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CD 1 |
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CD1 |
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CD1 – Original Album: |
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01. We’re Gonna Groove [0:02:38.18] |
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1. We’re Gonna Groove 2.37 |
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1. We’re Gonna Groove 2.37 |
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CD1 |
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CD1 – Original Album: |
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01. In The Evening [0:06:51.00] Musicians: |
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01. In The Evening [0:06:51.00] Musicians: |
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01. In The Evening [0:06:51.00] |
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CD 1 – Remastered Album |
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Contenido |
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CD 1 – Remastered Album |
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Disco 1 (*) Previamente no incluida en el soundtrack original |
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Disco 1: |
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Disco 1: |
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Disco 1: |
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Disco 1: |
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CD1 |
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CD1 – Original Album: |
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01. Achilles Last Stand [10:25] |
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01. Achilles Last Stand [10:25] |
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A1 Achilles Last Stand «La Última Batalla De Aquiles»» 10:26 |
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Disc 1: |
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CD1 – Original Album: |
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CD1 Musicians: |
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CD1 Musicians: |
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Disc1 |
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Disc1 |
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Disc 1: |
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CD1 |
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01. The Song Remains The Same [5:31] Musicians: |
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01. The Song Remains The Same [5:31] Musicians: |
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Contenido |
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01. The Song Remains The Same [5:31] Musicians: |
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Contenido |
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01. The Song Remains The Same [5:31] Musicians: |
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Disc 1: |
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CD1 – Original Album: |
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01. Black Dog (4:57) Musicians: |
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01. Black Dog (4:57) Musicians: |
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Contenido |
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01. Black Dog (4:57) Musicians: |
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Contenido |
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01. Black Dog (4:57) Musicians: |
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Disc 1: |
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CD1 – Original Album: |
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01. Immigrant Song 02:24 |
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01. Immigrant Song 02:24 |
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01. Immigrant Song 02:24 |
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01. Immigrant Song 02:24 |
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CD1 – Original Album: |
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CD1 – Original Album: |
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01. Whole Lotta Love 05:34 |
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01. Whole Lotta Love 05:34 |
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01. Whole Lotta Love 05:34 |
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01. Whole Lotta Love 05:34 |
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01. Whole Lotta Love 05:34 |
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01. Good Times Bad Times 02:47 |
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Disc 1: |
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CD1 – Original Album: |
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1. Good times bad times 2.46 |
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1. Good times bad times 2.46 |
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1. Good times bad times 2.46 |
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1. Good times bad times 2.46 |
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A1 You Are My Inspiration 3:13 |
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A1 Beat The Reaper 3:32 |
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1 Deseos Para El Despertar 7:19 |
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Cantes De La Tierra Adentro |
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1 Buenos Tiempos 4:07 |
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1 Puedes Contar Conmigo 3:56 |
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Disc 1 |
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1. Celebration 4:58 |
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Disc 1 – In The Studio: 1969 – 1974 |
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1. Atlantic (4:14) |
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1. The Sensual World (2018 Remaster) 03:57 Personnel: |
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01. Running Up That Hill (A Deal With God) [5:02] |
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1. Symphony In Blue (2018 Remaster) 03:36 |
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01 – The Absence Of Presence |
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1. You´re Sixteen (Remastered) (2:19) |
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1. A tout casser (Live au Palais des Sports / 26 avril 1969) |
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1. Hey! Baby! (Remastered) (2:19) |
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1. Ouverture (Live au Parc de Sceaux / 15 juin 2000) (2:06) |
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1. Silver Stallion 03:12 Personnel: |
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01. Right Where I Wanted To Be [4:58] |
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Disc 1 |
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01. Giant Steps [4:43] |
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01. Is She Really Going Out With Him? |
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1) You Are So Beautiful |
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1 Diamonds And Rust 4:44 |
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CD1 |
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Taken From 1995-1996 World Tour |
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[01:54] 01. Introduction / On Stage Interview (Live) |
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-The Jimi Hendrix Experience Purple Haze |
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1. Intro (2:33) |
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[05:04] 01. Instrumental (live) |
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01. Intro (Remastered) |
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1 Bright Eyes 3:56 |
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01. Moonlight Lovin’ (10:00) |
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01. Hang Me out to Dry (Live in St. Petersburg) |
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CD 1 |
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01. American Woman |
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CD1 |
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01. Jailhouse Rock (Remastered) |
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Céline Dion – The Power of Love (Radio Edit) |
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Disc 1 November 16, Early Show |
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1. Spinning Wheel (Single Version) |
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1 Angel (Single Version) |
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1 Happy Hour 2:24 |
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CD 1 Grateful Dead |
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CD 1 |
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CD1: |
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01. Story Of The Blues [0:04:36.50] |
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[00:21] 01. Silence Fools (Live From Vpro-Fm, Uddel, Netherlands 1970) (Live) |
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01. Saturday Night (Live) |
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CD1: |
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01. American Pie |
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CD1 |
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01. Depeche Mode / Precious (Misc. Full Vocal Mix) [0:05:40.47] |
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CD1: |
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1. Sara Smile (03:07) |
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1. Put It This Way (04:54) |
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01 – Life Burns (feat. Lauri Ylonen) |
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CD1: Personnel: |
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[01:16] 01. Opening – I Drove All Night (Boston Show) |
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Set1 |
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01. Lands of Hopes and Dreams (Live at the Apollo Theater, New York, NY – 03/09/12) |
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CD1 |
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CD 1 |
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1. Trenchtown Rock (4:22) |
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01 Judge Not (2014 Digital Upgrade) |
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Disc 1 (53:39) |
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Disc: 1 |
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CD 1: |
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1. Ready To Rock (4:10) |
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01. Smile |
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01. Not Fragile [04:08] |
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CD1 |
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01. School’s Out Line-up:: |
Lynyrd Skynyrd
Lynyrd Skynyrd es una banda de rock estadounidense formada en 1964 por el vocalista Ronnie Van Zant, los guitarristas Gary Rossington y Allen Collins, el batería Bob Burns y el bajista Larry Junstrom en Jacksonville, Florida. Originalmente, el grupo adoptó distintos nombres antes de decidirse por Lynyrd Skynyrd, en referencia al profesor de gimnasia de algunos de sus miembros. Entre 1973 y 1977, tras la llegada del teclista Billy Powell, del bajista Leon Wilkeson, del batería Artimus Pyle, y de los guitarristas Ed King y Steve Gaines, el conjunto grabó cinco álbumes de estudio: (Pronounced ‘l?h-‘nérd ‘skin-‘nérd) (1973), Second Helping (1974), Nuthin’ Fancy (1975), Gimme Back My Bullets (1976) y Street Survivors (1977), de los cuales se lanzaron como sencillos sus dos canciones más conocidas, «Sweet Home Alabama» y «Free Bird». La revista Guitar World ubica a esta última en la posición #3 en su lista de los 100 mejores solos de guitarra de la historia. Ambas canciones figuran en el Salón de la Fama de los Grammy.
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El 20 de octubre de 1977, el grupo sufrió un accidente de aviación en el que murieron Van Zant, Gaines y algunos otros miembros, lo que provocó su repentina disolución. Los restantes volvieron a reunirse en 1979 para una actuación y nuevamente en 1987, con el hermano menor de Ronnie Van Zant, Johnny, como vocalista. Desde entonces, la banda ha publicado varios trabajos de estudio, aunque sin el éxito de sus antecesores. La muerte de algunos de los supervivientes del accidente —Allen Collins, Leon Wilkeson, Billy Powell— y la salida de Ed King y Artimus Pyle ocasionaron que el guitarrista Gary Rossington sea el único miembro de la formación original que continúa en el grupo.
En la actualidad, Lynyrd Skynyrd está integrada por Rossington, Johnny Van Zant, el batería Michael Cartellone, los guitarristas Rickey Medlocke y Mark Matejka, el teclista Peter Keys, el bajista Keith Christopher y las coristas Dale Krantz Rossington y Carol Chase.
A lo largo de su carrera, Lynyrd Skynyrd ha influenciado a diversos artistas contemporáneos y ha vendido más de veintiocho millones de copias solo en los Estados Unidos. La revista Rolling Stone situó a la banda en el puesto 95 de su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos,? mientras que el canal televisivo VH1 la colocó en la posición 71 de los «100 mejores artistas de hard rock». En el 2006, el grupo ingresó en el Salón de la Fama del Rock.
Discografía
Álbumes de estudio
(Pronounced ‘l?h-‘nérd ‘skin-‘nérd) (1973)
Second Helping (1974)
Nuthin’ Fancy (1975)
Gimme Back My Bullets (1976)
Street Survivors (1977)
Lynyrd Skynyrd 1991 (1991)
The Last Rebel (1993)
Twenty (1997)
Edge of Forever (1999)
Vicious Cycle (2003)
God & Guns (2009)
Last of a Dyin’ Breed (2012)
Giras
Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd Tour (1973)168?
Second Helping Tour (1974)168?
Torture Tour (1975)
Nuthin’ Fancy Tour (1975)
Gimme Back My Bullets Tour (1975-1976)
One More from the Road Tour (1976)
Street Survivors Tour (1977)
Lynyrd Skynyrd Tribute Tour (1987-1988)91?
Lynyrd Skynyrd 1991 Tour (1991-1992)169?
The Last Rebel Tour (1992-1993)170?
Endangered Species Tour (1994-1995)
Lynyrd Skynyrd Twenty Tour (1997-1998)
Edge of Forever Tour (1999-2002)
Vicious Cycle Tour (2003-2007)
Party Of A Lifetime Tour (2003)171?
Rock And Rebels Tour (2008)172?
God & Guns World Tour (2009-2011)
Simple Man Cruise 2011 (2011)
Rebels and Bandoleros (2011)
Simple Man Cruise 2012 (2012)
Last of a Dyin’ Breed (2012-2013)
Simple Man Cruise 2013 (2013)
Simple Man Cruise 2014 (2014)
Luz Casal
María Luz Casal Paz (Boimorto, La Coruña, 11 de noviembre de 1958), conocida artísticamente como Luz Casal, es una cantante española de pop-rock, una de las solistas más valoradas de la música popular de ese país. Tras sus éxitos dentro del país en los años ochenta, logró fama internacional, especialmente en Francia, sobre todo tras incluirse dos de sus temas en la película Tacones lejanos, de Pedro Almodóvar. Las ventas de sus discos ascienden a más de 5.000.000 de ejemplares.
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Luz Casal, hija única de José Casal y Matilde Paz, nació en el pequeño municipio gallego de Boimorto, en la provincia de La Coruña, el 11 de noviembre de 1958. Sus padres se trasladaron a vivir a Asturias cuando Luz contaba con tan solo seis meses de edad. En Avilés estudia en el colegio Paula Frassinetti, de la Congregación de las Hermanas de Santa Dorotea. Después la familia se va a vivir a Gijón donde, ante cincuenta personas, Luz actúa por primera vez en público. Estudia piano, solfeo y ballet y forma parte de un grupo de rock llamado Los Fannys que hacía versiones de temas de otros artistas, y de otro con el que viaja por Asturias, León y Galicia. No obstante, siempre deseosa de cantar como solista, se interesa por el canto lírico y estudia la técnica del bel canto. En 1977, para proseguir su carrera en el mundo de la música, y tras conseguir convencer a sus padres, se muda a Madrid, donde graba una maqueta, La guapa, y recorre varias compañías discográficas hasta que una productora independiente le hace una prueba para cantar coros y consigue así entrar en el mundo de la música profesional. Participa en los coros de las grabaciones de varios cantantes de la compañía y acompaña a Juan Pardo en directo con el mismo cometido. Comienza a escribir sus propias canciones e incluso graba diez de ellas, que nunca saldrán publicadas. En esos años hace su única incursión teatral, dando vida a la cupletista Raquel Meller en el musical Las Divinas, representado en el Teatro Reina Victoria de Madrid. En 1980 publica con una multinacional su primer sencillo, El ascensor, un tema con ciertos aires reggae como homenaje a Bob Marley. Participa en festivales de distintos países y recibe clases de baile de maestros como Karen Taft, Arnold Taraborelli, Lindsay Kemp, Merche Esmeralda o Goyo Montero.
En 1981, buscando un menor control sobre su vida privada, ficha por la discográfica Zafiro y participa en el disco En directo, del grupo Leño. A comienzos de 1982 comienza la grabación, en Madrid, Bruselas y Ámsterdam, de su primer álbum, que sería estrenado en septiembre de ese mismo año con el nombre de Luz. Producido por Carlos Narea, incluye temas compuestos por ella misma y otros de Ramoncín, Roque Narvaja, Noel Soto o Narea. Graba su primer programa de televisión, en directo, y participa en un disco-libro del poeta Jaime Noguerol. En 1983 sale su primer vídeo-clip, del tema No aguanto más, comienzan sus actuaciones en vivo y participa en la gira El rock de una noche de verano, junto con Miguel Ríos y Leño, con los que recorre 35 ciudades de toda España. En 1984 publica su segundo álbum, Los ojos del gato, grabado en España, Bélgica y Alemania. Algunos de sus temas, de Ramoncín e Hilario Camacho, entre otros, comienzan a escucharse en Europa. Luz sigue estudiando: piano, conjunto coral e interpretación. Luz III, editado en 1985, contenía un tema que se haría muy popular, Rufino, de Carmen Santonja (integrante de Vainica Doble). Ese mismo año actúa en un festival en Checoslovaquia, junto a artistas de otros países; Luz recuerda el impacto que le supuso escuchar sus temas No aguanto más y Ciudad sin ley tocados por una orquesta con metales. En 1986 ofrece más de noventa conciertos y actúa de nuevo en la televisión checoslovaca. En Alemania graba el tema The water is life, para una campaña ecologista, con estrellas como David Knopfler, ex componente de Dire Straits y hermano del que fuera su líder, compositor y guitarrista Mark Knopfler.
En 1987 graba un tema a capella con el grupo The Christians para un programa de televisión y en mayo sale su nuevo elepé, Quiéreme aunque te duela, en el que, menos roquera, se descubre como una gran intérprete de baladas, que serían sus mayores éxitos desde ese momento. Participa en el programa de televisión ¡Qué noche la de aquel año!, presentado por Miguel Ríos, y viaja a México, Venezuela y Nueva York. En 1988 interviene en el programa televisivo Viaje con nosotros, de Javier Gurruchaga, y en un festival benéfico en Sevilla interpreta una versión por tangos de Quiéreme aunque te duela en compañía del grupo Pata Negra. Interviene en el Sun Festival de Ibiza en compañía de Phil Manzanera.
Discografía
Sencillos
La guapa (1977)
El ascensor (1980)
Álbumes de estudio
1982 Luz 100.000
1984 Los ojos del gato 150.000
1985 Luz III 200.000
1987 Quiéreme aunque te duela 200.000
1989 Luz V 300.000
1991 A contraluz 600.000
1995 Como la flor prometida 800.000
1999 Un mar de confianza 600.000
2002 Con otra mirada 150.000
2004 Sencilla alegría +120.000
2007 Vida tóxica +120.000
2009 La pasión 240.000
2013 Almas gemelas +40.000
2017 Luz Casal chante Dalida, A mi manera (Francia)
2018 Que corra el aire
Un total de más de 5 000 000 copias ha vendido Luz Casal en sus más de treinta años de carrera musical (desde 1982).
Álbumes recopilatorios
Luz (1990)
Pequeños y grandes éxitos (1996) +200.000
Best of Luz Casal (1998) +400.000
Pequeños, medianos y grandes éxitos (2005) +100.000
Un ramo de rosas (2011)
Luis Eduardo Aute
Luis Eduardo Aute Gutiérrez (Manila, Filipinas; 13 de septiembre de 1943-Madrid, España; 4 de abril de 2020) fue un músico, cineasta, escultor, pintor y poeta español. Aunque fue principalmente conocido como cantautor, también destacó como pintor y como director de cine. Hablaba español, inglés, catalán, francés, italiano y tagalo.
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Luis Eduardo Aute nació en Manila, la capital de Filipinas, el 13 de septiembre de 1943. Su padre, Gumersindo Aute Junquera, había nacido en Barcelona, hijo de andaluces, y a los 18 años se fue a trabajar a Manila, a la compañía Tabacos de Filipinas y allí conoció a su mujer, Amparo Gutiérrez-Répide Carpi, una española hija de valenciana y santanderino. En su niñez, Luis Eduardo estudió en el colegio de La Salle, donde aprendió inglés, ya que toda la enseñanza se impartía en ese idioma; además hablaba tagalo,5? que aprendió en el día a día, español y catalán, que utilizó con su familia. Desde niño mostró gran habilidad como dibujante y pintor. Otra pasión temprana fue el cine, especialmente desde que sus padres le regalaron una cámara de ocho milímetros con la que realizó diversas películas con sus amigos.
A los ocho años viajó por primera vez a España. En Madrid, acompañando a la orquesta del Hotel Avenida, cantó por primera vez en público interpretando la canción Las hojas muertas. A los nueve años vio por primera vez On the Waterfront, película que lo marcó notablemente y lo llevó a escribir en inglés sus primeros poemas. Otra película que le influyó en esa época es Niágara, donde descubrió la sensualidad y el erotismo de Marilyn Monroe.
En 1954 la familia, previa estancia en Barcelona, se estableció definitivamente en Madrid, donde Luis Eduardo estudió en el colegio Nuestra Señora de las Maravillas. Tres años más tarde, al cumplir los quince, y tras regalarle su padre una guitarra, actuó en la fiesta de fin de curso del colegio formando un trío con otros dos amigos. En esos mismos años, muy influido por el expresionismo alemán, comenzó a pintar sin descanso, obteniendo una medalla de plata en el II Certamen Juvenil de Arte.
En 1960 tuvo lugar su primera exposición individual de pintura en la Galería Alcón de Madrid, con bastante éxito. Ese mismo año nació su hermano José Ramón. En el curso preuniversitario formó parte de varios grupos, como Los Sonor, del que surgirían Los Bravos y en el que tocaba la guitarra acústica; Los Tigres, en el que cantaba en inglés canciones de Elvis Presley, y, de acuerdo con José Ramón Pardo, Los Pekenikes. Sin embargo, el cine y la pintura, al igual que la escritura, siguieron siendo sus grandes pasiones. Con Los Sonor llegaría a interpretar dos canciones en el programa de televisión Salto a la fama, aunque Aute abandonó el grupo para centrarse en sus estudios.
