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Carly Simon
Carly Elisabeth Simon (n. 25 de junio de 1945) es una cantante estadounidense. Fue una de las artistas, llamadas confesionales por su estilo musical y sus letras biográficas, más populares de los años 70 y 80. Carly Simon tiene un tipo de voz contraalto.
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Nació el 25 de junio de 1945 en un hogar acomodado de la ciudad de Nueva York. Su padre, Richard Simon, fue cofundador de la editorial Simon and Schuster.
A inicios de los años 60 ella y su hermana, Lucy, formaron un dúo llamado The Simon Sisters, que inicialmente se presentó en los bares de Greenwich Village, en Nueva York. Grabaron dos LP, uno de folk bastante suave y otro con canciones para niños. Solamente tuvieron un sencillo, que estuvo fugazmente en las listas en abril de 1964: «Winkin’ Blinkin’ and Nod».
Las hermanas se separaron a finales de los 60 y Carly Simon decidió empezar una carrera como solista folk. Se puso en contacto con Albert Grossman, quien para entonces era el representante de Bob Dylan; desafortunadamente, el intento no prosperó.
Diferentes productores y ejecutivos conocían sus dotes vocales pero no sabían qué hacer con ella, cómo encajarla en el negocio, y, de una forma natural, decidió dedicarse a la composición junto al crítico de cine Jacob Brackman.
De la mano del sello Elektra las cosas empezaron a funcionar mejor y, en 1971, dos de sus canciones, «That’s The Way I’ve Always Heard It Should Be» y «Anticipation», se convirtieron en éxitos dentro de Estados Unidos. La primera venía en su primer disco, llamado Carly Simon, mientras que la segunda le dio título a su segundo LP. Hizo su aparición en la película del mismo año Taking Off (Juventud sin esperanza).
Con las cosas en un terreno más positivo, Carly Simon se ayudó del talento del productor Richard Perry para producir su tercer LP. En él se incluyó su canción más famosa: «You’re so Vain», de la que se dice habla de Warren Beatty y/o Mick Jagger, que además canta en esa canción. Aun hoy, en todas las entrevistas que se le hacen a Carly Simon se le pregunta sobre quién es el dedicado y la respuesta siempre es una evasiva, que simplemente tiende a enredar más la cuestión.
La canción vendió más de un millón de copias en 1973, llegando al número uno de la revista «Billboard» en el año 1973. Y a inicios de los años 90 se volvió a lanzar en Gran Bretaña después de que apareciera en un anuncio de televisión.
No Secrets, su tercer larga duración, es de lejos su trabajo más reconocido y en él se incluye mucho del mejor material de su carrera; entre ellos, «The Right Thing to do», que llegó al top 40. La calidad del disco le valió el Grammy por ser la mejor artista nueva de aquel año.
Si bien es cierto que el resto de la década fue algo irregular en cuanto a éxitos, Carly Simon mostró una energía casi inagotable que la llevó a participar en conciertos antinucleares y por la paz, además de sus propias giras.
Su cuarto álbum, Hotcakes, fue top ten de enero de 1974 y en él venía su versión de «Mockingbird» (original de Inez y Charlie Foxx) y cantada junto a su esposo. El sencillo se convirtió en oro, y detrás de él llegó «Haven’t Got Time for the Pain», que llegó a estar entre las diez canciones más populares.
Playing Possum, de 1975, y Another Passenger, de 1976, fueron dos álbumes que no tuvieron el éxito de sus predecesores, pero ayudaron a mantener viva la figura de Carly Simon lo suficiente como para que, en 1977, fuera contratada para interpretar el tema principal de la película de James Bond La espía que me amó. «Nobody does it Better» vendió más de un millón de copias y estuvo entre las diez más populares de la lista Billboard.
Su siguiente disco, Boys in the Trees, de 1978, también fue disco de oro gracias a «You Belong to me» y a «Devoted to you», cantada a dúo con James Taylor.
Sus siguientes discos Spy, de 1979, y Come Upstair, de 1980, no alcanzaron a vender lo suficiente, a pesar de que en el último venía «Jesse», un sencillo que sí fue disco de oro, pero que no pudo empujar al LP.
En octubre de 1980, Simon tuvo un desmayo por cansancio en medio de una presentación. Después de eso, sus apariciones en concierto han sido escasas.
La primera mitad de los 80 no fueron boyantes para Carly Simon en Estados Unidos, fundamentalmente por las pobres ventas de sus discos. A pesar de ello, canciones como «Why» y «Kissing with Confidence» tuvieron éxito del otro lado del Atlántico, en Inglaterra. Pese a todo, su primer LP de covers, «Torch», de 1981, y un excelente LP de temas originales, «Hello Big Man», de 1983, dedicado a sus padres, no tuvieron la repercusión de trabajos anteriores a pesar de su calidad, especialmente del primero, donde se aprecia la extraordinaria calidad de su poderosa voz.
Su regreso al top 40 en 1986 vino de la mano de «Coming around again», el tema de la película Heartburn. Ese mismo año ganó el Grammy, el Globo de Oro y el Óscar por «Let the River Run» de la película Working Girl, de 1988.
En 1990, Carly Simon lanzó un disco de baladas pop en el que incluía una serie de covers llamado My Romance. Seis meses después puso a la venta Have you seen me Lately?, en el que todo el material era original y uno de sus mejores trabajos desde los 70. A mediados de los 90, con la publicación del magnífico «Letters never sent» 1994 y una completísima entrevista de «Vanity Fair» en 1995, todo daba a entender que volvería en su dimensión más internacional, ya que tenía en mente iniciar su primer tour fuera de EE UU, pues se encontraba en su mejor momento vital en muchos años, madura, sabia y atractiva; fue tentada desde el Reino Unido y España con la ITV y A3 como garantes de los proyectos propuestos «Carly in the United Kingdom» y » Carly in the Kingdom of Spain», ambos pensados para rodar en pequeños clubs y escenarios significativos de Londres, Edimburgo, Dorchester, Madrid, Toledo y Sevilla. El proyecto español fue gratamente acogido por importantes artistas españoles e incluso por las autoridades, pero un inoportuno cáncer de mama, superado posteriormente, dio al traste con estas iniciativas.
Pasado el tiempo, y ante la desilusión de los promotores que eran ajenos al showbiz, y a raíz de una magnífica entrevista en M80 de Cano & Fesser, la idea de verla en directo seguía en la mente de ambos promotores, y, haciéndose eco de sus incondicionales seguidores, Carly Simon se comprometió a fijar una actuación en un mítico teatro del Harlem neoyorquino en una iniciativa del grupo Time Warner con la suficiente antelación, la gira del 95 anunciaba las actuaciones en el mismo día y solo se realizó en la parte norte de la costa este, para que tanto los fans europeos como los americanos de la costa oeste pudieran verla al fin en directo; el evento fue un éxito y gentes de diversas partes de EE UU y Europa vieron por fin realizado su sueño, algo que la sorprendió gratamente y cambió en cierto modo la percepción sobre la intensidad y fidelidad de sus fans. En You tube se puede disfrutar de una jovencísima Carly en 1972, cantando en directo en esos grandes conciertos de la época.
