes se regalan dos canciones no contenidas en el CD.
2011 Banda sonora WEA La versión peninsular se compone de 10 canciones. La versión mexicana contiene 13.
2013 Zona Preferente: ‘La Noche 2 desde la Ciudad de México’ WEA México
Extracto de Wikipedia
Pop-Tops
Los Pop-Tops fueron un grupo musical español formado en 1967 en Madrid, con los siguientes componentes: José Lipiani, Alberto Vega, Ignacio Pérez, Julián Luis Angulo, Enrique Gómez, Ray Gómez y el cantante Phil Trim.
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Theophilus Philip Phil Trim nació el 5 de enero de 1940 en Trinidad y Tobago. Los Pop-Tops tenían un sonido mezcla de música clásica de estilo barroco con una voz de tipo soul, con influencias de Procol Harum. Su productor era Alain Milhaud.
En octubre de 1968 se incorpora al conjunto un excelente músico catalán, llamado Luis Franch, que tocaba el órgano, y procedía del grupo de Tony Ronald. También se incorpora Santiago Lomillo Martínez, músico vallisoletano que tocaba la trompeta. Rafael de Guillermo aportó su piano eléctrico Wurlitzer.
Su primera canción de éxito internacional fue «Oh Lord, Why Lord», de 1968. Fue la primera canción pop que se inspiró en el Canon de Pachelbel. «Oh Lord, Why Lord» llegó a figurar en las listas de éxitos de Estados Unidos y Holanda. La cara B del sencillo contenía la canción «La Voz del Hombre Caído» (en inglés «The Voice Of The Dying Man»), basada en un fragmento de la Pasión según San Juan, de J.S. Bach (el disco en el que se incluye esta canción es sigificativamente denominado «Pop Tops cantan J.S. Bach»). Fue dedicada a Martin Luther King.
Su mayor éxito fue «Mamy Blue», de 1971, que triunfó en toda Europa y también en Estados Unidos. Esta canción, escrita y compuesta por el compositor francés Hubert Giraud, tuvo como coautor a Phil Trim, dato que confirmó el propio Phil Trim en la edición referente al año 1971 del programa de Intereconomía Televisión «España en la memoria», dedicado a los Pop-Tops, y dirigido por Alfonso Arteseros, en su calidad de historiador y de mánager del grupo en aquella época.
En 1972 también tuvo bastante éxito la canción «Suzanne Suzanne».
Sencillos
Con su blanca palidez / I Can’t Go On – Barclay Sonoplay SN-20037, 1967
Viento to otoño (Autumn Winds) / Cry – Barclay Sonoplay SN-20049, 1967
Somewhere / The Voice of the Dying Man (La voz del hombre caído) [Pop Tops cantan J.S. Bach]- Barclay Sonoplay SN-20079, 1968
Oh Lord, Why Lord / Beyond the Sea (El mar) – Barclay Sonoplay SN-20124, 1968
Oh Lord, Why Lord (span.) / El mar – Barclay Sonoplay SN-20125, 1968
Esa mujer (That Woman) / Adagio cardenal – Barclay Sonoplay SN-20166, 1968
That Woman / The Man I Am Today – Barclay Sonoplay SN-20166, 1968
Pepa / Junto a ti – Barclay Sonoplay SN-20210, 1968
Dzim-dzim-dzas (Love and Care) / Young and Foolish – Barclay Sonoplay SN-20254, 1969
Soñar, bailar y cantar (She’s Coming Back) / Anytime – Barclay Movieplay SN-20478, 1970
Dios a todos hizo libres (Road to Freedom) / Movimento de amor – Explosion 14.961-A, 1971
Road to Freedom / Who Will Believe – Explosion 14.961-A, 1971
Mamy Blue (span.) / Love Motion – Explosion, 14.994-A, 1971
Mamy Blue / Grief and Torture – Explosion, 14.995-A, 1971
Suzanne Suzanne / Happiness Ville – Explosion 10.551-A, 1972
Suzanne Suzanne (span.) / Walk along by the Riverside – Explosion 10.627-A, 1972
Hideaway / What a Place to Live In – Explosion 10.679-A, 1972
My Little Woman / Girl,lmWhat’s on Your Mind? – Explosion E-34500, 1973
Happy, Hippy, Youppy Song / Where Can I Go – Explosion E-34510, 1973
Happy, Hippy, Youppy Song (span.) / Angeline – Explosion E-34513, 1973
What a Way to Go / Baby I Will Cry – Explosion E-34522, 1974
LP
Mamy Blue – Bellaphon Finger, 1971
Top Pops of Pop Tops (Compilado) – Bellaphon, 1976
Police – The
The Police fue un trío británico de rock activo desde finales de la década de los 70’s hasta mediados de la década de los 80’s, bajo el formato de power trio. Su estilo musical estuvo marcado por influencias del rock, reggae y jazz. Se formó en 1976 en Londres, tocaron oficialmente hasta 1986, con una pausa entre marzo de 1984 hasta julio de 1986 y nunca emitieron un comunicado sobre su separación. La banda ha vendido casi 200 millones de copias por el mundo.
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Liderados por Gordon Matthew Sumner, de nombre artístico Sting («aguijón» en inglés y que deriva de un jersey de rugby a rayas amarillas y negras, estilo avispa, que el bajista siempre llevaba puesto en su juventud), Andy Summers en la guitarra, y Stewart Copeland como baterista, The Police fue el conjunto New Wave más popular de los años 1980. Su música se caracteriza por ser un impetuoso pop-rock «new wave» enriquecido con algunas dosis de reggae, virtuosismo instrumental y compositivo. También fue la única banda New Wave que en sus giras traspasó el área Europa-Estados Unidos, contribuyendo de esta manera a globalizar la renovación de la música rock-pop.
El trío además del cantante y bajista Sting (nacido el 2 de octubre de 1951 en Newcastle upon Tyne), estaba compuesto por el baterista Stewart Copeland (nacido el 16 de julio de 1952 en la localidad estadounidense de Alexandria, Virginia) y el guitarrista de origen francés, Henry Padovani, quien pronto sería sustituido por Andy Summers (nacido el 31 de diciembre de 1942 en Lancashire), para esos tiempos era un músico que ya contaba con un largo recorrido en la música rock, pues había estado en bandas como The Animals o Zoot Money. También había tocado con Kevin Ayers y Neil Sedaka.
En enero de 1977, Copeland, Sting y Padovani comenzaron a intentar abrirse paso en el género punk. Su debut discográfico se produjo con el sencillo «Fall Out», canción compuesta por Copeland, editada en el sello independiente IRS. El tema recogió una relativa resonancia pero no fue suficiente para el despegue de la banda. El primer problema al que el grupo se vio enfrentado, fue la poca experiencia de Padovani como guitarrista, lo cual limitaba la capacidad creativa del grupo. Por ese entonces el líder de la banda era Copeland, quien componía y hasta tocaba la guitarra («Fall Out» fue íntegramente grabada con Copeland en la guitarra). Copeland insistía en que el grupo tenía que seguir la corriente del punk y en mantener a Henry en la formación. Sting no estaba conforme ya que no le gustaba el punk por lo limitada de su estructura y estaba frustrado al no poder desplegar sus capacidades.
El encuentro con Andy Summers vendría al poco tiempo, cuando, durante unos ensayos con el músico Mike Howlett, del grupo Gong coinciden los 3 por primera vez. Summers ya conocía de antes a Howlett y The Police (hasta ese momento con Copeland, Sting y Padovani) iba a participar de un tributo a Gong. Tras los ensayos para el tributo Howlett propone a Sting, Copeland y Summers formar una banda pero a lo inusual de mantener en el mismo grupo dos bajistas (Howlett y Sting). De esas sesiones se registraron varias demos que posteriormente se publicarían bajo el título Police Academy como grupo Strontium 90. En ese álbum aparece una versión demo de «Every Little Thing She Does Is Magic». Summers percibe que hay algo que podría lograr en esa banda, pero Padovani no encaja, Summers es un tipo experimentado y que a esas alturas ya se había codeado con todos los músicos de su época (Eric Clapton, Jimi Hendrix o Jimmy Page) y Padovani tenía un estilo mucho más cercano al punk. Copeland empecinado con mantener a Padovani en la banda sugirió probar con un cuarteto pero la diferencia seguía siendo abismal entre ambos guitarristas, la banda no enacajaba y no había un buen ambiente. Todo eso llevó a Summers a darles un ultimátum a Sting y Copeland: «quiero que el grupo sea un trío». Summers relataba en su libro «El tren que no perdí» esa situación diciendo que «me sentía mal porque le estaba quitando el empleo a otra persona, pero ¿de qué empleo hablo, el del guitarrista de una banda que no es nada y no ha llegado a ninguna parte?».
Sting finalmente pidió a Padovani que dejase la banda y quedó la formación que los hizo legendarios. El grupo no obstante aún tenía varios problemas por resolver: la falta de lugares donde ir a tocar o una cantidad de temas convincentes o lugares donde poder grabar con cierta comodidad. Pronto todo empezaría a cambiar: The Police tenía que ir a telonear a una banda a París, pero el concierto se canceló y para colmo se le echó a perder el viejo automóvil a Andy y mientras empujaban la chatarra sobre un puente de París les pilló la lluvia. A la noche Copeland y Summers fueron a ver Star Wars. Sting prefirió salir a caminar y en medio de eso paseó por Pigalle, lugar donde se ven «lindas prostitutas». Fruto de esa observación Sting compuso una canción en un ritmo bossa nova; después junto a Stewart Copeland deciden realizarle unas modificaciones: ponerle ritmo reggae y un coro punk. El resultado se llamó «Roxanne».
El resultado de esa grabación le pareció excelente a Miles, hermano de Copeland y mánager de la banda, quien, hasta ese entonces, no le veía futuro a la banda y dijo que los llevaría al sello A&M. En su primera edición, «Roxanne» no consiguió llamar la atención. La canción se incluyó en su primer álbum, Outlandos d’Amour (1978), uno de sus mejores trabajos y el más enérgico e inmediato, en donde sonaban temas clásicos del grupo como «So Lonely», «Can’t Stand Losing You», «Next to you» o «Born in the 50’s».
Álbumes de estudio
Outlandos d’Amour (1978)
Reggatta de Blanc (1979)
Zenyattà Mondatta (1980)
Ghost in the Machine (1981)
Synchronicity (1983)
Álbumes en vivo
Live! (1995)
Certifiable: Live in Buenos Aires (2008)
Álbumes recopilatorios
Every Breath You Take: The Singles (1986)
The Police (2007)
Flexible Strategies (2018)
Poco
Poco es una banda de country rock estadounidense, impulsada originalmente por Richie Furay y Jim Messina, tras la desaparición de Buffalo Springfield, en 1968. El título de su primer álbum, Pickin’ Up the Pieces, hace precisamente referencia a la ruptura del grupo Buffalo Springfield. A través de los años, Poco ha ido modificando su formación y permanece en activo hoy en día.
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Durante la grabación del tercer álbum de Buffalo Springfield (Last Time Around), cada uno de los tres cantantes principales del grupo (Stephen Stills, Neil Young y Richie Furay) grabaron canciones en ausencia de los otros miembros. Uno de los temas grabados por Furay, la balada country «Kind Woman», se grabó con el apoyo del productor y bajista Jim Messina, y del guitarrista Rusty Young. Cuando Buffalo Springfield desapareció, Furay, Messina y Rusty Young decidieron crear su propio grupo, enfocado hacia un country rock mucho más evidente.
La formación original del nuevo grupo incluía a Furay (cantante y guitarra), Messina (guitarra y vocales), Young (pedal steel guitar, banjo, Dobro, guitarra, mandolina y vocales), George Grantham (batería y vocales) y Randy Meisner (bajo y vocales). El grupo firmó contrato con Epic Records, quien adquirió a Atlantic los derechos de Furay a cambio de los derechos de Graham Nash por su época en los Hollies (quien se había trasladado a Atlantic como parte de Crosby, Stills & Nash). En un principio, el nuevo grupo de llamó «Pogo», como el personaje de cómic, pero debieron cambiar el nombre cuando el creador de Pogo, Walt Kelly, puso reparos al uso del nombre.
Su primer álbum, Pickin’ Up the Pieces (1969), se consideró por la crítica como un disco seminal del género. El crítico Charley Walters le concedió cinco estrellas (la máxima puntuación posible) en la edición de 1979 de la Rolling Stone Record Guide, editada por Dave Marsh y John Swenson , aunque la puntuación se redujo a cuatro estrellas en la edición revisada de 1983. Sin embargo, el álbum no fue un éxito comercial, aunque se situó en el puesto #63 del Billboard 200.
Durante la grabación de ese álbum de debut, Meisner dejó el grupo como consecuencia de un conflicto con Furay. Tras una breve estancia con la Ricky Nelson’s Stone Canyon Band, Meisner fue uno de los miembros fundadores de los Eagles. Messina asumió el bajo hasta que Timothy B. Schmit se incorporó a Poco en septiembre de 1969.
Álbumes de estudio
1969 Pickin’ Up the Pieces
1970 Poco
1971 From the Inside
1972 A Good Feelin’ to Know
1973 Crazy Eyes
1974 Seven
1974 Cantamos
1975 Head over Heels
1976 Rose of Cimarron
1977 Indian Summer
1978 Legend
1980 Under the Gun
1981 Blue and Gray
1982 Cowboys & Englishmen
1982 Ghost Town
1984 Inamorata
1989 Legacy
2002 Running Horse
Álbumes en vivo
1971 Deliverin
1976 Poco Live
2004 The Last Roundup
2004 Keeping the Legend Alive
2005 Bareback at Big Sky
2006 The Wildwood Sessions
Recopilatorios
1975 The Very Best of Poco
1979 Ride the Country
1979 Poco: The Songs of Paul Cotton
1980 Poco: The Songs of Richie Furay
1980 The Best Of Poco
1982 Backtracks
1989 Crazy Loving: The Best of Poco 1975-1982
1990 Retrospective
1990 The Forgotten Trail (1969-74)
1995 Ghost Town/Inamorata
1996 On the Country Side
1997 The Essential Collection (1975-1982)
1998 The Ultimate Collection 69-89
1999 The Very Best of Poco
2000 20th Century Masters – The Millennium Collection
2001 Take Two (con New Riders of the Purple Sage)
2002 The Very Best of Poco
2002 From the Inside/A Good Feelin’ to Know
2004 Pickin’ Up the Pieces/Poco
2005 Alive in the Heart of the Night
2006 Keep on Tryin’
2006 Poco Live
2006 The Essential Poco
2006 Gold
2006 Best of Poco Live
2006 Seven/Cantamos
2007 Standing Room Only Live
Plácido Domingo
José Plácido Domingo Embil (Madrid, 21 de enero de 1941) es un cantante, director de orquesta, productor y compositor español, exdirector general de la Ópera Nacional de Washington y de la Ópera de Los Ángeles (California). Con registros de barítono y tenor, formó parte del trío Los tres tenores, junto al también español José Carreras y al italiano Luciano Pavarotti.
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Entre otras distinciones, posee la Orden del Imperio Británico y la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio.
Plácido Domingo nació el 21 de enero de 1941 en la madrileña calle de Ibiza, n.º 34. Es hijo de dos cantantes de zarzuela, el zaragozano Plácido Domingo Ferrer y la guipuzcoana Josefa Pepita Embil Etxaniz. Su hermana se llamaba María José, quien falleció en 2015. Su familia le conoce como El Granado, por cantar desde muy pequeño la canción «Granada», del compositor mexicano Agustín Lara. En 1949, con ocho años, el día 18 de enero, se trasladó junto a su familia a la Ciudad de México para trabajar en teatro musical y pronto destacó en las lecciones de piano. Estudió en la Escuela Nacional de Artes y en el Conservatorio Nacional de Música, estudiando piano y dirección de orquesta. En esa época, junto con sus estudios, intentó ser futbolista profesional. Fue en 1957 cuando se casó con la pianista mexicana Ana María Guerra Cué, con quien tuvo a su primer hijo, José Plácido Domingo Guerra, nacido el 16 de junio de 1958. El matrimonio solo duró algunos meses y ella, nacida en 1938, falleció en 2006. En 1962 volvería a casarse, esta vez con la soprano veracruzana Marta Ornelas, a quien conoció estando en el conservatorio.
Óperas completas. Destacan:
Cilea: Adriana Lecouvreur, con Renata Scotto y Sherrill Milnes.
Giordano: Andrea Chenier, dirigido por James Levine con Renata Scotto y Sherrill Milnes (RCA).
Leoncavallo: I Pagliacci, dirigido por N. Santi, con la Orquesta Sinfónica de Londres, Coro John Alldis (1965). DG.
Mascagni: Cavalleria rusticana, dirigido por Giuseppe Sinopoli, Orquesta Philharmonia de Londres, Coro de la Royal Opera House Covent Garden. DG.
Verdi: Don Carlo, dirigido por Giulini, con la Orquesta del Covent garden y Coro de Ópera Ambrosiano (1970, EMI), es la versión italiana en cinco actos; volvió a grabarla, versión en francés en cinco actos, con Claudio Abbado, la Orquesta y coro del Tesatro La Scala de Milán en 1984 DG.
Verdi: Aida, dirigida por Riccardo Muti, con la Orquesta Nueva Filarmonía, Coro del Covent Garden (1974). EMI; también la grabó en dirección de James Levine, con la Orquesta y coro del Metropolitan de Nueva York (1991). Sony.
Verdi: Un ballo in maschera (Un baile de máscaras), Grabado con la dirección de Riccardo Muti, Orquesta Nueva Filarmonía. Coro del Covent Garden de Londres (1975). EMI.
Verdi: La forza del destino, con Riccardo Muti dirigiendo a la Orquesta y coro del Teatro La Scala de Milán, 1986 (EMI).
Verdi: Otello con James Levine y Renata Scotto y Sherrill Milnes (RCA), 1978.
Verdi: Otello, dirigido por L. Maazel, Orquesta y coro del Teatro La Scala de Milán, 1986 (EMI).
Wagner: Parsifal, dirigido por James Levine, con la Orquesta y coro del Metropolitan de Nueva York (1994). Deutsche Grammophon.
Wagner: Tristán e Isolda, con Nina Stemme, grabación de estudio editada en agosto de 2005 (EMI).
Álbumes
Operatic recital (grabaciones de 1970-1980) para HMV, recopilación de grabaciones para la EMI.
Bravissimo, Domingo (Varios CD, Selección de toda su carrera, RCA).
Gala opera concert, con la Orquesta Filarmónica de los Ángeles y la dirección de Carlo Maria Giulini, grabación de un recital de 1980 (Deutsche Grammophon). Para DG también ha grabado otras selecciones de arias de ópera, como The best of Domingo.
Great love scenes, con Renata Scotto, Kiri Te Kanawa, e Ileana Cotrubas. Compilación para la CBS de diversos dúos y escenas de amor.
Vienna, city of my dreams, con la Orquesta de Cámara Inglesa dirigida por Rudel, arias de operetas de Lehár, Zeller, Kálmán, Fall, O. Strauss, J. Strauss y Sieczynski (HMV).
Música religiosa
Ave Maria, con el Coro de Niños de Viena, la Orquesta Sinfónica de Viena y la dirección de Froschauer (1979, RCA).
Sacred Songs, con la Orquesta de Milán Giuseppe Verdi y la dirección de Marcello Viotti (2002, Deutsche Grammophon).
Zarzuela
Comedia lírica en tres actos Doña Francisquita, de Amadeo Vives, dirigida por M. Roa, con la Orquesta Sinfónica de Sevilla, Coro titular del Gran Teatro de Córdoba (1994). Sony
Extracto de Wikipedia
Pink Floyd
Pink Floyd fue una banda de rock británica, fundada en Londres en 1965. Es considerada un icono cultural del siglo xx y una de las bandas más influyentes y aclamadas en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo y rock sinfónico con el paso del tiempo. Es conocida por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, 97,5 millones de ellos solamente en los Estados Unidos.