En 1961 escribió su primer guion de cine y presentó un cortometraje de veinte minutos al concurso de la revista Primer Plano. También escribió Los últimos estertores, una especie de libro con textos, poemas y guiones que mandó encuadernar. Sus padres se separaron. Realizó otro cortometraje, Senses, que fue rechazado por inmoral. En 1962 realizó su segunda exposición individual de pintura, en la galería Quixote, y conoció a Marichu Rosado con quien se casó en 1968.
En 1963 comenzó a estudiar arquitectura técnica en la Escuela de Aparejadores, aunque solo dos semanas después abandonaría la universidad y se trasladó a París, donde vivió toda la efervescencia cultural de la época, descubrió la música de Jacques Brel y Georges Brassens, leyó a Paul Éluard y a Nietzsche (Más allá del bien y del mal) y vio películas prohibidas en España, como Lolita de Stanley Kubrick. Durante los siguientes años regresó varias veces a la capital francesa y comenzó a vivir de sus cuadros, realizando algunas exposiciones fuera de España. El marchante estadounidense Gregg Juárez vendía sus cuadros en Estados Unidos. También consiguió empezar a trabajar en el mundo del cine, destacando su participación en la película Cleopatra, de Joseph L. Mankiewicz, como intérprete de inglés, francés y español y segundo ayudante de dirección de la segunda unidad, que se encargaba de filmar las secuencias rodadas en España. En Madrid trabajó como meritorio de dirección en La vida es magnífica, una película de Maurice Ronet, y en Chaud, chaud, les visons, de Marcel Ophüls.
Discografía
Sencillos de la primera época
Don Ramón / Made in Spain (RCA-Victor, 1967)
Aleluya #1 / Rojo sobre negro (RCA-Victor, 1967)
Al-leluia #1 / Roig damunt el negre (RCA-Victor, 1967)
Mi tierra, mi gente / Los ojos (RCA-Victor, 1968)
Los burgueses / Me miraré en tu cuerpo (RCA-Victor, 1968)
Clamo al firmamento (Aleluya #2) / Ausencia / Labrador (RCA-Victor, 1968)
Yo pertenezco / Dónde estará la verdad (RCA-Victor, 1968)
Tiempo de amores / Sí, sí, señor (RCA-Victor, 1968)
Discos de larga duración
Estudio
Diálogos de Rodrigo y Gimena (RCA-Victor, 1968)
24 canciones breves (1967-68) (RCA-Victor, 1968)
Rito (Ariola, 1973)
Espuma (Ariola, 1974)
Babel (Ariola, 1975)
Sarcófago (Ariola, 1976)
Forgesound, con Jesús Munárriz (Ariola, 1977)
Albanta (Ariola, 1978)
De par en par (Ariola, 1979)
Alma (Movieplay, 1980)
Fuga (Movieplay, 1981)
Cuerpo a cuerpo (Ariola, 1984)
Nudo (Ariola, 1985)
Templo (Ariola, 1987)
Segundos fuera (Ariola, 1989)
Ufff! (Ariola, 1991)
Slowly (Ariola, 1992)
Animal uno (Libro-disco 1994)
Alevosía (Virgin, 1995)
Aire/Invisible (Virgin, 1998)
Alas y balas (Virgin, 2003)
El desenterrador de vivos (Libro-disco , 2007 con Fernando Polavieja)
A día de hoy (BMG Ariola, 2007)
Intemperie (Sony Music, 2010)
El niño que miraba el mar (Sony Music, 2012)
Aute canta a Oroza (Libro-disco,2018)
En directo
Entre amigos (Movieplay, 1983)
Mano a mano, con Silvio Rodríguez (Ariola, 1993)
Humo y azar (BMG Ariola, 2007)
De la luz y la sombra (Sony Music, 2018)
Recopilatorios
Álbum 1966-67 (RCA, 1972)
20 canciones de amor y un poema desesperado (Ariola, 1986)
Paseo por el amor y el deseo (Ariola, 1996)
Querencias (Virgin, 2001)
Auterretratos, vol. 1 (BMG Ariola, 2003)
Auterretratos, vol. 2 (BMG Ariola, 2005)
Memorable cuerpo (Sony BMG, 2008)
Auterretratos, vol. 3 (BMG Ariola, 2009)
Auteclàssic, con Joan Isaac (2009)
Colectivos
Tercer festival de la Nueva Canción Latinoamericana (Discos Pentagrama, 1984)
Todas las voces todas (1996)
Canto por el cambio (2004)
Manual para olvidados (2013)
Extracto de Wikipedia
Luis Delgado
Luis Delgado (n. Madrid, España; 16 de julio de 1956) es un músico, compositor, multiinstrumentista y productor musical español.
Nace en el barrio de Chamberí, en Madrid, el 16 de julio de 1956 y realiza sus estudios de música con D. Manuel Grandío. Su primer concierto lo da a los 14 años como miembro de la Orquesta de Laudes «Gaspar Sanz». Ha pertenecido a formaciones musicales de diversos tipos y estilos: Imán (rock andaluz); Atrium Musicae de Madrid (música antigua); Babia (fusión Oriente-Occidente); Finis Africae (fusión étnica), Cálamus (música medieval española ), La Musgaña (música tradicional), Música Antigua (música Medieval), grupo hispano-marroquí Ibn Baya (música andalusí)], etc.
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Como productor ha trabajado con Amancio Prada, Joaquín Díaz, María del Mar Bonet, Nuestro Pequeño Mundo, Emilio Cao, Luis Paniagua, Javier Bergia, etc.
Como músico de estudio y directo ha grabado para Pablo Guerrero, Oskorri, Vainica Doble, Kepa Junkera, Rosendo y Eduardo Paniagua entre otros.
Forma parte y codirige junto a César Carazo el grupo «Los Músicos de Urueña», colabora habitualmente con el ensemble francés de música medieval Le Tre Fontane, acompaña a Amancio Prada en escena, y junto a Cuco Pérez y a Diego Galaz lleva al directo el repertorio «Apasionante Música de Cine» y «La Música en el Circo».
En 1985 creó una productora de nuevas músicas firmadas por autores e intérpretes españoles, “El Cometa de Madrid”.
Así mismo, su actividad como autor en espectáculos escénicos le ha llevado a trabajar para directores y coreógrafos como Gerardo Vera, José Luis Gómez, Emilio Gutiérrez Caba, Víctor Ullate, José Pascual, Jesús Castejón y Juan Carlos Corazza entre otros.
Es asesor musical y compositor permanente en el Planetario de Madrid.
Ha compuesto varias bandas sonoras para programas de televisión, destacando la serie de 26 capítulo sobre el mundo árabe «Alquibla», escrita por Juan Goytisolo y dirigida por Rafael Carratalá.
En el ámbito de la investigación y la divulgación musical, su labor se materializa en congresos, conciertos, cursos, talleres y conferencias. Todo ello toma forma en el “Museo de la Música” que muestra parte de su extensa colección de más de 1300 instrumentos de todo el mundo, y que dirige en la localidad vallisoletana de Urueña desde hace más una década.
Discografía
Como Solista
Vathek (El Cometa/GASA)
Alquibla I (RTVE Música)
Alquibla II (RTVE Música)
Al-Andalus (Sonifolk)
Halilem: Resonancias de Sefarad (Pneuma)
El Sueño de Al Zaqqaq (Nubenegra)
El Hechizo de Babilonia (Nubenegra)
Tanger (Nubenegra)
As-Sirr (Nubenegra)
Dirigido por José Luis Gómez: Música para el Teatro de la Abadía (Pneuma)
Música para el teatro de Cervantes y Valle-Inclán (Pneuma)
El Hechizo de Babilonia (Nubenegra)
Planetario de Madrid Vol. I (L.A.R.)
Planetario de Madrid Vol. II (L.A.R.)
Royal Entertaiments. The Poetry of John Gower in the 15th Century. (I.J.G.S.)
Dirigido por Gerardo Vera: Música para el Centro Dramático Nacional (Warner Music)
Viajes Sonoros (MU)
Enjarje; La Torre del Salvador (MU)
Con Javier Coble
Planetario de Madrid Vol. III (L.A.R.)
Con Pascal Lefeuvre
Sol y Sombra, (Alba/Pneuma)
Riyad al Hubb (Lefeuvre/El Arabi/Delgado) (Harmonia Mundi/ Daqui)
Mecánica Popular (con Eugenio Muñoz)
¿Que sucede con el Tiempo? (NO-CD)
Bakú 1922 (El Cometa/GASA)
Neguentropía (Warner Music)
Ishinohana (con Javier Bergia)
La Flor de Piedra (GASA)
Un Mundo sin Fronteras (RTVE Música)
Todos estos años (GASA)
Shanti (Nubenegra)
E.Paniagua/F.Vilches/L.Delgado
Ecos del Espíritu (Pneuma)
Javier Mas y L. Delgado
Música para el Mudéjar (Prames)
Cuco Pérez y Luis Delgado
Circus (MU)
Javier Bergia/Luis Delgado/Javier Paxariño
En la Sombra de la Utopía (Mandala)
Como miembro de Grupos
Quarteto Medieval de Urueña/Los Músicos de Urueña
La Lírica Sagrada en los Trovadores (T.F. Media)
Música en la Catedral-Museo de Jaca (Prames)
La Estrella de Belén (M.M.)
Los Músicos de Urueña en la Capilla Mudéjar de San Bartolomé (MU)
Romancero Viejo y Nuevo en el Quijote (MU)
El Vino en la Música de las Tres Culturas
Música Sefardí – Sinagoga del Tránsito
Música de las Tres Culturas – Museo Vivo de al-Andalus en Córdoba
Música Medieval para el Museo de la Catedral de Jaca
Babia
Oriente Occidente (Guimbarda)
Vivere Memento
Música Antigua a la luz de Nuestro Tiempo
Atrium Musicae
Las Indias de España (Hispavox)
Cálamus
Medieval Women’s Songs (Pneuma)
The Splendour of Al-Andalus (MA Recordings)
Ibn Baya
Nuba Al Istihlal (Sony Clasic)
Nuba Al-Maya (Sony Clasic)
Nuba Rasd d-Dail (Sony Clasic)
Cantos Sufíes de Al-Andalus (Sony Clasic)
La Musgaña
Lubicán (Green Linnet)
Las Seis Tentaciones (Green Linnet)
Hen Sant Jakez (Shamrock)
Finis Africae
Radio Tarifa (GASA)
Un día en el Parque (GASA)
Grupo «Música Antigua» de Eduardo Paniagua
Danzas Medievales españolas (MA Recordings)
Cantigas de Castilla y León (Sony Classic)
Remedios Curativos (Sony Classic)
La Vida de María (Sony Classic)
Cantigas de Toledo (Sony Classic)
Cantigas de Caballeros (Sony Classic)
Cantigas de Sevilla (Sony Classic)
Cantigas de Jerez (Sony Classic)
Cantigas de Italia (Sony Classic)
Cantigas de Francia (Sony Classic)
Las Tres Culturas (Sony Classic)
La Luz de la Mediterranía (Alba/Pneuma)
Cantigas de Santa María del Puerto (Pneuma)
Jardín de Al-Andalus (Pneuma)
Poemas de la Alhambra (Pneuma)
Le Tre Fontane Florilege (Alba)
Extracto de Wikipedia
Luciano Pavarotti
Luciano Pavarotti (Italiano: [lu?t?a?no pava?r?tti]; Módena, 12 de octubre de 1935-ibídem, 6 de septiembre de 2007) fue un tenor italiano, uno de los cantantes contemporáneos más famosos de las últimas décadas, tanto en el mundo del canto lírico como en otros múltiples géneros musicales, considerado uno de los mejores de toda la historia. ?Fue muy conocido por sus conciertos televisados y como uno de Los Tres Tenores, junto con Plácido Domingo y José Carreras. Reconocido por su filantropía, reunió dinero para refugiados y para la Cruz Roja, y fue premiado en varias ocasiones por ello.
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Nacido el 12 de octubre de 1935 en las afueras de Módena, Luciano Pavarotti era hijo de Fernando Pavarotti (1912-2002), panadero y tenor aficionado, y Adele Venturi (1915-1999), trabajadora en una fábrica cigarrera. Su padre estimuló a Luciano para que empezara los estudios en el mundo del canto lírico. Aunque Luciano hablaba con cariño de su infancia, la realidad es que vivió ciertas penurias, aunque la felicidad podría ser interpretada de formas diversas. Su familia tenía escasos recursos económicos; sus cuatro miembros se apiñaban en un apartamento de dos cuartos. Según Luciano, su padre tenía una fina voz de tenor, pero rechazó la posibilidad de dedicarse a la carrera de cantante debido a sus nervios. La Segunda Guerra Mundial forzó a la familia a salir de la ciudad en 1943 y al año siguiente tuvieron que alquilar una habitación a un granjero en la campiña cercana, donde el joven Luciano desarrolló interés por la agricultura.
Después de abandonar el sueño de convertirse en portero de fútbol, Pavarotti pasó siete años en entrenamiento vocal. Sus primeras influencias musicales provinieron de las grabaciones que poseía su padre, la mayoría de tenores populares de la época como Beniamino Gigli, Giovanni Martinelli, Tito Schipa y Enrico Caruso. Sin embargo, el ídolo de Luciano era el tenor Giuseppe Di Stefano, y también estaba profundamente influenciado por Mario Lanza; dijo: «En mi adolescencia solía ver películas de Mario Lanza y luego volvía a casa a imitarlo en el espejo». Cerca de los nueve años, comenzó a cantar con su padre en el coro de una pequeña iglesia local. También en su juventud tomó algunas clases de canto con el profesor Dond y su esposa.
Después de lo que parece haber sido una infancia normal con un interés típico en los deportes, en su caso el fútbol sobre todo, se graduó de la Scuola Magistrale y enfrentó el dilema de una elección de carrera. Estaba interesado en seguir una carrera como portero profesional de fútbol, pero su madre lo convenció para que se formara como profesor. Posteriormente, enseñó en una escuela primaria durante dos años, pero finalmente permitió que su interés en la música ganara. Reconociendo el riesgo involucrado, su padre dio su consentimiento de mala gana.
Pavarotti comenzó el estudio serio de música en 1954 a la edad de 19 años con Arrigo Pola, un respetado maestro y tenor profesional en Módena que se ofreció a enseñarle sin remuneración. Según el director Richard Bonynge, Pavarotti nunca aprendió a leer música. En cambio, su segunda esposa, Nicoletta Mantovani, afirma que sí leía las partituras.
En 1955 experimentó su primer éxito como cantante cuando era miembro del Corale Rossini, un coro de voces masculinas de Módena que también incluía a su padre, que ganó el primer premio en el Eisteddfod Internacional en Llangollen, Gales. Más tarde dijo que esta fue la experiencia más importante de su vida y que lo inspiró a convertirse en cantante profesional. En esta época, Pavarotti conoció a Adua Veroni. Se casaron en 1961.
Cuando su maestro Arrigo Pola se mudó a Japón, Pavarotti se convirtió en estudiante de Ettore Campogalliani, quien en ese momento también estaba enseñando a la amiga de la infancia de Pavarotti, Mirella Freni, cuya madre trabajaba con la madre de Luciano en la fábrica de cigarros. Al igual que Pavarotti, Freni se convirtió en una exitosa cantante de ópera. Continuarían colaborando en varias representaciones teatrales y grabaciones juntos.
Durante sus años de estudio musical, Pavarotti tuvo trabajos de medio tiempo para mantenerse, primero como maestro de escuela primaria y luego como vendedor de seguros. Los primeros seis años de estudio dieron como resultado solo algunos recitales, todos en ciudades pequeñas y sin remuneración. Cuando un nódulo se desarrolló en sus cuerdas vocales, causando un concierto «desastroso» en Ferrara, decidió dejar de cantar. Pavarotti atribuyó su mejora inmediata a la liberación psicológica relacionada con esta decisión. Cualquiera sea la razón, el nódulo no solo desapareció sino que, como relató en su autobiografía: «Todo lo que aprendí se unió con mi voz natural para hacer que el sonido por el que había estado luchando fuera tan difícil».
Extracto de Wikipedia
Luar na Lubre
Luar na Lubre es un grupo español de música folk, nacido en 1986 en la ciudad de A Coruña y encuadrado en la corriente que ha dado en llamarse «música celta». Luar significa en gallego «resplandor de la luna»; lubre puede traducirse como «bosque sagrado donde los druidas celtas hacían sus rituales».
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Entre los instrumentos que el grupo emplea se encuentran la gaita gallega, la gaita midi, el acordeón diatónico, el violín, flautas y whistles, la guitarra acústica, ocasionalmente la eléctrica, el bouzouki, la pandereta o el bodhrán. Su actual vocalista es Irma Macías.
La música de Luar na Lubre se basa fundamentalmente en el folklore de Galicia, aunque está también muy influida por la de las regiones consideradas de tradición «celta» (Irlanda, Escocia, Bretaña) en línea con la corriente celtista de muchos grupos folk gallegos. Esta actitud posee defensores y detractores: los primeros aplauden la gran internacionalización que la música de Galicia ha logrado con ello y defienden además que Galicia posee lazos históricos, geográficos o de solidaridad lingüístico-cultural con esas otras regiones del Atlántico europeo; los segundos critican que lo «celta» sustituye el carácter de la música tradicional gallega por una estética de inspiración irlandesa y escocesa, bastante diferente, propiciando fuera de Galicia la identificación errónea de dicha fusión desvirtuada con un estilo de folk más genuinamente gallego (como podría ser el de Milladoiro o Fuxan os Ventos).
Su estilo ha evolucionado notablemente con los años, adquiriendo con el tiempo una gran sofisticación. En 1996 el músico británico Mike Oldfield incluyó una adaptación del tema O Son do Ar en su álbum Voyager e invitó al grupo a su gira mundial, lo que otorgó a Luar Na Lubre cierta fama internacional. En 2003 compusieron el tema Memoria da noite en alusión al hundimiento del Prestige.