En 2003 graba la banda sonora de La gran película de Piglet para Disney, lo que le da un impulso a su carrera.
Desde entonces hasta la fecha ha producido más de diez discos, entre retrospectivas, canciones para películas y materiales nuevos.
En 1972, Carly Simon se casó con el cantautor James Taylor. A pesar de convertirse en madre su carrera artística nunca se vio afectada. Por el contrario, esa dinámica de vida le ayudó a componer de forma sostenida durante años. Simon y Taylor tuvieron dos hijos, Sarah «Sally» Maria Taylor (nacida el 7 de enero de 1974) y Benjamin «Ben» Simon Taylor (nacido el 22 de enero de 1977), ambos on músicos y activistas políticos. En 1983 se separó de su marido, James Taylor.
Tanto su matrimonio como su separación tuvieron una cobertura amplia en los medios de comunicación norteamericanos, incluso eclipsando las aventuras de Elizabeth Taylor.
Álbums de estudio
1971 Carly Simon
1971 Anticipation
1972 No Secrets
1974 Hotcakes
1975 Playing Possum
1976 Another Passenger
1978 Boys in the Trees
1979 Spy
1980 Come Upstairs
1981 Torch
1983 Hello Big Man
1985 Spoiled Girl
1987 Coming Around Again
1990 My Romance
1990 Have You Seen Me Lately
1993 Romulus Hunt: A Family Opera
1994 Letters Never Sent
1997 Film Noir
2000 The Bedroom Tapes
2005 Moonlight Serenade
2007 Into White
2008 This Kind of Love
2009 Never Been Gone
Recopilatorios
1975 The Best of Carly Simon
1995 Clouds in My Coffee
1999 The Very Best of Carly Simon: Nobody Does It Better
2002 Anthology
2004 Reflections: Carly Simon’s Greatest Hits
2009 Carly Simon Collector’s Edition
2011 Original Album Series
2014 Playlist: The Very Best of Carly Simon
2015 Songs From The Trees: A Musical Memoir Collection
En directo
1988 Greatest Hits Live
1988 Holiday albums
2002 Christmas Is Almost Here
2003 Christmas Is Almost Here Again
Soundtrack albums
1989 Working Girl (Original Soundtrack Album)
1992 This Is My Life (Music From The Motion Picture)
2003 Piglet’s Big Movie (Soundtrack)
2005 The Best of Pooh and Heffalumps, Too
Otros
1980 In Harmony: A Sesame Street Record
1982 In Harmony 2
Singles
1971 «That’s the Way I’ve Always Heard It Should Be»
1971 «Anticipation»
1972 «Legend in Your Own Time»
1972 «I’ve Got to Have You»
1972 «You’re So Vain»
1973 «The Right Thing to Do»/»We Have No Secrets»
1974 «Mockingbird» (with James Taylor)
1974 «Haven’t Got Time for the Pain»
1975 «Attitude Dancing»
1975 «Waterfall»
1975 «More and More»
1976 «It Keeps You Runnin'»
1976 «Half a Chance»
1977 «Nobody Does It Better»
1978 «You Belong to Me»
1978 «Devoted to You» (with James Taylor)
1978 «Tranquillo (Melt My Heart)»
1979 «Vengeance»
1979 «Spy»
1980 «Jesse»
1980 «Take Me as I Am»
1981 «Hurt»
1982 «Why»
1983 «You Know What to Do»
1983 «Kissing with Confidence» (with Will Powers)
1985 «Tired of Being Blonde»
1985 «My New Boyfriend»
1986 «Coming Around Again»
1987 «Give Me All Night»
1987 «The Stuff That Dreams Are Made Of»
1987 «All I Want Is You»
1988 «You’re So Vain» (live version)
1989 «Let the River Run»
1989 «Why» (extended version)
1990 «Better Not Tell Her»
1991 «Holding Me Tonight»
1991 «You’re So Vain» (re-release)
1992 «Love of My Life»
2001 «Son of a Gun (I Betcha Think This Song Is About You)» (with Janet Jackson featuring Missy Elliott)
2005 «Let It Snow»
2006 «Best of Friends» (with Livingston Taylor)
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Barry McGuire
McGuire nació en Oklahoma City, Oklahoma, y se mudó a California en la primera infancia, cuando tenía dos años de edad. A los 16 años se unió a la Marina de los Estados Unidos, pero fue dado de baja diez meses después de ser menor de edad.
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Después de trabajar como pescador comercial, y luego ir a convertirse en un plomero oficial, a los 25 años McGuire consiguió un trabajo cantando en un bar. En 1961, lanzó su primer sencillo llamado «El Árbol», que no fue un éxito.
Formó un dúo con Barry Kane llamado Barry & Barry. El acto dúo folklórico nuevo realizaron su propia marca de folk originales arreglos-notablemente melodías impresionantes atada con armonías ricas-en el Ice House, un club de gente pequeña en Pasadena, CA. antes de pasar a The Troubadour en Hollywood en la primavera de 1962. At The Troubadour ambos se unieron The New Christy Minstrels, un grupo de gente grande realizando allí. Se continuó realizando su acto separado dúo allí, así como la realización de The New Christy Minstrels. Cortaron su primer y único álbum como Barry & Barry llamó «aquí y ahora», que contenía canciones como «Anillo de bodas del oro», «Land Of Odin», el single «Another Man», «El verano es largo», «You Know My Nombre «,» Bull Run Gine «y» Far Side Of The Hill «. También incluye «If I Had A Hammer». libertad tres meses después de la publicación de la misma canción por la gente trío Peter, Paul y Mary. Su LP «Here And Now» en vinilo con el tiempo se agotó, pero desde entonces ha sido digitalmente remasterizado y reeditado en CD.
En 1963, McGuire junto con Randy Sparks (el fundador de The New Christy Minstrels) co-escribió y cantó la voz principal en, primer éxito grande y la Christys ‘single: «. Green, Green» Dejó las Christys en enero de 1965, después de grabar el álbum, indios y vaqueros, sin embargo, en el álbum 1965 Chim Chim Cher-ee, cantó sólo en el corte del título.