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Inicialmente el grupo estaba formado por el batería Nick Mason, el teclista y vocalista Richard Wright, el bajista y vocalista Roger Waters y el guitarrista y vocalista principal Syd Barrett, quien se convirtió en el primer líder de la banda. Bob Klose fue guitarrista inicialmente por un corto tiempo, pero no llegó a aparecer en ningún disco. El errático e impredecible comportamiento de Barrett, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD,1? hizo que su amigo David Gilmour se integrara al grupo en diciembre de 1967 y que quedase definida la formación clásica del grupo tras la marcha de Barrett en abril de 1968.
Pink Floyd comenzó con un gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett convirtió a Waters en el principal escritor de la banda mientras que Gilmour y Wright tomaron el protagonismo en la composición musical. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en enormes éxitos comerciales, como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979). Después de las sesiones de grabación de The Wall el bajista Roger Waters expulsó de la banda al tecladista Rick Wright debido a que estaba disconforme con sus aportes al álbum. En 1983 el grupo lanzó el disco The Final Cut, el cual tuvo un modesto éxito comparado con sus obras anteriores y la banda ni siquiera salió de gira. En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd señalando que la banda estaba agotada creativamente. Los demás miembros, Gilmour y Mason, se negaron a aceptar esta decisión y continuaron con el grupo, por lo cual Waters los demandó reclamando parte de los derechos de la marca Pink Floyd. Waters perdió en tribunales pero llegó a un acuerdo con Gilmour y Mason obteniendo los derechos exclusivos sobre toda la imaginería que desplegaban en sus conciertos (incluido su famoso cerdo volador) y los derechos sobre el espectáculo audiovisual de The Wall (excluyendo los tres temas que compuso Gilmour para la obra: «Young Lust», «Run Like Hell» y «Comfortably Numb») y sobre todos los temas incluidos en The Final Cut, mientras que el resto del grupo podía seguir usando el nombre de Pink Floyd sin problemas.
Tras superar estos problemas legales, Gilmour y Mason volvieron a llamar a Wright para grabar el disco A Momentary Lapse of Reason (1987) logrando gran éxito mundial, sin embargo, Wright participó solo como tecladista asalariado y no como miembro oficial de la banda. Esto fue solucionado en el siguiente álbum The Division Bell (1994) en donde Wright se reintegra nuevamente como miembro oficial del grupo. Este es el disco de estudio de la banda en el que ya aparecen Gilmour, Mason y Wright como componentes de Pink Floyd. Waters, por su parte, se embarcó en una carrera como solista y no se volvió a reunir con Pink Floyd hasta 24 años después, el 2 de julio de 2005, en el concierto Live 8 en Londres donde tocaron las canciones «Speak to Me/Breathe», «Money», «Wish You Were Here» y «Comfortably Numb».
En noviembre de 2014 salió a la venta The Endless River, el último disco de estudio de la banda, que contiene en gran medida material grabado durante las sesiones de grabación de The Division Bell entre 1993 y 1994 sin contar con ningún aporte de Roger Waters.
Pink Floyd fue elegida como la «mejor banda de rock de todos los tiempos» en una encuesta hecha por Planet Rock en 2005.
En la actualidad, Pink Floyd se ha convertido en un grupo musical de culto que suma millones de fieles adeptos a su música alrededor del mundo.
Pink Floyd surgió en 1964 a partir de una banda llamada Sigma 6, que cambió su nombre sucesivamente a T-Set, Megadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs y The Abdabs. Cuando la banda se separó, algunos de sus miembros (los guitarristas Bob Klose y Roger Waters, el batería Nick Mason y el teclista Rick Wright) formaron una nueva banda llamada The Tea Set. Después de un breve tiempo con Chris Dennis como vocalista principal, el guitarrista y vocalista Syd Barrett, fan de The Beatles y del rhythm and blues,11? se unió a la banda, con lo que Waters pasó a tocar el bajo. En el verano de 1965, Bob Klose se vio forzado a abandonar la banda por las presiones de sus padres y de sus profesores universitarios, y el grupo se convirtió en un cuarteto, con Barrett, Waters, Wright y Mason. De este modo, Barrett se reveló como el principal compositor del grupo, y pronto comenzó a escribir nuevas canciones con influencias del rhythm and blues de Bo Diddley, aunque la publicación de Eight Miles High de los californianos The Byrds y especialmente el álbum Revolver de sus coterráneos los Beatles en 1966 provocó el auge del rock psicodélico, un entonces nuevo género musical que impactó a la banda y en el que Barrett se sentía más a gusto.
En otoño de aquel mismo año, Tea Set coincidió en un concierto en Northolt, a las afueras de Londres, con una banda con el mismo nombre que iba a actuar en el mismo lugar. Durante un corto periodo el nombre osciló entre Tea Set y The Pink Floyd Sound, pero con el tiempo este último se acabó por imponer. El Sound se desvaneció con bastante rapidez, pero el The sería utilizado regularmente hasta 1968. Las producciones inglesas de la banda durante la era de Syd Barrett eran acreditadas como The Pink Floyd así como sus primeros dos sencillos en los EE. UU. Se sabe que David Gilmour continuó refiriéndose al grupo como The Pink Floyd hasta 1984.
Pink Floyd se convirtió en una de las bandas favoritas del movimiento underground, tocando en lugares como el UFO Club, el Marquee Club y The Roundhouse. A finales de 1966 la banda fue invitada a componer música para la película de Peter Whitehead, Tonite Let’s All Make Love in London, y fue filmada grabando dos temas («Interstellar Overdrive» y «Nick’s Boogie») en enero de 1967. Aunque aparecieron muy pocas muestras de esta música en la película, la sesión fue lanzada como London 1966/1967 en el 2005.
Dada su creciente popularidad, los miembros de la banda decidieron formar Blackhill Enterprises en octubre de 1966, en asociación con sus mánagers Peter Jenner y Andrew King, para distribuir los sencillos «Arnold Layne» en marzo de 1967 y «See Emily Play» en junio del mismo año. El primero escaló hasta el puesto 20 en la lista de éxitos del Reino Unido, y el segundo llegó al número 6, dándole la oportunidad al grupo de aparecer por primera vez en la televisión nacional en el programa Top of the Pops en julio de 1967.
Álbumes de estudio
The Piper at the Gates of Dawn (1967)
A Saucerful of Secrets (1968)
Music from the Film More (1969)
Ummagumma (1969)
Atom Heart Mother (1970)
Meddle (1971)
Obscured by Clouds (1972)
The Dark Side of the Moon (1973)
Wish You Were Here (1975)
Animals (1977)
The Wall (1979)
The Final Cut (1983)
A Momentary Lapse of Reason (1987)
The Division Bell (1994)
The Endless River (2014)
Pic-Nic
Brenner’s Folk fue un grupo de música con influencias folk y pop en España a finales de los años 1960. Después su nombre pasa al ser Pic-Nic y son reconocidos por sus canciones tocadas en guitarra.
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Los creadores de Brenner’s Folk, fueron los hermanos Brenner (Haakon y Vytas Brenner) que vivían en Venezuela con sus padres. Estos instalados en Barcelona, practicaban sonidos instrumentales de música Folk en una especie de sótano. El grupo es llamado así por el apellido de los hermanos Brenner, estos nacieron en Tubinga en Alemania y Vytas fue un músico compositor y teclista, también dirigiendo el grupo de música. Esta banda comenzó en 1966, tenían también como vocalista y guitarra a Toti Soler, y a Jordi Sabatés en el piano y en la batería.
Más adelante, una joven de apenas 15 años, llamada Jeanette que estudiaba en una institución educativa religiosa, esta se integra al grupo de Brenner’s Folk y graban un disco ya casi a finales de 1966, presentando las canciones Clara Lluna, Ho se, Amor Perdut y Daurat Dest. Jeanette tenía que volver a sus estudios, pero sigue cantando. Los hermanos Brenner tenían que volver a Venezuela con su familia y estos se separan del grupo. Alguien tenía que suplantarlos, y entra al grupo el Mexicano Al Cárdenas a la guitarra rítmica y Isidoro de Montaberry al Bajo. Jeanette también como vocalista, sabía que el grupo no tenía tanto éxito con sus canciones, y decidió escribir letras de canciones y obligó a su mamá a comprarle una guitarra, así aprender a tocar y presentar su música a los demás jóvenes. A los demás le gustaron la música escrita por Jeanette llamada Cállate Niña, una canción de simples sonidos. Estos también le mostraron sus canciones como Amanecer y las ideas de la canción Negra Estrella. En 1968 graban un disco presentando el tema No digas nada, más tarde graban Él es distinto a ti y Me olvidaras. Al pasar a ser quinteto, con el que editan un EP con la discográfica Edigsa, cantado en lengua catalana. Y este grupo también fue firmado por Hispavox.
Discografía
1968 «Pic-nic (álbum)» 100 000 aprox.
Single Clara Lluna / Ho se / Amor perdut / Daurat dest (Edigsa, 1966)
Single Cállate niña / Negra estrella (Hispavox, 1967)
Single Hush, little baby/Blamin’s not hard to do/You heard my voice (Hispavox, 1968). En inglés para el mercado internacional.
Single Amanecer / No digas nada (Hispavox, 1968)
Single Me olvidarás / Él es distinto a ti (Hispavox, 1968)
LP Pic-Nic (Hispavox, 1968), con los temas de los sencillos. Reeditado por la misma compañía discográfica tras la disolución del grupo con el título Cállate niña (Hispavox, 1969).
Extracto de Wikipedia
Philip Glass
Philip Glass (Baltimore, Maryland, 31 de enero de 1937) es un compositor de música clásica minimalista estadounidense. Estudió en la Juilliard School de Nueva York. Su reconocimiento internacional aumentó desde la aparición de su ópera Einstein on the Beach (1975).
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Prolífico compositor, ha trabajado en diversos ámbitos como la ópera, la música orquestal, la música de cámara o el cine. Trabaja habitualmente con el Philip Glass Ensemble. Ha colaborado con Paul Simon, Linda Ronstadt, Yo-Yo Ma, Doris Lessing y Robert Wilson.
Philip Glass es nieto de inmigrantes judíos originarios de Lituania. Nació y creció en Baltimore y de niño estudió flauta en el conservatorio Peabody.
A los 15 años comenzó un curso acelerado en la Universidad de Chicago donde estudió matemáticas y filosofía. A los 19 años obtuvo su diploma y entró a la Juilliard School de Nueva York donde tuvo como profesor a Darius Milhaud y empezó a tocar casi exclusivamente el piano. Dada su insatisfacción, desde 1963 hasta 1965 partió a estudiar a París, con Nadia Boulanger, en el Conservatorio americano de Fontainebleau el análisis de composiciones de Johann Sebastian Bach (El clave bien temperado), Mozart (los conciertos para piano), a Wagner y Beethoven. Glass descubre asimismo el serialismo de Pierre Boulez, pero afirmó que no le produjo «ninguna emoción». Este periodo en París le sirvió para descubrir el teatro de Jean-Louis Barrault en el Odéon así como la Nouvelle Vague francesa.
Música para el Philip Glass Ensemble
600 Lines (1967)
How Now para ensemble (también para piano, 1968)
Music in Fifths (1969)
Music in Similar Motion (1969)
Music with Changing Parts (1970, grabado en 1973)
Music in Twelve Parts (1971–1974)
Another Look at Harmony, Parts I and II (1975)
North Star (1977)
Dance (Dance 1, 3 y 5, 1979, con Lucinda Childs y Sol LeWitt)
Glassworks (1982)
A Descent Into the Maelstrom (basado en el relato de Edgar Allan Poe, 1986)
Orion (2004)
Los Paisajes del Rio (2008)
Música vocal. Óperas
Einstein on the Beach para el Philip Glass Ensemble (1975–1976, con Robert Wilson)
Satyagraha (1978–1979, estrenado en 1980, libretto de Constance DeJong
Akhnaten (1983, libretto de Philip Glass y Shalom Goldman)
The Civil Wars: A Tree Is Best Measured When It Is Down, Act V – The Rome Section (1984, con Robert Wilson, libretto de Robert Wilson y Maita di Niscemi, con textos de Séneca)
The Making of the Representative for Planet 8 (1985–1986, estrenada en 1988, libretto de Doris Lessing basado en su The Making of the Representative for Planet 8 de Canopus in Argos)
The Voyage (1990, estrenada en 1992, libretto de David Henry Hwang)
White Raven (1991, estrenada como O Corvo Branco en 1998, con Robert Wilson, libretto de Luísa Costa Gomes)
The Marriages Between Zones Three, Four, and Five (1997, libretto de Doris Lessing, basado en su The Marriages Between Zones Three, Four and Five de Canopus in Argos)
Galileo Galilei (2002, libretto de Mary Zimmerman y Arnold Weinstein)
Waiting for the Barbarians para solistas, coro y orquesta (2005, basada en la novela Waiting for the Barbarians de J. M. Coetzee)
Appomattox (2007, libretto de Christopher Hampton)
Kepler (2009, libretto de Martina Winkel, con textos de Johannes Kepler y Andreas Gryphius)
The Perfect American (2011, basado en el libro sobre Walt Disney de Peter Stephan Jungk, estrenada en el Teatro Real, Madrid, el 22 de enero de 2013)
Spuren der Verirrten (The Lost) (2013, basado en la obra de Peter Handke, estrenada el 12 de abril de 2013 en el Musiktheater Linz, Austria)
Óperas de cámara y musicales
A Madrigal Opera para solistas, violín y viola (1980)
The Photographer para solistas, coro y orquesta (1982, basada en la vida de Eadweard Muybridge)
The Juniper Tree (1985, con Robert Moran, libretto de Arthur Yorinks)
The Fall of the House of Usher (libretto de Arthur Yorinks basado en La caída de la casa Usher de Edgar Allan Poe, 1987)
1000 Airplanes on the Roof para solista y conjunto (text de David Henry Hwang, 1988)
Hydrogen Jukebox para solistas y conjunto (libretto de Allen Ginsberg, 1990)
Orphée para solistas y orquesta de cámara (1991, basada en la película homónima de Jean Cocteau y estrenada en 1993)
La Belle et la Bête para solistas y el Philip Glass Ensemble u orquesta de cámara (1994, basada en la la película homónima de Jean Cocteau)
Les Enfants Terribles, ópera ballet para solistas y tres pianos (1996, basada en la novela de Jean Cocteau y la película de Jean-Pierre Melville homónimas.