En 2009 Luar Na Lubre conmemoró su 25 aniversario grabando su primer disco en directo (Ao Vivo) en el Teatro Colón de A Coruña e invitando a músicos como Luz Casal, Pedro Guerra o Diana Navarro.
En noviembre de 2010 salió a la luz el disco Solsticio, un proyecto centrado en la música medieval y especialmente en la riqueza de la lírica galaico-portuguesa y las influencias del Camino de Santiago.
En septiembre de 2011 la banda anunció la marcha de Sara Vidal por cuestiones personales y el 3 de noviembre de 2011 la banda presentó a la vocalista Paula Rey en el Teatro Colón. Con ella presentan cinco discos, dos de ellos con DVD grabados en directo: Sons da Lubre nas Noites de Luar con el concierto grabado en directo en Santiago de Compostela en julio de 2012, y Torre de Breoghán, proyecto audiovisual presentado en 2014 en el Palacio de la Opera de A Coruña, en el que se acompañan por la Orquesta Sinfónica de Galicia para narrar la historia que une Galicia e Irlanda en los escritos del Leabhar Ghabhála, y también la interpretación sinfónica de clásicos del grupo.
En 2016 la formación coruñesa cierra un ciclo con la edición de su trabajo XXX Aniversario en el que, además de recuperar algunos de sus temas menos conocidos, rinden homenaje a Emilio Cao con la interpretación de su tema Fonte do Araño, contando con la colaboración de Ismael Serrano.
En 2018 presentan Ribeira Sacra, un disco que, según afirman, tiene como objetivo poner en valor a través de la música la riqueza histórica, etnográfica, natural y monumental de este territorio. Acompañados por diversos artistas, como Víctor Manuel, SES, la Coral de Ruada, Nani García, la asturiana Marisa Valle Roso, Juan A. Antepazo de Astarot, Irma Macías Suárez, Brais Maceiras, entre otros muchos. Estos dos últimos, Irma (voz) y Brais (acordeón), acompañan actualmente a la formación en la gira de presentación de Ribeira Sacra, que lleva la música, el idioma y la cultura gallega a diferentes lugares de toda Europa y América Latina.
Discografia
O Son do Ar (1988)
Beira Atlántica (1990): álbum dedicado casi íntegramente a temas folclóricos adaptados: varias muiñeiras, tres danzas y un compendio de jig y reels con aire escocés; además, una canción de cuna escrita por Celso Emilio Ferreiro y con música de Bieito Romero.
Ara Solis (1993)
Plenilunio (1997): ocho temas tradicionales adaptados por el grupo y cuatro originales, entre los que destacan la revisión del famosísimo «O Son do Ar» (de Bieito Romero), el clásico del grupo «Tu Gitana», «Pola Ponte de San Xoán» y «Galaecia».
Cabo do Mundo (1999):
XV Aniversario (2001)
Espiral (2002)
Hai un Paraiso (2004)
Saudade (2005): recupera poemas de García Lorca dedicados a Buenos Aires, una pandeirada dedicada al Che Guevara, poemas dedicados a los emigrantes, y se cuenta con la colaboración de Pablo Milanés, Emilio Cao, Lila Downs y Adriana Varela. Cabe destacar la incorporación de Sara Vidal como vocalista del grupo, sustituyendo a Rosa Cedrón.
Camiños da fin da terra (2007): Disco que salió a la venta a finales octubre de 2007, con 14 canciones sobre las sensaciones de mar, tierra y belleza.
Ao Vivo! (2009): primer álbum en directo, grabado en el Teatro Colón de La Coruña los días 22 y 23 de enero de 2009. Colaboran Luz Casal, Pedro Guerra, Diana Navarro e Ismael Serrano. Publicado como CD+DVD, incluyendo un documental sobre el grupo.
Solsticio (2010): 15 canciones donde se mezcla la música tradicional de corte profano con la música medieval gallega de marcado carácter religioso. La voz de Sara Vidal se alterna con las colaboraciones de Pat Kilbride, Miro Casabella, Diana Navarro y Xulia Cea.
Mar Maior (2012) Destaca la incorporación de Paula Rey como nueva vocalista del grupo, sustituyendo a Sara Vidal. El álbum mantiene el binomio entre música tradicional gallega y música medieval galaico-portuguesa, añadiendo al concepto el vínculo entre Galicia e Irlanda a través del Leabhar Gabhála Éireann, el libro de las invasiones de Irlanda, rescatando también textos y melodías irlandesas.
Sons da lubre nas noites de luar (2012) Caja recopilatoria con 3CD+DVD, que contiene 45 canciones a modo de selección de lo más significativo de su repertorio, siete videoclips y un concierto grabado en directo en la Praza da Quintana de Santiago de Compostela el 31 de julio de 2012.
Torre de Breoghán (2014) Grabado en directo en el Palacio de la Ópera de La Coruña con la Orquesta Sinfónica de Galicia.
Extra Mundi (2015) Aparte del habitual folk gallego y melodías de aire celta, el grupo explora el resto de territorios y culturas de la península ibérica a través de canciones tradicionales de Asturias, Castilla, Cataluña o el País Vasco. Paula Rey canta en 5 idiomas diferentes, y es muy destacable la colaboración vocal de la Coral de Ruada en varias de las piezas.
XXX Aniversario (2016) Selección especial de temas que celebran los 30 años de trayectoria del grupo. Incluye 4 temas regrabados y reversionados.
Ribeira sacra (2018): Disco dedicado a la región de la Ribeira Sacra ourensana, que recoge canciones tradicionales y sonidos propios de la zona, así como composiciones propias inspiradas en este territorio. Colaboran Víctor Manuel, SES, Coral de Ruada, Nani García, Marisa Valle Roso, Juan A. Antepazo de Astarot. En esta grabación se incorporan a la formación Irma Macías (voz) y Brais Maceiras (acordeón).
Vieiras e Vieiros. Historias de Peregrinos (2020): Disco dedicado al Camino de Santiago. El 27 de abril se estrenó un adelanto del disco con las canciones Benvido y Mártiros e o Vákner. En la canción Benvido participa Miguel Ríos.
Lovin’ Spoonful
The Lovin’ Spoonful son una banda norteamericana de rock formada en Nueva York a mediados de los años 60 por los músicos John Sebastian y Zal Yanovsky. En 2000 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll.
La banda tuvo su origen dentro del contexto cultural surgido en Greenwich Village conocido como revival folk a principios de los años 60.
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El proyecto fue formado en el año 1965 por John Sebastian, cantante, guitarrista y armonicista nacido en Nueva York junto al vocalista y guitarrista canadiense Zal Yanovsky, quien compartía con Sebastian el amor a la música folk, en especial por la obra de Bob Dylan. Los dos había actuado juntos en cafés y pequeños clubes de Greenwich Village con el grupo The Mugwumps, donde compartían formación con Cass Elliot y Denny Doherty, futuros miembros de The Mamas & The Papas. Sebastian había tocado anteriormente en Even Dozen Jug Band y Yanovsky en el grupo folk The Halifax Three. Junto a Yanovsky y Sebastian, la formación original de The Lovin’ Spoonful se completó con el bajista Steve Boone y el batería Joe Butler.
La banda grabó algunos temas para Elektra Records en 1965, sello que les ofreció la oportunidad de firmar un contrato discográfico, sin embargo previamente habían firmado con la discográfica Kama Sutra Records un contrato como músicos de sesión y, debido al interés de Elektra, Kama Sutra hizo valer sus derechos contractuales para retener al cuarteto. Los temas grabados para Elektra Records fueron publicados en 1966 dentro de un recopilatorio de varias bandas.
Discografía
Sencillos
1965 – «Do You Believe in Magic» (del álbum Do You Believe in Magic)
1965 – «You Didn’t Have to Be So Nice» (del álbum Daydream)
1966 – «Daydream» (del álbum Daydream)
1966 – «Did You Ever Have to Make Up Your Mind?» (del álbum Do You Believe in Magic)
1966 – «Jug Band Music» (del álbum Daydream)
1966 – «Summer in the City» (del álbum Hums Of The Lovin’ Spoonful)
1966 – «Rain on the Roof» (del álbum Hums Of The Lovin’ Spoonful)
1966 – «Nashville Cats» (del álbum Hums Of The Lovin’ Spoonful)
1966 – «Full Measure» (del álbum Hums Of The Lovin’ Spoonful)
1967 – «Darling Be Home Soon» (del álbum You’re A Big Boy Now (Banda sonora))
1967 – «Six O’Clock» (del álbum Everything Playing)
1967 – «You’re a Big Boy Now» (del álbum You’re A Big Boy Now (Banda sonora))
1967 – «She Is Still a Mystery» (del álbum Everything Playing)
1968 – «Money» (del álbum Everything Playing)
1968 – «Never Goin’ Back (to Nashville)» (del álbum Revelation: Revolution ’69)
1968 – «(‘Til I) Run with You» (del álbum Revelation: Revolution ’69)
1969 – «Me About You» (del álbum Revelation: Revolution ’69)
1970 – «Younger Generation» (del álbum Everything Playing)
Álbumes
1965 – Do You Believe in Magic
1966 – Daydream
1966 – What’s Up Tiger Lily? (Banda sonora)
1966 – Hums of the Lovin’ Spoonful
1967 – You’re A Big Boy Now (Banda sonora)
1967 – Everything Playing
1969 – Revelation: Revolution ’69
Extracto de Wikipedia
Louis Clark
Louis Clark (nacido el 27 de febrero de 1947 en Kempston , cerca de Bedford , Bedfordshire , Inglaterra ) es un jugador británico y arreglista musical de teclado. Se formó en Leeds College of Music .
Louis Clark, antiguo arreglista en Electric Light Orchestra, dirigió The Royal Philarmonic Orchestra ejecutando una selección de extractos reconocibles de destacadas piezas de música clásica, por medio de ritmos (a veces más rápido, otras más lentas o incluso con ritmos sutiles) vinculados en la misma melodía. A esto se le llama Rock sinfónico o Rock orquestado, como The London Symphony Orchestra hizo con su serie Rock Clásico, con la diferencia de incluir menos efectos electrónicos.
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El primer arreglo del álbum inicial fue un sencillo muy exitoso, alcanzando la posición #2 en la lista UK Singles Chart y la posición #10 en la lista de éxitos «Billboard Hot 100» entre 1981 y 1982. Al menos dos álbumes más de Hooked on Classics fueron producidos por Louis Clark en 1982 y 1983, así como algunos otros álbumes «Hooked…» con ritmos como el swing. La serie se siguió ejecutando hasta fechas tan tardías como 1988, cuando en «Hooked on Classics» se colocaron extractos de música usando un bajo sintetizado y música House como ritmo en todas las adaptaciones. En 1989 la orquesta publicó nuevamente el álbum «Mixed up Classics», adaptando el nombre a Hooked on…, aunque todavía usando el estilo popurrí.
La frase «Hooked on…» ha ganado un amplio uso en diversos productos en medios de comunicación. Un ejemplo es «Hooked on Phonics».
Louis Clark, su director de orquesta y compositor, lanzó en 1988 un álbum que tituló «Original Classics in a Modern Style», sin embargo el álbum no ha sido nuevamente comercializado desde aquel entonces.
Fue el director de orquesta y arreglista de la orquesta y el coro contratado para realizar copias Electric Light Orchestra sonido ‘s, introducido en su álbum Eldorado en 1974. asistida Jeff Lynne y Richard Tandy por escrito los arreglos de cuerda para el álbumes de estudio Eldorado , Face the Music , un nuevo récord mundial , fuera del azul , Descubrimiento y Xanadú . Más tarde jugó sintetizadores para ELO durante su tiempo de recorrido. En 1983 regresó a la organización y dirección de las cuerdas de la mensajes secretos álbum, y en 1986 jugó los teclados de nuevo con la banda en su pequeño número de fechas en vivo.
Más tarde también se unió a la gira de ELO Parte II en la celebración del 25 aniversario de la banda. Él continúa trabajando con el grupo ELO sucesor La orquesta .
En 1977 se organizó la música de renacimiento para su concierto Albert Hall con la RPO.
En los años ochenta se llevó a cabo la Royal Philharmonic Orchestra en una serie de registros bajo el título Enganchado en las obras clásicas .
En 1985 volvió a trabajar con el cantante renacimiento Annie Haslam y letrista de la banda Betty Thatcher con el RPO para producir el álbum «Still Life».
Discografía
(per-spek-TIV) n. (Jet 218, 1979)
Enganchado en Classics (K-Tel Uno 1146, 1981)
La colección de la reina (EMI TV33, 1982 y MFP 41 5673 1, 1982)
Enganchado en Classics 2 (K-Tel Uno 1173, 1983), versiones posteriores fueron subtitulados «Can not Stop the Classics»
Enganchado en Classics 3 (K-Tel Uno 1226, 1983), versiones posteriores fueron subtitulados «Viaje a través de los clásicos»
El concierto de los Beatles 20 Aniversario (Spartan SRFC1001, 1983)
Lo mejor de Enganchado en Classics (K-Tel Uno 2266, 1984)
Grandes éxitos de Enganchado en Clásicos (Pickwick SHM3158, 1985)
La vida sigue (Spartan LCTV1, 1985) con la voz de Annie Haslam y letra de Betty Thatcher
Classics favoritos (Spartan SLCLP2, 1986)
Enganchado en Classics Collection (K-Tel 5107, 1986)
El muy mejor de Enganchado en Classics (Pickwick PWKS 4017, 1986)
Abbaphonic (Disky AC202, 1987 y Disky DLP2007, 1987)
Beatlephonic (Disky DLP2015, 1987)
Enganchado en Rhythm & Clásicos (Telstar 2344, 1988)
Enganchado en Classics: The Ultimate Performance (K-Tel OCE2432, 1989)
Leyendas (Unión LP1, 1989)
Golpea serio para orquesta de Filadelfia Phil Collins (EDL 2555-1, 1990; RPOMC1 Virgen, 1991; EDL 2555-2, 1993)
Enganchado en Enganchado en Clásicos (Music Club MCTC003, 1991)
Enganchado en Classics Collection X-tra Vol 1 (ELAP 4,718 mil, 1991)
Enganchado en Classics Collection X-tra Vol 2 (ELAP 4,719 mil, 1991)
La Royal Philharmonic Orchestra Plays Reina (Disky DCD 5256, 1992)
Los dos lados de Louis Clark: las leyendas del rock y clásicos favoritos (Westmore Música CDWM108, 1993)
Classics instrumentales (K-Tel ECD 3025, 1994)
La Royal Philharmonic Orchestra Plays Pop Leyendas (Disky DCD 5381, 1994)
Más Enganchado en Clásicos (Music Club MCCD 369, 1998)
Packs:
Espacio abierto: El Chillout Album Clásico (Columbia 504690-2, 2001)
El Chillout Album New Classic: De la oscuridad hasta amanecer (Sony STVCD148, 2002)
Louis Armstrong
Louis Daniel Armstrongn (Nueva Orleans, 4 de agosto de 1901?- Nueva York, 6 de julio de 1971), también conocido como Satchmo o Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz.
Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile, en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como cornetista y trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme influencia para el canto jazzístico.
Los logros de Satchmo escapan a lo meramente artístico o personal, pues se convirtieron en símbolo de la creatividad del americano..
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Louis Armstrong nació en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de Nueva Orleans. La miseria se agudizó cuando su padre, William Armstrong, los abandonó. Louis era entonces un niño y pasaría su juventud en un difícil vecindario de las afueras de la ciudad. Al menos desde 1910, cuando fue detenido por primera vez, se vería esporádicamente involucrado en asunto delictivos. Su madre, Mary «Mayann» Albert (1886-1942), dejaba a Louis y a su hermana menor Beatrice Armstrong Collins (1903-1987) bajo el cuidado de su abuela, Josephine Armstrong (que había nacido esclava y fue liberada después de la Guerra Civil) y, a veces, de su tío Isaac.
La parte de su educación infantil la obtuvo vagabundeando por las calles y trabajando de chatarrero. Siendo aún muy niño pudo ser consciente del terrible odio racial que existía en los Estados Unidos en las primeras décadas del siglo XX. Por primera vez notó que era tratado diferente y, como él mismo contaba, finalmente acabó «comprendiendo que era por el color de su piel».
Trabajó para una familia de inmigrantes judíos lituanos, los Karnofsky, quienes aceptaron al niño como a uno más de la familia. Louis siempre contó cómo descubrió que esta familia blanca también era discriminada por «otros blancos», «yo tenía sólo siete años, pero podía notar el miserable trato que los blancos le daban a esta pobre familia judía para la cual trabajaba… de la cual aprendí cómo vivir una vida verdadera y con determinación» (escrito en sus memorias: Louis Armstrong y la familia judía en Nueva Orleans).
No existían antecedentes musicales en su familia, por lo que su interés por este arte surgió a partir de la escucha de las célebres bandas de Nueva Orleans, que desfilaban habitualmente por las avenidas de la ciudad. Su familia adoptiva fue la que hizo posible que se dedicara a la música y a no ser un muchacho problemático más de las calles de Nueva Orleans. Cuando la música le llamó y no tenía un centavo para comprar su primera trompeta, el señor Karnofsky se la compró. Eternamente agradecido y a pesar de ser de fe baptista, Louis Armstrong llevó el resto de su vida una estrella de David colgando de su cuello en honor a su mecenas. Hoy día existe en Nueva Orleans una organización sin ánimo de lucro llamada The Karnofsky Project que se encarga de proporcionar instrumentos musicales a niños sin posibilidades económicas.
Aprendió, en primer lugar, a tocar la corneta en la banda de la Nueva Orleans Home for Colored Waifs, un reformatorio para niños negros abandonados a donde había sido enviado en varias ocasiones por delitos menores, como por ejemplo el haber disparado al aire durante una Nochevieja. Allí, aconsejado por el director del reformatorio, Joseph Jones, y el profesor Peter Davis, optó por la trompeta entre otros instrumentos.
En 1914, tras su salida del reformatorio, trabajó como vendedor de carbón, repartidor de leche, estibador de barcos bananeros y otros empleos del mismo tipo. Empezó también a trabajar en los cabarés de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad; allí conoce al cornetista Joe King Oliver, quien fue su mentor y casi una figura paternal para él.