Discografía Parcial
Barry Here and Now (1962)
The Barry McGuire Album (1963)
Eve of Destruction (1965)
This Precious Time (1965)
The World’s Last Private Citizen (1967)
McGuire and the Doctor (1971)
Seeds (1972)
Lighten Up (1974)
Narnia (1974)
Jubilation (1975)
To the Bride (1975)
Eve of Destruction (Star Power) (1975)
C’mon Along (1976)
Anyone But Jesus (1976)
Jubilation Two (1976)
Have You Heard (1977)
Cosmic Cowboy (1978)
Inside Out (1979)
Best of Barry McGuire (1980)
Finer Than Gold (1981)
Pilgrim (1989)
Let’s Tend God’s Earth (1991)
When Dinosaurs Walked the Earth (1995)
Ancient Garden (1997)
Frost and Fire (1999)
Eve of Destruction (20 Inspirational Classics) (2000)
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Bob Welch
Robert Lawrence Bob Welch, Jr. (Los Ángeles, 31 de agosto de 1945 – Antioch, 7 de junio de 2012) fue un músico estadounidense. Fue miembro de Fleetwood Mac.
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Welch tuvo una breve carrera de éxitos en solitario a finales de los setenta. Sus discos sencillos incluyeron los temas «Hot Love, Cold World», «Ebony Eyes», «Precious Love», y «Sentimental Lady»
Welch nació en Los Ángeles (California), y creció en Beverly Hills. Su padre era el productor de películas y guionista Robert L. Welch, y trabajó para Paramount Pictures en los años cuarenta y cincuenta, produciendo películas protagonizadas por Bob Hope o Bing Crosby. También trabajó como productor de televisión y fue responsable de la serie The Thin Man en 1958 y 1959.
La madre de Bob era la cantante y actriz Templeton Fox. Participó en películas y series de televisión entre 1962 y 1979.
De niño Welch aprendió a tocar el clarinete y cambió a la guitarra en su adolescencia. Le regalaron su primera guitarra a los 8 años. El joven Welch se interesó por el jazz, rhythm and blues, y el rock.
Después de graduarse en la escuela superior evitó ir a la Georgetown University, donde había sido aceptado, para ir a París y estudiar en la Universidad de la Sorbona.
En una entrevista a la revista People (de 1979) Welch afirmó: «La mayor parte del tiempo la pasé fumando hachís con barbudos 5 años mayores que yo». Pasó más tiempo sentado en el café Les Deux Magots que acudiendo a clase y finalmente retornó a California, donde estudió francés en la UCLA.
Abandonó la universidad de UCLA antes de graduarse y en 1964 se unió como guitarrista al grupo vocal interracial The Seven Souls. En la banda ocupó el lugar de Ray Tusken, un guitarrista que llegó a ser vicepresidente de A&R para Capitol Records.
La composición inicial de The Seven Souls incluía al vocalista Ivory Hudson, al saxo y cantante Henry Moore, al baterista Ron Edge y al bajo Billy Diez. Los componentes posteriores Bobby Watson y Tony Maiden más tarde formaron la banda funk Rufus con Chaka Khan.
En 1967, el lanzamiento de I’m No Stranger / I Still Love You (OKeh 7289) no tuvo repercusión. Sin embargo, la cara B contenía «I Still Love You», que se convirtió en un himno del northern soul.
Los componentes de The Seven Souls se separaron en 1969.
Welch volvió a París y formó el trío Head West que no tuvo éxito.
Bob Welch participó en bandas marginales hasta 1971, cuando fue invitado a unirse a Fleetwood Mac, que en unos meses había perdido a dos de sus tres miembros principales: Peter Green y Jeremy Spencer.
Junto con la recién llegada teclista y vocalista Christine McVie y su marido el bajo John McVie, Bob cambió el rumbo de la banda hacia una línea más melódica en 1972 después de que la abandonara el guitarrista/compositor/cantante Danny Kirwan.
En el verano de 1971 los miembros de Fleetwood Mac hicieron audiciones para un guitarrista que sustituyera a Spencer. Judy Wong era amiga de la banda y a veces les hacía de secretaria. Judy recomendó a su amigo del instituto Bob Welch que estaba viviendo en París por entonces.
La banda se reunió con Welch y decidió contratarle como apoyo al guitarrista principal Danny Kirwan. Creían que teniendo a un americano en la banda podrían tener más atractivo en los Estados Unidos.
Welch fue a vivir en la casa comunitaria de la banda, una mansión llamada Benifold, que estaba en Hampshire.
Usando equipos portátiles la banda grabó 4 álbumes en Benifold: Future Games, Bare Trees, Penguin y Mystery to Me.
En septiembre de 1971 la banda lanzó el primer álbum de Fleetwood Mac con Bob Welch. Era Future Games y la canción del título estaba escrita por Welch. Este álbum era radicalmente diferente a todo lo que habían hecho hasta entonces. La elección de Welch parecía estar pagando réditos porque muchos seguidores americanos se estaban interesando por la banda.
En 1972, seis meses después, la banda lanzó el álbum Bare Trees, que contenía la canción de Welch Sentimental Lady. Esta canción sería un éxito mayor cuando la regrabó para su álbum en solitario French Kiss, donde tuvo la colaboración de Mick Fleetwood, Christine McVie, y Lindsey Buckingham.
La banda se llevaba bien en el estudio, pero sus giras eran problemáticas. Danny Kirwan tenía dependencia del alcohol. En la gira americana de agosto de 1972 Kirwan abandonó el escenario después de discutir violentamente con Welch. Antes de un concierto en la gira estadounidense de 1972 Kirwan y Welch se pelearon por la afinación de los instrumentos y Kirwan destrozó su guitarra y se negó a subir al escenario. Se lastimó al golpearse la cabeza contra la pared y volvió a la cabina de sonido donde presenció el concierto en el que la banda trató de cubrir su ausencia. Después del fiasco de concierto criticó a la banda.
Mick Fleetwood despidió a Kirwan en parte por recomendación de Welch. Entonces la dirección artística de la banda quedó en manos de Bob Welch y Christine McVie.
Los siguientes dos años y medio lanzaron 3 álbumes cambiando músicos, pero manteniendo un núcleo con Mick Fleetwood, Christine McVie, John McVie y Bob Welch.
Kirwan fue sustituido por Savoy Brown, Dave Walker y Bob Weston.
Tanto Walker y Weston aparecieron en el álbum Penguin, lanzado en enero de 1973 y que llegó al número 49 en el «Billboard Top 200 album chart» en Estados Unidos. El estilo de Walker no encajaba con Fleetwood Mac y fue despedido amistosamente y ya no participó en Mystery to Me.
Mystery to Me contenía la canción de Welch «Hypnotized». El á?bum llegó al número 67 en Estados Unidos.
Las tensiones internas causadas por los cambios de músicos, las giras y el derrumbamiento del matrimonio de Christine y John McVie, debilitaron la banda.