The Witches of Venice, ópera ballet para niños (1997)
Monsters of Grace, ópera de cámara para el Philip Glass Ensemble (1998, con material audiovisual en 3D digital dirigido por Robert Wilson, libretto de obras de Yalal ad-Din Muhammad Rumi)
In the Penal Colony para solistas y quinteto de cuerda (2000, libretto basado en el relato de Franz Kafka)
The Sound of a Voice para solistas y conjunto de cámara con pipa (2003, libretto de David Henry Hwang)
The Trial (2014, para solistas y orquesta de cámara; libretto de Christopher Hampton, basado en El proceso de Franz Kafka)
Obra vocal
Music for Voices (1970)
Hebeve Song para soprano, clarinete y fagot (1983)
Songs from Liquid Days para voces y conjunto (textos de Paul Simon, Suzanne Vega, David Byrne y Laurie Anderson, 1986)
De Cie para cuatro voces (1988)
Ignorant Sky, canción (1995, para Suzanne Vega)
The Streets of Berlin, canción (1997, para Mick Jagger)
Planctus, canción para voz y piano (1997, para Natalie Merchant)
In the Night Kitchen para voces y conjunto de cámara (2005, texto de Maurice Sendak)
Book of Longing para voces solistas y conjunto de cámara (2007, textos de Leonard Cohen)
Obras para coro
Haze Gold para coro (1962, texto de Carl Sandburg)
A Clear Midnight para coro (1960, texto de Carl Sandburg)
Spring Grass para coro (1960, texto de Carl Sandburg)
Another Look at Harmony, Part IV para coro y órgano (1977)
Tres canciones para coro a cappella (1984, textos de Leonard Cohen, Octavio Paz y Raymond Lévesque)
Música orquestal. Sinfonías
Sinfonía n.º 1 (1992) basada en Low de David Bowie
Sinfonía n.º 2 (1994)
Sinfonía n.º 3 (1995) para orquesta de cuerda
Sinfonía n.º 4 (1996) basada en “Heroes” de David Bowie
Sinfonía n.º 5 (1999) Requiem, Bardo, Nirmanakaya para solistas, coro y orquesta
Sinfonía n.º 6 (2002) Plutonian Ode para soprano y orquesta
Sinfonía n.º 7 (2005) Toltec para coro y orquesta
Sinfonía n.º 8 (2005)
Sinfonía n.º 9 (2011)
Sinfonía n.º 10 (2012)
Sinfonía n.º 11 (2017)
Sinfonía n.º 12 (2019) basada en Lodger de David Bowie
Otros formatos
Piece for chamber orchestra (1967)
Music in Similar Motion para orquesta de cámara (1969, orq. ine 1981)
Company para orquesta de cuerda (1983; versión orquestal del Cuarteto de cuerda n.º 2 Company (1983))
Glass Pieces para orquesta (1983, versiones orquestales de «Funeral» de Akhnaten y Floe y Facades, para el ballet de Jerome Robbins)
Prelude and Dance from Akhnaten para orquesta (1983)
the CIVIL warS – the Cologne Section para orquesta con coro mixto opcional (1984)
Two Interludes from the CIVIL warS – the Rome Section para orquesta (1984)
Phaedra para orquesta de cuerda y percusión (1985)
Runaway Horses from Mishima para orquesta de cuerda y arpa (1985)
In the Upper Room para orquesta de cámara (1986, música para la danza de Twyla Tharp)
The Light, un retrato sinfónico para orquesta (1987)
The Canyon, un episodio dramático para orquesta (1988)
Passages para orquesta de cámara (1990, en colaboración con Ravi Shankar)
Mechanical Ballet from The Voyage para orquesta (1990)
Suite from Orphée para orquesta de cámara (1991, recopilado en The Knights en 2013)
Concerto Grosso para orquesta de cámara (1992)
Three Pieces from The Secret Agent para orquesta (1995)
Days and Nights in Rocinha, danza para orquesta (1997)
DRA Fanfare para orquesta (1999)
Dancissimo para orquesta (2001)
Icarus at the Edge of Time para narrador y orquesta (2010)
Harmonium Mountain para orquesta (2011)
Black and White Scherzo para orquesta (2011, movimiento 6 de la Sinfonía n.º 10)
Overture 2012 para orquesta (2012)
King Lear Overture para orquesta (2019)
Arreglos de otros músicos
Modern Love Waltz para orquesta de cámara (1977, orq. por Robert Moran en 1979)
The Thin Blue Line para orquesta de cuerda (1988, arr. por Michael Riesman)
Obertura a to La Belle et la Bête para orquesta de cuerda y piano (1994, arr. por Michael Riesman)
Life: A Journey Through Time en siete secciones para orquesta (2006, orq. por Michael Riesman, de The Secret Agent, Les Enfants Terribles, Dracula y otras obras, para la obra de Frans Lanting)
Obertura de La Belle et la Bête para orquesta de cuerda (2007, arr. por Viktor Kopytko)
Four Pieces from «Dracula» para orquesta de cuerda y piano (2007, arr. por Viktor Kopytko)
Voces solistas, coro y orquesta
Koyaanisqatsi: Life out of balance para coro, conjunto y orquesta (1982)
The Olympian: Lighting of the Torch and Closing para orquesta y coro (1984)
Itaipu, un retrato sinfónico para coro y orquesta en cuatro movimientos (1989)
Persephone (T.S.E.) para orquesta y coro (1994, música para la obra de teatro de Robert Wilson)
Songs of Milarepa para barítono y orquesta de cámara (1997)
Psalm 126 para orquesta y coro (1998)
The Passion of Ramakrishna para coro y orquesta (2006)
Instrumentos solistas y orquesta
Para piano
Concierto para piano n.º 1 Tirol, para piano y orquesta de cuerda (2000)
Concierto para piano n.º 2 After Lewis and Clark, para piano, flauta nativa americana y orquesta (2004)
Concierto para piano n.º 3, para piano y orquesta de cuerda (2017)
Para violín
Concierto para violín y orquesta n.º 1 (1987)
Echorus para dos violines y orquesta de cuerda (1995, versión del Etude n.º 2 para piano)
Concierto para violín y orquesta n.º 2, «The American Four Seasons» (2009)
Para violonchelo
Concierto para violonchelo y orquesta n.º 1 (2001)]]
Concierto para violonchelo y orquesta n.º 2 Naqoyqatsi (2002/2012)
Para clavecín
Concierto para clavecín y orquesta (2002)
Para múltiples solistas
Facades para dos saxofones (o flautas) y orquesta de cuerda (1981)
Concierto para cuarteto de saxofones y orquesta (1995)
Concierto fantasía para dos timbaleros y orquesta (2000)
Doble concierto para violín, violonchelo y orquesta (2010)
Doble concierto para dos pianos y orquesta (2015)
Instrumento solista y orquesta, arreglos de otros músicos
Closing from «Glassworks» para piano y orquesta de cuerda (1981, arr. por Michael Riesman)
Passages para cuarteto de saxofones y orquesta (1989, tres movimientos arreglados en 2001 por Dennis Russell Davies)
Dracula: Suite para orquesta de cuerda y piano (1998, arr. por Michael Riesman, 2007)
Suite de Las horas para piano, cuerdas, arpa y celeste (2002, arr. en 2003 por Michael Riesman con la música de Glass para la película Las horas)
Orphée Suite de la ópera Orphée par flauta, cuerdas y percusión (2017, arr. por James Strauss)
Flute Concerto para flauta y orquesta – transcrito del Concierto para violín n.º 1 (2017 arr. por James Strauss)
Música de cámara
Música de cámara (excepto cuartetos de cuerda)
Sexteto para viento metal (1962–1964)
Play para dos saxofones (1965, música para la obra de Samuel Beckett)
Music for Ensemble and Two Actresses para sexteto de viento y dos narradores (1965)
Head On para violín, violonchelo y piano (1967)
Two Down para dos saxofones (1967)
Music in Eight Parts para dos saxofones sopranos, viola, violonchelo y tres órganos eléctricos (1970)
Fourth Series Part Three para violín y clarinete (1978)
Opening de Glassworks para piano, violonchelo y percusión (1981)
Façades, para dos saxofones (o flauta y clarinete) y conjunto de cuerda (1981)
Prelude to Endgame para timbales y contrabajo (1984, para la obra de Samuel Beckett)
Music from The Screens para conjunto de cámara (1989-91, en colaboración con Foday Musa Suso)
Passages para conjunto de cámara (1990, en colaboración con Ravi Shankar)
The Orchard (de The Screens) para violonchelo y piano (y percusión opcional) (1989)
Love Divided By para flauta y piano (1992)
In the Summer House para violín y violonchelo (1993, música para la obra de Jane Bowles)
Cuarteto para saxofones (1995; también en versión orquestal)
Tissues (de Naqoyqatsi) para violonchelo, percusión y piano (2002)
Taoist Sacred Dance para piano y flauta (2003)
Music from The Sound of a Voice para flauta, pipa, violín, violonchelo y percusión (2003)
Sonata para violín y piano (2008)
Pendulum, movimiento para violín y piano (2010)
Dúos para violín y violonchelo (2010–11, arreglados del Double Concerto for Violin and Cello)
Annunciation, quinteto para 2 violines, viola, violonchelo y piano (2018)
Perpetulum, cuarteto de percusión (2019)
Arreglos de otros músicos
The Windcatcher para sexteto de safoxones (1992/2002, arreglado de ‘Love Divided By’ por Nico Muhly)
Sexteto de cuerda (1995/2009, adaptado de la Sinfonía n.º 3 de Michael Riesman)
Cuartetos de cuerda
Cuarteto de cuerda n.º 1 (1966)
Cuarteto de cuerda n.º 2 Company (1983, compuesto para la interpretación de la novela de Samuel Beckett)
Cuarteto de cuerda n.º 3 Mishima (1985)
Cuarteto de cuerda n.º 4 Buczak (1989, dedicado a Brian Buczak y encargado por Geoffrey Hendricks]])
Cuarteto de cuerda n.º 5 (1991)
Bent para cuarteto de cuerda (1997)
Dracula para cuarteto de cuerda (o piano y cuarteto de cuerda) (1998, música para la película de 1931)
Cuarteto de cuerda n.º 6 (2013)
Cuarteto de cuerda n.º 7 (2014)
Cuarteto de cuerda n.º 8 (2018)
King Lear (música para la producción de Broadway)(2019)
Obras para piano u órgano eléctrico solos
How Now para piano u órgano eléctrico (1968)
Two Pages para piano u órgano eléctrico (1968)
Music in Contrary Motion para órgano eléctrico (1969)
Another Look at Harmony, Part 3 para órgano eléctrico (1975)
Knee Play 4 para piano (1975, de Einstein on the Beach)
Modern Love Waltz para piano (versión para piano de Fourth Series, Part Three, 1977)
Dance No. 2 para órgano (originalmente Fourth Series, Part Two, 1978)
Mad Rush para piano u órgano eléctrico (originalmente Fourth Series, Part Four, 1979)
Opening para piano (1981, de Glassworks)
The Olympian para piano (1984)
Cadenza para el Concierto para piano n.º 21 de Mozart (K. 467, 1786) (1987)
Wichita Vortex Sutra para piano (1988, posteriormente incluida en Hydrogen Jukebox)
Metamorphosis para piano (1988)
The French Lieutenant Sleeps de The Screens para piano (1989)
Night on the Balcony de The Screens para piano (o clavecín, 1989)
Tesra para piano (1993)
12 Pieces for Ballet para piano (1993)
Etudes para piano, Volumen 1 (1994–1995)
The Joyful Moment para piano (1998)
Truman Sleeps (1998, de la película The Truman Show)
Dreaming Awake para piano (2003, compuesto y grabado por Glass como homenaje a Gelek Rimpoche (Jewel Heart)
A Musical Portrait of Chuck Close, dos movimientos para piano (2005, Etudes 11 y 12 del Volumen 2)
Etudes para piano, Volumen 2 (2012)
First Piano Sonata (2019)
Obras para dos o más pianos
In Again Out Again para dos pianos (1967)
Six Scenes from Les Enfants Terribles para dos pianos (1996, transcrito por Maki Namekawa y Dennis Russell Davies)
Four Movements for Two Pianos (2008)
Two Movements for Four Pianos (2013)
Arreglos de otros músicos
Trilogy Sonata para piano (1975/1979/1983, de Einstein, Sathyagraha y Akhnaten, arreglado por Paul Barnes en 2001)
Closing from «Mishima» para piano (1984, transcrito por Michael Riesman)
Anima Mundi para piano (1991, transcrito por Michael Riesman)
Selections from «A Brief History of Time» para piano (1991, transcrito por Michael Riesman)
The Orphée Suite para piano (1991, transcrito por Paul Barnes en 2000)
Candyman: Helen’s Theme and more para piano (1992, transcrito por Michael Riesman)
Overture from La Belle et la Bête para piano (1994, transcrito por Michael Riesman)
Jenipapo: No. 14 para piano (1995, transcrito por Michael Riesman)
Epilogue from Monsters of Grace para piano (1998, transcrito por Paul Barnes en 2001)
Dracula para piano (1998, transcrito por Michael Riesman en 2007)
Naqoyqatsi: Primacy of Number para piano (2002, transcrito por Michael Riesman)
The Fog of War para piano (2002, transcrito por Michael Riesman)
Music from the Hours para piano (2002-03, transcrito por Michael Riesman y Nico Muhly)
Concerto No. 2 «After Lewis and Clark» para piano (2004, transcrito por Paul Barnes)
Neverwas Set para piano (2005, transcrito por Michael Riesman)
«Life in the Mountains» de «The Illusionist» para piano (2006, transcrito por Michael Riesman)
Notes on Scandal: I knew her para piano (2006, transcrito por Michael Riesman)
No Reservations Combine para piano (2007, transcrito por Michael Riesman)
Prophecies from Koyaanisqatsi para piano (2015, transcrito por Anton Batagov)
Obras para órgano
Fourth Series Part Two (Dance n.º 2) (1978)
Fourth Series Part Four (Mad Rush) (1979)
Voices para órgano, didyeridú y narrador (2001)
Obras para instrumento solo (excepto piano u órgano)
Strung Out para violín amplificado (1967)
Piece in the Shape of a Square para dos flautas (1967)
Gradus para saxofón (1968)
Arabesque In Memoriam para flauta (1988)
France de The Screens para violín (1989)
Melodies para saxofón (1995)
Songs and Poems No. 1 for Solo Cello (2005–2007)
Songs and Poems No. 2 for Solo Cello (2010)
Partita for Solo Violin (2010–2011)
Orbit para violonchelo, para Yo-Yo Ma y Lil Buck, 2 de abril de 2013, (Le) Poisson Rouge, Manhattan1?
Partita for Solo Double Bass (The Not Doings of an Insomniac) (2015)
Phil Manzanera
Philip Geoffrey Targett-Adams (Londres, 31 de enero de 1951), conocido artísticamente como Phil Manzanera, es un guitarrista y productor discográfico británico, hijo de padre inglés y madre colombiana.
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Educado en el Dulwich College, comenzó su carrera musical dentro del rock and roll, al que luego incorporó sus raíces latinas en su interpretación de la guitarra. Formó la banda 801, la cual incluía en su repertorio algunos clásicos de Roxy Music y Brian Eno.
Manzanera apareció brevemente tocando un solo de guitarra en el sexto episodio, titulado Psirens, de la serie Red Dwarf. En el mismo aparecieron sólo sus manos tocando la guitarra. El sitio Internet Movie Database acredita su rol como «Hands of Psiren Lister». En pantalla apareció en los títulos de crédito como «las manos de Phil Manzanera».
La primera vez que ejerció como productor para una banda hispana fue en 1990 para el grupo malagueño Los Mosquitos, y a continuación, en el mismo año, produjo el disco Senderos de traición de la banda española Héroes del Silencio, que a la postre fue el que le dio renombre dentro de la industria española y latina, produciendo también para ese mismo grupo El espíritu del vino en 1993, disco en el que además colaboró tocando la guitarra rítmica.
Phil Manzanera coprodujo el álbum de David Gilmour On an island. Dentro del círculo de fanes de Gilmour, Manzanera se ha ganado el apodo de «El Magnífico». Volvió a participar en la producción de The Endless River, último álbum de Pink Floyd, y Rattle That Lock, reciente disco solista de David Gilmour.
Discografía
1974: Taking Tiger Mountain (By Strategy) con Brian Eno
1975: Diamond Head.
1975: Mainstream, con la banda Quiet Sun.
1976: 801 Live.
1977: Listen Now.
1978: K-Scope.
1982: Primitive Guitars.
1987: Wetton/Manzanera.
1987: Guitarrissimo.
1988: Nowomowa: The Wasted Lands.
1988: Crack The Whip.
1989: Up In Smoke.
1990: Mato Grosso (with Sérgio Dias).
1990: Southern Cross.
1993: Live at the Karl Marx.
1997: One wWrld.
1997: Mainstream.
1997: A Million Reasons Why.
1997: Manzanera & MacKay.
1998: Live at Manchester University.
2001: Vozero.
2001: Manzanera Archives: 801 Live @ Hull.
2001: Manzanera Archives: Rare one.
2002: 801 Latino (en vivo).
2004: 6 pm.
2005: 50 Minutes Later.
2016: Live at the Curious Arts Festival
Extracto de Wikipedia
Phil Collins
Philip David Charles Collins (Chiswick, Middlesex, Inglaterra; 30 de enero de 1951), más conocido como Phil Collins, es un cantante, baterista, compositor, productor y actor británico, y uno de los artistas de mayor éxito de la música pop y soft rock. Fue nombrado teniente de la Real Orden Victoriana (LVO
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Entre 1984 y 1989 Phil Collins ha liderado la lista de éxitos estadounidense Billboard Top 100 como cantante en ocho ocasiones, siete como solista y una con Genesis, banda de la que fue miembro entre 1970 y 1996.
Tras la salida de Peter Gabriel en 1975 se convirtió en el cantante solista del grupo, con el que ha tenido alguna colaboración esporádica desde 2007.
Sus canciones a menudo tratan de amores perdidos, temas personales y sobre el problema mundial de la pobreza y el consumo de drogas. Según datos de Atlantic Records (de 2002) las ventas correspondientes a su carrera en solitario han alcanzado los 150 millones de discos en todo el mundo?. Collins ha ganado numerosos premios musicales a lo largo de toda su carrera, incluyendo siete Premios Grammy, cinco Premios Brit, entre ellos mejor artista británico en tres ocasiones, un Premio de la Academia y dos Globo de Oro por su trabajo en bandas sonoras. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock como miembro de Genesis en 2010.
Collins es uno de los tres artistas pop, junto con Paul McCartney y Michael Jackson, que han vendido más de 100 millones de álbumes en todo el mundo tanto en su carrera en solitario como formando parte de una banda. Contando su trabajo con Genesis, sus contribuciones con otros artistas, y su exitosa carrera en solitario, Collins obtuvo más de cuarenta éxitos que encabezaron la lista del «Billboard Hot 100» durante la década de 1980.
En 2008 Collins ocupó el puesto número 22 en la lista de «Los 100 mejores artistas de todos los tiempos según el Billboard Hot 100».
El 7 de marzo de 2011 se hizo pública su retirada del mundo musical por problemas de salud y por no sentirse cómodo con la industria musical en general. En 2015 anuncia su regreso al mundo de la música, incluyendo nuevo álbum y su correspondiente gira de soporte.
Personales
1981 Face Value
1982 Hello, I Must Be Going!
1985 No Jacket Required
1987 12″ers
1989 …But Seriously
1990 Serious Hits… Live!
1993 Both Sides
1996 Dance into the Light
1998 …Hits
2002 Testify
2004 The Platinum Collection
2004 Love Songs: A Compilation… Old and New
2010 Going Back
Bandas sonoras
1984 Against All Odds
1985 White Nights
1988 Buster
1999 Tarzan
2003 Brother Bear
Sencillos
1981 «In the Air Tonight» «The Roof is Leaking» Face Value
1981 «I Missed Again» «I’m Not Moving» Face Value
1981 «If Leaving Me Is Easy» «In the Air Tonight» (demo)
1981 «I Missed Again» (demo) Face Value
1981 «Behind the Lines» Ninguno Face Value
1982 «Thru These Walls» «Do You Know, Do You Care?» Hello, I Must Be Going!
1982 «You Can’t Hurry Love» «Oddball» Hello, I Must Be Going!
1983 «I Don’t Care Anymore» «The West Side» Hello, I Must Be Going!
1983 «Don’t Let Him Steal Your Heart Away» «Thunder And Lightning»
1983 «And So to F» (Live version) Hello, I Must Be Going!
1983 «Why Can’t It Wait ‘Til Morning?» «Like China» Hello, I Must Be Going!
1983 «I Cannot Believe It’s True» «I Cannot Believe It’s True»7? Hello, I Must Be Going!
1983 «Do You Know, Do You Care?» Ninguno Hello, I Must Be Going!
1983 «Like China» «I Cannot Believe It’s True» Hello, I Must Be Going!
1984 «Against All Odds (Take a Look at Me Now)» «The Search» Against All Odds (OST)
1984 «Easy Lover» (con Philip Bailey) «Woman» Chinese Wall (del álbum Philip Bailey)
1985 «One More Night» «I Like the Way»
1985 «The Man With the Horn» No Jacket Required
1985 «Sussudio» «The Man With the Horn»
1985 «I Like the Way» No Jacket Required
1985 «Don’t Lose My Number» «We Said Hello Goodbye» No Jacket Required
1985 «Take Me Home» «Only You Know And I Know» No Jacket Required
1985 «The Man with the Horn»8? «Sussudio»
1985 «One More Night9? Non-album single
1985 «Inside Out» Ninguno No Jacket Required
1985 «Separate Lives» (con Marilyn Martin) «I Don’t Wanna Know» White Nights (OST)
1988 «In the Air Tonight (remix)» «I Missed Again» Ninguno
1988 «A Groovy Kind of Love» «Big Noise» Buster (OST)
1988 «Two Hearts» «The Robbery» Buster (OST)
1989 «Another Day in Paradise» «Heat on the Street …But Seriously
1990 «I Wish It Would Rain Down» «Homeless» (demo)
1990 «You’ve Been In Love (That Little Bit Too Long)» …But Seriously
1990 «Do You Remember?» «I Wish It Would Rain Down» …But Seriously
1990 «Something Happened on the Way to Heaven» «Lionel» (demo) …But Seriously
1990 «That’s Just the Way It Is» «Broadway Chorus» …But Seriously
1990 «Hang in Long Enough» «Separate Lives» (Live)
1990 «That’s How I Feel»
1990 «Around the World In 80 Presets» …But Seriously
1990 «Do You Remember?» (live) «Against All Odds» (live)
1990 «Doesn’t Anybody Stay Together Anymore?» (Live)
1990 «The Roof is Leaking» (Live)
1990 «Inside Out» (Live) Serious Hits… Live!
1991 «Who Said I Would» «Doesn’t Anybody Stay Together Anymore?» (Live) Serious Hits… Live!
1993 «Hero» (with David Crosby) «Coverage» Thousand Roads (David Crosby album)
1993 «Both Sides of the Story» «Always»
1993 «Rad Dudeski» Both Sides
1994 «Everyday» «Don’t Call Me Ashley» Both Sides
1994 «We Wait and We Wonder» «Hero»
1994 «For a Friend»
1994 «Take Me With You» Both Sides
1996 «Somewhere» «Somewhere» (Edited version) The songs of West Side Story (Various Artists)
1996 «Dance into the Light» «It’s Over» Dance into the Light
1996 «It’s in Your Eyes «Easy Lover» (Live)
1996 «Separate Lives» (Live)
1996 «Always» (Live)
1996 «I Don’t Want to Go» Dance into the Light
1996 «You Ought To Know (Toyota Corolla Limited Edition Single)» «Oughta Know By Now»
1996 «I Don’t Want To Go»
1996 «Another Time»
1996 «It’s Over»
1996 «It’s Everywhere»
1996 «Wear My Hat» Dance into the Light
1997 «No Matter Who» «In the Air Tonight» and «Both Sides of the Story» Dance into the Light
1997 «Wear My Hat» «Hat Dance» Dance into the Light
1997 «The Same Moon» «I Don’t Want to Go» and «Always» (Live) Dance into the Light
1998 «True Colors» «In the Air Tonight» Hits
1999 «You’ll Be in My Heart» «Trashin’ the Camp» Tarzan (OST)
2000 «Strangers Like Me» German version Tarzan (OST)
2000 «Son of Man» «You’ll Be in My Heart» Tarzan (OST)
2000 «Two Worlds» «You’ll Be in My Heart» Tarzan (OST)
2001 «In the Air Tonite» (con Lil’ Kim) Various remixes Urban Renewal
2002 «Can’t Stop Loving You» «High Flying Angel» Testify
2003 «Come with Me» Ninguno Testify
2003 «Wake Up Call» «Tears of a Clown» Testify
2003 «Home» (con Bone Thugs-N-Harmony) Versión instrumental y a capella de «Home» Thug World Order
2003 «The Least You Can Do» «Hey Now, Sunshine» Testify
2003 «Look Through My Eyes» «Transformation» Brother Bear (OST)
2003 «On My Way» «The Least You Can Do» Brother Bear (OST)
2004 «No Way Out» «No Way Out» (Radio edit) Brother Bear (OST)
2004 «Don’t Let Him Steal Your Heart Away» (re-release) Ninguno11? Love Songs: A Compilation… Old and New
2005 «You Touch My Heart» Ninguno11? Testify
2007 «In The Air Tonight» Ninguno12? Face Value
Peter Paul and Mary
Peter, Paul and Mary (también llamado PP&M) fue uno de los grupos musicales estadounidenses de música folk más exitosos de la década de 1960. Estaba compuesto por Peter Yarrow, Paul Stookey y Mary Travers.