Al tiempo, seguía con atención todos los desfiles de las bandas de música habituales en la ciudad y escuchaba a los músicos veteranos cuantas veces podía, aprendiendo de Bunk Johnson, Buddy Petit y, sobre todo, de Joe King Oliver.
Entre 1918 y 1919, ya con una bien ganada reputación como cornetista, fue contratado por el director de orquesta Kid Ory, gracias a una recomendación de Joe King Oliver, que había dejado el puesto de cornetista. Louis llegó por este camino a tocar en algunas de esas orquestas de Nueva Orleans, incluyendo aquellas que viajaban por los ríos, como la renombrada orquesta de Fate Marable, que realizó una gira en un buque de vapor a lo largo de todo el Misisipi. El propio Armstrong describiría esta época con Marable como «su estancia en la universidad», ya que le proporcionó una enorme experiencia en el trabajo con arreglos escritos. Cuando Joe Oliver abandonó la ciudad en 1919, Armstrong ocupó el lugar de Oliver en la banda de Kid Ory, por entonces el grupo de swing más importante de la ciudad.
Discografía
1923: Louis Armstrong with King Oliver (Milestone)
1923: Clarence Williams’ Blue Five (CSB)
1928: Hot Fives And Sevens, Vol. 3 (JSP)
1931: Stardust (Portrait)
1933: Louis Armstrong Sings the Blues (RCA)
1947: Satchmo at Symphony Hall, Vol. 2 [live] (Decca)
1949: Satchmo Serenades (Polygram Records)
1951: Satchmo at Pasadena [live] (Decca)
1954: Louis Armstrong Plays W.C. Handy (Columbia/Legacy)
1955: Louis Armstrong at the Crescendo, Vol. 1 [live] (Decca)
1955: Ambassador Satch (Columbia/Legacy)
1955: Satch Plays Fats: The Music of Fats Waller (Sony)
1955: Satchmo the Great (Sony)
1956: Ella and Louis (Polygram Records)
1956: Pasadena Civic Auditorium June 20, 1956 (Giants of Jazz)
1956: High society
1957: Porgy & Bess (Polygram Records)
1957: Ella and Louis Again (Polygram Records)
1957: Louis Armstrong Meets Oscar Peterson (Polygram Records)
1957: Louis and the Angels (Umvd Labels)
1959: The Five Pennies (Decca)
1960: Happy Birthday, Louis! Armstrong & His All-Stars (Omega)
1960: Satchmo Plays King Oliver (Varese Sarabande)
1961: Together for the First Time [Con Duke Ellington] (Roulette)
1963: Hello, Dolly! (Mca)
1968: What a Wonderful World (ABC Records)
1968: Disney Songs the Satchmo Way (Disney)
1969: On Her Majesty’s Secret Service (Capitol). BSO de 007 al servicio de su majestad.
2002: The Best of Louis Armstrong: The Hot Five and Seven Recordings (Columbia/Legacy)
2002: Satchmo Live (Orpheus Records)
2006: Complete New York Town Hall & Boston Symphony Hall Concerts (DeFinitive)
Extracto de Wikipedia
Lou Reed
Lewis Allen Reed, más conocido como Lou Reed (Brooklyn, Nueva York, 2 de marzo de 1942-Southampton, Estado de Nueva York, 27 de octubre de 2013)? fue un poeta, cantante, guitarrista y compositor de rock, considerado el padre del rock alternativo, primero como líder del grupo The Velvet Underground y luego en solitario.
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Enormemente influyente en la cultura pop desde la década de 1960, entre sus discos suelen destacarse Transformer (1972), Berlin (1973), Rock’n’Roll Animal (1976), Live: Take No Prisoners (1978), New York (1989) y, entre sus actuaciones en directo, el concierto ofrecido en el Meltdown Festival en 1998: Perfect Night Live in London.
Nacido en Brooklyn, residió habitualmente en Nueva York; ciudad cuya faceta menos amable plasmó en muchas de sus letras. Hizo colaboraciones y contactos con creadores como Andy Warhol y David Bowie. Su original estilo e influencia le generó gran fama entre las vanguardias musicales posteriores, fama a la que no fue ajena su ajetreada vida personal durante sus años de mayor éxito. Sin embargo, Reed fue considerado habitualmente como un músico «de culto», ajeno en parte a las listas de éxitos y el marketing de las multinacionales discográficas.
En su época de The Velvet Underground (1964-70) escribió canciones especialmente reconocidas, como «Heroin», «Rock and Roll», «I’m Waiting for the Man» y «Sweet Jane». Su mayor éxito comercial, sin embargo, es una canción posterior: «Walk on the Wild Side» (1972), que dio visibilidad a la prostitución y la transexualidad; una temática que hasta la fecha la música rock no solía abordar.
Álbumes de estudio
Lou Reed (1972)
Transformer (1972)
Berlin (1973)
Sally Can’t Dance (1974)
Metal Machine Music (1975)
Coney Island Baby (1976)
Rock and Roll Heart (1976)
Street Hassle (1978)
The Bells (1979)
Growing Up in Public (1980)
The Blue Mask (1982)
Legendary Hearts (1983)
New Sensations (1984)
Mistrial (1986)
New York (1989)
Songs for Drella (1990) (con John Cale)
Magic and Loss (1992)
Set the Twilight Reeling (1996)
Ecstasy (2000)
The Raven (2003)
Hudson River Wind Meditations (2007)
Lulu (2011) (con Metallica)
Los Secretos
Los Secretos es un grupo de música pop rock español fundado en Madrid y que ha desarrollado su carrera desde los años 80 hasta la actualidad. Se les ha relacionado habitualmente con la movida madrileña, llegando incluso a realizarse documentales en RTVE que dicen que esta comenzó con el renombrado Concierto homenaje a Canito emitido por el espacio de La 2 Popgrama, aunque ellos han preferido siempre identificarse con los grupos surgidos bajo la influencia de la New Wave británica.
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Su formación ha cambiado a lo largo de los años. En los primeros años, los cambios fueron forzados por las sucesivas muertes de dos de sus baterías, primero Canito (en la época en la que el grupo aún se llamaba Tos) y después su sustituto, el también compositor y cantante Pedro Antonio Díaz, al que ficharon tras poner un anuncio en la emisora Onda 2 tras la muerte de Canito (ambos eran compositores y cantantes además de tocar la batería, y ambos tuvieron una gran influencia en el grupo). A lo largo de los años el núcleo principal de Los Secretos fue el integrado por los hermanos Urquijo (1980-1984): Javier (05-nov-1958), Enrique (15-febr-1960 / 17-nov-1999) y Álvaro (22-jun-1962) en la primera época con tres LP editados en Polydor; posteriormente Enrique y Álvaro junto a Ramón Arroyo, Nacho Lles y Steve Jordan con la reunificación del grupo en 1986 y un mini LP y un LP editados en Twins. La formación actual se compone de Álvaro Urquijo (voz y guitarras), Ramón Arroyo (guitarras), Jesús Redondo (teclados), Juanjo Ramos (bajo) y Santi Fernández (batería).
Encuadrada en sus orígenes, junto a otras bandas como Nacha Pop, Mamá y Trastos, en el renovador movimiento de música popular que vino a llamarse nueva ola madrileña, Los Secretos se han revelado a través de más de treinta años en activo, y gracias a numerosas canciones consideradas clásicas (entre las que figuran «Déjame», «Sobre un vidrio mojado», «Quiero beber hasta perder el control» y «Pero a tu lado», convertido en todo un himno no oficial del Levante U.D.), como una de las agrupaciones más importantes de la historia de la música pop rock española.
Su época de mayor éxito profesional se dio en los años 90, cuando encadenaron los exitosos álbumes Adiós tristeza y Cambio de planes y posteriormente el recopilatorio Grandes éxitos. Un momento muy delicado en su historia llegó en 1999 con la muerte de Enrique Urquijo, un duro golpe que, sin embargo, contribuyó a un renacer de la banda con la publicación del álbum homenaje A tu lado en el año 2000, que contó con numerosas colaboraciones de artistas próximos al grupo.
Los Secretos regresaron en 2002 con un nuevo álbum de estudio bajo el liderazgo de Álvaro Urquijo y desde entonces permanecen en activo, habiendo publicado otro disco de estudio (Una y mil veces), un recopilatorio en celebración de los 30 años del grupo y dos grabaciones en vivo. El lanzamiento de un nuevo disco de estudio, En este mundo raro, se realizó en septiembre de 2011.
En 2015, tras dos años de trabajo, presentan el disco de versiones (Algo prestado) donde homenajean a los autores y canciones que les han inspirado en su carrera musical.
En 2019 publican su decimocuarto trabajo, titulado Mi paraíso, con 12 temas originales.
Discografía
Álbumes de estudio
Los Secretos (EP) (1980) Polydor
Los Secretos (1981) Polydor
Todo sigue igual (1982) Polydor
Algo más (1983) Polydor
El primer cruce (1986) Twins
Continuará (1987) Twins
La calle del olvido (1989) Twins
Adiós tristeza (1991) Twins
Cambio de planes (1993) Dro
Dos caras distintas (1995) Dro
Sólo para escuchar (2002) Dro
Una y mil veces (2006) Dro
En este mundo raro (2011)
Algo prestado (2015)
Mi paraíso (2019)[1]
Álbumes en vivo
Directo (1988) Twins
Con cierto sentido (2003) Dro
Gracias por elegirme – Las Ventas 10 de octubre de 2008 (2008) DRO
Sinfónico- Teatro Real 10 de diciembre de 2011 (2012) Warner Music
Recopilatorios
Lo mejor (1985)
La historia de Los Secretos (1996)
Grandes éxitos (1996)
Grandes éxitos II (1999)
A tu lado – Un homenaje a Enrique Urquijo (2000)
Grandes éxitos, ed. revisada y remasterizada (2001)
30 años (2007)
Una vida a tu lado (2017) [4 CD + 1 DVD]
Sencillos
Déjame / Niño Mimado – Polydor (1980)
Todo Sigue Igual – Polydor (1981)
Ojos De Perdida – Polydor (1981)
Sobre un vidrio mojado / Me siento mejor (1981)
Problemas – Polydor (1982)
Hoy No – Polydor (1983)
No Me Imagino – Polydor (1983)
Quiero beber hasta perder el control – Producciones Twins (1986)
El Primer Cruce – Producciones Twins (1986)
Buena chica / Ella Me Dijo – Producciones Twins (1987)
Por El Tunel – Producciones Twins (1987)
Sin Dirección – Producciones Twins (1988)
No Sé Si Se Acuerda – Producciones Twins (1988)
Volver A Ser Un Niño – Producciones Twins (1988)
Nada Mas – Producciones Twins (1988)
No Vuelvas Nunca Más – Producciones Twins (1989)
Que Solo Estás – Producciones Twins (1989)
Si Te Vas – Producciones Twins (1989)
Soy Como Dos – Producciones Twins (1990)
Culpable – Producciones Twins (1990)
La Calle Del Olvido – Producciones Twins (1990)
El Hotel Del Amor – Producciones Twins (1991)
Bailando En El Desván – DRO (1992)
Buscando – DRO (1992)
Ojos de gata – DRO (1992)
He Perdido El Tiempo – DRO (1993)
Agárrate A Mí, María – DRO (1996)
Soy Como Dos – DRO (1996)
Volver A Ser Un Niño – DRO (1999)
Hoy La Vi – DRO (2000)
Años Atrás – DRO (2003)
Los Burros
Los Burros fue un grupo de rock español formado principalmente por Manolo García (vocalista) y Quimi Portet (guitarrista) y complementado con los músicos Antonio Fidel (bajista), Josep Lluís Pérez (guitarrista) y Jordi Vila (batería), nacido en la ciudad de Barcelona. Fue el grupo de transición entre Los Rápidos y uno de los grupos más importantes de la historia del rock español: El Último de la Fila.
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Los Burros fue un grupo de rock español formado principalmente por Manolo García (vocalista) y Quimi Portet (guitarrista) y complementado con los músicos Antonio Fidel (bajista), Josep Lluís Pérez (guitarrista) y Jordi Vila (batería), nacido en la ciudad de Barcelona. Fue el grupo de transición entre Los Rápidos y uno de los grupos más importantes de la historia del rock español: El Último de la Fila.A principios de los años 1980, Manolo García (Pueblo Nuevo, Barcelona, 1955), Antonio Fidel (Cartagena) y Josep Lluís Pérez, junto a Esteban Martín fueron contratados por Sergio Makaroff para la grabación de su disco Tengo una idea. Tras el encargo, los músicos decidieron unirse y añadieron a Lluís Visiers como batería para que Manolo, que sirvió de batería a Makaroff, pudiera ser el vocalista. La discográfica EMI se fijó en ellos y a los dos meses de ensayos consiguieron su primer contrato discográfico; debida a esta circunstancia decidieron llamar a su grupo Los Rápidos, del que sacaron un álbum llamado Rápidos. No tuvieron el éxito deseado en ventas, aunque sin embargo dieron en torno a 300 conciertos por Cataluña y alrededores.
Debido a la poca perspectiva de éxito del grupo, la discográfica retiró su apoyo al grupo y no accedió a editar las maquetas que el grupo había compuesto para su hipotético segundo álbum. Pese a la noticia, el grupo siguió actuando y fue en una de esas actuaciones cuando coincidieron en el festival Rock de Lluna con el grupo Kul de Mandril, donde militaba Quimi Portet (Vich, Barcelona, 1957). Dado que Los Rápidos necesitaban un nuevo guitarrista para las actuaciones, le propusieron a Quimi tocar con el grupo y éste aceptó. Tras unos pocos conciertos, Los Rápidos decidieron disolverse.
Los componentes se dispersaron: Manolo García se fue al País Vasco para intentar formar una nueva banda con sus contactos con la Orquesta Mondragón, mientras que Esteban Martín se marchó para ser músico habitual de Gabinete Caligari. El resto de componentes (incluido Quimi) junto con Jordi Vila, que compensaba la escasa colaboración de Lluís Visiers, se quedaron en Barcelona componiendo nuevos temas para una hipotética nueva formación. Cuando Manolo García regresó sin éxito de su viaje accedió a ser el vocalista del grupo.
Discografía
Álbumes
Rebuznos de amor (Belter, 1983)
Jamón de burro (GASA, 1987). Contenía sólo 6 canciones.
Sencillos
Huesos (Belter, 1983), del álbum Rebuznos de amor.
Huesos (Versión ’87) (GASA, 1987), del álbum Jamón de burro.
Loreena McKennitt
Loreena McKennitt (nacida en Morden, Manitoba el 17 de febrero de 1957) es una cantante canadiense, e intérprete de piano y arpa con ascendencia escocesa e irlandesa. Actualmente reside en Ontario. Ha recibido discos de oro, platino y multiplatino en 15 países de cuatro continentes. Ha vendido más de 14 millones de copias en todo el mundo.
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Sus discos de estudio y sus discos en directo la consagran como una intérprete en el universo de la música celta. Sus discos Elemental y To Drive the cold winter away marcaron un antes y un después en su carrera musical. Antes de estos discos Loreena trabajaba en la compañía teatral estable del Shakespearean festival donde tuvo tiempo de inspirarse en el poeta William Butler Yeats así como en la música de The Bothy Band y Alan Stivell.
En su primer disco dio a conocer su voz con canciones como «Banks of Clouds» o «Stolen Child» mientras que en el segundo deja claro su deseo de mezclar la cultura celta con otras procedentes de otros lugares. De hecho, McKennitt no ha dejado de recorrer mundo evolucionando su música a medida que conocía nuevas culturas.
Discografía
Discos de estudio
1985: Elemental
1987: To Drive The Cold Winter Away
1989: Parallel Dreams
1991: The Visit
1994: The Mask And Mirror
1997: The Book Of Secrets
2006: An Ancient Muse
2008: A Midwinter Night’s Dream
2010: The Wind That Shakes The Barley
2018: Lost Souls
Discos en directo
1994: Live In San Francisco At The Palace Of Fine Arts
1999: Live In Paris And Toronto
2007: Nights From The Alhambra
2009: A Mediterranean Odissey
2012: Troubadours On The Rhine
2014: A Midsummer Night’s Tour (Highlights)
2019: Live At The Royal Albert Hall
Recopilaciones
1997: The Best Of Loreena McKennitt
2009: A Mummers’ Dance Through Ireland
2009: A Mediterranean Odyssey
2013: The Journey So Far: The Best Of Loreena McKennitt
EP
1995: A Winter Garden: Five Songs For The Season
1995: Live In San Francisco At The Palace Of Fine Arts
1997: Words And Music
2008: The Journey Begins
2008: Share The Journey
2008: A Moveable Musical Feast
Singles
All Souls Night
The Lady of Shalott
The Old Ways
Courtyard Lullaby
Greensleeves
The Mystic’s Dreams
The Bonny Swans
The Dark Night of the Soul
Santiago
The Mummer’s Dance
Marco Polo
Caravanserai
Dante’s Prayer
Videografia
No Journey’s End (DVD & VHS)
Nights from the Alhambra DVD
A Moveable Musical Feast. A Tour Documentary DVD (2008)
Videoclips
The Bonny Swans
The Mummers’ Dance
Bandas sonoras
1985: Bayo
1986: Heaven on Earth
1987: To a safer place (documental)
1989: Goddess Remember (documental)
1992: Léolo (canción «The Lady of Shalott»)
1995: Highlander III (canción Bonny Portmore)
1995: Jade (canción The Mystic’s Dream)
2001: The Mists Of Avalon (Canción The Mystic’s Dream)
2001: Una casa con vistas al mar (Canción Dante’s Prayer cantada en castellano)
2009: Tinker Bell And The Lost Treasure
Extracto de Wikipedia
Lone Star
Lone Star fue un grupo barcelonés de jazz y rock formado en 1958 por Pere Gené (voz y líder del grupo), Enric Fusté (piano), Fernando González Aribayos (batería) y Josep María Lizandra (contrabajo). Es una de las bandas más antiguas de rock y jazz de España.