El guitarrista Bob Weston tuvo una aventura con Jenny Boyd, que era la esposa de Mick Fleetwood. Mick quedó destrozado por la revelación de la aventura y despidió a Bob Weston. La tensión de Mick le hizo cancelar la gira en los Estados Unidos, que era su mercado más importante.
El representante de la banda Clifford Davis decidió no cancelar la gira y como decía que poseía el nombre Fleetwood Mac montó una banda que no tenía a ninguno de los músicos que habían encarnado a Fleetwood Mac hasta entonces.
Davis anunció que Welch y John McVie habían abandonado Fleetwood Mac y puso a girar la «falsa Mac» en Estados Unidos diciendo que Mick Fleetwood y Christine McVie se unirían a la banda más adelante.
Los miembros de Fleetwood Mac obtuvieron una orden judicial que prohibía la gira de la «falsa Mac». Los litigios derivados de la gira abortada pusieron fuera de servicio a la Fleetwood Mac real durante casi un año.
Durante este periodo Bob Welch permaneció en Los Ángeles y consultó con abogados. Pronto se dio cuenta de que estaban siendo descuidados por Warner Bros. y por Reprise Records. Llegó a la conclusión de que tendrían que cambiar su base de operaciones a Los Ángeles para obtener un mejor trato de Warner Bros. El promotor de conciertos Bill Graham escribió a Warner Bros. para convencerles de que los auténticos Fleetwood Mac eran Mick Fleetwood, Bob Welch, John McVie y Christine McVie. Aunque esto no terminó la batalla legal les permitió seguir grabando como Fleetwood Mac.
Los juzgados dictaminaron que el nombre Fleetwood Mac pertenecía a Mick Fleetwood y John McVie. Ellos crearon su propia empresa de gestión Seedy Management.
En 1975 Welch formó la banda Paris, formada por Glenn Cornick (exbajista de Jethro Tull) y Thom Mooney (ex baterista de Todd Rundgren). La banda Paris lanzó dos álbumes: Paris y Big Towne 2061.
En septiembre de 1977 Welch lanzó su primer álbum en solitario French Kiss , que era una colección de pop con participaciones de sus antiguos compañeros Mick Fleetwood y Christine McVie. Este lanzamiento fue el mayor éxito de Welch porque vendió un millón de copias hasta el 1 de mayo de 1978. Contenía una versión actualizada de Sentimental Lady, Ebony Eyes y Hot Love, Cold World.
La canción Ebony Eyes fue un gran éxito en la que combinaba el pop y el rock sinfónico. Contenía un riff pegadizo dentro de una estructura musical muy elaborada.
En 1979 lanzó el álbum Three Hearts que combinaba la fusión de rock y disco. Alcanzó el Disco de Oro el 23 de febrero de 1979 según RIAA
Presentó el programa de música Hollywood Heartbeat.
En los ochentas lanzó los álbumes en solitario The Other One, Man Overboard, Bob Welch, y Eye Contact con ventas decrecientes. También se convirtió en adicto a la heroína.
Después de desengancharse en 1986 abandonó las grabaciones y se centró en escribir canciones para otros, como Kenny Rogers, Sammy Hagar y The Pointer Sisters.19
En los noventas se mudó a Phoenix, Arizona, donde montó un grupo llamado Avenue M, que tocaba con él en actuaciones y que grabó una canción para una compilación de grandes éxitos. Más tarde se mudó a Nashville, Tennessee.
En 1999 Welch lanzó un álbum de jazz experimental Bob Welch Looks at Bop. Continuó en 2003, con His Fleetwood Mac Years and Beyond, que contenía nuevas grabaciones de canciones que había grabado con Fleetwood Mac, y algunos éxitos en solitario. En 2006 lanzó His Fleetwood Mac Years and Beyond 2, que mezclaba media docena de nuevas composiciones con otras versiones de canciones de Fleetwood Mac o de su época en solitario.
Estuvo casado con Wendy Armistead Welch desde 1985. La pareja residía en Nashville.
El 7 de junio de 2012 Welch se suicidó en su casa de Nashville hacia las 12:15. Su esposa le encontró con un disparo en el pecho autoinfligido. Había dejado una nota de suicidio. Welch fue operado de la columna vertebral 3 meses antes y según su esposa los médicos le habían dicho que no mejoraría. Él no quería que su esposa cuidara de un inválido.
Head West
1970 Head West
Fleetwood Mac
1971 Future Games
1972 Bare Trees
1973 Penguin
1973 Mystery to Me
1974 Heroes Are Hard to Find
1992 25 Years – The Chain
París
1976 Paris
1976 Big Towne, 2061
Solo
1977 French Kiss
1979 Three Hearts
1979 The Other One
1980 Man Overboard
1981 Bob Welch
1983 Eye Contact
1991 The Best of Bob Welch
1994 Greatest Hits
1999 Bob Welch Looks at Bop
2003 His Fleetwood Mac Years & Beyond
2004 Live at The Roxy
2006 His Fleetwood Mac Years and Beyond, Vol. 2
Sencillos en solitario
«Big Towne, 2061» / «Blue Robin» (1976).
«Ebony Eyes» / «Outskirts» (1977).
«Sentimental Lady» / «Hot Love, Cold World» (#8, 1977).
«Ebony Eyes» / «Dancin’ Eyes» (#14, 1978).
«Hot Love, Cold World» / «Danchiva» (#31, 1978).
«I Saw Her Standing There» / «Church» (1979).
«Precious Love» / «Something Strong» (#19, 1979).
«Church» / «Here Comes The Night» (#73, 1979).
«Church» / «Don’t Wait Too Long»
«Three Hearts» / «Oh Jenny» (1979).
«Rebel Rouser» / «Spanish Dancers» (1979).
«Don’t Let Me Fall» / «Oneonone» (1980).
«Don’t Rush The Good Things» / «Reason» (1980).
«Those Days Are Gone» / «The Girl Can’t Stop» (1980).
«Two To Do» / «Imaginary Fool» (1981).
«Sentimental Lady» / «Ebony Eyes» (1981).
«Remember» / «You Can’t Do That» (1982).
«‘Fever» / «Can’t Hold Your Love Back» (1983).
«Can’t Hold Your Love Back» / «S.O.S.» (1983).
«I’ll Dance Alone» / «Stay» (1983).
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Babyface
Kenneth Brian Edmonds (nacido el 10 de abril de 1959 en Indianápolis, Indiana), conocido profesionalmente como Babyface, es un exitoso cantante afroamericano de R&B y pop, compositor de canciones, productor musical y cinematográfico, guitarrista y empresario.