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En 1962 iniciaron su carrera musical con su primer disco llamado Peter, Paul & Mary. En las décadas anteriores de los 60s la música folk fue identificada con artistas como Woody Guthrie o Pete Seeger. Cuando Peter, Paul y Mary llegaron a la escena, para la mayoría de América, el folk era visto sólo como un derivado de la música pop que empleaba instrumentos acústicos. En esta coyuntura histórica crítica, con el país todavía recuperándose de la era de McCarthy, el Movimiento de los Derechos Civiles tomó forma, con la guerra fría y un espíritu naciente de activismo en el aire.
Ningún grupo folk americano ha durado más o acumulado muchos seguidores más leales que Peter, Paul and Mary, de hecho, ningún grupo de cualquier género ha registrado más años (45) o millas (incontables) de gira en directo.[cita requerida]
Durante su carrera legendaria, el trío ganó cinco premios Grammy, produjo 13 éxitos del top 40, 6 de las cuales subieron al top 10 – así como ocho discos de oro y cinco de platino.
Álbumes
1962: Peter, Paul and Mary
1963: Moving
1963: In the Wind
1964: In Concert
1965: A Song Will Rise
1965: See What Tomorrow Brings
1966: The Peter, Paul and Mary Album
1967: Album 1700
1967: In Japan
1968: Late Again
1969: Peter, Paul and Mommy
1970: The Best of Peter, Paul and Mary: Ten Years Together
1978: Reunion
1983: Such Is Love
1986: No Easy Walk To Freedom
1988: A Holiday Celebration
1990: Flowers & Stones
1993: Peter, Paul and Mommy, Too
1995: Once Upon The Time
1995: PPM& (Lifelines)
1996: Lifelines Live
1998: Around the Campfire
1998: The Collection
1999: Songs of Conscience and Concern
2000: Don’t Laugh at Me
2004: Carry It On
2004: In These Times
2005: The Very Best of Peter, Paul & Mary
2005: Platinum Collection
2006: Weave Me the Sunshine
2008: The Solo Recordings (1971-1972)
Extracto de Wikipedia
Peter Tosh
Winston Hubert McIntosh (n. 19 de octubre de 1944, Westmoreland – 11 de septiembre de 1987, Kingston), más conocido como Peter Tosh, fue un músico de reggae jamaiquino, defensor de los derechos humanos y activista pro-legalización del cannabis. Formó parte en sus principios del grupo The Wailers, para luego tener una exitosa carrera como solista, además de ser uno de los más famosos representantes del movimiento Rastafari.
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Impulsó y difundió, al igual que Bob Marley, el reggae por todo el mundo y es considerado uno de los mejores artistas de reggae de todos los tiempos.
Su firmeza en la lucha contra el sistema, su rechazo a la utilización bélica de las armas nucleares, la defensa de los derechos humanos y el rechazo público al Apartheid (fue el primer gran compositor que se mostró en contra abiertamente), además de la legalización de la marihuana son unos de los temas fundamentales de la vida y la carrera musical de Peter Tosh.
Crítico con la política de su país y global, llegó a decir: «La verdad ha sido calificada como ilegal. Es peligroso tener la verdad en tu poder. Puedes ser culpable de un delito y condenado a muerte».
«Equal Rights», su éxito de 1977, incluye la conocida frase, repetida años después en muchas protestas «Yo no quiero paz, quiero igualdad y justicia».
Una de sus decisiones más conocidas fue cuando hizo perder a sus productores 78.000 dólares por no tocar en Israel, ya que los israelitas le vendían armas al Apartheid de África en ese tiempo.
Nació en un pequeño pueblo rural de Jamaica, llamado Westmoreland, de unos padres demasiado jóvenes como para hacerse cargo de él. Su madre, Alvera Coke dejó que fuese criado desde los tres años por su tía. Como aseguró refiriéndose a su infancia en una entrevista con Roger Steffens acerca de la influencia que su tía había tenido para él: «…no tuvo nada de influencia en mi. Yo tenía tres años físicamente, pero cincuenta años de mentalidad. Crecí con una mente madura, capaz de distinguir lo que es correcto y justo, no como mis padres…».
Peter Tosh, que no conoció a su padre, James McIntosh sino hasta los 10 años, se dio cuenta de que aquel predicador de la iglesia local, que supuestamente era su padre, tenía numerosos hijos con otras mujeres y además se negaba a admitirle como propio. En una entrevista dijo «…mi padre, es un mal hombre, un bribón. Lo que él hace para la vida es darse la vuelta y dejar un millón de niños detrás de él. Yo tengo tantos hermanos que no me conocen… «.
En su infancia tuvo una educación cristiana, asistiendo a la iglesia local a diario. Su experiencia allí, cantando en el coro y aprendiendo a tocar el órgano fueron los primeros contactos de Peter con la música. Preguntado por si se acordaba de la primera vez que tocó la guitarra, éste respondió en una ocasión: «El lunes aquel por la mañana que cogí la guitarra, me quedé tan hipnotizado que no me di cuenta sino hasta la tarde del tiempo que había pasado, y para entonces ya había creado una melodía».
Esta infancia tan dura fue lo que a la larga desarrolló en Tosh un fuerte carácter, gran ironía y una gran autosuficiencia y espíritu luchador.
En 1956, Peter y su tía se mudaron a Denham Town, en Kingston, capital de Jamaica. Un año después, cuando él tenía quince años de edad, su tía murió y fue a vivir con un tío en la calle West, en Trenchtown.
Álbumes de estudio
Legalize It (1976)
Equal Rights (1977)
Bush Doctor (1978)
Mystic Man (1979)
Wanted Dread And Alive (1981)
Mama Africa (1983)
No Nuclear War (1987)
Álbumes en vivo
Captured Live (1984)
Live at la cancha del poli Concert (2000)
Live & Dangerous: Boston 1976 (2001)
Live At The Jamaica World Music Festival 1982 (2002)
Complete Captured Live (2004)
Compilaciones
Las compilaciones listadas contienen material inédito fuera de Jamaica.
Honorary Citizen (1997)
Scrolls Of The Prophet: The Best of Peter Tosh (1999)
I Am That I Am (2001)
The Best Of Peter Tosh 1978-1987 (2003)
Talking Revolution (2005)
The Ultimate Peter Tosh Experience (2009)
Peter Green
Peter Allen Greenbaum, más conocido como Peter Green (Londres, 29 de octubre de 1946-Ib., 25 de julio de 2020), fue un músico, compositor y productor inglés de blues rock y rock, conocido mayormente por haber sido el guitarrista y sucesor de Eric Clapton en John Mayall & the Bluesbreakers, y por ser el fundador de Fleetwood Mac.
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Inició su carrera profesional en 1966 en la banda de Peter Bardens y al año siguiente ingresó a la agrupación de John Mayall, donde participó en las grabaciones de A Hard Road. A mediados de 1967 decidió fundar su propio grupo al que llamó Fleetwood Mac, en donde fungió como guitarrista, compositor y vocalista principal. Estuvo en la banda por solo tres años, ya que en 1970 decidió retirarse, aunque otros medios informaron que los otros integrantes lo despidieron debido a su mala salud mental. Tras su salida de Fleetwood Mac, inició su carrera solista con el disco The End of the Game y colaboró hasta 1973 en varios álbumes de otros artistas. Sin embargo, durante la segunda mitad de los setenta fue diagnosticado con esquizofrenia, que lo obligó a retirarse de la música para pasar gran parte de su tiempo en hospitales psiquiátricos.
En 1979 retomó su carrera solista y durante los primeros años de la década de 1980 publicó cinco álbumes de estudio. Sin embargo, en 1984 se alejó nuevamente de la música para vivir como ermitaño. En 1991, luego de que su familia intervino en su rara forma de vida, formó Peter Green Splinter Group que en sus casi diez años de existencia lanzaron siete álbumes de estudio y uno en directo, hasta que en 2004 le dio término abruptamente. Desde entonces dio algunas presentaciones esporádicas, siendo en 2010 la última aparición pública como músico.
Peter Green es considerado como una de las figuras más importantes del blues británico, cuyo marcado vibrato y su economía de estilo lo posiciona como uno de los guitarristas más creativos y originales que ha dado Inglaterra. En 2004 fue incluido en el puesto 58 de la lista de los guitarristas más grandes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. Mientras que en junio de 1996 fue votado como el tercer mejor guitarrista de todos los tiempos por la revista Mojo.
Nació en el barrio de Bethnal Green de Tower Hamlets en Londres, siendo el menor de cuatro hijos del matrimonio judío integrado por Joe y Ann Greenbaum. A los 10 años de edad su hermano Michael trajo una guitarra española y desde entonces comenzó a tocarla bajo la influencia de Hank Marvin de The Shadows, Muddy Waters, B.B. King y de antiguas canciones judías. A los 15 años acortó su nombre al actual y comenzó a tocar el bajo en algunas bandas locales como Bobby Dennis and the Dominoes y The Tridents, donde versionaban distintas canciones de la música popular. A mediados de 1966 fue convocado por Peter Bardens para ser el guitarrista líder de su banda Peter B’s Looners, que más tarde pasó a llamarse Shotgun Express, donde compartió además con Mick Fleetwood y Rod Stewart. Junto con la banda publicó el sencillo «If You Wanna Be Happy», una versión instrumental del cantante Jimmy Soul, que se convirtió en su debut discográfico
Discografía
Con Fleetwood Mac
1968: Fleetwood Mac
1968: Mr. Wonderful
1969: Then Play On
1973: Penguin (guitarra en «Night Watch», no acreditado)
1979: Tusk (guitarra en «Brown Eyes», no acreditado)
Carrera solista. Álbumes de estudio
1970: The End of the Game
1979: In the Skies
1980: Little Dreamer
1981: Whatcha Gonna Do?
1982: White Sky
Álbumes recopilatorios
1983: Kolors
Con Peter Green Splinter Group. Álbumes de estudio
1997: Peter Green Splinter Group
1998: The Robert Johnson Songbook
1999: Destiny Road
2000: Hot Foot Powder
2001: Time Traders
2001: Blues Don’t Change
2003: Reaching the Cold 100
Álbumes en vivo
1999: Soho Session
Peter Gabriel
Peter Brian Gabriel (Chobham, Surrey, Inglaterra, 13 de febrero de 1950), más conocido como Peter Gabriel, es un cantautor y productor británico de rock. Fue el vocalista principal y flautista de la banda de rock progresivo Genesis. Fundó este grupo con sus compañeros Tony Banks, Anthony Phillips y Mike Rutherford cuando estudiaba en la escuela secundaria Charterhouse. Tras abandonar Genesis, comenzó una exitosa carrera como solista y más adelante, dirigió sus esfuerzos en la producción y promoción de «World of Music» (WOMAD) así como en desarrollar la distribución de música por métodos digitales. Se ha involucrado en varios esfuerzos humanitarios.
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Pionero y emblema de la música rock y pop incursionó en el uso del stage diving en la aparición en público con trajes y disfraces como parte del espectáculo, hoy en día usados por artistas como Lady Gaga. Promotor del uso innovador de los videoclips con recursos como stop-motion y en vídeos como Sledgehammer; ha sido uno de los primeros en experimentar con la caja de ritmos, combinando elementos étnicos y del rock, entre otros aspectos, lo que hace de Peter Gabriel uno de los artistas más influyentes en la música actual.
En 2007 fue galardonado como un icono BMI en la 57.ª edición de los BMI London Awards por su «influencia generacional en la música». Ganó también un Premio de Música Polar en 2009 y fue introducido en el Salón de la Fama del Rock en 2010 —por haber pertenecido a Genesis- en 2014 fue nominado e incluido por su obra como solista.
Nació en Chobham, una parroquia civil de Inglaterra. Su padre, Ralph Parton Gabriel fue un ingeniero electricista que participó en el desarrollo de la tecnología de la fibra óptica. Su madre, Edith Irene Allen, de familia con tradición musical, le enseñó a tocar el clarinete a temprana edad. Peter Gabriel asistió a Cable House, una escuela primaria privada en Woking (Surrey), luego a la St Andrews Prep School en Horsell y a partir de 1963, estuvo en Charterhouse School (Godalming).
Álbumes de estudio
1977: Peter Gabriel I (Car, automóvil)
1978: Peter Gabriel II (Scratch, rasguño)
1980: Peter Gabriel III (Melt, cara derretida)
1982: Peter Gabriel IV (Security, seguridad)
1986: So (álbum)
1992: Us (álbum de Peter Gabriel)
2002: Up (álbum de Peter Gabriel)
2010: Scratch my back
2011: New Blood6
Álbumes recopilatorios
1990: Shaking the Tree
1992: Peter Gabriel Revisited
2003: Hit
2013: And I’ll Scratch Yours
2019: Rated PG
2019: Flotsam and Jetsamn
Álbumes en vivo
1983: Peter Gabriel Plays Live (existen dos versiones en CD, una completa y una de highlights)
1994: Secret World Live
2012: Live Blood
2014: Back to Front: Live in London
Bandas sonoras
1985: Birdy (Music from the Film) (banda sonora de la película Alas de Libertad, de Alan Parker)
1989: Passion: Music for The Last Temptation of Christ (banda sonora de la película de Martin Scorsese)
2000: Ovo
2002: Long Walk Home: Music from the Rabbit-Proof Fence
Otros álbumes y colaboraciones
1984: Against All Odds (banda sonora de la película; participó con el tema Walk Through The Fire)
1993: Philadelphia (banda sonora de la película; participó con el tema Lovetown)
1995: Babe (banda sonora de la película; participó con That’ll do)
1996: Phenomenon (en la película se incluyó una nueva versión de su pieza titulada I Have The Touch)
1998: Brimstone (tema principal de la serie)
2008: WALL·E (banda sonora de la película; escribió la canción Down to Earth)
2008: Big Blue Ball
2016: «A.I.», con OneRepublic, en el álbum Oh My My.
Peter Frampton
Peter Kenneth Frampton (nacido el 22 de abril de 1950 en Beckenham, Kent) es un músico británico, conocido por su trabajo solista a mediados de los años 1970 y como uno de los miembros originales de la banda Humble Pie. Famoso por haber sido el compositor original del tema «Baby, I Love Your Way», así como de otros éxitos entre los cuales destacan «Do You Feel Like We Do» o «I’m In You», y por su doble directo como solista editado en 1976, Frampton Comes Alive!, considerado uno de los mejores y más vendidos discos en directo de la historia del rock.
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Peter Frampton nació el 22 de abril de 1950, en la ciudad británica de Beckenham, en el condado de Kent. Comienza a tocar la guitarra con siete años y a los diez forma su primera banda en la escuela, «The Little Ravens», con David Bowie, tocando temas de Buddy Holly. Sigue tocando en grupillos de colegio hasta que en 1966 conoce a Bill Wyman de los Rolling Stones, y este le empieza a representar como mánager. Desde 1966 hasta 1969 formó parte de la banda The Herd.
En 1969 ficha por Humble Pie con Steve Marriott. Tras cinco exitosos álbumes con esta banda, decide marcharse y formar su propia banda.
Con la compañía A&M Records publica los primeros discos: Wind of Change, Frampton’s Camel y Somethin’s Happening.
En 1975 llega al número 32 de las listas norteamericanas con Frampton y al año siguiente publica el multiplatino Frampton Comes Alive!, un doble directo grabado en San Francisco en 1976, del cual se vendieron dieciséis millones de copias.
En 1976 colabora con Frankie Valli en el tema principal de la BSO de la película Grease. Su carrera musical continúa con otro LP con la colaboración de Ringo Starr y con el apoyo de la prestigiosa revista Rolling Stone.
En 1978 protagoniza, junto con los Bee Gees y una pléyade de músicos de primer orden (como Earth, Wind and Fire, Aerosmith o Alice Cooper), la película Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, inspirada en el álbum homónimo de The Beatles, y grabando varios temas en calidad de solista, como «The Long and Winding Road».
En 1987, hace con David Bowie y Carlos Alomar la gira Glass Spider World Tour. Tras dos años de gira, se muda a Los Ángeles.
En 1990 vuelve a encontrarse con Steve Marriott, de Humble Pie, y vuelven a hacer algunos temas, pero Marriott muere en abril cuando se produce en su casa un incendio. En una entrevista a Frampton, este declara: «Trabajábamos juntos en un proyecto, no íbamos a resucitar a ‘Humble Pie’. Grabamos tres temas, sentíamos que estábamos otra vez en el buen camino, pero todo ha cambiado repentinamente».
En 1995 graba Frampton Comes Alive! II, secuela de su exitoso álbum en vivo de 1976.
Álbumes
1972 Wind of Change
1973 Frampton’s Camel
1974 Somethin’s Happening
1975 Frampton
1977 I’m in You
1979 Where I Should Be
1981 Breaking All the Rules
1982 The Art of Control
1986 Premonition
1989 When All the Pieces Fit
1994 Peter Frampton
2003 Now
2006 Fingerprints
2010 Thank You Mr. Churchill
2014 Hummingbird in a Box: Songs for a Ballet
2016 Acoustic Classics
2019 All Blues
En Vivo
1976 Frampton Comes Alive!
1995 Frampton Comes Alive! II
2000 Live in Detroit
2001 Frampton Comes Alive!: 25th Anniversary Deluxe Edition
Sencillos
«Jumpin’ Jack Flash / Oh For Another Day». A&M (Mayo de 1972)
«It’s A Plain Shame / Oh For Another Day». A&M (Septiembre de 1972)
«All Night Long / Don’t Fade Away». A&M (Mayo de 1973)
«Which Way The Wind Blows / I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)». A&M (Julio de 1973)
«Baby (Something’s Happening) / I Wanna Go To The Sun». A&M (Mayo de 1974)
«Show Me The Way / The Crying Clown». A&M (Junio de 1975)
«Baby, I Love Your Way / (I’ll Give You) Money». A&M (agosto de 1975)
«(I’ll Give You) Money / Nowhere’s Too Far (For My Baby)». A&M (Octubre de 1975)
«Show Me The Way (en vivo) / Shine On (en vivo)». A&M (abril de 1976) – POP #6; UK #10
«Baby, I Love Your Way (en vivo) / It’s A Plain Shame (en vivo)». A&M (Junio de 1976) – POP #12
«Baby, I Love Your Way (en vivo) / (I’ll Give You) Money (en vivo)». A&M (agosto de 1976) – UK #43
«Do You Feel Like We Do (en vivo) / Penny For Your Thoughts (en vivo)». A&M (Octubre de 1976) – POP #10; UK #39
«I’m In You / St. Thomas (Don’t You Know How I Feel)». A&M (Julio de 1977) – POP #2; UK #41
«Signed, Sealed, Delivered (I’m Yours) / Rocky’s Hot Club». A&M (Septiembre de 1977) – POP #18
«Tried To Love / You Don’t Have To Worry». A&M (Diciembre de 1977) – POP #41
«I Can’t Stand It No More / Where Should I Be». A&M (Mayo de 1979) – POP #14
«I Can’t Stand It No More / May I Baby». A&M (Junio de 1979)
«She Don’t Reply / St. Thomas (Don’t You Know How I Feel)». A&M (agosto de 1979)
«Breaking All The Rules / Night Town». A&M (agosto de 1981) – ROK #12
«Wasting The Night Away / You Kill Me». A&M (Noviembre de 1981)
«Sleepwalk / Theme From Nivram». A&M (agosto de 1982)
«Lying / Into View». Atlantic (Noviembre de 1985) – POP #74, ROK #4
«Lying / You Know So Well». Virgin (Diciembre de 1985)
«All Eyes On You / So Far Away». Atlantic (Febrero de 1986)
«All Eyes On You / Into View». Virgin (abril de 1986)
«Hiding From A Heartache / Into View». Atlantic (Mayo de 1986)
«Holding On To You / Give Me A Little Love That’s Real». Atlantic (Septiembre de 1989) – ROK #27
«Day In The Sun». Relativity (Enero de 1994) – ROK #9
Peter Cetera
Peter Paul Cetera (Chicago, Illinois, 13 de septiembre de 1944) es un cantautor, bajista y productor estadounidense, conocido por ser un miembro original de la banda Chicago (1967-1985). Desde que abandonó el grupo, Cetera ha logrado que dos de sus sencillos alcancen la máxima posición de la lista Billboard Hot 100.