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El origen de Lone Star se remonta a 1958, cuando Pere Gené retornó a Barcelona tras residir un año en Inglaterra, lugar donde vivió la gran eclosión del rock and roll. Gené, que previamente había consolidado su carrera de piano y virtuosismo en el Conservatorio del Liceo de Barcelona, decidió regresar a la ciudad condal con la idea de formar un grupo de rock, reuniendo algunos antiguos compañeros del conservatorio para componer la primera formación.? El nombre del grupo surgió de diferentes conceptos. Uno de ellos era la negativa de Gené a adoptar la fórmula de preceder el nombre de la banda con el habitual “Los”, muy en boga en aquellos tiempos. Por otro lado, la fascinación de Gené por la Guerra de Secesión norteamericana y el blues, le llevó a bautizar el grupo como Lone Star: Estrella Solitaria.
Tras un año y medio de actuaciones se produjeron los primeros cambios en el grupo, algo que sería habitual con el paso los años, atendiendo a la evolución y búsqueda por parte de Gené de un sonido mejorado y acorde a los nuevos tiempos. Así, a finales de 1959, Fernando González Aribayos y Josep Maria Lizandra salen de la formación, y en su lugar se incorporan Rafael De la Vega (bajo) y Enrique López (batería). En aquella época el concepto de bolo todavía no existía y Lone Star trabajaba a diario en salas de fiestas y boîtes. En esta etapa inicial, el repertorio del grupo se basaba en versiones, del que se pueden destacar interpretaciones de temas de Ray Charles, algo ciertamente novedoso e inusual que sorprendía a buena parte del público. Durante una actuación en el Texas, local de jazz ubicado en la Plaza Real de Barcelona, un músico holandés llamado Willy Nab subió al escenario con su guitarra y tocó un par de temas con el grupo. De esta forma, Nab fue acogido por Lone Star y completó la formación de la banda durante los primeros años. El quinteto quedó formado por Pere Gené (voz y guitarra rítmica), Enric Fusté (piano), Willy Nab (guitarra solista), Rafael De la Vega (bajo) y Enrique López (baterí
Extracto de Wikipedia
Lole y Manuel
Lole y Manuel fue una pareja profesional gitana flamenca formada en 1972 por el matrimonio Dolores Montoya Rodríguez (1954-) y Manuel Molina Jiménez (1948-2015). Esta pareja fue el primer exponente de música flamenca dirigido a un público no exclusivamente flamenco, siendo precursores de la corriente musical llamada nuevo flamenco.
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Lole y Manuel fueron matrimonio afectivo y pareja musical de flamenco formada en 1972 por Dolores Montoya Rodríguez (Sevilla, 1954) y Manuel Molina Jiménez (Ceuta, 1948 – San Juan de Aznalfarache, Sevilla, 19 de mayo de 2015).1? Tienen una única hija también cantante llamada Alba Molina.
Tanto Manuel Molina como Dolores Montoya son miembros de familias gitanas de estirpe artística. En el caso de Manuel, es hijo de Manuel Molina Acosta, más conocido como El Encajero, y Lole es hija de la cantaora y bailaora Antonia Rodríguez Moreno, La Negra, y del bailaor Juan Montoya.
Ya como dúo empezaron a tocar juntos en 1973 hasta que Ricardo Pachón, les ofreció grabar una maqueta. Para su debut discográfico Lole y Manuel viajan hasta Madrid, la grabación dura tres días, y debido a alguna diferencia en la producción, la pareja se niega a firmar el contrato, pero con una copia del máster.
A pesar de no tener nada firmado, se lanza el disco bajo el sello Movieplay, sin ningún tipo de campaña publicitaria ni presentación ni promoción. «Nuevo Día (Movieplay, 1975) empieza a funcionar, primero buenas críticas de la prensa especializada y después el boca a boca va haciendo que el disco se convierta en un gran éxito. Para no acabar en los tribunales tanto el sello como el dúo llegan a un acuerdo para darles la carta de libertad, para entonces el sello CBS les ofrece un contrato para el que graban sus próximos discos».
A partir de 1993 sus carreras discurren por separado, pero eso no es óbice para que puntualmente colaboren juntos en alguna grabación como en el disco de Lole Montoya Ni el Oro Ni la Plata (Sum, 2004), en la que Manuel le escribió algunos temas e incluso llegan a tocar juntos.
La música de Lole y Manuel tiene varias apariciones en el cine, destacando su participación en las películas Manuela de Gonzalo García Pelayo, Flamenco y Deprisa, deprisa de Carlos Saura y Siesta de Mary Lambert, así como en la banda sonora de Kill Bill: Volumen 2 de Quentin Tarantino.
Actualmente Lole ultima los detalles de su disco junto al guitarrista jerezano Diego del Morao.
El 19 de mayo de 2015 fallece Manuel Molina a los 67 años de edad en su domicilio de San Juan de Aznalfarache, víctima de un cáncer terminal.
Discografía
Nuevo día – El origen de una leyenda (1975)
Pasaje del agua (1976)
Lole y Manuel (1977)
Al alba con alegría (1980). Acompañados por Imán, Califato Independiente.
Casta (1984)
Lole y Manuel cantan a Manuel de Falla (1992)
Alba Molina (1994)
Una voz y una guitarra. Grabado en directo desde el Teatro Monumental de Madrid (1995).
Lobo
Roland Kent LaVoie, más conocido con el nombre artístico de Lobo (Tallahassee, Florida; 31 de julio de 1943), es un cantautor estadounidense que tuvo una exitosa carrera a comienzos de los años 1970, famoso por sus canciones «Me and You and a Dog Named Boo», «I’d Love You to Want Me» y «Don’t Expect Me to Be Your Friend».
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Nacido en Tallahassee (Florida), se crio en Winter Haven (Florida) con su madre y sus seis hermanos. Empezó su carrera musical en 1961 como miembro de una banda local, The Rumours. La banda incluyó a Gram Parsons y Jim Stafford, así como al baterista John Corneal, quien después se unió a la International Submarine Band de Parsons. Durante los años 1960, LaVoie representó con muchas otras bandas como US Male, The Uglies y Me and the Other Guys.
Por 1971, había empezado a llamarse Lobo, firmó con Big Tree Records y la compañía lanzó su primer sencillo, «Me and You and a Dog Named Boo», en marzo de 1971, Fue el mayor éxito de la discográfica; alcanzó el #5 en Estados Unidos y el #4 en Reino Unido en mayo de ese año, e inició una exitosa serie de sencillos. Se vendieron más de un millón de copias y fue premiado con un disco de oro en septiembre de 1971.
Su álbum debut, Introducing Lobo, siguió en mayo. En junio de 1971, su segundo sencillo, «She didn’t do magic», fue lanzado. En septiembre de ese mismo año fue lanzado «California Kid and Reemo», seguido de «The Albatross».
Bajo el alias de Lobo, lanzó Of a Simple Man (1972), que incluía «I’d Love You to Want Me» (#2, del 18 al 25 noviembre de 1972) y «Don’t Expect Me to Be Your Friend» (#8, del 17 al 24 febrero de 1973). El primero se convirtió en el mayor éxito de Lobo, obtuvo disco de oro en noviembre de 1972 y alcanzó el #1 en Alemania en diciembre de 1973 y #5 en Reino Unido en julio de 1974.
Con el lanzamiento de Calumet (1973), Lobo tuvo tres Top 40 más: «It Sure Took a Long, Long Time», «How Can I Tell Her» y «Standing at the End of the Line». Hizo una aparición en la American Bandstand ese año. Hubo otros dos sencillos de menor importancia en el álbum: «There Ain’t No Way» y en 1975 «Standing At The End Of The Line».
Discografía
Álbumes de estudio
1971 Introducing Lobo
1972 Of a Simple Man
1973 Calumet
1974 Just a Singer
1975 A Cowboy Afraid of Horses
1976 Come With Me
1979 Lobo
1989 Am I Going Crazy?
1994 Asian Moon
1995 Classic Hits
1996 Sometimes
1997 You Must Remember This
2006 Am I Going Crazy
2006 Come With Me
2008 Out Of Time
Álbumes recopilatorios
1975 The Best Of Lobo
1990 Greatest Hits
1993 The Best of Lobo
1996 The Best of Lobo
1996 I’d Love You to Want Me
1997 Me & You & A Dog Named Boo & Other Hits
2004 The Very Best of Lobo
2005 Introducing Lobo/Of a Simple Man
2005 Platinum Collection
2006 Ultimate Collection
2006 Me & You & A Dog Named Boo & Other Hits
2007 Greatest Hits
Lluis Llach
Lluís Llach i Grande (Gerona, 7 de mayo de 1948) es un músico y cantautor español de lengua catalana, que perteneció al grupo de Els Setze Jutges y que puede considerarse como uno de los abanderados de la Nova Cançó catalana. Su canción más popular y más comprometida ha sido L’Estaca compuesta en el año 1968, que Jacek Kaczmarski adaptó como himno no oficial del sindicato polaco Solidaridad, y que se convirtió en 1997 en el himno oficial del club de rugby Union Sportive Arlequins Perpignan (Unión Deportiva Arlequín de Perpiñán) de Perpiñán (Francia). También ha sido la canción de la Revolución tunecina en 2011. Por las diferentes prohibiciones que le hicieron para poder interpretar sus canciones durante la dictadura franquista tuvo que exiliarse durante un tiempo en París. En septiembre de 1979 es el primer cantante no operístico que actuó por primera vez en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona para presentar Somniem.
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En julio de 2015 se sumó al proyecto soberanista de Junts pel Sí (JxSí), coalición creada para participar en las elecciones al Parlamento de Cataluña del 27 de septiembre con el objetivo de contribuir al proceso de declaración de independencia, y participó en las elecciones liderando la lista de la formación por la circunscripción de Gerona. Desde el 26 de octubre de 2015 al 27 de octubre de 2017 fue diputado en el Parlamento de Cataluña.
El 14 de noviembre de 2017 se anunció que Lluís Llach no iría en ninguna lista electoral en las elecciones autonómicas de Cataluña del 21 de diciembre de 2017.
Discografía
1969.74? Els èxits de Lluís Llach
1970. Ara i aquí
1972. Com un arbre nu
1973. Lluís Llach a l’Olympia
1973. L’Estaca
1974. I si canto trist
1975. Viatge a Ítaca
1976. Barcelona. Gener de 1976
1977. Campanades a morts
1978. El meu amic el mar
1979. Somniem
1980. Verges 50
1982. I amb el somriure, la revolta
1984. T’estimo
1985. Maremar
1985. Camp del Barça, 6 de Juliol de 1985
1986. Astres
1988. Geografia
1990. La forja de un rebelde
1991. Torna aviat
1992. Ara, 25 anys en directe
1993. Un pont de mar blava
1993. A Bigi, perquè el ballis
1994. Rar
1995. Porrera -Món-
1997. Nu
1998. 9
2000. Temps de revoltes
2002. Jocs
2003. Junts (junto a Josep Carreras)
2004. Poetes
2005. Que no s’apague a llum (junto con Feliu Ventura)
2006. i.
2007. Verges 2007
Little Richard
Little Richard, nombre artístico de Richard Wayne Penniman, (Macon, Georgia, 5 de diciembre de 1932-Nashville, Tennessee, 9 de mayo de 2020) fue un cantante, compositor y pianista estadounidense de rock and roll. Considerado como uno de los pioneros más influyentes e importantes de aquel género y una figura influyente en la música y la cultura popular durante siete décadas.
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Su trabajo más famoso data de mediados de la década de 1950, cuando su música dinámica y su carismático espectáculo sentaron las bases del rock and roll. Su música también jugó un papel clave en la formación de otros géneros musicales populares, como el soul y el funk. Influyó en numerosos cantantes y músicos de todos los géneros musicales, desde el rock hasta el hip hop; su música ayudó a dar forma al ritmo y al blues para las generaciones venideras, y sus actuaciones y titulares impulsaron su carrera directamente en la mezcla de la música popular estadounidense.
Ha sido honrado por muchas instituciones. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como parte de su primer grupo de miembros en 1986. También fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores. Recibió un Lifetime Achievement Award de la Recording Academy y un Lifetime Achievement Award de la Rhythm and Blues Foundation. En 2015, recibió un Premio Rhapsody & Rhythm del Museo Nacional de Música Afroamericana por su papel clave en la formación de géneros musicales populares y ayudar a poner fin a la división racial en las listas de música y en los conciertos a mediados de 1950 cambiando significativamente la cultura estadounidense. «Tutti Frutti (canción) de Little Richard (1955) fue incluida en el Registro Nacional de Grabación de la Biblioteca del Congreso en 2010, que declaró que su «vocalización única sobre el ritmo irresistible anunció una nueva era en la música».
Sus primeras grabaciones en los años 50 eran una mezcla de blues y rhythm and blues, con una fuerte influencia del gospel, pero con una habilidad tal que marcaron decididamente una nueva clase de música. Es considerado y apodado el «arquitecto» del rock and roll, aunque el color de su piel le apartara de la gloria que alcanzaron, entre otros, Elvis. También es considerado «El Predicante Rey del Rock & Roll, Rhythm & Blues y Soul».
Algunos de sus trabajos más conocidos son Tutti Frutti y Long Tall Sally.
Discografía oficial
1956 – Cast a Long Shadow
1957 – Little Richard, Vol. 1
1957 – Little Richard, Vol. 2
1957 – Little Richard, Vol. 3
1957 – Here’s Little Richard
1959 – The Fabulous Little Richard
1960 – Clap Your Hands
1960 – Pray Along with Little Richard, Vol. 1
1960 – Pray Along with Little Richard, Vol. 2
1962 – King of the Gospel Singers
1963 – Sings Spirituals
1964 – Sings the Gospel
1964 – Little Richard Is Back (And There’s A Whole Lotta Shakin’ Going On!)
1965 – The Wild and Frantic Little Richard
1967 – The Explosive Little Richard
1970 – The Rill Thing
1971 – Mr. Big
1971 – The Second Coming
1973 – Right Now
1974 – Talkin’ ‘Bout Soul
1992 – Shake It All About
Recopilaciones
1965 – Little Richard’s Greatest Hits
1967 – Rock N Roll Forever
1969 – Good Golly, Miss Molly
1969 – Little Richard
1970 – Rock Hard Rock Heavy
1970 – Little Richard
1970 – Well Alright!
1972 – Dollars
1972 – The Original
1972 – You Cant Keep a Good Man Down
1973 – Rip It Up
1975 – Keep a Knockin’
1976 – Sings
1977 – Now
1988 – Lucille
1999 – The Original British Hit Singles 1956-1964
Discos En Vivo
1966 – The Incredible Little Richard Sings His Greatest Hits – Live!
1974 – Recorded Live
1976 – Little Richard Live
1996 – Shag on Down by the Union Hall
Lito Vitale
Héctor Facundo Vitale, más conocido como Lito Vitale (Villa Adelina, provincia de Buenos Aires 1 de diciembre de 1961), es un compositor, pianista, productor arreglista argentino.
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Talentoso pianista, a corta edad comenzó a tocar el piano que estaba en su casa, aprendiendo de su padre Rubens Vitale, también músico. Junto con otros colegas músicos vecinos del partido de San Isidro en el Gran Buenos Aires, formaron la cooperativa de música «MIA» (iniciales de «Músicos Independientes Asociados») cuando contaba sólo 12 años. «MIA» se hizo popular en los ambientes de rock progresivo a fines de los años 1970.
Otros músicos arrancaron a través de MIA, incluyendo a su hermana Liliana, a la cantante Verónica Condomí, y a los instrumentistas Juan del Barrio y Daniel Curto. En 1982 cuando Lito Vitale estaba en pareja con Verónica Condomí tuvo a la hija de ambos: Mariela Vitale más conocida por el nombre artístico Emme.
Después de «MIA», Vitale comenzó una serie de colaboraciones con muchos músicos argentinos. Actúo y grabó con Dino Saluzzi, luego con Bernardo Baraj (saxo) y con Lucho González (guitarra) formó el grupo «El Trío». Esta formación adaptó clásicos de tango, milonga, y folclore, siendo muy populares entre los estudiantes, audiencias de jazz, y programadores de radio, una especie de equivalente local de artistas del sello ECM como Pat Metheny o el cuarteto europeo de Keith Jarrett. También ha colaborado con Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota en algunos de sus discos como invitado, por ejemplo en La Mosca y la Sopa (en el tema «Blues de la Artillería) y Luzbelito (en los temas «Blues de la Libertad», «Mariposa Pontiac – rock del país» y «Rock Yugular») y también en Último Bondi a Finisterre (en los temas «Drogocop» y «La Pequeña Novia del Carioca»).
En 1988 fundó el Lito Vitale Cuarteto (con Marcelo Torres, Manuel Miranda y Christian Judurcha), cuyo álbum debut «Ese Amigo de Alma» se convirtió en disco de oro en España y se vendió 200,000 copias solo en Argentina. Otros discos importantes como «La Senda Infinita» o «La Cruz del Sur» refrendaron a Vitale como una de las figuras destacadas dentro de las nuevas músicas.
En los años 1990, Vitale grabó tangos con Juan Carlos Baglietto, recibiendo un Premio Grammy de música latina por dicha colaboración en el año 2000. También durante esos años, Vitale grabó jazz con Lucho González y con el flautista Rubén Izarrualde. Con esta formación asistió al Festival de Jazz de Montreux de 1998.
Vitale ha compuesto bandas de sonido para muchas películas argentinas. Obtuvo el prestigioso Premio Konex en tres oportunidades: como Arreglador en 1995 y 2015, y como instrumentista en 2005.
Discografía parcial
1981: Sobre miedos, creencias y supersticiones – CICLO 3
1983: Quitapenas – CICLO 3
1984: A 2 pianos – en vivo, junto a Manolo Juárez – CICLO 3
1985: Cumbo-Vitale-González – CICLO 3
1985: Solo – CICLO 3
1987: Lito Vitale Cuarteto – CICLO 3
1987: En solitario – CICLO 3
1988: Ese amigo del alma – CICLO 3
1989: La senda infinita – CICLO 3
1990: Viento sur – CICLO 3
1991: La excusa – CICLO 3
1991: Un día antes de ayer – CICLO 3
1991: Kuarahy – CICLO 3
1992: Sobre riesgos y memorias – CICLO 3
1993: Lito Vitale y La cruz del sur – CICLO 3
1993: Juntando almas – CICLO 3
1994: Más allá del mar – CICLO 3
1994: Cuentos de la media luna
1995: Juntando almas II – La memoria del tiempo – CICLO 3
1995: Pantallas – CICLO 3
1996: Solo piano – CICLO 3
1997: Laberinto sin ley – CICLO 3
1997: Cuando el río suena – EMI ODEON
1997: Tracción a cuerda – HELVENS
1997: Pantalla de Agua – HELVENS
1998: El grito sagrado
1998: Desde casa – EMI ODEON
1998: Un Mundo próximo – EMI ODEON
2000: Día del Milenio – CICLO 3
2001: Todos estos años (6 CD) – CICLO 3
2002: Música para soñar y reposar – Volumen I: Rock argentino – CICLO 3
2002: Música para soñar y reposar – Volumen II: Tango y Foklore argentino – CICLO 3
2002: Música para soñar y reposar – Volumen III: Originales – CICLO 3
2002: Un solo destino
2003: Nebbia & Vitale – La melancolía total, junto a Litto Nebbia – DISCOS MELOPEA S.A.