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Edmons, el quinto de seis hermanos, asistió al instituto North Central de Indianápolis, y durante su tímida juventud comenzó a escribir canciones para así expresar sus sentimientos. Edmons más tarde tocaría con la superestrella del funk Bootsy Collins, autor del apodo «Babyface» con el que se le comenzaría a conocer al joven cantante. También actuó con grupos como Manchild (quienes alcanzaron el éxito con el single «Especially for You» en 1977) y el grupo de R&B y funk The Deele (grabaron tres álbumes en la década de los 80). Hacia el final de la carrera de Deele, Babyface firmó un acuerdo con Solar Records, lanzando su álbum debut Lovers en 1986. Babyface está también asociado con los grupos de R&B After 7 y Milestone, en los que forman parte sus hermanos Kevon y Melvin, respectivamente.
En 1989, Babyface fundó el exitoso sello discográfico de R&B y hip hop LaFace Records con Antonio «L.A.» Reid. Dos de los primeros artistas firmados, Toni Braxton y TLC, alcanzaron un éxito masivo. El álbum debut de Braxton de 1993, titulado igual que ella, vendió más de ocho millones de copias, y ganó un Grammy como «Mejor Artista Nuevo» del año 1994. Mientras tanto, los dos álbumes de TLC en LaFace (Ooooooohhh…. On the TLC Tip en 1992 y CrazySexyCool en 1994) se combinaron para vender más de 15 millones de copias y CrazySexyCool ganó el Grammy al «Mejor Álbum R&B» de 1996.
Edmons también está detrás de algunos de los mayores éxitos del R&B contemporáneo. Escribió y produjo los singles de Boyz II Men «End of the Road» y «I’ll Make Love To You», canciones que establecieron récords de permanencia más larga en el número uno de la lista de Billboard Hot 100. En el éxito #1 «Take A Bow» de Madonna (1995), colaboró en los vocales de fondo, y además ha producido y escrito música para artistas como Michael Jackson, Janet Jackson, Whitney Houston, Patti LaBelle, Céline Dion, Mary J. Blige, Mariah Carey, Eric Clapton, Madonna, Aretha Franklin, Caprice Angel, Pink y Melanie Rios entre otros, y ha recibido tres premios Grammy consecutivos al «Mejor Productor del Año» en 1996, 1997 y 1998.
A mediados de los 90, Edmons y su esposa Tracey Edmonds crearon la compañía cinematográfica «Edmonds Production Company», y produjeron películas como Soul Food (1997) y Josie and the Pussycats (2001). Ellos son los productores ejecutivos actuales de las reality series College Hill, de la televisión por cable BET. Babyface también colaboró con David Foster para componer el tema oficial de los Juegos Olímpicos de Atlanta de 1996, cantado por CELINE DION.
En octubre de 2005, Edmons y su esposa Tracey anunciaron que ponían fin a su matrimonio de trece años. Tienen dos hijos.
Babyface está participando en un single benéfico compuesto y producido por Michael Jackson. Se ignora si aparecerá en los vocales o como productor. El título del tema es «I Have This Dream».
Discografía
1986: Lovers #28 R&B
1989: Tender Lover #14 US, #1 R&B (US 2x Platino)
1991: A Closer Look
1993: For The Cool In You #16 US, #2 R&B (US 3x Platino)
1996: The Day #6 US, #4 R&B (US 2x Platino)
1997: Babyface MTV Unplugged NYC (Directo) #106 US, #33 R&B (US Oro)
1998: Christmas With Babyface #101 US, #34 R&B
2001: Face2Face #25 US, #8 R&B
2003: Cool In Love
2004: A Love Story
2005: Grown And Sexy #10 US, #3 R&B
2007: Playlist
2013: Love, Marriage & Divorce (with Toni Braxton) #4 US, #1 R&B
2015: Return Of The Tender Lover #39 US, #5 R&B
Singles
1986 «Lovers» #42 Lovers
1987 «I Love You Babe» #8 Lovers
1987 «If We Try» ? Lovers
1987 «Mary Mack» #29 Lovers
1989 «Love Saw It» (con Karyn White) #1 A Closer Look
1989 «It’s No Crime» #1 Tender Lover
1989 «Tender Lover» #1 Tender Lover
1990 «Whip Appeal» #2 Tender Lover
1990 «My Kinda Girl» #3 Tender Lover
1990 «Love Makes Things Happen» (con Pebbles) #1 A Closer Look
1992 «Give U My Heart» (con Toni Braxton) #2 Boomerang soundtrack
1993 «For The Cool In You» #10 For The Cool In You
1993 «Never Keeping Secrets» #3 For The Cool In You
1994 «And Our Feelings» #8 For The Cool In You
1994 «When Can I See You» #6 For The Cool In You
1994 «Dream Away» (con Lisa Stansfield) – The Pagemaster BSO
1995 «Someone To Love» (con Jon B) #7 Jon B’s Bonafide
1996 «This Is For The Lover In You» (con Jody Watley & LL Cool J) #2 The Day
1997 «Every Time I Close My Eyes» (con Mariah Carey) #5 The Day
1997 «How Come How Long» (con Stevie Wonder) – The Day
1998 «Fire» (con Des’ree) – Hav’ Plenty soundtrack
2000 «Reason For Breathing» – A Collection of His Greatest Hits
2001 «There She Goes» #10 Face 2 Face
2001 «What If» #28 Face 2 Face
2004 «The Loneliness» – Grown & Sexy
2005 «Sorry for the Stupid Things» #65 Grown & Sexy
2005 «Grown & Sexy» #70 Grown & Sexy
2007 «Fire and Rain» – Playlist
2013 «Hurt You» #1 Love, Marriage & Divorce
2013 «Where Did We Go Wrong» – Love, Marriage & Divorce
2015 «We’ve Got Love» – Return Of The Tender Lover
2015 «Exceptional» – Return Of The Tender Lover
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Buffalo Springfield
Buffalo Springfield fue una banda musical de rock estadounidense conocida como plataforma de las carreras musicales en solitario de Neil Young, Stephen Stills y Richie Furay. La banda, que combinó el rock, el folk rock y el country en un sonido propio, fue una de las primeras bandas estadounidenses surgidas a raíz de la Invasión británica, y fue reconocida principalmente por el sencillo «For What It’s Worth», una canción que se convirtió en un himno político a finales de la década de 1960
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Formada en abril de 1966, la breve historia de Buffalo Springfield estuvo plagada de luchas internas, arrestos relacionados con el consumo o posesión de drogas y frecuentes cambios de formación que llevaron a la disolución del grupo apenas dos años después. En dos años, el grupo publicó tres álbumes, aunque varias demos, descartes de sesiones y grabaciones en directo fueron publicadas en subsiguientes décadas.
A pesar de su corta existencia y de su limitada producción, fue uno de los grupos más influyentes de su época, llegando a entrar en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y sirvió de precedente a la creación de grupos como Crosby, Stills, Nash & Young, Poco, Manassas y Loggins and Messina.