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Cetera nació en el sur de Chicago, siendo el segundo de los seis hijos que tuvo una pareja conformada por un polaco-estadounidense y una húngara-estadounidense.
A los 11 años manifestó su deseo de tener una guitarra, pero sus padres le obsequiaron un acordeón. Cuatro años más tarde, unos alumnos de su secundaria lo llevaron a un club a ver el show de la banda The Rebel Rockers, lo que lo llevó a adquirir una guitarra acústica en la tienda Montgomery Ward. Finalmente, tomó el bajo y comenzó a tocar en su ciudad junto a sus amigos, un baterista, un saxofonista y un guitarrista, compartiendo el rol de vocalista con este último.
Cetera participó en diversos grupos en el área de Chicago, incluyendo una popular banda local llamada The Exceptions, con la que recorrió el Medio Oeste de Estados Unidos a mediados de los años 1960, lanzando dos álbumes y varios sencillos.
Álbumes
1981: Peter Cetera
1986: Solitude/Solitaire
1988: One More Story
1992: World Falling Down
1995: One Clear Voice
1997: You’re The Inspiration: A Collection
2001: Another Perfect World
2004: You Just Gotta Love Christmas
Extracto de Wikipedia
Peter Bardens
Peter Bardens (19 de junio de 1944 – 22 de enero de 2002) fue un músico británico, reconocido por haber sido pianista, tecladista y uno de los miembros fundadores del legendario grupo de rock progresivo Camel.
Nació en Westminster, al sur de Londres, y se integró en la banda desde sus comienzos en el año 1971. Junto a Andrew Latimer, marcó el rumbo y la definición de la línea conceptual del grupo y participó en la creación de casi todos los temas. En 1978 decidió dejar la banda por sus crecientes diferencias con el propio Latimer, en el momento de mayor creatividad del grupo.
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Como era habitual en los teclistas progresivos de los años 70, Bardens basaba su trabajo en el sonido característico del órgano Hammond, los sintetizadores analógicos, el Mellotron y también el piano.
Bardens estudió en el St. Marylebone Grammar School y luego en la escuela de arte Byam Shaw. Su primer instrumento fue el violín y más tarde el piano clásico. Con el tiempo se iría acercando hacia el blues y el jazz, aunque también vivió intensamente el surgimiento del pop.
Comenzó su carrera en un trío llamado Hamilton King’s Blues Messengers, en el año 1962, donde también estaba Ray Davies. Posteriormente, junto con Mick Fleetwood, formó el grupo llamado The Cheynes, entre 1963 y 1965.
En 1965 fue teclista de la banda Them, que también integraba Van Morrison. Luego formó el grupo denominado Peter B’s Looners, que se convertiría más tarde en The Shotgun Express, entre 1966 y 1967, una banda de pop rock integrada asimismo por Rod Stewart, Peter Green y su gran amigo Mick Fleetwood, estos dos últimos luego fundadores de Fleetwood Mac.
En mayo de 1968 formó el trío Village, y dos años más tarde inició un período como solista, editando su primer álbum, «The Answer», en septiembre de 1970. Su siguiente obra se llamó «Write My Name in the Dust» y fue editada en julio de 1971, en la cual participaron Peter Green, Vic Linton, Reg Isadore, Bruce Thomas y John Owen.
En 1971 se unió a Andrew Latimer, Doug Ferguson y Andy Ward para fundar el grupo Camel, lo que representó el período más trascendente de su prolongada actividad como músico y compositor de rock progresivo y sinfónico.
Discografía
1970 – The Answer
1971 – Write My Name in the Dust
1973 – Camel (junto a Camel)
1974 – Mirage (junto a Camel)
1975 – The Snow Goose (con Camel)
1976 – Moonmadness (con Camel)
1976 – Vintage 69
1977 – Rain Dances (con Camel)
1977 – A Live Record (con Camel)
1978 – Breathless (con Camel)
1978 – Wavelength (integrando la banda de Van Morrison)
1979 – Heart to Heart
1984 – Keats (con la banda del mismo nombre)
1986 – Seen One Earth
1988 – Speed of Light
1989 – Pete Bardens (relanzamiento de Write My Name in the Dust)
1989 – White Magic Soundtrack (para el film de Warren Miller)
1991 – Water Colors
1993 – Further Than You Know
1995 – Big Sky
1995 – Mirage: Live 14.12.94
2000 – Speed of Light: Live (junto a su banda Mirage)
2002 – Art of Levitation
2002 – Live: Germany 1996
2005 – Write My Name in the Dust: Anthology
Extracto de Wikipedia
Peter Banks
Peter Banks es el nombre artístico de Peter William Brockbanks (15 de julio de 1947-Barnet, Hertfordshire, 8 de marzo de 2013), quien fuera guitarrista original de la banda de rock progresivo Yes.
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Siendo un niño, su padre le compró una guitarra acústica. Peter demostró una gran maestría en su uso. Siendo adolescente, también aprendió a tocar el banjo.
Peter Banks conoció a Chris Squire y se unieron al grupo The Syn, junto a Andrew Jackman (piano), que posteriormente se convirtió en colaborador de Yes y Chris Squire records. The Syn se desintegró en 1967, habiendo publicado tan solo dos singles. En 1968, Peter tocó por un periodo corto de tiempo en la banda Neat Change, publicando un single.
Solo
Two Sides of Peter Banks (1973)
Instinct (1993)
Self-Contained (1995)
Reduction (1999)
The Self-Contained Trilogy (2018)
Be Well, Be Safe, Be Lucky… The Anthology (2018)
Pete Townshend
Peter Dennis Blandford «Pete» Townshend (19 de mayo de 1945) es un guitarrista, cantante y compositor británico de rock, reconocido principalmente por su trabajo con el grupo de rock The Who. Su carrera con The Who abarca más de cuarenta años, durante los cuales el grupo pasó a ser considerado una de las bandas más influyentes de la década de 1960 y de 1970. Según declaró Eddie Vedder, líder de Pearl Jam: «The Who es posiblemente el mejor grupo en directo».
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Dentro de The Who, Townshend es el principal compositor y ha escrito más de cien canciones para un total de once discos de estudio del grupo, en su mayoría álbumes conceptuales y óperas rock como Tommy (1969), Quadrophenia (1973) y Endless Wire (2006). Tras la primera disolución del grupo en 1983, publicó trabajos conceptuales en solitario como Empty Glass (1980), White City: A Novel (1986), The Iron Man: The Musical by Pete Townshend (1989) y Psychoderelict (1993), y emprendió otras actividades extramusicales como editor de Faber & Faber. En el plano musical, aunque su principal instrumento es la guitarra, toca otros instrumentos como los teclados, el banjo, el bajo y sintetizadores.
Además, ha contribuido como colaborador o autor para periódicos, artículos de revistas, críticas de libros, ensayos y guiones, y ha colaborado como compositor para otros artistas y músicos. Fue situado en el puesto tres de la lista de los mejores guitarristas en el libro de Dave Marsh The New Book of Rock Lists,2? en el puesto 10 de la lista de los 50 mejores guitarristas de la web de Gibson, y en la misma posición de la lista de los 100 mejores guitarristas elaborada por la revista Rolling Stone. En 1990, Townshend ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de The Who.
En solitario
1970: Happy Birthday
1970: I Am
1972: Who Came First
1978: Rough Mix (con Ronnie Lane)
1980: Empty Glass
1982: All the Best Cowboys Have Chinese Eyes
1985: White City: A Novel
1986: Deep End Live!
1989: The Iron Man: The Musical by Pete Townshend
1993: Psychoderelict
2000: Lifehouse Chronicles
Percy Sledge
Percival Tyrone Sledge (Leighton, Alabama, 25 de noviembre de 1941- Baton Rouge, Luisiana, 14 de abril de 2015) fue un cantante estadounidense de soul y blues.
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Sledge fue una de las figuras clave del soul y uno de los pioneros del llamado country soul a finales de la década de 1960. Se le conoce mundialmente por su interpretación del tema When a Man Loves a Woman (1966), que fue el único número 1 de toda su discografía. Su admirable voz le llevó a la inmortalización de dicho tema, aunque también obtuvo otros grandes éxitos en la década de 1970, como I’ll be your everything y Sunshine.
En 1987 obtuvo otro éxito internacional cuando su tema de 1966 «When A Man Loves A Woman» se utilizó en un anuncio de la famosa marca Levi’s.
Por su repercusión como figura de la música, fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame en 2005.
Falleció el 14 de abril de 2015, a los 74 años, en su residencia de Baton Rouge (Luisiana), debido a un cáncer hepático.
Pedro Guerra
Pedro Manuel Guerra Mansito, más conocido como Pedro Guerra (Güímar, Tenerife, 2 de junio de 1966), es un cantautor español.
Nació en Güímar, provincia de Santa Cruz de Tenerife (Canarias) (España), y es hijo de Pedro Guerra Cabrera, primer presidente del Parlamento de Canarias y senador por el Partido Socialista Obrero Español, y de Lourdes Mansito Pérez.
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Simultaneará sus estudios en el colegio y el instituto con los de música en la filial de Arafo del Conservatorio Superior de Música de Tenerife, pasando a la sede principal del mismo en Santa Cruz de Tenerife para estudiar guitarra, instrumento que cursará hasta cuarto curso junto al de solfeo.
Recopilaciones
Nueva canción canaria (1985)
Contaminados (2005)
Taller Canario
Trapera (1987)
Identidad (1988)
A por todas (1989)
Rap a duras penas (1991)
En solitario
Golosinas (1995)
Tan cerca de mí (1997)
BSO de Mararía (1998)
Raíz (1998)
Ofrenda (2001)
Hijas de Eva (2002)
La palabra en el aire (2003)
Bolsillos (2004)
Vidas (2008)
Alma mía (2009)
Contigo en la distancia (2010)
El mono espabilado (2011)
30 años (2013)
14 de ciento volando de 14 (2016)
Arde Estocolmo (2016)
Paul Young
Paul Antony Young (Luton, Bedfordshire, Inglaterra, 17 de enero de 1956) es un músico británico de pop.
Su primer gran éxito llegó con la canción en 1985: Everytime you go away (Cada vez que te alejas) que fue escrita originalmente por Daryl Hall. En 1991 cantó a dúo con el cantante italiano Zucchero la balada-pop Senza una Donna (Sin una mujer) que también fue un éxito. En 1992 participó en una de las tocatas punk en el New Mod (Londres) en el Tributo a Freddie Mercury junto con los miembros restantes de Queen interpretando la canción «Radio Gaga».
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Lanzó una colección de sus canciones más famosas. Sin embargo, su mayor popularidad la obtuvo haciendo nuevas interpretaciones de canciones conocidas como «Wherever I lay my hat (that’s my home») de Marvin Gaye. Su último disco de versiones y canciones escritas por él se editó en 1997 bajo el título «Paul Young».
En la actualidad participa regularmente en una serie de conciertos – nostalgia de los 80 en Gran Bretaña llamados «Here and Now» con estrellas del tipo Martin Fry («ABC»), Peter Cox (Go West), Kim Wilde, Tony Hadley (Spandau Ballet) y también participa en la SAS BAND formada por músicos británicos de los 70 y 80. Desde hace un tiempo milita en un grupo músico-vocal de rock «Tex-Mex» llamada Los Pacaminos junto con Jamie Moses, guitarrista que ha tocado como segunda guitarra de «The Brian May Band» y en las dos giras de «Queen + Paul Rodgers»
Álbumes
No Parlez (1983)
The Secret of Association (1985)
Between Two Fires (1986)
Other Voices (1990)
From Time To Time – The Singles Collection (1990)
The Crossing (1993)
Reflections (1994)
Paul Young (1997)
The Essential Paul Young (2003)
Rock Swings – On the Wild Side of Swing (2006)
Remixes & Rarities (2013)
Tomb Of memories – The CBS Years (1982-1994)
Good Thing (2016)
Paul Weller
John William Weller o Paul Weller (Woking, Surrey, Inglaterra, 25 de mayo de 1958) es un músico, cantante y compositor británico. Fundador y antiguo líder de los grupos The Jam y The Style Council. Rebautizado por la prensa como The Modfather, es considerado figura imprescindible del movimiento mod de todos los tiempos. No obstante, en su etapa en solitario Weller se abrió a otros estilos antes denostados por él como el folk y el country. Recibe influencias tan variadas como: The Kinks, Marvin Gaye, Neil Young, Bob Dylan, The Who, Steve Winwood, Nick Drake, Small Faces, o Cole Porter.
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Tras disolverse The Style Council en 1989, Weller se replantea su futuro concluyendo que es el momento de desarrollar carrera solo y al margen de su discográfica de toda la vida, Polydor. En 1991 crea el sello independiente Freedom High Records y publica en formato sencillo y maxi sencillo Into Tomorrow bajo el nombre artístico de «The Paul Weller Movement». Un año después los impedimentos económicos le obligan a cerrar el sello y publicar su primer álbum, Paul Weller, con otra discográfica independiente: Go! Discs.
A partir de ahí comienza a subir peldaños en calidad y eclecticismo con sus siguientes álbumes, Wild Wood (1993) y Stanley Road (1995). Este tercer álbum alcanzó el número 1 en las listas de ventas del Reino Unido y fue premiado como Mejor Artista británico en los Brit Awards de ese año y el año siguiente.
Posteriormente edita otros cinco álbumes de estudio: Heavy Soul (1997), Heliocentric (2000), Illumination (2002) con el que consigue también llegar al #1 en las listas, Studio 150 (2004) disco tributo de versiones a algunos de sus artistas favoritos, y As Is Now (2005).
En 2006 ha sido nuevamente premiado en Brit Awards, en este caso con el premio especial a toda su carrera por su Contribución a la Música.
Desde un principio, su baterista en The Style Council Steve White le acompaña en las grabaciones y directos, y pronto se hace acompañar del guitarrista Steve Cradock, componente del grupo Ocean Colour Scene, grupo descubierto y ayudado por Paul desde sus inicios en 1989. Posteriormente es el bajista de ese grupo, Damon Minchella, quien entra también en la formación fija que acompaña a Weller en estudio y en directo.
Los tres discos siguientes son considerados por parte de la crítica musical como una trilogía. Paul Weller lo desmintió en una entrevista concedida en España tras la publicación de Sonik Kicks (2012). Tanto éste como 22 Dreams (2008, su obra maestra para algunos críticos musicales) alcanzaron nuevamente el nº 1 en las listas británicas. Wake Up the Nation (2010), a pesar de tener que conformarse con el n°2, fue disco de oro por las ventas conseguidas. En este disco contribuye en un tema el bajista de The Jam, Bruce Foxton, al bajo y coros.
Paul Weller se ha convertido quizá en uno de los músicos británicos más prolíficos de su generación (junto a Elvis Costello), y probablemente el más exitoso en el Reino Unido. Así lo avalan sus once álbumes de estudio en veinte años, que todos entraron en el Top Ten y cuatro de ellos alcanzaron el número 1.
Discografía
Paul Weller – (1992) #8 UK
Wild Wood – (1993) #2 UK (Platinum)
Stanley Road – (1995) #1 UK (4 × Platinum)
Heavy Soul – (1997) #2 UK (Gold)
Heliocentric – (2000) #2 UK (Silver)
Illumination – (2002) #1 UK (Gold)
Studio 150 – (2004) #2 UK (Silver)
As Is Now – (2005) #4 UK (Gold)
22 Dreams – (2008) #1 UK (Silver)
Wake Up the Nation – (2010) #2 UK (Gold)
Sonik Kicks (2012) # 1 UK
Saturns Pattern (2015)3?
A Kind Revolution – (2017)
True Meanings – (2018)
Other aspects: Live at The Royal Festival Hall – (2019)
On sunset – (2020)
Paul Simon
Paul Frederic Simon (Newark, Nueva Jersey, 13 de octubre de 1941) es un cantante, músico y renombrado compositor musical estadounidense. Se graduó en el Queens College y estudió durante un breve periodo en la escuela de derecho de Brooklyn (Nueva York). Es considerado como uno de los mejores cantautores de toda la historia, ocupando el octavo lugar, según la revista Rolling Stone.
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Simon fue el compositor del dúo Simon & Garfunkel, autores de diversos álbumes de gran éxito como Bridge over Troubled Water (1970). Antes de unirse a Garfunkel, Simon había compuesto y grabado más de 30 canciones entre 1957 y 1964, año en que el dúo grabó su primer disco con la compañía Columbia Records.
Simon y Garfunkel contribuyeron también a la banda sonora de la película de 1967 El Graduado, protagonizada por Dustin Hoffman y Anne Bancroft. Paul Simon compuso la canción «Mrs. Robinson» especialmente para la película; en la película también aparecen otras canciones del dúo. La canción «Mrs. Robinson» consiguió dos premios Grammy.
En 1970 con Simon & Garfunkel graban para el sello CBS el álbum Bridge over Troubled Water, donde se incluye «El Cóndor Pasa» tema popular andino, música del peruano Daniel Alomías Robles y con el acompañamiento en la quena de Uña Ramos. Para la canción «Duncan» en 1972 vuelve a utilizar los sonidos andinos de la quena.
Aunque ya llevaban una década separados (el dúo se disolvió en 1971), Simon se reunió de nuevo con Garfunkel en 1981 para realizar un concierto en el Central Park de Nueva York. Aunque iniciaron un nuevo álbum juntos, Garfunkel decidió retirarse del proyecto ya que no estaba de acuerdo con algunas de las letras propuestas por Simon. Este álbum acabó siendo una grabación de Paul Simon en solitario, Hearts and Bones.
En 2003 Simon y Garfunkel se reunieron de nuevo para iniciar una gira, primero por los Estados Unidos de América y después por el resto del mundo (2004)
Discografía
1965 The Paul Simon Song Book (Columbia)
1972 Paul Simon (Columbia)
1973 There Goes Rhymin’ Simon (Columbia)
1974 Paul Simon in Concert: Live Rhymin (Columbia) (Directo)
1975 Still Crazy After All These Years (Columbia)
1977 Greatest Hits, etc. (Columbia) (Recopilatorio con dos temas inéditos)
1980 One Trick Pony (Warner Bros.)
1983 Hearts and Bones (Warner Bros.)
1986 Graceland (Warner Bros.)
1988 Negotiations and Love Songs (1971-1986) (Recopilatorio)
1990 The Rhythm of the Saints
1991 The Concert in Central Park (Directo)
1997 Songs From the Capeman
2000 You’re the One
2004 The Studio Recordings 1972-2000 (Box-set de nueve discos)
2006 Surprise
2007 The essential Paul Simon (Recopilatorio)
2011 So beautiful or So What
2012 Live in New York City (Directo)
2016 Stranger to Stranger
2018 In the Blue Light
Paul Rodgers
Paul Rodgers (Middlesbrough, Inglaterra; 17 de diciembre de 1949) es un cantante británico, conocido por ser miembro fundador de las bandas Free y Bad Company. Ambas bandas disfrutaron del éxito internacional en la década de 1970. Antes de establecer su carrera en solitario, también fue miembro de The Firm y The Law. Entre 2005 y 2009 se reunió con dos miembros de Queen, formando la alineación llamada Queen + Paul Rodgers, con la cual salió de gira y grabó un álbum. A Rodgers también se le ha dado el apodo de «The Voice» (La Voz). Ha sido calificado en el puesto #55 del ranking «Los 100 Grandes Cantantes de Todos los Tiempos» de Rolling Stone. Esta figurado en el puesto 9 en el listado Los 100 mejores vocalistas del Metal de todos los tiempos.