2004: Cuatro calmas – SONY MUSIC
2004: El hombre de la corbata roja – CICLO 3
2005: Vivo en Argentina (vivo) – CICLO 3
2006: Adiós hermano cruel – CICLO 3
2006: Escuchame en el Ruido Vol. 1 – CICLO 3
2006: Escuchame en el Ruido Vol. 2 – CICLO 3
2007: El otro – SONY BMG MUSIC ENTERTAINMENT ARGENTINA S.A.
2008: Nuevo Trío – CICLO 3
2008: Serie de oro – Grandes Éxitos – EMI ODEON
2013: Federal Tango – CICLO 3
Lisa Stansfield
Lisa Stansfield (Manchester, Inglaterra, 11 de abril de 1966), es una cantante de pop independiente inglesa. Su música está dirigida a un público adulto y sofisticado, y su estilo tiene aproximaciones a los géneros dance y club.
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Antes de iniciar su carrera en solitario, fue la vocalista del grupo The Blue Zone con éxitos como «Jackie» o «Big thing» y posteriormente colaboró en el disco de Coldcut con el sencillo «People Hold On» en 1988. Entró de lleno en la popularidad con Affection en 1989, disco de platino con más de 5.000.000 de copias vendidas que incluía sus éxitos «All Around the World» (Mejor canción internacional del año) y «This is the right time». Tanto este disco como el siguiente, Real Love, están influenciados por el sonido disco y motown de los años 70 de Barry White (arreglos, ritmo e, incluso, la técnica de Stansfield). Real Love incluye el éxito Change, que llegó a ser muy popular en emisoras de Europa y Canadá.
En 1992 actuó en el Tributo a Freddie Mercury junto con los miembros supervivientes de Queen interpretando «I Want to Break Free» y «These Are The Days Of Our Lives» (esta última junto a George Michael). En 1991 y 1992, ganó el premio Brit como mejor artista femenina británica. Al año siguiente edita exclusivamente en Europa su tercer trabajo So Natural con temas como «Little Bit of Heaven» o «In All the Right Places» (este último incluido en la banda sonora del filme Indecent Proposal protagonizado por Robert Redford y Demi Moore). También fue muy exitoso un sencillo, «Someday (I’m Coming Back)» compuesto para la película El Guardaespaldas, con Kevin Costner y Whitney Houston. Se lanzó en Gran Bretaña el 7 Diciembre de 1992 y en otros países de Europa a principios de 1993.
Tras un retiro prolongado, regresó a los escenarios en 1997 con un LP titulado como su nombre, Lisa Stansfield, con el que obtuvo de nuevo éxito con temas como «The real thing», un versión de la canción de Barry White, «Never, never gonna give you up» y una remezcla de su antiguo éxito con Coldcut «People hold on». Con este trabajo alcanza el número dos en la lista de ventas inglesas.
En 1998 se casa con Ian Devaney, guitarrista, teclista, productor y exmiembro de Blue Zone. Al año siguiente participa como actriz y en la banda sonora de la comedia Swing. Ya en 2001 da un cambio a su sonido y estilo, actualizando su música y edita Face up, con temas como «Let’s just call it love» o «8-3-1», en los que emplea con sutileza efectos y sonidos más electrónicos acompañados con su peculiar voz y sus acompañamientos vocales de segundo plano. Pese a ello, solo consigue colocarse en la posición 38 en la lista de ventas británica.
En 2003 y con aromas de despedida, su discográfica de siempre, BMG Ariola, edita Lisa Stansfield: Biography, the greatest hits, un CD con sus mejores temas y un segundo CD especial de remezclas que consigue llegar al número tres de ventas en Inglaterra. Ese mismo año rompe su relación con BMG/Ariola y ficha por el sello británico ZTT y saca al mercado su sexto álbum de estudio The Moment, en el año 2004. Destacan temas como «Treat Me Like a Woman» y «If I Hadn’t Got You», producidos por Trevor Horn, quien es conocido por sus trabajos con Paul McCartney, Seal, Frankie Goes to Hollywood, entre otros. Esta vez apuesta por un estilo más sencillo, cercano a un sonido más pop y acústico.
En 2005, obtiene el premio «Women’s World Award» en la categoría de arte.
Discografía
1989: Affection
1991: Real Love
1993: So Natural
1993: Five Live
1996: In Session
1997: Lisa Stansfield
1998: The Remix Album
1999: Swing
2001: Face Up
2003: Biography: The Greatest Hits
2003: The Complete Collection
2004: The Moment
2014: Seven
2015: Live in Manchester
2018: Deeper
Extracto de Wikipedia
Lindsey Buckingham
Lindsey Buckingham (Palo Alto, California, 3 de octubre de 1949) es un músico, compositor, productor y multiinstrumentista estadounidense, conocido por ser guitarrista y cantante de la banda británica de rock Fleetwood Mac entre los años 1974 a 1987, y desde 1997 hasta 2018. Comenzó a tocar la guitarra desde pequeño y en 1966, con solo 16 años, cofundó junto a algunos amigos de escuela la banda The Fritz Rabyne Memorial Band, donde cumplió las labores de bajista. En dicha banda conoció a Stevie Nicks —que tras la separación del grupo en 1971— comenzaron una relación sentimental y de trabajo, que dio como resultado el álbum Buckingham Nicks en 1973. Tras las malas ventas de su disco colaboró en algunas presentaciones de The Everly Brothers, con la idea de recuperar el dinero invertido.
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A fines de 1974 tanto él como Stevie fueron contratados por Fleetwood Mac, donde además de ser guitarrista cumplió las labores de compositor y de vocalista. Durante su primera etapa en la banda participó en algunos de sus álbumes más exitosos como Fleetwood Mac y Rumours, de 1975 y 1977 respectivamente. Sin embargo y luego de la grabación de Tango in the Night (1987), decidió retirarse de la agrupación ya que no sentía la creatividad de antes. Tras 10 años alejado de Fleetwood Mac, en 1997 se reunió con sus compañeros para una serie de presentaciones y desde entonces permanece en la banda.
En 1981, mientras Fleetwood Mac pasaba por un hiato dio inicio a su carrera solista, que hasta 2012 había publicado seis álbumes de estudio y tres en vivo, con un relativo éxito en los mercados mundiales. Conocido mundialmente por su estilo fingerpicking, la revista Rolling Stone en 2011 lo posicionó en el puesto 100 de su lista los 100 grandes guitarristas de todos los tiempos.
Por otro lado, en 1998 fue ingresado al Salón de la Fama del Rock and Roll por su trabajo en Fleetwood Mac.
En abril de 2018 fue despedido de la banda.
Discografía
Carrera solista Álbumes de estudio
1981: Law and Order
1984: Go Insane
1992: Out of the Cradle
2006: Under the Skin
2008: Gift of Screws
2011: Seeds We Sow
Álbumes en vivo
2007: Live at the Bass Performance Hall
2011: Songs from the Small Machine: Live in L.A at Saban Theatre in Beverly Hills, CA / 2011
2012: One Man Show
Con Buckingham Nicks
1973: Buckingham Nicks
Con Fleetwood Mac
1975: Fleetwood Mac
1977: Rumours
1979: Tusk
1982: Mirage
1987: Tango in the Night
2003: Say You Will
Con Buckingham McVie
2017: Lindsey Buckingham Christine McVie
Linda McCartney
Lady Linda Louise McCartney, nacida como Linda Louise Eastman (Scarsdale, Nueva York; 24 de septiembre de 1941-Tucson, Arizona; 17 de abril de 1998), fue una intérprete musical, compositora, activista en favor de los derechos de los animales y fotógrafa estadounidense. Sus padres fueron Lee Eastman y Louise Sara Lindner Eastman, abogados. Linda tenía un hermano mayor, John, y dos hermanas menores, Laura y Louise.
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Se casó con Paul McCartney el 12 de marzo de 1969 en Londres, Inglaterra, Reino Unido. Linda se convirtió en Lady McCartney cuando su esposo fue condecorado como Sir en 1997 por la Reina Isabel II.
Linda escribió libros de cocina vegetariana y fundó Linda McCartney’s Foods Company, una compañía de cocina vegetariana que tuvo mucho éxito en Estados Unidos y en Reino Unido.
Le detectaron un cáncer de mama en 1995 que se extendió al hígado, causa de su muerte el 17 de abril de 1998, en Tucson, estado de Arizona, Estados Unidos.
Linda McCartney, nacida en Scarsdale (Nueva York) como Linda Louise Eastman, era la segunda de cuatro hijos, de padres judíoamericanos. Tenía un hermano mayor, John (1939) y dos hermanas, Laura (1947) y Louise Jr. (1950). Ella creció en Scarsdale y se graduó en el Scarsdale High School en 1960.
Su padre era hijo de inmigrantes rusos judíos. Cambió su nombre Leopold Vail Epstein por el de Lee Eastman. Su madre, Louise Eastman Sara Lindner, heredó la fortuna de tiendas de Departamento Lindner y murió en el accidente del Vuelo 1 de American Airlines en Queens, Nueva York, en 1962. Tras el accidente y fallecimiento de su madre, Linda detestó viajar en avión.
Su primer matrimonio fue con John Melvin Jr., a quien conoció en la Universidad de Arizona, mientras Linda estudiaba fotografía. Se casaron el 18 de junio de 1962, y su hija Heather nació el 31 de diciembre de 1962. Se divorciaron en junio de 1965.
Discografía con Wings
1971 Ram («Paul and Linda McCartney»)
1971 Wild Life («Wings»)
1973 Red Rose Speedway («Paul McCartney and Wings»)
1973 Band on the Run («Paul McCartney and Wings»)
1975 Venus and Mars («Wings»)
1976 Wings at the Speed of Sound («Wings»)
1978 London Town («Wings»)
1979 Back to the Egg («Wings»)
Compilaciones
1978 Wings Greatest (credit to «Wings»)
1987 All the Best!
2001 Wingspan: Hits and History
Extracto de Wikipedia
Lighthouse Family
Lighthouse Family es un dúo musical británico de rhythm & blues que alcanzó su apogeo a mediados de los años 1990 y que permaneció activo hasta el comienzo de los años 2000. Tras conocerse en la universidad, en Newcastle upon Tyne, el grupo lo formaron, en 1993, el vocalista Tunde Baiyewu y el pianista Paul Tucker. Su álbum de debut, Ocean Drive, de 1995, vendió más de 1,6 millones de copias solamente en el Reino Unido y les convirtió en un popular dúo de easy listening (música ligera) en toda Europa.
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Aunque ninguno de sus sencillos se situó como número uno de la lista de éxitos del Reino Unido, sí llegaron a alcanzarlo en las listas musicales de Australia con la canción High.
Lighthouse Family redujo su actividad debido a, como ellos mismos afirman, «una agenda de promoción muy cargada» tras la salida al mercado de Whatever Gets You Through the Day en 2002. Esto llevó al dúo a seguir caminos diferentes. En la actualidad, Baiyewu es solista, mientras que Tucker se unió al grupo de rock The Orange Lights.
En noviembre de 2010, el dúo anunció que volverían a unirse y realizarían una gira por el Reino Unido e Irlanda, en febrero y marzo de 2011, siendo ésta su primera actuación en ocho años. El 17 de enero de 2011, durante una entrevista en el programa matinal BBC Breakfast, los dos declararon que durante todo este tiempo habían mantenido el contacto, pero sin confirmar la publicación de un próximo álbum. Sin embargo, Tucker mencionó durante la entrevista que «el grupo tiene los bolsillos llenos de canciones».
Discografía
Álbumes De estudio
Ocean Drive (1996)
Postcards from Heaven (1997)
Whatever Gets You Through The Day (2001)
Blue Sky in Your Head (2019)
Recopilatorios
Greatest Hits (2002)
Relaxed & Remixed (2004)
Sencillos (en el Reino Unido)
«Lifted» (#61 1995)
«Ocean Drive» (#34 1995)
«Lifted» [reedición] (#4 1996)
«Ocean Drive» [reedición] (#11 1996)
«Goodbye Heartbreak» (#14 1996)
«Loving Every Minute» (#20 1996)
«Raincloud» (#6 1997)
«High» (#4 1997)
«Lost In Space» (#6 1998)
«Question Of Faith» (#21 1998)
«Postcard from Heaven» (#24 1999)
«(I Wish I Knew How It Would Feel to Be) Free / One» (#6 2001)
«Run» (#30 2002)
«Happy» (#51 2002)
«I Could Have Loved You» (2003) – no alcanzó el UK Top 75
Extracto de Wikipedia
Lighthouse
Lighthouse es una banda canadiense de jazz rock, formada en 1968 en Toronto, que incluía instrumentos de viento, instrumentos de cuerda y vibráfono; su música recogía elementos del rock, el jazz, la música clásica y el folk. Se disolvió en 1975.
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Lighthouse se formó en 1968, en Toronto (Canadá), por el compositor Paul Hoffert y el batería Skip Prokop. La banda incluyó, originalmente, 13 miembros, entre ellos Howard Shore (que se haría famoso más tarde como compositor de bandas sonoras, especialmente El Señor de los Anillos). El grupo incluía secciones de viento y cuerdas, y fue una banda muy prolífica en la edición de discos.
Su primer álbum, titulado Lighthouse, se publicó en 1969, por RCA. Fue muy bien recibido por la crítica, pero obtuvo ventas muy reducidas. Después, llegó el álbum Suite Feeling, también grabado en 1969 en los Estudios «Toronto East Sound» de RCA. Este disco incluía dos versiones, «Chest Fever» de The Band, y el éxito de The Beatles, «A Day In The Life». Su tercer y último álbum para RCA , fue también el último con su cantante original, Pinky Dauvin. El disco, Peacing It All Together, no se grabó ya en Toronto, sino en Nueva York.
Discografía
Lighthouse (1969) RCA
Suite Feeling (1969) RCA
Peacing It All Together (1970) RCA
One Fine Morning (1971) GRT , publicado para i-tune en 2008
Thoughts of Moving On (1971) GRT, publicado para i-tune en 2008
One Fine Light (1971) RCA
Lighthouse Live! (1972) GRT (grabado en vivo en el Carnegie Hall)
Sunny Days (1972) GRT, publicado para i-tune en 2008
Can You Feel It (1973) GRT, publicado para i-tune en 2008
Best of Lighthouse (1974) GRT
Good Day (1974) GRT, publicado para i-tune en 2008
The Best of Lighthouse – Sunny Days Again (1989) Denon
Song of the Ages (1996)
Liam Gallagher
William John Paul «Liam» Gallagher (Burnage, Mánchester, Inglaterra, 21 de septiembre de 1972) es un cantante y músico inglés, conocido por haber sido vocalista de Oasis y de Beady Eye, el grupo que integraron algunos miembros de Oasis tras su separación. Fue uno de los líderes del movimiento britpop en los años 1990, y continúa hasta el día de hoy siendo uno de los personajes característicos y más reconocibles de la música británica.
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Liam es conocido por su original estilo de cantar y su presencia en el escenario. Su voz es instantáneamente reconocida en cualquier canción de Oasis o Beady Eye.
La revista inglesa NME regularmente proclama al menor de los Gallagher como «el mejor cantante británico de los últimos 25 años». Su particular forma de caminar, en puntas de pie y con una actitud desafiante, es otra de sus marcas. Además es famoso por su peculiar pose al cantar, ya que nunca agarra el micrófono desde agosto de 1994, por el contrario pone las manos a su espalda o en los bolsillos, una de sus rodillas doblada, el torso hacia adelante y la cabeza hacia atrás como queriendo alcanzar el micrófono. Esta forma de pararse en los conciertos ha sido sugerida como una de las razones de su distintiva voz, la cual se ha transformado en una marca registrada de Oasis.
Sin embargo muchos años cantando en esa pose, pero sobre todo el exceso de alcohol y tabaco y su problema de tiroides, han hecho que su voz no sea la misma que en su comienzo. La voz de Liam ha perdido considerablemente fuerza y alcance, algo que es obvio en los conciertos de la última época de Oasis en los que no podía alcanzar las notas altas. Aunque este tema es regularmente un objeto de debate entre los fanes de Oasis, en 2002 en una entrevista para la BBC, Liam admitió no poder cantar algunas canciones de sus primeros años en vivo porque ya no tenía veintiún años, es evidente que su voz se ha desvanecido notablemente desde entonces. En 2005 Noel contó su frustración en cuanto a los cambios en el setlist de sus conciertos: «Hicimos una lista con otras canciones que queríamos tocar en vivo, Liam las tachó todas y después trajo una lista de las cuales podía cantar y vimos que eran las mismas malditas canciones de la última vez».
Discografía
Álbumes
As You Were (2017)
Why Me? Why Not. (2019)
MTV Unplugged (2020)
Sencillos
«Wall of Glass» 2017
«Chinatown» 2017
«For What It’s Worth» 2017
«Greedy Soul» 2017
«Come Back to Me» 2017
«I’ve All I Need» 2018
«Shockwave» 2019
Extracto de Wikipedia
Leonard Cohen
Leonard Norman Cohen (en inglés /?l?n?rd ?ko??n/; Montreal, Quebec, Canadá; 21 de septiembre de 1934 – Los Ángeles, California, Estados Unidos; 7 de noviembre de 2016) fue un poeta, novelista y cantautor canadiense.