Si bien la banda se formó a principios de 1966, la génesis del grupo bien puede atribuirse a la oportunidad de encontrarse que tuvieron un año antes, cuando Neil Young y Stephen Stills cruzaron sus caminos por primera vez en Fort William, Ontario. Young estaba allí con The Squires, la banda que había liderado desde 1963, y Stills estaba de gira con The Company, un banda folk rock con cinco miembros de la antigua banda Cafe Au Go Go. Si bien ambos no se volvieron a ver hasta pasado un año, el encuentro dejó en ambos un fuerte deseo de trabajar juntos.
Algo más tarde, cuando The Company se disolvió al acabar la mencionada gira, Stills se trasladó a la Costa Oeste, donde trabajó como músico de estudio por un tiempo. Aconsejado por el productor Barry Friedman, quien le decía que tendría trabajo si preparaba una banda, Stills invitó a varios músicos: Richie Furay, de Cafe Au Go Go y un antiguo componente de The Squirres, el bajista Ken Koblun, para probar.
A principios de 1966, Neil Young conoció a Bruce Palmer, quien por aquella época tocaba el bajo para una banda llamada Mynah Birds. Por la necesidad de un guitarrista, Palmer invitó a Young a unirse a la banda, oferta que fue aceptada. Mynah Birds se reunieron para grabar un álbum para Motown Records, momento en el que Rick James, su cantante, fue arrestado por evitar el llamamiento a filas. Con su contrato discográfico cancelado, Young y Palmer decidieron dirigirse a Los Ángeles, donde esperaban encontrarse con Stills. Apenas una semana después, desanimados por no ser capaces de encontrar a Stills, y listos para ponerse camino a San Francisco, se vieron envueltos en un gran atasco de tráfico, y encontraron a Stills en carril de sentido contrario. Entonces los cuatro decidieron unirse en una banda. Menos de una semana después, se unió el batería Dewey Martin, quien había trabajado con artistas de estilo country como Patsy Cline y The Dillards, a sugerencia del mánager de los Byrds, Jim Dickson.
Tomando el nombre de una apisonadora aparcada frente a la casa de Friedman, donde estaban también viviendo Stills y Furay, la banda debutó un 11 de abril, e iniciaron una gira por California como teloneros de Dillards y los Byrds.
Al acabar the Byrds su gira, Chris Hillman convenció al propietario del pub Whisky A Go Go para que fuese a escucharles. Como resultado, Buffalo Springfield pasaron a ser la banda principal del bar por un período de siete semanas, desde el 2 de mayo al 18 de junio. Esta importante serie de conciertos solidificó la reputación de la banda por su directo y atrajo el interés inmediato de varios sellos discográficos locales. Al final, fue Atlantic Records quienes los contrató para grabar en los estudios Gold Star en Hollywood.
Young, Stills y Furay querían grabar algunas demostraciones antes del álbum, pero Greene y Stone, quienes se habían autoimpuesto el rol de productores del álbum, consideraron la voz de Neil Young «demasiado extraña» y asignaron a Furay el papel de vocalista principal de la mayoría de las canciones escritas por Young.
Su primer sencillo, “Nowadays Clancy Can’t Even Sing”, fue publicado en julio de 1966 pero tuvo poca repercusión fuera de Los Ángeles. El grupo estaba insatisfecho, y reconstruyeron alguna de sus grabaciones anteriores para el resto del álbum. De hecho, Young y Stills han asegurado por un largo período que su propia mezcla en mono era de superior calidad a la mezcla estéreo de los ingenieros Greene y Stone. El álbum homónimo a la banda originalmente fue publicado por el sello discográfico subsidiario de Atlantic Records Atco Records con sonido monocanal en octubre de 1966, siiendo publicada una versión estéreo con diferente orden de pistas en marzo de 1967.
En noviembre de 1966, Stills escribió la que es la canción emblema de la banda «For What It’s Worth» tras observar las revueltas de Sunset Strip. La grabación de este tema fue en diciembre, y a partir de enero de 1967, Buffalo Springfield logró poner la canción en los puestos altos de las listas de ventas.
Álbumes
Buffalo Springfield. Atco (Octubre de 1966) – POP #80; UK #197
Buffalo Springfield Again. Atco (Noviembre de 1967) – POP #44
Last Time Around. Atco (Julio de 1968) – POP #42
Retrospective: The Best of Buffalo Springfield (recopilación). Atco (Febrero de 1969) – POP #42
Buffalo Springfield (recopilación 2xlp). Atco (Diciembre de 1973) – POP #104
Buffalo Springfield (recopilación 4xcd). Rhino (Julio de 2001) – POP #194
Sencillos
«Nowadays Clancy Can’t Even Sing / Go And Say Goodbye». Atco (Julio de 1966) – POP #110
«Burned / Everybody’s Wrong». Atco (Noviembre de 1966)
«For What It’s Worth (Stop, Hey What’s That Sound) / Do I Have To Come Right Out And Say It?». Atco (Enero de 1967) – POP #7
«Bluebird / Mr. Soul». Atco (Julio de 1967) – POP #58
«Rock ‘n’ Roll Woman / A Child’s Claim To Fame». Atco (Septiembre de 1967) – POP #44
«Expecting To Fly / Everydays». Atco (Enero de 1968) – POP #98
«Un-Mundo / Merry-Go-Round». Atco (Mayo de 1968) – POP #105
«Special Care / Kind Woman». Atco (Septiembre de 1968) – POP #107
«On The Way Home / Four Days Gone». Atco (Octubre de 1968) – POP #82
The Byrds
The Byrds fue un banda de rock estadounidense de mediados de la década de 1960 que fue pionera del Folk Rock, el rock psicodélico y el country rock, siendo considerados como la respuesta americana a la invasión británica encabezada por los Beatles.
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El germen de los Byrds fue el trío folk acústico californiano The Jet Set de 1964, integrado por Roger McGuinn (nacido como Jim en Chicago, 1941), Gene Clark (Tipton, Missouri, 1941) y David Crosby (Los Ángeles, 1941).
Confesos admiradores de la ola de bandas inglesas que empezaban a sonar en los Estados Unidos (específicamente de los Beatles), decidieron de manera espontánea «electrificar» su sonido sin perder su esencia folk.
Gracias a su cercanía con David Crosby al haber trabajado juntos, el productor Jim Dickson se unió a los músicos, logrando conseguirles horas de grabación en un reconocido lugar: la World Pacific Studios, donde grabarían su primer demo «The Only I Girl Adore», una canción acústica con inspiración beatle.
Dickson serviría como puente para que el bajista Chris Hillman (Los Ángeles, 1942) accediera a la banda, mientras que Crosby haría lo mismo con el batería Michael Clarke (Texas, 1944), habiéndose completado la alineación original de los Byrds.