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Rodgers nació en Middlesbrough, ciudad del norte de Inglaterra. Tocaba el bajo (posteriormente tomaría el rol de cantante) en la banda local The Roadrunners, la cual poco antes de trasladarse desde Middlesbrough hacia la escena musical de Londres cambió su nombre a The Wildflowers. Otros miembros de esta banda fueron Micky Moody (futuro integrante de Whitesnake) y Bruce Thomas (quien después tocaría con Elvis Costello and The Attractions). Rodgers apareció en la escena musical británica en 1968 como cantante y compositor en la banda de blues-rock Free. En 1970, lideraron los rankings radiales a nivel internacional con «All Right Now», la cual Rodgers escribió junto al bajista del grupo Andy Fraser. Llegó al primer puesto en más de 20 países y en 1990 fue reconocida por ASCAP tras recibir más de 1 millón de emisiones radiales solo en Estados Unidos. La canción tuvo un papel fundamental en la introducción del estilo de Rodgers, mientras ayudaba a establecer el sonido blues-rock de la invasión británica. Por entonces, las actuaciones de Free y Led Zeppelin eran las más aclamadas en Gran Bretaña. Free publicó cuatro álbumes que estuvieron en los 5 primeros lugares de las listas, los cuales traían una combinación de blues, baladas y rock. En 2000 la Industria Musical Británica entregó a Paul Rodgers la distinción Multi Million Award cuando «All Right Now» sobrepasó los 2 millones de emisiones en las radios británicas. Después de la separación de Free, Rodgers formó brevemente un trío llamado Peace en el cual tocaba guitarra y, por supuesto, era su vocalista. Aunque Peace ensayó y grabó algunos demos, ninguno de estos fue publicado antes que Rodgers formara Bad Company.
En solitario
Cut Loose (1983)
Muddy Water Blues: A Tribute to Muddy Waters (1993)
The Hendrix Set (live EP, 1993)
Live: The Loreley Tapes (live album, 1996)
Now (1997)
Now and Live (2CD compilation, 1997)
Electric (2000)
Live in Glasgow (2007)
The Royal Sessions (2014)
Free
Tons Of Sobs (1968)
Free (1969)
Fire And Water (1970)
Highway (1970)
Free Live! (1971) (álbum en vivo)
Free At Last (1972)
Heartbreaker (1973)
The Free Story (1973)
The Best Of Free (1991)
Bad Company
Bad Company (1974)
Straight Shooter (1975)
Run With the Pack (1976)
Burnin’ Sky (1977)
Desolation Angels (1979)
Rough Diamonds (1982)
The Original Bad Company Anthology (1999)
Merchants of Cool (2002)
Hard Rock Live (2010)
The Firm
The Firm (1985)
Mean Business (1986)
The Firm Live at Hammersmith 1984 (1984) DVD de edición limitada
Five From the Firm (1986) DVD
The Law
The Law (1991)
The Law II (aún inédito)
Queen + Paul Rodgers
Return of the Champions (2005) CD/DVD
Super Live in Japan (2006) DVD
The Cosmos Rocks (2008) CD
Live In Ukraine (2009) CD/DVD
Paul McCartney
James Paul McCartney (Liverpool, Merseyside; 18 de junio de 1942) es un cantautor, compositor, músico, multiinstrumentista, escritor y actor británico. Junto a John Lennon, George Harrison y Ringo Starr, ganó fama mundial por ser el bajista y uno de los cantantes de la banda de rock The Beatles, reconocida como la más popular e influyente en la historia de la música moderna; su asociación compositora con Lennon es una de las más célebres del siglo xx. Después de la separación de la banda, continuó su carrera musical en solitario y formó Wings con su primera esposa, Linda, y Denny Laine.
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McCartney ha sido reconocido como uno de los compositores y artistas más exitosos de todos los tiempos, con sesenta discos de oro y sobrepasando los 100.000.000 de álbumes y los 100.000.000 de sencillos vendidos tanto en su trabajo como solista como con The Beatles. Más de 2.200 artistas han versionado su canción con The Beatles «Yesterday», convirtiéndola así en la canción con más versiones en la historia de la música popular. Su canción de 1977 con Wings, «Mull of Kintyre», es uno de los sencillos más vendidos en el Reino Unido. Ha sido incluido dos veces al Salón de la Fama del Rock (como miembro de The Beatles en 1988, y como artista individual en 1999), y se le ha reconocido con veintiún Premios Grammy (habiéndolos ganado tanto individualmente como con The Beatles). McCartney ha escrito, o coescrito, 32 canciones que han alcanzado el número uno en el Billboard Hot 100, y hasta 2014 había vendido más de 15 millones de unidades certificadas por la RIAA en los Estados Unidos. McCartney, Lennon, Harrison y Starr fueron nombrados miembros de la Orden del Imperio Británico en 1965, y en 1997, fue elevado al rango de caballero por sus servicios a la música.
McCartney ha dado a conocer un amplio catálogo de canciones como artista en solitario y ha compuesto bandas sonoras para películas, música clásica y electrónica. Ha participado en proyectos para ayudar a organizaciones benéficas internacionales relacionadas con temas como los derechos de los animales, la caza de focas, la limpieza de minas terrestres, el vegetarianismo, la pobreza y la educación musical. Se ha casado en tres ocasiones y es padre de cinco hijos.
Ocupa el undécimo puesto de los 100 Grandes Cantantes, de la revista Rolling Stone. Además, como miembro de The Beatles, ocupa el primer puesto de las listas de los 100 grandes artistas, de la misma publicación. Asimismo, ocupa el tercer puesto de los 100 mejores bajistas de la misma revista. También figura en el segundo puesto de la list los 100 grandes compositores de la mencionada publicación, solo superado por Bob Dylan.
James Paul McCartney nació el 18 de junio de 1942 en el Hospital Walton, en Liverpool, Inglaterra, donde su madre, Mary Patricia (nombre de soltera, Mohin) (1909-1956), había trabajado como enfermera. Su padre, James («Jim») McCartney (1902-1976), se hallaba ausente durante el nacimiento de su hijo debido a su labor voluntaria como bombero durante la batalla de Inglaterra. Paul tiene un hermano menor, Michael, nacido el 7 de enero de 1944. Aunque fueron bautizados por la iglesia de su madre, católica, su padre era protestante y más tarde se volvió agnóstico, por lo que ninguna religión fue practicada en casa.
Comenzó sus estudios en la escuela primaria de Stockton Wood Road en Speke, a la cual asistió desde 1947 hasta 1949, año en que fue trasladado al colegio Joseph Williams Junior School en Belle Vale debido a la superpoblación de alumnos en Stockton. En 1953, aprobó el examen 11-plus, junto a otros tres de un total de noventa examinados, ganando así su admisión al prestigioso Liverpool Institute. En 1954, conoció al también estudiante George Harrison en el autobús que iba al instituto desde sus casas en Speke. Harrison había aprobado también el examen, lo que significaba que podía asistir a una grammar school en lugar de una secondary modern school, donde la mayoría de los estudiantes asistían hasta estar aptos para laborar. Rápidamente se volvieron amigos; McCartney admitiría posteriormente: «Tendía a hablarle con superioridad porque era un año más joven.»
La madre de McCartney era partera y principal proveedora de ingresos a la familia, lo que les permitió mudarse a 20 Forthlin Road en Allerton, donde vivieron hasta 1964. Ella solía usar la bicicleta para ir a ver a sus pacientes; McCartney describiría un recuerdo temprano sobre ella yendo «cerca de las tres de la mañana a las calles […] cubiertas de nieve». El 31 de octubre de 1956, cuando McCartney tenía catorce años, su madre murió de una embolia. La pérdida de McCartney se convirtió más tarde en un punto de conexión con John Lennon, cuya madre, Julia, había muerto cuando tenía diecisiete años.
El padre de McCartney era trompetista y pianista en su banda llamada Jim Mac’s Jazz Band. Tenía un piano vertical en la sala de su casa, animando a sus hijos a ser músicos, y aconsejó a Paul tomar clases de piano, pero él prefirió aprender de oído. Jim le dio a Paul una trompeta plateada de níquel por su decimocuarto cumpleaños, pero cuando el rock and roll se hizo popular en Radio Luxembourg, McCartney la cambió por una guitarra acústica Framus Zenith (modelo 17) de 15 £, ya que le permitía cantar y tocar al mismo tiempo. Como era zurdo, McCartney encontraba difícil tocar la guitarra para diestros, pero cuando vio un cartel que anunciaba un concierto de Slim Whitman y al darse cuenta de que Whitman también tocaba la guitarra con la mano izquierda, invirtió el orden de las cuerdas. McCartney escribió su primera canción, «I Lost My Little Girl», con la Zenith, y compuso otra melodía en el piano que más tarde se convertiría en «When I’m Sixty-Four». El rhythm and blues lo influenció profundamente, y Little Richard era su ídolo durante su época de estudiante; la primera canción que cantó en público fue «Long Tall Sally», en una competencia de talento en el campamento vacacional Butlins.
Álbumes de estudio: solista y Wings
McCartney (1970)
Ram (1971)
Wild Life (1971) (Wings)
Red Rose Speedway (1973) (Wings)
Band on the Run (1973) (Wings)
Venus and Mars (1975) (Wings)
Wings at the Speed of Sound (1976) (Wings)
London Town (1978) (Wings)
Back to the Egg (1979) (Wings)
McCartney II (1980)
Tug of War (1982)
Pipes of Peace (1983)
Give My Regards to Broad Street (1984)
Press to Play (1986)
Choba b CCCP (1988)
Flowers in the Dirt (1989)
Off the Ground (1993)
Flaming Pie (1997)
Run Devil Run (1999)
Liverpool Sound Collage (2001)
Driving Rain (2001)
Chaos and Creation in the Backyard (2005)
Memory Almost Full (2007)
Kisses on the Bottom (2012)
New (2013)
Egypt Station (2018)
McCartney III (2020)
Extracto de Wikipedia
Paul Kantner
Paul Lorin Kantner (San Francisco, 17 de marzo de 1941 – 28 de enero de 2016) fue un guitarrista, cantante y cantautor estadounidense, conocido como cofundador de Jefferson Airplane, una de las principales bandas de rock psicodélico de la era de contracultura, y su continuación más comercial, Jefferson Starship.
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A pesar de que la banda originalmente fue creada en 1965 por Marty Balin, Kantner finalmente se convirtió en el líder de Jefferson Airplane y dirigió el grupo a través de su exitoso periodo de finales de la década de 1960. En 1970, mientras todavía estaba activo con Jefferson Airplane, Kantner y varios músicos del Área de la Bahía grabaron un proyecto ocasional bajo el nombre Paul Kantner y el Jefferson Starship.
Jefferson Airplane continuó grabando y actuando hasta 1972. Cuándo la banda oficialmente se disolvió, Kantner revivió el nombre de Jefferson Starship y continuó grabando y actuando con aquella banda las siguientes cinco décadas. Kantner mantuvo la afiliación continua más larga de la banda; fue el único miembro fundador en la banda de la formación original de Jefferson Airplane, y fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll con otros miembros de la banda en 1996.
Kantner nació el 17 de marzo de 1941 en San Francisco, California, de Cora Lee (Fortier) y Paul Schell Kantner. Tuvo un hermanastro y una hermanastra por el primer matrimonio de su padre; ambos eran mucho mayores que él. Su padre era de ascendencia alemana, y su madre era de ascendencia francesa y alemana. Su madre murió cuándo tenía ocho años, y Kantner recordó que no se le permitió asistir a su funeral. Su padre le envió al circo en su lugar. Tras la muerte de su madre, su padre, que era un viajante de comercio, envió al joven Kantner a un internado militar católico. A la edad de ocho o nueve años, en la biblioteca de la escuela, leyó su primer libro de Ciencia-Ficción, encontrando una escapada en él y sumergiéndose en la ciencia-ficción y la música desde entonces. En su adolescencia entró en revuelta total contra toda forma de autoridad, y decidió convertirse en cantante protesta de folk a la manera de su héroe musical, Pete Seeger. Asistió al Saint Mary’s College High School, la Universidad de Santa Clara, y laUniversidad Estatal de San José, completando un total de tres años universitarios antes de abandonarlo para dedicarse a la escena musical.
Discografía
Jefferson Airplane
Jefferson Airplane Take off (1966) – posición en USA: #128
Surrealistic Pillow (1967) – posición en USA.: #3
After Bathing at Baxter´s (1967) – posición en USA.: #17
Crown of Creation (1968) – posición en USA: #6
Bless its Pointed Little Head (1969) posición en USA.: #17 (en directo)
Volunteers (1969) – posición en USA: #13
The Worst of Jefferson Airplane (1970) – posición en USA: #12 (recopilación)
Bark (1971) – posición en USA: #11
Long John Silver (1972) @– posición en USA: #20
Thirty Seconds Over Winterland (1973) posición en USA: #52 (Directo)
Early Flight (1974) (recopilación)
Flight Log, 1966–1976 (1977) (recopilación; también incluye pistas de Jefferson Starship y Hot Tuna así como pistas como solista)
Time Machine (1984) (recopilación)
2400 Fulton Street (1987) (recopilación)
Jefferson Airplane (1989)
White Rabbit & Other Hits (1990) (recopilación)
Jefferson Airplanes Loves You (1991) (caja de tres discos)
Best of Jefferson Airplane (1993) (recopilación)
Live at the Monterey Festival (1995) (Directo)
Journey: The Best of Jefferson Airplane (1996) (recopilación)
Live at the Fillmore East (1998) (vivo)
The Roar off Jefferson Airplane (2001) (recopilación)
Platinum & Gold Collection (2003) (recopilación)
The Esencial Jefferson Airplane (2005) (recopilación)
Paul Kantner y Jefferson Starship
Blows Against the Empire (1970) posición en USA: #20
Jefferson Starship
Dragon Fly (1974) posición en USA: #11
Red Octopus (1975) posición en USA: #1
Spitfire (1976) posición en USA: #3
Earth (1978) posición en USA: #5
Gold (1979) posición en USA: #20 (recopilación)
Freedom at Point Zero (1979) posición en USA: #10
Modern Times (1981) posición en USA: #26
Winds of Changes (1982) posición en USA: #26
Nuclear Fornitures (1984) posición en USA: #28
Jefferson Starship at Their Best (1993) (recopilación)
Deep Space / Virgin Sky (1995) (Directo)
Miracles (1995) (Directo)
Windows of Heaven (1999)
Greatest Hits: Live at the Fillmore (1999) (Directo)
Extended Versions (2000) (Directo)
Across the Sea of Suns (2001) (Directo)
Jefferson Tree of Liberty (2008)
Álbumes de recopilación acreditados a «Jefferson Airplane/Jefferson Starship/Starship»
Hits (1998)
VH1 Behind the Music (2000)
Love Songs (2000)
Paul Kantner/Grace Slick
Sunfighter (1971) posición en USA: #89
Barón von Tollbooth and the Chrome Nun (1973) posición en USA: #120 (Paul Kantner, Grace Slick, y David Freiberg)
Paul Kantner
Planet Earth Rock and Roll Orchestra (1983; remasterizado y reeditado en 2005)
Windowpane Colectivo Vol. 1 – Navidades marcianas (2010)
Windowpane Colectivo Vol. 2 –Canciones de Amor Venusinas (2011)
La KBC Band
Incluye a Paul Kantner, Marty Balin, y Jack Casady
KBC Band (1986) posición en USA: #75
Extracto de Wikipedia
Paul Carrack
Paul Melvyn Carrack (Sheffield, Inglaterra, 22 de abril de 1951) es un cantante, músico y compositor británico. Apodado por el canal de televisión BBC como «El hombre con la voz de oro», Carrack empezó su carrera profesional como compositor y líder del grupo Ace y ganó popularidad como artista en solitario y por su pertenencia a grupos como Roxy Music, Squeeze y The Bleeding Heart Band, grupo de respaldo de Roger Waters. Entre 1980 y finales de la década de 1990, ganó popularidad como fundador junto a Mike Rutherford y Paul Young (Sad Café) del grupo Mike + The Mechanics. Carrack trabajó como vocalista de la banda hasta su marcha en 2004.
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Carrack cantó varios de los mayores éxitos en las bandas donde trabajó, incluyendo «How Long?» en Ace, «Tempted» en Squeeze, y «Silent Running» en Mike + The Mechanics. Además, participó como vocalista en los álbumes de Roger Waters Radio K.A.O.S. y The Wall – Live in Berlin, y logró un importante éxito en solitario con la canción «Don’t Shed a Tear». Varias canciones de Carrack fueron versionadas por grupos y artistas tales como Eagles, Diana Ross, Tom Jones, Michael McDonald y Jools Holland.
Discografía
1980 Nightbird
1982 Suburban Voodoo
1987 One Good Reason
1989 Groove Approved
1996 Eyes of blue
1997 Blue Views
1997 Beautiful World
2000 Satisfy My Soul
2001 Groovin’
2003 It Ain’t Over
2005 Winter Wonderland
2007 Old, New, Borrowed and Blue
2008 I Know That Name
2010 A Different Hat
2012 Good Feeling – (UK #46)
2013 Rain or Shine – (UK #80)
2016 Soul Shadows – (UK #25)
2020 Love songs
Recopilaciones
1987 Ace Mechanic
1988 The Carrack Collection
1994 Twenty-One Good Reasons: The Paul Carrack Collection
1995 Carrackter Referente
2006 Greatest Hits – The Story So Far
Paul Anka
Paul Albert Anka (Ottawa, Canadá; 30 de julio de 1941) es un cantautor y actor canadiense. Anka ascendió a la fama a finales de década de 1950, manteniéndola a lo largo de las décadas de 1960 y 1970 con sus canciones «Diana», «Lonely Boy», «Put Your Head on My Shoulder» y «(You’re) Having My Baby». Creó composiciones muy conocidas, tal como el tema musical del programa The Tonight Show Starring Johnny Carson y uno de los mejores éxitos de Tom Jones, «She’s a Lady». También escribió la letra inglesa sobre la música de Claude François y Jacques Revaux, o la letra de la canción estrella de Frank Sinatra «My Way», la cual ha sido cantada por muchísimos artistas, incluyendo Elvis Presley, Raphael. Paul Anka entró en el Paseo de la fama de Canadá en 2005.
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En 1983 escribió una canción con Michael Jackson, «I Never Heard», a la cual se le cambió el título en 2009 por «This Is It». Otra canción que escribió junto a Jackson en esa misma sesión fue «Love Never Felt So Good»; fue descubierta y sacada en el disco Xscape en 2014. Johnny Mathis también sacó esta canción en 1984.
Anka se convirtió en un ciudadano naturalizado en Estados Unidos en 1990.
Paul Anka grabó su primer sencillo «I Confess» a los 14 años. En 1957 se fue a Nueva York con 100$ que le había dado su tío. Allí Anka hizo una entrevista para Don Costa, el director artístico y de repertorio de ABC, en la cual le cantó lo que se creía que era un verso lleno de amor para una antigua niñera. En una entrevista con Terry Gross de NPR en 2005, Anka confesó que los versos estaban dedicados hacia una chica de su iglesia que apenas conocía.
Sus éxitos en los años 50
En 1957 además del éxito de «Diana», estuvieron «I Love You, Baby»,»Tell Me That You Love Me», I’m still waiting here for you», «Jambalaya», «Pity, pity», «Sing, sing, sing», «Down by de river side», «You belong to me» (aporte de Freddy Bonilla Torreblanca, La Serena, Chile).