Como músico desarrolló una carrera con una continua exploración de temas como la religión, la política, el aislamiento, las relaciones personales y la sexualidad, y ha sido definido por el crítico Bruce Eder como «uno de los cantantes y compositores más fascinantes y enigmáticos de finales de los 60». Cohen ha sido introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de los Estados Unidos y en el Salón de la Fama Musical de Canadá. Recibió la Orden de Canadá, la Orden Nacional de Quebec y en 2011 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras.
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Leonard Cohen nació el 21 de septiembre de 1934 en Westmount, un área anglófona de Montreal, Québec, en Canadá, en una familia de clase media judía. Su madre, Marsha Klonitsky, era hija del rabino Solomon Klonitsky-Kline, de ascendencia lituana; Su abuelo paterno, cuya familia había emigrado desde Polonia, era Lyon Cohen, presidente fundador del Canadian Jewish Congress. Su padre, Nathan Cohen, que regentaba una tienda de ropa, falleció cuando Leonard tenía nueve años. Sobre su condición de Cohen, Leonard comentó: «Me dijeron que era un descendiente de Aarón, el sumo sacerdote».
Cohen acudió a la Roslyn Elementary School y, desde 1948, a la Westmount High School, donde se involucró en el consejo de estudiantes y estudió música y poesía. Al poco tiempo y durante su adolescencia, comenzó a interesarse por la poesía de Federico García Lorca. Aprendió a tocar la guitarra y formó The Buckskin Boys, un grupo de country-folk. Aunque comenzó tocando una guitarra acústica, pronto pasó a tocar una guitarra clásica, tras conocer a un joven guitarrista español que le enseñó «unos cuantos acordes y un poco de flamenco».
En esta época, Cohen frecuentaba Saint-Laurent Boulevard y comía en lugares como Main Deli Steak House.? Según el periodista David Sax, Main Deli era el sitio donde Cohen y sus primos solían ir «a ver a los gánsteres, proxenetas y luchadores bailar alrededor de la noche». Cohen también disfrutaba visitando los bares de Old Montreal así como de Saint Joseph’s Oratory, un lugar cerca de Westmount al que acudía con su amigo Mort Rosengarten a fumar o beber café.? Después de salir de Westmount, Cohen se trasladó al barrio obrero de Little Portugal en Saint-Laurent Boulevard, donde leía su poesía en varios clubes de los alrededores. Durante esta época también escribió las letras de algunas de sus canciones más famosas en años venideros.
Discografía
Álbumes de estudio
1967: Songs of Leonard Cohen
1969: Songs from a Room
1971: Songs of Love and Hate
1974: New Skin for the Old Ceremony
1977: Death of a Ladies’ Man
1979: Recent Songs
1984: Various Positions
1988: I’m Your Man
1992: The Future
2001: Ten New Songs
2004: Dear Heather
2012: Old Ideas
2014: Popular Problems
2016: You Want It Darker
2019: Thanks for the Dance
Álbumes en directo
1973: Live Songs
1994: Live in Concert
2001: Field Commander Cohen: Tour of 1979
2009: Live in London
2009: Live At The Isle Of Wight 1970
2010: Songs From The Road
2012: Live in Fredericton (EP)
2014: Live in Dublin
2015: Can’t Forget: A Souvenir of the Grand Tour
Álbumes recopilatorios
1975: The Best of Leonard Cohen
1997: More Best of Leonard Cohen
2002: The Essential Leonard Cohen
2011: The Complete Studio Albums Collection
Homenajes
1991: I’m Your Fan
1995: Tower of Song
2005: Disparen a Cohen
2006: Leonard Cohen: I’m Your Man
2007: According to Leonard Cohen / Según Leonard Cohen
Leonard Bernstein
Leonard Bernstein (Lawrence, Massachusetts; 25 de agosto de 1918 – Ciudad de Nueva York, Nueva York; 14 de octubre de 1990) fue un compositor, pianista y director de orquesta judío estadounidense. Fue el primer director de orquesta nacido en los Estados Unidos que obtuvo fama mundial, célebre por haber dirigido la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por sus Conciertos para jóvenes en la televisión entre 1958 y 1972 y por sus múltiples composiciones, entre ellas West Side Story (1957), Candide y Un día en Nueva York (1944). También fue una figura esencial en el resurgir moderno de la música de Gustav Mahler, el compositor que le interesaba más apasionadamente.
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Bernstein nació en Lawrence, Massachusetts, en 1918 en una familia judía procedente del óblast de Rivne, Ucrania. Su abuela insistió en que su primer nombre fuera Louis, pero sus padres siempre lo llamaron Leonard, que les gustaba más. Oficialmente se cambió el nombre a los dieciséis años. Su padre, Sam Bernstein, era un hombre de negocios, y en principio se opuso al interés de su hijo por la música. No obstante, lo llevó con frecuencia a conciertos. Siendo muy joven, escuchó una interpretación de piano y quedó inmediatamente cautivado, así que empezó a estudiar el instrumento. Estudió en la escuela Garrison y la Boston Latin School. Su padre rechazó pagarle las lecciones de piano, por lo que Bernstein se dedicó a enseñar a estudiantes jóvenes, empleando las ganancias en sus propias clases de piano.
Universidad
Después de graduarse en la Boston Latin School en 1935, Bernstein acudió a la Universidad Harvard, donde estudió música con Walter Piston y se asoció brevemente con el club Harvard Glee. Al acabar sus estudios en Harvard (1939), ingresó en el Curtis Institute de Filadelfia, donde recibió la única nota de «A» (sobresaliente) que Fritz Reiner concedió nunca en sus clases de dirección; y en el verano, acudía al Berkshire Music Centre (1940 y 1941). En esta época Bernstein también estudió piano con Isabelle Vengerova y Heinrich Gebhard.
Vida familiar
Los primeros años de Leonard Bernstein en Nueva York estuvieron llenos de trabajo duro y mucho entrenamiento. Después de una larga lucha interna y un turbulento noviazgo en el que se comprometió y rompió el compromiso varias veces, se casó con la chilena Felicia Montealegre el 9 de septiembre de 1951.
Juntos tuvieron tres hijos: Jamie, Alexander y Nina. Con el paso de los años, Bernstein reconoció su bisexualidad. En 1976, abandonó a Felicia para vivir con su compañero, Tom Cothran. Pero volvió con su mujer al año siguiente. A los pocos meses de reconciliarse, sin embargo, le diagnosticaron a Felicia un cáncer de pulmón. Murió un año después, en 1978. Algunos creen ver un cambio en la dirección orquestal de Bernstein después de la muerte de Felicia, más sombrío y pesado, con gestos exageradamente prolongados, aunque otros citan esto como ejemplo de la manera en que muchos artistas exageran su estilo original de dirigir la orquesta conforme se van haciendo mayores. Muchos críticos consideran que la dirección de Bernstein en la última parte de su carrera fue la mejor de todas.
Leon Russell
Claude Russell Bridges, más conocido como Leon Russell (Lawton, Oklahoma, Estados Unidos, 2 de abril de 1942-Nashville, Tennessee, Estados Unidos, 13 de noviembre de 2016), fue un cantante, cantautor, compositor, pianista y guitarrista estadounidense. A lo largo de su carrera artística trabajó junto con artistas como Jerry Lee Lewis, Phil Spector, Rolling Stones y Elton John, así como músico de sesión o de soporte en grupos musicales. Su carrera en solitario abarca los géneros country, rock, blues y folk. Tiene 31 álbumes y grabó cerca de 430 canciones.
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Escribió la canción Delta Lady, grabada por Joe Cocker. También organizó el tour de Cocker ‘Mad Dogs and Englishmen en 1970. Más de 100 artistas han grabado su canción A Song for You (1970). Como pianista en sus primeros años, tocó en álbumes para The Beach Boys y Jan and Dean. En su primer álbum, Leon Russell, de 1970, participaron John Lennon, Ringo Starr y George Harrison. Uno de sus más grandes admiradores, Elton John, dijo que Russell fue su maestro y su inspiración, y grabó The Union en 2010, el único dueto de John en el álbum, el cual sería más tarde nominado para un Grammy.
Russell produjo y tocó en sesiones de grabación para Bob Dylan, Frank Sinatra, Ike & Tina Turner, The Rolling Stones y otros. Escribió y grabó los hits Tight Rope y Lady Blue. Se presentó en el concierto de Bangladesh en 1971 con George Harrison, Dylan y Eric Clapton. En el año 2011 ingresó al Rock and Roll Hall of Fame (Salón de la Fama del Rock and Roll).
Discografía
Leon Russell, 1970
Leon Russell and the Shelter People, 1971
Carney, 1972
Leon Live, 1973
Hank Wilson’s Back, 1973
Looking Back, 1973
Stop All That Jazz, 1974
Will O’ the Wisp, 1975
Americana, 1978
Life and Love, 1979
One for the Road, 1979 (con Willie Nelson)
The Live Album, 1981 (con New Grass Revival)
Hank Wilson, Vol. 2, 1984
Solid State, 1984
Anything Can Happen, 1992
Crazy Love, 1992
Hank Wilson, Vol. 3: Legend in My Time, 1998
Face in the Crowd, 1999
Blues: Same Old Song, 1999
Live at Gilley’s, 2000
Guitar Blues, 2001
Signature Songs, 2001
Rhythm & Bluegrass: Hank Wilson, Vol. 4, 2001 (con New Grass Revival)
Moonlight & Love Songs, 2002 (con la Orquesta Sinfónica de Nashville)
In Your Dreams, 2003
Bad Country, 2003
Almost Piano, 2003
A Mighty Flood, 2006
Angel in Disguise, 2006
The Union, 2010 junto con Elton John
Life Journey, 2014
Extracto de Wikipedia
Leo Sayer
Leo Sayer (Gerard Hugh Sayer, 21 de mayo de 1948 en Sussex) es un músico y compositor británico de rock y pop. Entre sus composiciones más reconocidas destacan «You Make Me Feel Like Dancing», la balada «When I Need You» y la versión de Bobby Vee «More Than I Can Say».
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Discografía
Silverbird (1973)
Just a Boy (1974)
Another Year (1975)
Endless Flight (1976)
Thunder in My Heart (1977)
Leo Sayer (1978)
The Very Best of Leo Sayer (1979)
Here (1979)
Living in a Fantasy (1980)
A Night To Remember (Live at Earl’s Court) (1981)
World Radio (1981)
Have You Ever Been in Love (1983)
Cool Touch (1990)
All the Best (1993)
The Definitive Hits Collection (1999)
Extracto de Wikipedia
Lenny MacDowell
El flautista Lenny MacDowell tiene su sede en Alemania, donde es una parte integral de las escenas locales de jazz suave y música new age, como intérprete, productor y como propietario del ecléctico y productivo sello discográfico Blue Flame. Aunque algunos de sus álbumes tienen una fuerte influencia pop cruzada, el estilo principal de MacDowell incluye elementos de música ambiental, música mundial, jazz y new age, combinados en porcentajes variables de un álbum a otro.
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Friedemann Leinert, un nombre que todavía usa ocasionalmente como productor y arreglista, MacDowell recibió una formación clásica como flautista antes de involucrarse en la fructífera escena de música progresiva alemana de los años 70.
Los aguijones en Krautrock menos conocidos y las bandas de jazz progresivo como Holderlin y Birth Control lo vieron a lo largo de los años 70, pero, a principios de los 80, Leinert se había impuesto y adoptó el nombre de Lenny MacDowell. (En realidad, en varias fundas, se deletrea «Lenny Mac Dowell» sin razón aparente).
El primer álbum en solitario de MacDowell fue Balance of Power de 1984, una mezcla artística de jazz, rock y new age con la canción del título lateral que fue claramente inspirado en la influyente impronta ECM Records de Manfred Eicher. Después de ese debut, MacDowell dirigió su atención al lanzamiento de Blue Flame Records, dedicando la mayor parte de su tiempo a producir, organizar y tocar en proyectos de otras personas; además de lanzar ocasionalmente álbumes de duetos como Autumn Breath de 1989, una colaboración minimalista, fuertemente influenciada por la edad, con el tecladista Christoph Spendel; y organizar Blue Planet, un grupo intermitente, co-dirigido por el percusionista Hakim Ludin con más énfasis en la música mundial.
Mientras tanto, MacDowell también lanzó discos solistas esporádicos como el decepcionante Flute Power, una puñalada equivocada en el crossover jazz-pop estropeado por terribles versiones de canciones de Jethro Tull y Easybeats, y una cadena mucho más interesante de música mundial cada vez más influenciada, nuevos álbumes orientados a la edad similares al trompetista del trabajo de Jon Hassell con Brian Eno; estos incluyeron Flying Torso de 1995, 1996
Lenny Kravitz
Leonard Albert «Lenny» Kravitz (Nueva York, 26 de mayo de 1964) es un cantante, actor, compositor, multiinstrumentista y productor estadounidense, cuyo estilo incorpora elementos del blues, rock, soul, funk, reggae, folk y balada.
Lenny ganó el premio Grammy al «Best Male Rock Vocal Performance», cuatro años seguidos, de 1999 a 2002; y está situado en la 93ª posición de los «100 mejores artistas de Hard Rock» de VH1. Lenny Kravitz ha vendido 40 millones de discos en todo el mundo. Pero además tiene en su poder uno de los más amplios conjuntos de hits musicales que lo han alzado al apogeo desde su primera aparición en 1989.
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Nació en Manhattan, Nueva York como hijo único de la actriz afroamericana de ascendencia bahameña Roxie Roker (1929-1995) y su marido el boina verde, promotor de jazz y productor televisivo de ascendencia judía ucraniana Sy Kravitz. Se le dio el nombre de su tío Leonard M. Kravitz, muerto a los 19 años en la Guerra de Corea. Desde los cinco años Lenny ya quería ser músico y tocaba la batería. Sus padres, amantes del jazz y el blues, le apoyaron en sus aspiraciones. En 1974 la familia se trasladó a Los Ángeles al obtener la madre un papel en la serie The Jeffersons. Allí Lenny cantó en un coro, descubrió el rock y en el instituto aprendió a tocar el piano y el bajo.
En busca del éxito musical, adopta el sobrenombre de «Romeo Blue», dada su admiración por el también cantante Prince, pero no consiguió ningún contrato musical con ninguna casa discográfica, que le decían que su música «no era lo suficientemente negra» o «lo suficientemente blanca», y decide volver a Nueva York.
En 1987 se casa con la actriz Lisa Bonet, con la que tiene una hija llamada Zoë Kravitz. El matrimonio se rompió cuatro años después, y la custodia de Zoe quedó en manos de Lenny. Meses más tarde de divorciarse de Lisa inició una relación de cinco años con la cantante francesa Vanessa Paradis; la pareja terminó en agosto de 1997.
Durante el tiempo que duró su matrimonio, Lenny Kravitz decide abandonar el look Prince y busca inspiración en grandes roqueros y músicos de los 70, como Led Zeppelin, Queen, Jimi Hendrix, Stevie Wonder, Curtis Mayfield y Kiss.
Es entonces cuando Virgin se fija en él y edita su primer álbum Let Love Rule, consiguiendo todo un número uno en las listas de éxitos e iniciando una prometedora carrera, que continúa en la actualidad.
Discografia
1989 Let Love Rule 1 de septiembre de 1989
1991 Mama Said 2 de abril de 1991
1993 Are You Gonna Go My Way 9 de marzo de 1993
1995 Circus 12 de septiembre de 1995
1998 5 12 de mayo de 1998 (re-lanzamiento 1999)
2001 Lenny 30 de octubre de 2001
2004 Baptism 18 de mayo de 2004
2008 It Is Time for a Love Revolution 5 de febrero de 2008
2011 Black and White America 22 de agosto de 2011 (Mundo) 30 de agosto de 2011 (USA)
2014 Strut 23 de septiembre de 2014
2018 Raise Vibration 7 de septiembre de 2018
Recopilatorios
2000 Greatest Hits 24 de octubre de 2000
2001 Let Love Rule/Mama Said 22 de octubre de 2001
2002 Let Love Rule/Mama Said/Are You Gonna Go My Way 7 de octubre de 2002
2004 Baptism/Lenny 2004
2008 Greatest Hits (Double Disc) 11 de diciembre de 2008
2011 ‘Are You Gonna Go My Way/5 5 de abril de 2011
Directo
1994 Lenny Kravitz Acoustic 1994
2001 Live in Japan & More 1 de enero de 2001
2009 One Night in Tokyo 27 de enero de 2009
Extracto de Wikipedia
Led Zeppelin
Led Zeppelin fue un grupo británico de hard rock fundado en 1968 por el guitarrista Jimmy Page, quien había pertenecido a The Yardbirds. La banda estuvo integrada por John Paul Jones como bajista y teclista, el vocalista Robert Plant y John Bonham a la batería (que había coincidido con Plant en The Band of Joy).
Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, el rock and roll, el soul, la música celta, la música india, el folk, y el country.
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Más de treinta años después de la disgregación de la banda en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 111 millones sólo en los Estados Unidos. Es, junto a los Beatles, la banda con más discos de diamante de la historia de la música (otorgados cada diez millones de ventas en EE. UU.). Los discos con esta certificación son: Led Zeppelin IV (23 millones), Physical Graffiti (15 millones), Led Zeppelin II (12 millones), Houses of the Holy (11 millones) , Led Zeppelin I (10 millones) y Box Set (10 millones). En 2004, la revista Rolling Stone los clasificó en el número 14 en su lista de los «100 artistas más grandes de todos los tiempos».