Cuando el quinteto tuvo la oportunidad de ver la primera película de los Beatles «A Hard Days Night» con la intención de identificar los instrumentos y amplificadores que usaban los de Liverpool para lograr su característico sonido, McGuinn notó que George Harrison usaba una Rickenbacker 330/12, permitiéndole ese aporte sonoro al conjunto. En seguida acudió a una tienda de guitarras para comprarse una Rickenbacker como la de Harrison pero solo encontró el nuevo modelo 360 o también llamado new style en color natural que posteriormente también utilizó el Beatle en If I Needed Someone. El músico optaría por emplear dicha guitarra, la cual lo acompañaría en el fructífero camino que le tocaría recorrer con los Byrds.
La banda siguió mejorando su sonido en sesiones dentro de la World Pacific Studios, componiendo y registrando temas con claras influencias de los Beatles y los Searchers, otra agrupación británica. De estas jornadas se logró un sencillo titulado con un nuevo nombre para el grupo The Beefeaters. Este incluía los temas «Please Let Me Love You» y «Don’t Be Long».
La placa fue presentada a la discográfica Elektra, la cual adquirió las cintas maestras con los registros pero no contrató a McGuinn y compañía, aunque los mismos obtuvieron más experiencia, además de alabanzas y un salario de 750 dólares.
Para noviembre de 1964, mientras los Byrds (que aún se hacían llamar Jet Set) continuaron sus labores en estudio, empezó a correr el rumor entre la comunidad artística de Los Ángeles de que existía una agrupación similar a los Beatles, convocando a los curiosos a asistir a verlos en los estudios. Uno de ellos fue Bob Dylan, reconocido músico folk a quien la banda también admiraba, haciendo constar esto en las diversas versiones que hicieron de sus temas.
Un préstamo de 5000 dólares obtenido por Jim Dickson hizo que el conjunto pudiera hacerse con mejores instrumentos y por ende una notable mejoría en su sonido. McGuinn tocaba una Rickenbacker 360/12 cuerdas, Crosby tenía una Gretsch Country Gentleman parecida a una de George Harrison, Hillman usaba un bajo Guild y también un Fender y Clarke llevaba el ritmo con unas piezas Ludwig. Para la amplificación, también usaron Fender, que no estaban tan de moda en ese entonces como los Vox pero no dejaban de ser una buena opción que ofrecía la tecnología de entonces.
Después de su primer concierto pagado (recibieron 50 dólares) en el East Los Angeles College, Dickson llevó a Los Byrds a conocer a Ben Shapiro, un empresario amigo suyo que podía conseguirles actuaciones.
Mientras McGuinn, Clark y Crosby cantaron frente a Shapiro en su casa, la hija de éste los escuchó desde su cuarto y al creer que los Beatles estaban tocando en su hogar, bajó impresionada a verlos.
Al día siguiente Shapiro contó la historia al reconocido trompetista de jazz Miles Davis, éste telefoneó a Irving Townshend (un ejecutivo de Columbia Records) y le comentó que había «unos Beatles californianos rondando por ahí… sin contrato».
Irving comunicó la noticia a Allen Stanton, el jefe de fichajes de la compañía en la Costa Oeste y Stanton acudió con brevedad, habló con Dickson y fichó a los Jet Set para la Columbia (CBS) el 10 de noviembre de 1964.
El 26 de noviembre, Los Jet Set cambiaron su nombre por el de Los Byrds (influenciados por el célebre almirante Byrd) después de considerar otros (como el de Birdses).
Integrantes
Roger McGuinn – guitarra y voz
David Crosby – guitarra y voz (hasta 1967 y en 1973)
Gene Clark – armónica, guitarra, pandereta y voz (hasta 1966 y en 1973)
Chris Hillman – bajo (hasta 1968 y en 1973)
Michael Clarke – batería y armónica (hasta 1967 y en 1973)
Kevin Kelly – batería (desde 1967 hasta 1971)
Gram Parsons – guitarra, teclados y voz (desde 1967 hasta 1968)
Clarence White – guitarra y mandolina (desde 1969 hasta 1971)
Gene Parsons – batería, banjo, guitarra y armónica (desde 1969 hasta 1971)
John York – bajo (desde 1968 hasta 1969)
Skip Battin – bajo (desde 1969 hasta 1971)
John Guerin – batería (desde 1971 hasta 1972)
Álbumes
Mr. Tambourine Man (1965)
Turn! Turn! Turn! (1965)
Fifth Dimension (1966)
Younger Than Yesterday (1967)
The Notorious Byrd Brothers (1968)
Sweetheart of the Rodeo (1968)
Dr. Byrds & Mr. Hyde (1969)
Ballad of Easy Rider (1969)
(Untitled) (1970)
Byrdmaniax (1971)
Farther Along (1971)
Byrds (1973)
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Bruce Springsteen
Bruce Frederick Joseph Springsteen (Long Branch, Nueva Jersey, 23 de septiembre de 1949), más conocido como Bruce Springsteen, es un cantante, músico y compositor estadounidense.
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Apodado a menudo The Boss —en español: El jefe—, Springsteen es ampliamente conocido por su trabajo con el grupo The E Street Band y considerado uno de los artistas más exitosos de la música rock, con ventas que superan los 64,5 millones de álbumes en los Estados Unidos y más de 120 millones a nivel mundial, y un total de diez discos números uno, un registro solo superado por The Beatles y Jay-Z.
Springsteen comenzó su carrera musical a finales de la década de 1960 tocando con grupos como Steel Mill y Dr. Zoom & the Sonic Boom. En 1972 firmó un contrato discográfico con Columbia Records y publicó Greetings from Asbury Park, N.J., su primer álbum de estudio con el respaldo de The E Street Band, su principal grupo de apoyo en sucesivos trabajos. A lo largo de su trayectoria musical, que abarca más de cinco décadas hasta la actualidad, ha publicado trabajos como Born to Run (1975), Darkness on the Edge of Town (1978) y The River (1980), valorados por la crítica musical como tres de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos. Además de su faceta como músico de rock, Springsteen grabó varios trabajos orientados al folk como Nebraska (1982), The Ghost of Tom Joad (1995) y Devils & Dust (2005).
Su popularidad se consolidó con el lanzamiento de Born in the U.S.A. (1984), un álbum que vendió más de quince millones de copias en los Estados Unidos y alcanzó el primer puesto en varios países, incluyendo Estados Unidos y el Reino Unido.7 8 Desde entonces, y a pesar de no trabajar con la E Street Band en trabajos como Human Touch y Lucky Town, la mayoría de sus discos han obtenido un elevado respaldo comercial, con un total de seis números uno en su país natal entre el lanzamiento de Tunnel of Love (1987) y de Wrecking Ball (2012).