En 1958: «You Are My Destiny», «Crazy Love», «Let the Bells Keep Ringing», «Midnight», «Just Young», «The Teen Commandments», «(All of a Sudden) My Heart Sings».
En 1959: «I Miss You So», «Lonely Boy» (Número uno en Billboard), «Put Your Head On my Shoulder» (Número 2 en Billboard), «It´s Time To Cry (Número 4 en Billboard).
Los años 60
En 1960: «Puppy Love» (Número 2 en Billboard), «Adam and Eve», «My Home Town» (Número 8 en Billboard), «Something Happened», «Hello Young Lovers», «I Love You In The Same Old Way», «Summer’s Gone», «Rudolph the Red Nosed Reindeer».
En 1961: «The Story Of My Love», «Don’t Say You’re Sorry», «Tonight My Love Tonight», «Dance On Little Girl» (Número 10 en Billboard), «Kissin’ On the Phone», «Cinderella», «The Bells At My Wedding», «Loveland», «Uh Uh», .
En 1962: «The Fools Hall of Fame», «I’d Never Find Antoher You», «I Comming Home», «I never knew your name», «Love Me Warm and Tender», «A Steel Guitar and a Glass of Wine», «, «Eso Beso» (That Kiss)» » Hello Jim», «You’ve got the nerve to call this love», «I’d like to know», «I can’t stop loving you».
En 1963: «Love (Makes the World Go Round)», «Remember Diana», «Did You Have a Happy Birthday?», «Crying in the wind», «Every night»,»I’m watching you», «At the night»
En 1964: «My Baby’s Comin’ Home», «Ogni volta», «No, no».
En 1965 solo se le conoció «Every day a heart is broken»
En 1966, al menos en varios países de Sudamérica no se le conocen grandes canciones, al igual que a Elvis Presley y Neil Sedaka. La invasión inglesa estaba en todo su apogeo.
En 1967 se le conoce «Fly me to the moon»
En 1968, «Save the last dance to me» y «La farfalla impassiva». (Reseñas años 1961 a 1968, aporte de Freddy Bonilla Torreblanca, La Serena, Chile».
En 1969: «Goodnight, My Love», (Buena noches mi amor) un éxito de Ray Petersen de 1959, «In the Still of the Night», «Sincerely», «Happy».
Los años 1970
En 1971: «Do I Love You»
En 1972: «Jubilation», «Life Song»
En 1973: «While We’re Still Young», «Hey Girl».
En 1974: «Let Me Get To Know You», «(You’re) Having My Baby (Número Uno Billboard), «One Man Woman/One Woman Man» (Número 7 en Billboard), «I Don’t Like to Sleep Alone» (Número 8 de Billboard).
En 1975: «(I Believe) There’s Nothing Stronger Than Our Love», «Times of Your Life» (Número 7 de Billboard), «Anytime (I’ll Be There).
En 1976: «Make It Up To Me in Love», «Happier», «My Best friend’s Wife»
En 1977: «Everybody Ought To Be In Love», «Brought Up In New York (Brought Down in L.A.), «This Is Love».
En 1978: «The Times of Your Life» utilizada por la compañía fotográfica Kodak como campaña de sus productos.
En 1979: «As Long As We Keep Believing», «I’ve Been Waiting For You All Of My Life».
Los años 80
En 1981: «Think I’m in Love Again», «Lady Lay Down»
En 1983: «Hold Me ‘Til the Mornin’ Comes».
En 1984: «Second Chance»
Patti Smith
Patricia Lee «Patti» Smith (Chicago, 30 de diciembre de 1946) es una cantante y poeta estadounidense.
Smith saltó a la fama durante el movimiento punk con su álbum debut Horses (1975). Apodada «la madrina del punk», trajo un punto de vista feminista e intelectual a la música punk y se convirtió en una de las artistas más influyentes de la música rock, integrándola con un estilo de poesía beat.
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Sus letras introdujeron la poesía francesa del siglo XIX a la juventud norteamericana, mientras que su imagen andrógina y «poco femenina» desafió a la era de la música disco.
Su canción más conocida, «Because the Night», la coescribió con Bruce Springsteen; llegó al puesto número 13 de la lista Billboard de Estados Unidos en 1978, siendo posteriormente versionada por el propio Springsteen, Keel, 10,000 Maniacs, R.E.M., U2, Garbage junto a Screaming Females, hasta la versión eurohouse interpretada por el grupo italiano Co.Ro en 1992.
En 2005, fue nombrada Comendadora de la Orden de las Artes y las Letras de Francia,2? y en 2007 entró en el Salón de la Fama del Rock.
En 2011 recibió el Premio de Música Polar. En 2014 la cantante colaboró en la banda sonora de Noé, película dirigida por Darren Aronofsky, con la canción «Mercy Is», que le valió una nominación a los Globo de Oro como mejor canción original.
En noviembre de 2019 fue declarada Visitante Ilustre de Montevideo, Uruguay.
En 2019 recibió además la Medalla de Oro de Bellas Artes otorgada por el Gobierno de España a propuesta del Ministro de Cultura.
Álbumes de estudio
1975 Horses Arista Records
1976 Radio Ethiopia Arista Records
1978 Easter Arista Records
1979 Wave Arista Records
1988 Dream of Life Arista Records
1996 Gone Again Arista Records
1997 Peace And Noise Arista Records
2000 Gung Ho Arista Records
2004 Trampin’ Columbia Records
2007 Twelve Columbia Records
2012 Banga Columbia Records
Pat Metheny
Patrick Bruce Metheny (Lee’s Summit, Misuri; 12 de agosto de 1954), más conocido como Pat Metheny, es un guitarrista estadounidense de jazz, reconocido como uno de los más grandes músicos de este género. Ha ganado innumerables premios y reconocimientos, entre ellos 20 Grammy.
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Patrick Bruce Metheny nació en la localidad de Lee’s Summit, en el estado de Misuri (Estados Unidos) el 12 de agosto de 1954 en una familia de músicos. Empezó a tocar la trompeta a los 8 años por influencia de su hermano Mike Metheny, pero se cambió a la guitarra a los 12. A los 15 estaba trabajando con los mejores músicos de jazz en Kansas City, y adquiriría así valiosa experiencia en los escenarios a una muy temprana edad. Recibió una beca para estudiar música en la University of Miami, y posteriormente en Boston, donde llegó a ser profesor de la Berklee College of Music (una de las escuelas de música con más prestigio de todo el mundo), dando clases a alumnos como Mike Stern o Al DiMeola. Allí conoce a Gary Burton que le incorporó a su banda durante 3 años, mostrando ya su forma de tocar moderna, pero conectando con el jazz más tradicional, swing, y blues. Su debut discográfico fue en 1974, en el disco «Jaco», de la mano de otro debutante: Jaco Pastorius, junto a Paul Bley al piano eléctrico y Bruce Ditmas a la batería. A lo largo de su carrera, Pat Metheny ha seguido redefiniendo el género usando nuevas tecnologías y trabajando constantemente para evolucionar el potencial de su instrumento.
En 1976, edita su primer álbum instrumental, Bright Size Life, con el genial Jaco Pastorius al fretless bass fender (bajo sin trastes), reinventando el tradicional sonido de guitarra de jazz. Un año más tarde conoce a Lyle Mays con el que tras grabar un disco, decide montar un grupo: el Pat Metheny Group.
Con los años, ha tocado con artistas tan diversos como Antonio Carlos Jobim, Steve Reich, Ornette Coleman, Herbie Hancock, John Scofield, Jim Hall, Michael Brecker, Milton Nascimento, Pedro Aznar, Toots Thielemans, Enrique Morente, David Bowie y Carlos Santana. Ha formado equipo con el tecladista Lyle Mays durante más de veinte años (una asociación que ha sido comparada a la de Lennon con McCartney y a la de Duke Ellington con Billy Strayhorn por los críticos y oyentes). La obra de Metheny incluye composiciones para guitarra solista, para pequeños conjuntos, para instrumentos eléctricos y acústicos, para grandes orquestas, con ajustes que van desde el jazz hasta el rock moderno y clásico.
Además de ser un dotado músico, Metheny ha participado también en el ámbito académico como profesor de música. A los 18 años, fue el profesor más joven de la historia en la Universidad de Miami. A los 19, se convirtió en el profesor más joven de la historia en Berklee College of Music, donde también recibiría un doctorado honoris causa veinte años después. También ha enseñado en academias de música de todo el mundo, desde el Real Conservatorio de los Países Bajos al Instituto de Jazz Thelonious Monk, y en escuelas de Asia y de América del Sur.3?
Pat Metheny ha sido un verdadero pionero en el ámbito de la música electrónica, y fue uno de los primeros músicos de jazz en usar el sintetizador como un instrumento musical. Años antes de la invención de la tecnología MIDI, Metheny usaba la Synclavier como herramienta de composición. También ha participado en el desarrollo de varios nuevos tipos de guitarras, como la guitarra acústica soprano, la «Pikasso» de 42 cuerdas, su guitarra de jazz Ibanez PM-100, y una variedad de instrumentos personalizados.
A lo largo de su trayectoria ha ganado innumerables premios y reconocimientos, como encuestas como «Mejor guitarrista de Jazz» y premios como tres discos de platino por «Still Life (Talking)», «Letter from Home» y «Secret Story». También ha ganado 20 Grammy repartidos en 12 diferentes categorías, incluyendo mejor álbum de rock instrumental, mejor disco de jazz contemporáneo, mejor solo de jazz instrumental y mejor composición instrumental. Con el Pat Metheny Group ganó siete consecutivos. Metheny ha pasado la mayor parte de su vida de gira, con una media de 120 a 240 conciertos al año desde 1974. En el momento de escribir esto, continúa siendo una de las estrellas más brillantes del jazz y de la música en general del mundo, dedicando su tiempo a sus dos proyectos propios y con colaboraciones con otros grandes músicos. El 9 de febrero de 2014 recibió un premio Goya a la mejor música original por la película Vivir es fácil con los ojos cerrados.
Discografía
Bright Size Life (1976) (ECM).
Watercolors (1977) (ECM). Surge de la colaboración con Lyle Mays, con el que luego fundaría el Pat Metheny Group.
Con Pat Metheny Group:
Pat Metheny Group (1978) (ECM).
American Garage (1979) (ECM).
As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (1981) (ECM).
Offramp (1982) (ECM).
Travels (1983) (ECM) (Doble en Directo).
First Circle (1984) (ECM).
Works (1984) (ECM) (Recopilatorio).
Still Life (Talking) (1987)
Letter From Home (1989)
The Road To You (1993)
We Live Here (1995)
Quartet (1996)
Imaginary Day (1997)
Speaking Of Now (2002)
The Way Up (2005)
Con Pat Metheny Unity Band
Unity Band (2012)
Kin <–> (2014)
The Unity Sessions (2016)
Como solista:
New Chautauqua (1979) (ECM).
Secret Story (1992)
Zero Tolerance For Silence (1994)
One Quiet Night (2003)
Orchestrion (2009)
What’s It All About (2011)
The Orchestrion Project (2012)
Tap: John Zorn’s Book of Angels, Vol. 20 (2013)
From This Place (2020)
Como side-man:
Beyond the Missouri Sky con Charlie Haden (1997).
Jim Hall & Pat Metheny con Jim Hall (1999).
I can see your house from here, con John Scofield (1994).
The Sign of 4, con Derek Bailey, Gregg Bendian & Paul Wertico (1997).
Like Minds, con Gary Burton, Chick Corea, Roy Haynes & Dave Holland (1999).
Upojenie, con Anna Maria Jopek (2002).
Metheny Mehldau, con Brad Mehldau (2006).
Metheny Mehldau Quartet, con Brad Mehldau (2007).
Quartet Live, con Gary Burton, Steve Swallow y Antonio Sánchez (2009).
En trío:
Rejoicing, con Charlie Haden y Billy Higgins (1983).
Question And Answer, con Dave Holland y Roy Haynes (1990).
Trio 99 ? 00, con Larry Grenadier y Bill Stewart (2000).
Trio ? Live, con Larry Grenadier y Bill Stewart (2000).
Day Trip, con Christian McBride y Antonio Sánchez (2008).
Tokyo Day Trip Live EP, con Christian McBride y Antonio Sánchez (2008).
En cuarteto:
80/81, con Charlie Haden, Jack DeJohnette, Michael Brecker y Dewey Redman (1980).
Song X, con Ornette Coleman (1986).
Song X, Twentieth Anniversary, (2005).
Bandas Sonoras:
«Under Fire» (1984) de Jerry Goldsmith.
«The Falcon And The Snowman» (1985)
«Passaggio Per Il Paradiso» (1997)
«A Map Of The World» (1999)
«Vivir es fácil con los ojos cerrados» (2013)
Extracto de Wikipedia
Los Panchos
Los Panchos (conocidos también como Trío Los Panchos) es un trío musical romántico mexicano y puertorriqueño de fama internacional formado en la década de los 40. Los boleros fueron su principal género musical. El Trío Los Panchos ha vendido 500 millones de discos desde su fundación.
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El Trío Los Panchos se formó en la ciudad de Nueva York en 1944, donde los mexicanos Alfredo Bojalil Gil, más conocido como El Güero Gil, y José de Jesús Navarro Moreno, más conocido como Chucho Navarro, junto al puertorriqueño Herminio Avilés Negrón, de nombre artístico Hernando Avilés, decidieron unir sus talentos e innovar el género de los tríos cantando a tres voces y tres guitarras. Tiempo más tarde, Avilés y Navarro tocaban la guitarra y Gil el requinto. Se iniciaron en el ambiente artístico el 14 de mayo de 1944 al presentarse en el Hispanic Theatre de Nueva York interpretando música ranchera mexicana con gran éxito, lo que pronto los llevó a grabar su primer disco, para el sello Coda, titulado Mexicantos, con siete temas de música mexicana y el bolero «Hasta mañana», el mismo que les abrió las puertas hacia este género musical con el cual se los identifica en todo el mundo.
Los Panchos ganaron fama internacional con sus boleros románticos, especialmente en América Latina, donde en el comienzo de la segunda parte del siglo XX seguían siendo honrados como uno de los tríos más famosos de todos los tiempos. Vendieron millones de copias de sus discos de 78 RPM y álbumes LP a unos pocos años de su fundación.
Las compañías discográficas SEECO y CBS Columbia (hoy parte del consorcio Sony BMG) les dieron a firmar contratos con los que forjaron su trayectoria. En la década de 1940 ya habían colaborado en América con la CBS Orquesta Viva América (Alfredo Antonini – Director de orquesta) con el acordeonista John Serry Sr. en un álbum discográfico para Pilotone Records (Catálgo # 45 5067, # 45 5069).
En 1951, cuando Hernando Avilés abandonó el grupo, inmediatamente Gil y Navarro convocaron a una audición a varios aspirantes, la cual ganó el músico y cantante boliviano Raúl Shaw Boutier, posteriormente conocido como Raúl Shaw Moreno, quien apenas se iniciaba en el ambiente artístico. Shaw Moreno solo duró unos nueve meses con la agrupación, ya que su voz, más pastosa y fuerte que la de Avilés, no terminó de gustar al público.
Tras esa crisis, Los Panchos continuaron con su carrera marcada por sus siete primeras voces, e intervinieron también aproximadamente en cincuenta películas a lo largo de su trayectoria. Durante este tiempo, el lugar de primera voz fue ocupado por artistas como los puertorriqueños Julio Rodríguez Reyes y Johnny Albino; los mexicanos Enrique Cáceres Méndez, Ovidio Hernández Gómez y Rafael Basurto Lara.
En 1964, CBS propuso a los integrantes del trío, entonces conformado por los dos integrantes fundadores y Johnny Albino, el acompañar por primera vez a una voz femenina. Se trataba de la vocalista estadounidense de ascendencia judeoespañola Eydie Gormé, quien tenía varios años de trayectoria discográfica en los Estados Unidos y que recién empezaba a grabar en idioma español. De la colaboración entre Gormé y Los Panchos, además de los músicos acompañantes, nació el álbum Great Love Songs In Spanish (titulado Amor, en español). El éxito de este intento hizo que la CBS los reuniera nuevamente para grabar los álbumes Cuatro Vidas y Blanca Navidad.
Hacia 1970, a propuesta de la filial mexicana de CBS Columbia, Los Panchos, con ayuda de la tecnología de audio, fueron convocados a un estudio de grabación para acoplar sus voces y guitarras y los sonidos de mariachis a la voz de Javier Solís en un álbum denominado Dos ídolos cantando juntos, el cual se convirtió en la primera reconstrucción técnica post mortem de la música de Solís y que no fue desvinculado del género del bolero ranchero. Este álbum precedería a uno dedicado a la música ranchera mexicana. Después de esto, Los Panchos volvieron a colaborar con vocalistas femeninas como acompañantes. Es el caso de los LP grabados junto a la italiana Gigliola Cinquetti y las cantantes argentinas Estela Raval y María Martha Serra Lima, con quienes se cerró esta etapa.
En los años noventa grabaron en España, con Sony Music, los discos Los Panchos Hoy y Los Panchos a su manera, que recibieron discos de oro y de platino. Fueron los últimos discos que grabó el fundador Chucho Navarro, junto con Gabi Vargas y Rafael Basurto.
Después de 49 años de carrera, el Trío Los Panchos ha dejado un legado de aproximadamente 1122 canciones, sin contar grabaciones o transmisiones radiofónicas, presentaciones en TV, además de haber grabado en diferentes idiomas además del español, como inglés, japonés, árabe, tagalo, griego e italiano y de haber incursionado en diversos géneros musicales, como el tango, el country, el vals peruano, el pasillo, el son, la rumba, el mambo, la guaracha, el chachachá, el joropo, el merengue, la clave, la guarania, la galopa, el blues, la cueca y el pasaje venezolano.
Discografía
1944 – La Palma (Los Panchos Trio con Orquesta Viva América de Alfredo Antonini y John Serry Sr.)