Led Zeppelin se formó a finales de 1968 cuando Jimmy Page, que ya tenía cierta reputación en el Reino Unido por su labor como músico de estudio y por ser el último guitarrista de la banda The Yardbirds, buscaba nuevos músicos para su nuevo proyecto, The New Yardbirds (nombre que provocaba ciertos problemas legales), constituido a partir de la disolución de The Yardbirds. El nombre de la banda surgió a raíz de un chiste de Keith Moon, baterista de The Who (en una sesión de grabación de una canción de Jeff Beck en el que participaban Jimmy Page, John Paul Jones, John Entwistle y el propio Keith Moon), cuando dijo que la banda fracasaría y caería «como un zeppelin de plomo». El nombre surgió en un principio como Lead Zeppelin (“zeppelin de plomo”), pero a recomendación de Peter Grant, el mánager de la banda, se suprimió la a de lead, para evitar problemas de pronunciación por parte de los hablantes norteamericanos, ya que las vocales ea se pronuncian como una i en el inglés de Norteamérica. Sin embargo, el bajista de The Who, John Entwistle, posee su propia versión de los hechos: «Hace unos cuatro años empecé a estar harto de los Who, así que hablé con un tío que ahora es jefe de producción de Led Zeppelin. Estuve hablando con él en un club, en Nueva York, y le dije “Sí, estoy pensando en dejar el grupo y formar el mío. Lo voy a llamar Led Zeppelin. Y como portada del disco voy a poner el Hindenburg en llamas, ya sabes, todo este asunto…” Y unos dos meses después, empezó a trabajar con Jimmy Page, y como estaban buscando un nombre, él sugirió Led Zeppelin, a Page le gustó y salieron con la misma portada de disco que yo había planeado». El jefe de producción al que se refiere Entwistle podría ser Richard Cole, futuro road manager de la banda.
The Yardbirds se separó en 1968, y Page y el bajista de la banda, Chris Dreja, comenzaron a buscar miembros para una nueva formación, mientras innovaban su música junto al guitarrista actual de The Bulens, J. Jencquel. El primer candidato para el puesto de vocalista fue Terry Reid, quien se negó a ser parte de la banda, pero recomendó a un amigo suyo llamado Robert Plant. En agosto de 1968, Page, Dreja y Peter Grant viajaron a Birmingham para ver la banda de Plant, Hobbstweedle. Plant aceptó la oferta de Page para entrar en la banda en una reunión en la casa de Page. Plant tenía un amigo que tocaba la batería, John Bonham, que también se uniría al grupo.8? Poco después de la llegada de Bonham, Dreja abandonó la música para convertirse en fotógrafo, por lo que los tres componentes de la banda se ven obligados a buscar un nuevo bajista. John Paul Jones, un amigo de Page y conocido músico de sesión, se enteró de la noticia y le propuso a su amigo su entrada en la formación, quedando cerrada la banda. Lo primero que hicieron fue ensayar un blues normal de 12 compases. En ese momento se vio la «química» que había entre los cuatro miembros. Su primer cometido fue acabar una gira pendiente en Escandinavia bajo el nombre de The New Yardbirds, en la que tocaron muchas de las canciones que forman parte de su álbum debut.
Discografía
Led Zeppelin (1969)
Led Zeppelin II (1969)
Led Zeppelin III (1970)
Led Zeppelin IV (1971)
Houses of the Holy (1973)
Physical Graffiti (1975)
Presence (1976)
In Through the Out Door (1979)
Coda (1982)
Miembros
Robert Plant: voz, armónica, percusión menor (1968-1980, 1985, 1988, 1995, 2007).
Jimmy Page: guitarra, guitarra de doce cuerdas, coros (1968-1980, 1985, 1988, 1995, 2007).
John Paul Jones: bajo eléctrico, teclado, mandolina, coros (1968-1980, 1985, 1988, 1995, 2007).
John Bonham: batería, percusión, coros (1968-1980, su muerte).
Laurie Styvers
Laurette Stivers, conocida como Laurie Styvers , era una cantante y compositora estadounidense con sede en Gran Bretaña.
En Londres, a fines de la década de 1960, Styvers respondió a un anuncio de cantantes que John McBurnie (último de Jackson Heights ) y Keith Trowsdale habían publicado. Los tres, con vocalistas adicionales Bethlyn Bates y Valerie Cope, formaron la banda folk psicodélica Justine y grabaron un álbum con el productor Hugh Murphy, que fue lanzado en 1970. Styvers se fue poco después y el grupo restante se disolvió.
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Con Murphy como productor, coguionista y novio, Styvers lanzó dos álbumes en solitario y un sencillo entre 1972 y 1973. Ninguno tuvo éxito comercial. Al revisar su LP de leche derramada (lanzado en 1971 por Warner Bros. ), Robert Christgau escribió en la Guía de grabación de Christgau: Álbumes de rock de los años setenta(1981): «Normalmente, ignoro los registros tan legítimamente oscuros como este, pero pensé que era hora de que mencionara que nuestra compañía discográfica más moderna se está volviendo más complaciente todo el tiempo. ¿Cuántas cabezas huecas de Los Ángeles podemos soportar? tipo de persona que me hace como adictos, ya sabes, el bebé del que quieres robar dulces, tan trivial y bonita en su adolescencia tan problemática que esperas que se ahogue con su propio dinero. Una línea lo dice todo: simplemente no son palabras para las canciones de las personas que realmente sienten ‘. Oh, cállate, Laurie «.
Posteriormente, Styvers terminó su carrera musical y regresó a los Estados Unidos.
Styvers murió en 1997 como resultado del alcoholismo.
Discography
Justine albums
Justine (1970), Uni Records UNLS 111
Justine singles
She Brings The Morning With Her (1970), Uni Records, UNS 528
Solo albums
Spilt Milk (1972), Chrysalis Records CHR 1007 (UK) / Warner Brothers WS1946 (US)
The Colorado Kid (1973), Chrysalis Records CHR 1038
Solo singles
Beat The Reaper (1972), Chrysalis Records CYK 4796
Lama Gyurme & Jean-Philippe Rykiel
Lama Gyurme (nacido en 1948), o Lama Gyourmé , es un lama y músico budista butanés.
Vive en Francia desde 1974, y es el director del centro Kagyu-Dzong en París, desde 1982, el centro Vajradhara-Ling en Normandía y desde 2011 la Asociación Drayang Gyatso Ling en Masnou (Barcelona-España) relacionada con el mantra cantos y meditación.
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Nacido en Bután en 1948, fue confiado por su familia a la edad de cuatro años al monasterio de Djang Tchub Tcheu Ling en Bután, donde su interés por la música sagrada apareció rápidamente. A los nueve años, se convirtió en residente permanente del monasterio donde recibió enseñanzas budistas, completadas por una iniciación a las artes tradicionales, incluida la música.
A los 20 años, siguió su primer retiro espiritual de tres años, tres meses y tres días, necesarios para la formación de Lama , en el monasterio de Sonada en la India, cuyo director es Kalu Rinpoche . Durante este retiro, Kalu Rinpoche le dio el título de «Oumze», maestro de la música. Después de una estancia en el monasterio de Rumtek en Sikkim, completó su educación religiosa en Bután antes de obtener su diploma de maestro de la tradición Kagyupa que le fue otorgado por el 16 ° Karmapa .
En 1995 y en 1998, Gyurme hizo una peregrinación al Tíbet y visitó el 17 ° Karmapa Orgyen Trinley Dorje en el monasterio de Tsurphu . Le presentó su proyecto de construcción del Templo de la Paz.
Gyurme también participó en la música de la película de 1999 Himalaya ‘ .
Discografía
Songs of Awakening: The Lama’s Chant with Jean-Philippe Rykiel (1995)
Rain of Blessings/Vajra Chants with Jean-Philippe Rykiel (2000)
Hope for Enlightenment (2000)
The Lama’s Chants (Songs of Awakening/Roads of Blessings) with Jean-Philippe Rykiel and Loy Ehrlich (2004)
Chants for Peace (Chants pour la Paix) with Jean-Philippe Rykiel (2010)
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Labordeta
José Antonio Labordeta Subías (Zaragoza, 10 de marzo de 1935-ib., 19 de septiembre de 2010) fue un cantautor, escritor y político español, diputado en el Congreso por la Chunta Aragonesista en las legislaturas vii y viii.
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José Antonio Labordeta Subías (Zaragoza, 10 de marzo de 1935-ib., 19 de septiembre de 2010) fue un cantautor, escritor y político español, diputado en el Congreso por la Chunta Aragonesista en las legislaturas vii y viii.
Hijo de Miguel Labordeta y Sara Subías, era hermano del poeta Miguel Labordeta y se casó el 29 de septiembre de 1963 con Juana de Grandes, sobrina del general Agustín Muñoz Grandes. Tuvo tres hijas, Ana, Ángela y Paula; y dos nietas. Su sobrino Juan Manuel Labordeta es un cantante retirado, antiguo miembro del grupo musical humorístico Puturrú de Fuá.
Cursó sus estudios primarios en el Colegio Alemán de Zaragoza y en la escuela familiar, donde concluyó el bachillerato; se matriculó en derecho y, finalmente, se licenció en filosofía y letras por la Universidad de Zaragoza, que le nombró en 2010 doctor honoris causa. En 1964 aprobó las oposiciones de enseñanzas medias, como profesor de geografía, historia y arte y fue destinado al Instituto Nacional de Bachillerato Ibáñez Martín de Teruel, ciudad en la que residió seis años. Tanto en este como en el Colegio Menor San Pablo impartió clase a Joaquín Carbonell, Federico Jiménez Losantos, Federico Trillo y Manuel Pizarro.
Regresó a su Zaragoza natal en 1970, donde siguió impartiendo docencia en el colegio El Buen Pastor —como director y profesor de historia— y en el instituto de bachillerato Ramón Pignatelli —situado en el Alto Carabinas de Zaragoza—. En 1972 fundó, junto con Eloy Fernández Clemente —a quien había conocido en su estancia en Teruel—, la revista cultural Andalán.
En 1976 participó en la creación del Partido Socialista de Aragón y más tarde se presentó al Senado por Izquierda Unida. Ya como miembro de Chunta Aragonesista (CHA), fue elegido diputado por Zaragoza en 2000, y fue el representante de este partido aragonesista en el Congreso de los Diputados desde el año 2000 hasta el 2008. Fue afiliado del sindicato Comisiones Obreras desde 1977.
Acérrimo defensor del «no a la guerra» y contrario al trasvase del Ebro, fue un arduo defensor de los intereses de Aragón y los aragoneses y marcó una nota diferente en el hemiciclo. En un par de ocasiones llegó a un enfrentamiento verbal con algunos diputados del Partido Popular. En uno de ellos espetó su famosa frase «a la mierda». Él mismo decía que esta sería la frase que le pondrían como epitafio en su lápida, y explicaba que surgió debido a que había sido un día muy duro discutiendo sobre la guerra de Irak y le increpaban con frases del tipo «vete con la mochila a Teruel», y en el momento en el que alguien le dijo «qué me dices cantautor de las narices» no aguantó más y dijo la frase porque no le dejaban hablar.
José Antonio Labordeta falleció en la madrugada del 19 de septiembre de 2010, en el Hospital Miguel Servet de Zaragoza, a la edad de 75 años, a causa de un cáncer de próstata que le fue diagnosticado en 2006, y que le obligó a permanecer postrado en su casa los últimos meses de su vida.
El último acto público que protagonizó se produjo el 6 de septiembre de 2010, cuando los ministros de Defensa, Carme Chacón, y de Educación, Ángel Gabilondo, le entregaron en su casa la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio; un reconocimiento que el Gobierno le concedió por su sabiduría, su pasión, sus convicciones y su defensa de la libertad y el pueblo, motivos por los que también le otorgó la Medalla al Mérito en el Trabajo.
Discografía
Fue considerado uno de los principales exponentes de la canción de autor española. Inició su carrera musical en 1968 con el álbum Andros II, E. P. producido y editado por EDUMSA, que se publicaría posteriormente en la edición de Fuendetodos del libro de poesía Cantar y callar (1971). A este seguirían:
José Antonio Labordeta en un concierto celebrado en Huesca, el 26 de octubre de 2007.
Andrós II, 1968, EP
Cantar i callar, 1971, EP, discolibro; 1974, LP
Tiempo de espera, 1975
Cantes de la tierra adentro, 1976
Labordeta en directo, 1977
Que no amanece por nada, 1978
Cantata para un país, 1979
Las cuatro estaciones, 1981
Qué queda de ti, qué queda de mí, 1984
Aguantando el temporal, 1985
Tú y yo y los demás, 1986, en directo
Qué vamos a hacer, 1987
Trilce, 1989
Canciones de amor, 1993, recopilatorio
Recuento, 1995, en directo
Paisajes, 1997
Con la voz a cuestas, 2001
Con Eduardo Paz, de La Bullonera, y Joaquín Carbonell: Cantautores aragoneses, 2006, en directo
Con Eduardo Paz, de La Bullonera, y Joaquín Carbonell: ¡Vaya tres!, 2009.
En el jardín de la memoria, 2016
Extracto de Wikipedia
La Unión
La Unión, rotulado también como LA UNIØN, fue un grupo español de pop, rock y New Wave, entre otros estilos musicales. El grupo estaba formado por Rafa Sánchez, vocalista y Luis Bolín, bajista, acompañados por Fermín Villaescusa al piano y el guitarrista Mario Cea Martínez.
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Pertenecen al mundo de la música desde 1984, y han vendido más de 2 millones de discos, recibiendo en 2006 un doble disco de diamante por su carrera discográfica. Además, han sido disco multiplatino, con más de 200.000 copias, los álbumes Vivir al este del Edén, Tren de largo recorrido, Tentación y Grandes éxitos. Obtuvieron disco de platino con más de 100.000 copias los LP Mil siluetas y 4×4, y disco de oro con más de 50.000 copias vendidas los álbumes Psycofunkster au lait, La Unión, El mar de la fertilidad e Hiperespacio.
El grupo se forma a finales de 1982 por Rafa Sánchez (voz), Luis Bolin (bajo) y Mario Martinez (guitarra), al que se añade un cuarto componente, Íñigo Zabala (teclados). Durante el siguiente año preparan una gran cantidad de temas instrumentales a los cuales comienzan a añadir voz. Firman con WEA a finales de 1983 cuando Nacho Cano y Rafael Abitbol producen tres canciones, dos de ellas fueron «La Niebla», «Lobo Hombre en París», basadas en dos cuentos de Boris Vian y la tercera fue «Voracidad». El 12 de marzo de 1984 presentan en la madrileña sala El Sol el sencillo y maxi-single “Lobo Hombre en París” (con videoclip dirigido por José Luis Lozano) del cual se venden más de 200.000 singles, siendo número 1 en ventas durante 9 semanas consecutivas y consiguiendo el disco de oro. En octubre del mismo año ve la luz su primer álbum, Mil Siluetas, que contiene, además del gran éxito del grupo, grandes relatos repletos de imaginación y misterio como «Sildavia», “Cabaret” o “Eclipse total”.
Discografía
Mil siluetas (1984).
El maldito viento (1985).
4×4 (1987).
Vivir al este del Edén (1988). Compuesta por el gran compositor Mario Martinez
Tentación (1990).
Tren de largo recorrido (1992).
Psycofunkster au lait (1993).
Los maxis (1993).
Conmemorativo 1984-1994 (1994).
Hiperespacio (1996).
Fluye (1997).
La Unión (1999).
Grandes éxitos (Recopilatorio – (2000).
El mar de la fertilidad (2002).
Colección audiovisual 1984-2004 (Recopilatorio – (2004).
Love Sessions (Recopilatorio electrónico – (2006).
Big Bang (2010).
Hip.gnosis (2013).
Hip.gnosis Best of Vol.2 (2015).
Todo Éxitos Ed. México (2016).
No Estamos Solos (2017)
Extracto de Wikipedia
La Oreja de Van Gogh
La Oreja de Van Gogh (abreviado en ocasiones como LOVG o LODVG) es un grupo musical de género pop-rock originario de San Sebastián, País Vasco, España. Su trayectoria en el mundo de la música comenzó formalmente en 1996. La banda está formada por Pablo Benegas, Álvaro Fuentes, Xabi San Martín, Haritz Garde y Leire Martínez, aunque la vocalista inicialmente fue Amaia Montero, quien en 2007 dejó la formación? para iniciar su carrera como solista.
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Son una banda con gran éxito en España, Latinoamérica y Estados Unidos con lanzamientos y conciertos puntuales en países que no son de habla hispana, como Francia, Reino Unido, Japón o Israel.
A lo largo de su carrera han alcanzado el 1.° lugar en diferentes países con temas tan conocidos como: «El 28», «Soñaré», «Cuéntame al oído», «Cuídate», «París», «La playa», «Pop», «Puedes contar conmigo», «20 de enero», «Rosas»,«Deseos de cosas imposibles», «Muñeca de trapo», «Dulce locura», «El último vals», «Inmortal», «Jueves», «La niña que llora en tus fiestas», «Cometas por el cielo», «El primer día del resto de mi vida» o «Verano».
Han obtenido premios como el Grammy Latino, MTV Europa, diversos Premios Ondas, Premios de la Música, Premio Lo Nuestro, o incluso la Gaviota de Plata del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar? entre muchos otros. Según acredita los Productores de Música de España (Promusicae), La Oreja de Van Gogh cuenta con 3.260.000 álbumes certificados en su carrera musical solo en España y a nivel mundial llevan más de 8.000.000 de discos vendidos convirtiéndolos en el grupo español con más ventas del Siglo XXI.
Discografia
1998 Dile al sol
2000 El viaje de Copperpot
2003 Lo que te conté mientras te hacías la dormida
2006 Guapa
2008 A las cinco en el Astoria
2011 Cometas por el cielo
2016 El planeta imaginario
Reediciones
2006 Más guapa
Álbumes recopilatorios
2004 París
2006 LOVG 1996-2006
2008 LOVG – Grandes éxitos
2009 Nuestra casa a la izquierda del tiempo
Extracto de Wikipedia
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1. The Yodel Song |
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01. If I Had You 3.55 |
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01. If I Had You (03:58) |
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01 – This World’s For Everyone 3.27 |
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A1 Silent Running 3:01 |
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01 – Young N’ Russian 3.07 |
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1 Celebration 4:56 |
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1. Silhouettes |
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CD1 |
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1. In The Dimness Of Light 12:47 |
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Disc 1 |
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01. The Keyhole 4:02 |
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01 Dune 30:27 |
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01 Death Of An Analogue 12:24 |
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01. Between Twilight and Dawn (feat. Wolfgang Tiepold, Tobias Becker, Mickes) |
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01 – The Schulze – Schickert Session |
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CD 1 Re: People I Know |
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01. Sequenzer (From 70 To 07) |
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01. Part I |
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01. Part I |
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Ballet 1 |
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CD 1: Film Music |
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01. Gringo Nero |
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1. Velvet Voyage: 1984/Aeronef/Eclipse/Exvasion/Lucid Interspace/Destination Void (28:28) |