1945 – Mexicantos
1950 – Los Panchos Favorites
1953 – Boleros Selectos, Vol. 1
1955 – Boleros Selectos, Vol. 2
1955 – Así Cantan Los Panchos
1956 – Canciones Para Una Noche de Lluvia
1956 – Vaya Con Dios
1956 – Canciones del Corazón
1956 – South Of The Border
1956 – Mexican Holiday
1957 – Eva Garza
1958 – Un Minuto de Amor
1959 – Trío Los Panchos Y Chucho Martínez Gil
1959 – Siete Notas de Amor
1960 – Los Panchos Con Johnny Albino Cantan
1961 – Ciudadanos del Mundo
1961 – Ceguera de Amor
1961 – Los Panchos En Japón
1962 – Época de Oro
1962 – Cantan Tangos
1962 – Noche de Tokyo
1962 – Guty Cardenas
1962 – El Pecador
1962 – México Canta
1962 – Favoritos Latinos
1963 – A Mi Madrecita
1963 – Cantan a Paraguay
1963 – Pedro Flores
1963 – Los Panchos Sing Great Love Songs In English
1964 – Caminemos
1964 – Amor (Eydie Gormé)
1965 – More Amor (Eydie Gormé)
1965 – El Pescador de Estrellas
1965 – Obsesión
1965 – Los Panchos En Persona
1965 – Horas Nuestras
1966 – Que No Te Cuenten Cuentos
1966 – Celoso
1966 – Blanca Navidad (Eydie Gormé)
1967 – Los Panchos En Estéreo, Vol. 1
1967 – Con Éxitos de Armando Manzanero
1967 – En Venezuela
1967 – El Trío Los Panchos With The Jordanaires
1968 – Los Panchos En Estéreo, Vol. 2
1968 – El Trío Los Panchos y Armando Manzanero
1968 – Los Panchos y Gigliola Cionquetti
1968 – Con Mariachi
1970 – Liliana
1970 – Los Panchos En Japón, Vol. 2
1970 – Los Panchos Cantan a Agustín Lara
1970 – Eydie Gorme Canta En Español
1970 – Trío Los Panchos
1970 – Cuatro Vidas (Eydie Gormé)
1971 – Volví La Espalda
1971 – Voces Internacionales Con Los Panchos
1971 – Basura
1971 – Háblame
1972 – Lo Dudo
1972 – Frío En El Alma
1972 – Martha (Estela Raval)
1972 – Quiero
1972 – Cantan al Perú
1972 – Adulterio
1972 – La Hiedra
1973 – El Tiempo Que Te Quede Libre
1973 – Tú Me Acostumbraste (Estela Raval)
1974 – Gil, Navarro Y Hernández
1974 – Yo Lo Comprendo
1976 – Cantan a Latinoamérica
1976 – Sabor a Mi
1977 – Si Tú Me Dices Ven (Lodo)
1981 – España En La Voz de Los Panchos
1982 – Los Panchos En Brasil
1985 – Homenaje a Carlos Gardel
1985 – La Nave del Olvido
1989 – Esencia Romántica
1990 – Love Songs Of The Tropics ( C)
1990 – Todo Panchos: Las 24 Grandes Canciones
1990 – Todo Panchos 2: Si Tú Me Dices Ven (Lodo)
1991 – Siglo Veinte
1991 – Interpretan a Ernesto Lecuona
1991 – Triunfamos
1991 – Hoy
1992 – Latin American Favourites
1993 – Los Panchos Y Sus Voces
1993 – Eydie Gorme Y Los Panchos – 24 Grandes Canciones
1994 – Leyendas Los Panchos, Vol. I
1994 – Leyendas Los Panchos, Vol.2
1995 – Los Panchos Cantan a La Mujer Deseada
1995 – Los Panchos: Cantan a Gardel (Con Estela Raval, Eydie Gormé y Gigliola Cinquetti)
1997 – Inolvidable (José Luis Rodríguez)
1997 – Amor Sin Palabras
1999 – Inolvidables Vol.2 – Enamorado de Ti (José Luis Rodríguez)
1999 – Caminemos
1999 – Serenade Trío Los Panchos
1999 – Grandes Éxitos
2000 – Mil Años Más De Amor
2001 – Inolvidable Vol.3 – Algo Contigo (José Luis Rodríguez)
2005 – Insaciable
2006 – Ebrio de Amor
2006 – Alma Vanidosa
2007 – Amor de Bolero
2009 – Enamorado
2010 – María Elena y Otros Éxitos
2011 – Los Panchos y Las Canciones de Álvaro Carrillo
2012 – Los Panchos Cantan En Inglés
2013 – A Su Manera
2013 – Bésame Mucho
2013 – Las Siete Primeras Voces
2013 – Trío Los Panchos y Ellas
Paco Ibáñez
Francisco Ibáñez Gorostidi (Valencia, 20 de noviembre de 1934), más conocido como Paco Ibáñez, es un cantante español. Ha dedicado casi íntegramente su trayectoria artística a musicalizar poemas de autores españoles e hispanoamericanos, tanto clásicos como contemporáneos.
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De padre valenciano y madre vasca, es el menor de cuatro hermanos. Pasó su primera infancia en Barcelona, lugar en el que vuelve a residir desde 1994. Tras la guerra civil, su familia se vio obligada a exiliarse a Francia puesto que su padre era un militante anarcosindicalista de la CNT. Entre el invierno de 1939 y el inicio de la ocupación alemana, residirán en París. Su padre fue arrestado e internado en un campo de trabajo para republicanos españoles. Su madre regresó entonces con los cuatro hijos a San Sebastián para trabajar, viviendo en el caserío familiar de Aduna en Guipúzcoa hasta los 14 años. Más tarde, estos recuerdos de infancia en el caserío familiar fueron recogidos en su disco Oroitzen —Recordando—, cantado en euskera. En 1948, la familia atravesó clandestinamente la frontera y se reúnió con el padre en Perpiñán. Paco aprendió de su padre el oficio de ebanista, al tiempo que comenzó a estudiar violín, para sustituirlo al poco tiempo por la guitarra. Instalado con su familia definitivamente en París, a principios de los años cincuenta, descubrió primero la música de Georges Brassens, Edith Piaf, Jacques Brel, Barbara, Gribouille, Servat, Serge Utgé-Royo, Capart y de Atahualpa Yupanqui, con algunos de los cuales cultivó amistad y se convirtieron en referencias fundamentales en su formación artística e ideológica; inmediatamente después Léo Ferré y el movimiento existencialista francés, que se encontraba en pleno auge.
En 1956, la foto de una mujer andaluza vestida de negro le inspiró su primera canción sobre el poema «La más bella niña», de Luis de Góngora. En 1964, realizó su primera grabación con poemas de Góngora y de García Lorca. Este disco, desde el mismo momento de su aparición, se convirtió en un «clásico» utilizado por los profesores de lengua y literatura española como material pedagógico y por los defensores de las libertades como un símbolo de resistencia cultural.
En 1958, una amiga de Paco y de Pierre Pascal, le llevó a Salvador Dalí, a Cadaqués, un disco de prueba con algunas canciones de Lorca y Góngora. Cuando Salvador Dalí lo escuchó quiso conocer «al muchacho» que había hecho el disco. Cuando se conocen, nacíó la idea de que el pintor realizara el dibujo para la portada del disco y de esta forma comenzó una estrecha relación de Paco, no sólo con el mundo de la poesía y de la literatura en general, sino también con el de las artes plásticas.
Estudio
Paco Ibáñez 1 (Polydor, 1964)
Paco Ibáñez 2 (Polydor, 1967)
Paco Ibáñez 3 (Polydor, 1969)
A flor de tiempo (Ariola, 1978)
Canta a Brassens (Ariola, 1979)
Por una canción (PDI, 1990)
Oroitzen (PDI, 1998)
Canta a José Agustín Goytisolo (Universal, 2002)
Fue ayer (Universal, 2003)
Directo
En el Olympia (Polydor, 1969)
A galopar, con Rafael Alberti (PDI, 1992)
Les concerts à Paris: la Sorbonne, 1969; le Palais des Sports, 1971 (EMEN, 2002)
Le concert memorable au Teatro Opera, Buenos Aires, 1971 (EMEN, 2002)
Le concert historique au Teatro de la Comedia, Madrid, 1968 (EMEN, 2002)
En concierto (A flor de tiempo, 2004)
Recopilatorio
Canta a los poetas andaluces (A flor de tiempo, 2008)
Canta a los poetas latinoamericanos (A flor de tiempo, 2012)
Paco de Lucía
Francisco Sánchez Gómez (Algeciras, España; 21 de diciembre de 1947-Playa del Carmen, México; 25 de febrero de 2014), más conocido como Paco de Lucía, fue un músico y compositor español considerado el mejor guitarrista de flamenco contemporáneo y uno de los más virtuosos del instrumento a nivel mundial.
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El hermano menor de la dinastía de «Los Lucía», junto a Ramón de Algeciras y Pepe de Lucía, recibió como estos educación musical de la mano de su padre, Antonio Sánchez Pecino, también guitarrista. En un ambiente familiar muy cercano al mundo flamenco, Paco de Lucía pronto tomó contacto con algunas de las principales figuras del mundo flamenco, entre las que algunas de sus principales influencias fueron el Niño Ricardo y Sabicas. Tras darse a conocer al mundo flamenco español en el Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera de 1962, grabó sus primeros discos junto a su hermano Pepe formando parte del conjunto Los Chiquitos de Algeciras. En los años siguientes colaboró al toque con los cantaores Fosforito y El Lebrijano y desde 1969 con Camarón de la Isla.
A partir de la publicación de Fuente y caudal en 1973, su música llegó al público mayoritario. Con el paso de los años su música fue progresivamente abriéndose a nuevos estilos al tiempo que comenzaba a interpretarse en ámbitos más alejados de los tradicionales tablaos españoles y latinoamericanos. Actuó con éxito en Europa, Norteamérica y Japón, ocupando estas giras la mayor parte de su tiempo.
Considerado una de las principales figuras del flamenco actual, se le atribuye la responsabilidad de la reforma que llevó este arte a la escena musical internacional gracias a la inclusión de nuevos ritmos desde el jazz, la bossa nova y la música clásica. De este modo destacan sus colaboraciones con artistas internacionales como Carlos Santana, Al Di Meola o John McLaughlin, pero también con otras figuras del flamenco como Camarón de la Isla o Tomatito, con quienes modernizó el concepto de flamenco clásico. A lo largo de su carrera grabó un total de 38 discos, incluyendo cinco antologías y cinco discos en directo, además de numerosas colaboraciones al toque de cantaores e intérpretes de numerosos estilos musicales.
Recibió, entre otros muchos galardones, dos premios Grammy latinos por sus álbumes Cositas buenas (2004) y En vivo Conciertos España (2010), el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1992), Hijo predilecto de la provincia de Cádiz (1997), Hijo predilecto de Algeciras (1998), la Medalla de Plata de Andalucía, la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004), Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz (2009) y por el Berklee College of Music (2010).
Discografía
La discografía oficial de Paco de Lucía incluye 38 álbumes:
1963: Los Chiquitos de Algeciras, con Pepe de Lucía.
1964: Dos guitarras flamencas en stereo, con Ricardo Modrego.
1965: 12 éxitos para dos guitarras flamencas, con Ricardo Modrego.
1965: Canciones de García Lorca para guitarra, con Ricardo Modrego.
1967: Canciones andaluzas para dos guitarras, con Ramón de Algeciras.
1967: Dos guitarras flamencas en América latina, con Ramón de Algeciras.
1967: La fabulosa guitarra de Paco de Lucía.
1969: 12 hits para 2 guitarras flamencas, con Ramón de Algeciras.
1969: Fantasía flamenca de Paco de Lucìa.
1969: Hispanoamérica, con Ramón de Algeciras.
1969: Paco De Lucía / Ramon De Algeciras en Hispanoamérica.
1971: El mundo del flamenco, con Pepe de Lucía y Ramón de Algeciras.
1971: Recital de guitarra, con Ramón de Algeciras, Enrique Jiménez de Melchor, Paco Cepero, Isidro Sanlúcar Muñoz y Julio Vallejo.
1972: El duende flamenco, con Ramón de Algeciras.
1973: Fuente y caudal.
1975: Paco de Lucía en vivo desde el Teatro Real, grabación del 18 de febrero de 1975.
1976: Almoraima.
1978: Paco De Lucía intrerpreta a Manuel de Falla.
1980: Friday Night In San Francisco, con Al Di Meola y John McLaughlin.
1981: Entre dos aguas, álbum recopilatorio.
1981: Sólo quiero caminar, como Paco de Lucía Sextet
1981: Castro Marin, con John McLaughlin y Larry Coryell.
1982: Passion, Grace and Fire, con Al Di Meola y John McLaughlin.
1984: One Summer Night, como Paco de Lucía Sextet.
1987: Siroco, con Ramón de Algeciras, Pepe de Lucía, Rubem Dantas, José María Bandera y Juan Ramírez.
1990: Zyryab, con Chick Corea, Manolo Sanlúcar, Carles Benavent, Jorge Pardo, Rubem Dantas, Ramón de Algeciras y Pepe de Lucía.
1991: Concierto de Aranjuez, con la Orquesta de Cadaqués.
1993: Live In America, como Paco de Lucía Sextet.
1996: Paco De Lucía, John McLaughlin, Al Di Meola.
1996: Antología, álbum recopilatorio, 2 discos.
1998: Luzia, con Pepe de Lucía y Ramón de Algeciras entre otros.
2003: Paco De Lucía Integral, álbum recopilatorio.
2003: Por descubrir.
2004: Cositas buenas, con Alejandro Sanz, Diego el Cigala, Tomatito, Juan D’Angellyca, Jerry González y Alain Pérez entre otros.
2004: Nueva antología, edición conmemorativa.
2005: Gold, álbum recopilatorio.
2011: Paco de Lucía, en vivo, conciertos España 2010.
2014: La búsqueda. (Remasterizado, film de Curro Sánchez, hijo de Paco)
2014: Paco de Lucía, Canción Andaluza.
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Contenido |
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01. Falling from Above – 07:41 |
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| Everybody’s Alone (1972-1973) 001. Letter from ‘Nam – 03:35 002. Monday Morning – 02:47 003. The Bridge – 02:56 004. Time Fades Away – 04:21 005. Come Along and Say You Will – 02:28 006. Goodbye Christians on the Shore – 05:24 007. The Last Trip to Tulsa – 04:19 008. The Loner (Live) – 03:54 009. Sweet Joni – 02:42 010. Yonder Stands the Sinner – 03:19 011. L.A. (Story) – 04:02 012. L.A. (Live) – 03:35 013. Human Highway – 03:04 |
Tuscaloosa (1973) 014. Here We Are in the Years – 03:57 015. After the Gold Rush – 04:42 016. Out on the Weekend – 05:29 017. Harvest – 04:13 018. Old Man – 04:14 019. Heart of Gold – 03:48 020. Time Fades Away – 06:10 021. Lookout Joe – 05:00 022. New Mama – 03:00 023. Alabama – 03:51 024. Don’t Be Denied – 08:09
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Tonight’s The Night (1973 025. Speakin’ Out Jam – 05:01 026. Everybody’s Alone – 02:44 027. Tired Eyes – 04:41 028. Tonight’s the Night – 04:43 029. Mellow My Mind – 03:11 030. World on a String – 02:27 031. Speakin’ Out – 04:57 032. Raised on Robbery – 03:37 033. Roll Another Number (For the Road) – 03:05 034. New Mama – 02:10 035. Albuquerque – 04:02 036. Tonight’s the Night – Pt. II – 05:18
|
Roxy: Tonight’s The Night Live (1973) 037. Intro – 00:43 038. Tonight’s the Night – 06:56 040. Mellow My Mind – 03:11 039. Roll Out the Barrel – 00:52 041. World on a String – 02:43 042. Band Intro – 01:23 043. Speakin’ Out – 06:37 044. Candy Barr Rap – 00:31 045. Albuquerque – 03:51 046. Perry Como Rap – 00:17 047. New Mama – 02:29 048. David Geffen Rap – 00:36 049. Roll Another Number (For the Road) – 04:48 050. Candy Barr 2 Rap – 00:20 051. Tired Eyes – 07:03 052. Tonight’s the Night – Pt. II – 06:38 053. Walk On – 03:36 054. The Losing End – 06:20 055. Outro – 00:34 |
Walk On (1974) 056. Winterlong – 03:08 057. Walk On – 02:42 058. Bad Fog of Loneliness – 02:16 059. Borrowed Tune – 03:25 060. Traces – 02:11 061. For the Turnstiles – 03:16 062. Ambulance Blues – 08:59 063. Motion Pictures (For Carrie) – 04:24 064. On the Beach – 07:03 065. Revolution Blues – 04:06 066. Vampire Blues – 04:14 067. Greensleeves – 02:00
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The Old Homestead (1974) 068. Love/Art Blues – 02:27 069. Through My Sails – 03:30 070. Homefires – 02:31 071. Pardon My Heart – 03:51 072. Hawaiian Sunrise – 02:47 073. L.A. Girls and Ocean Boys – 02:29 074. Pushed It Over the End – 07:45 075. On the Beach – 07:33 076. Vacancy – 03:36 077. One More Sign – 03:04 078. Frozen Man – 03:02 079. Give Me Strength – 03:05 080. Bad News Comes to Town – 02:58 081. Changing Highways – 02:03 082. Love/Art Blues – 02:29 083. The Old Homestead – 07:42 084. Daughters – 03:30 085. Deep Forbidden Lake – 03:43 086. Love/Art Blues – 02:40 |
Homegrown (1974) 087. Separate Ways – 03:33 088. Try – 02:49 089. Mexico – 01:41 090. Love Is A Rose – 02:17 091. Homegrown – 02:48 092. Florida – 02:58 093. Kansas – 02:12 094. We Don’t Smoke It No More – 04:51 095. White Line – 03:14 096. Vacancy – 03:59 097. Little Wing – 02:12 098. Star of Bethlehem – 02:48
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Dume (1975) 099. Ride My Llama – 03:44 100. Cortez the Killer – 07:32 101. Don’t Cry No Tears – 02:37 102. Born to Run – 03:19 103. Barstool Blues – 03:02 104. Danger Bird – 06:55 105. Stupid Girl – 03:11 106. Kansas – 03:35 107. Powderfinger – 07:16 108. Hawaii – 04:26 109. Drive Back – 03:34 110. Lookin’ for a Love – 03:19 111. Pardon My Heart – 03:50 112. Too Far Gone – 02:42 113. Pocahontas – 03:31 114. No One Seems to Know – 02:28 |
Look Out for My Love (1976) 115. Like a Hurricane – 08:19 116. Lotta Love – 02:39 117. Look Out for My Love – 04:07 118. Separate Ways – 05:25 119. Let it Shine – 04:46 120. Long May You Run – 03:56 121. Fontainebleau – 04:00 122. Traces – 03:07 123. Mellow My Mind – 02:42 124. Midnight on the Bay – 03:09 125. Stringman – 03:31 126. Mediterranean – 02:36 127. Ocean Girl – 03:23 128. Midnight on the Bay – 04:02 129. Human Highway – 03:01 |
Odeon Budokan (1976) 130. The Old Laughing Lady – 05:55 131. After the Gold Rush – 04:29 132. Too Far Gone – 03:17 133. Old Man – 03:48 134. Stringman – 03:45 135. Don’t Cry No Tears – 03:12 136. Cowgirl in the Sand – 04:56 137. Lotta Love – 02:57 138. Drive Back – 04:37 139. Cortez the Killer – 07:04
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Contenido |
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01 – Everybody Knows This Is Nowhere |
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CD1 Here, My Dear 1978 01. Here, My Dear 02:48 02. I met a Little Girl 05:03 03. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You 06:17 04. Anger 04:04 05. Is That Enough? 07:48 06. Everybody Needs Love 05:48 07. Time To Get It Together 03:55 08. Sparrow 06:12 09. Anna’s Song 05:56 10. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You (Instrumental) 06:03 11. A Funky Space Reincarnation 08:18 12. You Can Leave But It’s Going to Cost You 05:32 13. Falling In Love, Again 04:38 14. When DId You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You (Reprise) 00:47 |
CD2 I Want You 1976 01. I Want You 04:34 02. Come Live With Me Angel 06:30 03. After The Dance 04:25 04. Feel All My Love Inside 03:22 05. I Wanna Be Where You Are 01:18 06. I Want You (intro jam) 00:19 07. All The Way ‘Round 03:50 08. SInce I Had You 04:05 09. Soon I’ll Be Loving You Again 03:15 10. I want you (intro Jam) 01:40 11. After The Dance 04:39
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CD3 Let’s Get It On 1973  01. Let’s Get It On 04:50 02. Please Stay (Once You Go Away) 03:30 03. If I Should Die Tonight 03:59 04. Keep Gettin’ It On 3:14 05. Come Get To This 02:41 06. Distant Lover 04:15 07. You Sure Love To Ball 04:44 08. Just To Keep You Satisfied 04:30 09. Let’s Get It On (Single Edit) 04:04 10. You Sure Love To Ball (Single Mix) 03:34 |
CD4 Trouble Man 1972  01. Main Theme From Trouble Man (2) 02:31 02. «T» Plays It Cool 04:26 03. Poor Abbey Walsh 04:12 04. The Break In (Police Shoot Big) 01:57 05. Cleo’s Apartment 02:09 06. Trouble Man 03:48 07. Theme From Trouble Man 02:01 08. «T» Stands For Trouble 04:49 09. Main Theme From Trouble Man 03:53 10. Life Is A Gamble 02:31 11. Deep-In-It 01:24 12. Don’t Mess With Mister «T» 03:03 13. There Goes Mister «T» 01:37 |