En general, las canciones de Springsteen reflejan letras con aspectos autobiográficos, principalmente sentimientos centrados en Asbury Park o Nueva Jersey, o relatos de personajes ficticios o novelescos que se enfrentan a retos o a puntos de inflexión en sus vidas. También suele incluir preocupaciones económicas, sociales y políticas en composiciones como «Born in the U.S.A.», «American Skin (41 Shots)», «Devils & Dust» y «Jack of All Trades», entre otras. Ha sido además uno de los artistas más críticos con la política exterior de su país en relación con la invasión y posterior guerra de Irak, y participó en la gira Vote for Change para pedir el voto por John Kerry.
La trayectoria musical de Springsteen ha sido reconocida con varios premios, incluyendo 20 premios Grammy, dos Globos de Oro y un Óscar, y en 1999, entró en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En 2004 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 23 de la lista de los mejores artistas de todos los tiempos, y cuatro años más tarde, en la posición 36 de la lista de mejores cantantes de todos los tiempos. Su trabajo más reciente, High Hopes, fue publicado el 14 de enero de 2014, habiendo sido difundido vía streaming por el mismo Springsteen gracias a su participación en la banda sonora de un capítulo de una famosa serie estadounidense.
Bruce Frederick Joseph Springsteen pasó su infancia y sus años escolares en Freehold Borough, Nueva Jersey.12 Su padre, Douglas Frederick Springsteen, fue un conductor de autobús de ascendencia neerlandesa e irlandesa. Su madre, Adele Ann Zirilli, era una secretaria con antepasados italianos
Educado en un ambiente católico, Springsteen asistió a la escuela parroquial de St. Rose of Lima en Frehold Borough, donde su temprano temperamento chocó tanto con la estricta moral del colegio como con otros estudiantes. En el noveno curso, se trasladó a la escuela regional secundaria pública de Freehold, donde su disconformidad, a pesar de finalizar los estudios, se haría patente a lo largo de los últimos años, llegando incluso a evitar su propia ceremonia de graduación. Durante pocos meses, acudió al Ocean County College, aunque finalmente lo abandonó.
La inspiración para dedicarse a la música le vino cuando vio actuar a Elvis Presley en el programa televisivo The Ed Sullivan Show. A la edad de 13 años, compró su primera guitarra por 18 dólares, y a los 16 su madre consiguió un préstamo para comprarle una guitarra Kent que costaba 60 dólares, evento que rememoraría años más tarde en su canción «The Wish». En 1965, se convirtió en guitarrista del grupo The Castiles, en el que posteriormente asumiría también el papel de vocalista principal. The Castiles grabó dos canciones en un estudio de grabación público en Brick Township, Nueva Jersey, y llevó a cabo varios conciertos, incluyendo el local Cafe Wha? de Greenwich Village.
A finales de los años 60, Springsteen participó brevemente en un trío musical conocido como Earth, tocando en clubes de Nueva Jersey. Durante este periodo, Springsteen adquirió el sobrenombre de «The Boss» debido a su trabajo a la hora de percibir el pago en los conciertos y de distribuirlo entre sus compañeros.Entre 1969 y 1971, Springsteen llevó a cabo conciertos en el entorno de Nueva Jersey acompañado del guitarrista Steve Van Zandt, el organista Danny Federici, el batería Vini López y el bajista Vinnie Roslin en una banda conocida como Child, aunque posteriormente renombrada como Steel Mill (con la adición del guitarrista Robbin Thompson). En enero de 1970, el crítico musical del San Francisco Examiner Philip Eldwood dio cobertura mediática a Springsteen y a su banda Steel Mill, escribiendo: «Nunca he estado tan abrumado por un talento totalmente desconocido». Elwood alabó su «musicalidad cohesionada» y, en particular, señaló a Springsteen como un «compositor muy impresionante».
Durante este periodo de tiempo, Springsteen también ofreció conciertos en clubes de Asbury Park, adquiriendo progresivamente un séquito de culto. Con la adición del pianista David Sancious, el núcleo de lo que más tarde se convertiría en la E Street Band ya estaba formado, con ocasionales aportes de una sección de vientos, un grupo vocal femenino conocido como The Zoometes y Southside Johnny Lyon en la armónica. Por otra parte, su prolífica capacidad de escribir canciones sirvió para llamar la atención de varias personas que llegarían a cambiar su vida en adelante: Mike Appel y Jim Cretecos, sus posteriores representantes, y el productor de Columbia Records John H. Hammond, quien, bajo presión de Appel, llamó a Springsteen para una audición en mayo de 1972.
Springsteen firmó un contrato discográfico con Columbia Records en 1972 gracias a la ayuda de John H. Hammond, quien había contratado a Bob Dylan para el mismo sello una década antes. Su álbum debut, Greetings from Asbury Park, N.J., publicado en enero de 1973, estableció a Springsteen como un favorito de la crítica musical, a pesar de que las ventas fueron escasas. Debido a su influencia lírica y a la música orientada hacia el folk rock en temas como «Blinded by the Light» y «For You», la crítica comenzó a comparar a Springsteen con Bob Dylan. Al respecto, el editor de la revista Crawdaddy, Peter Knobler, escribió en marzo de 1973: «Él [en referencia a Bruce] canta con una frescura y una urgencia que no escuchaba desde que fui noqueado por «Like a Rolling Stone»». Por su parte, Lester Bangs escribió en Creem en 1975 que cuando Springsteen había publicado su primer álbum, «muchos de nosotros le desestimamos: escribía como Bob Dylan y Van Morrison, cantaba como Van Morrison y Robbie Robertson, y lideraba una banda que sonaba como la de Van Morrison». El tema «Spirit in the Night» mostraba especialmente la influencia de Morrison en Springsteen, mientras que «Lost in the Flood» supuso el primero de los numerosos retratos de los veteranos de Vietnam.
En septiembre de 1973, su segundo álbum, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle, fue publicado y elogiado nuevamente por la crítica musical, aunque su recibimiento comercial fue tibio. Las canciones de Springsteen comenzaron a adaptarse en forma y alcance, con la E Street Band proveyendo un sonido más cercano al R&B en detrimento del folk.
El 22 de mayo de 1974, el crítico musical Jon Landau escribió en The Real Paper tras ver a Springsteen en un concierto en el Harvard Square Theater: «Vi el futuro del rock and roll, y su nombre es Bruce Springsteen. Y en una noche en la que necesité sentirme joven, él me hizo sentir como si escuchara música por primera vez». Landau se convertiría en el representante y productor musical de Springsteen, ayudándole a finalizar su nuevo trabajo, Born to Run. A pesar de contar con un elevado presupuesto a gastar con el objetivo de crear un álbum comercialmente viable, Springsteen comenzó a estancarse en el proceso de grabación. Su grabación fue desarrollada en 14 meses, seis de los cuales fueron dedicados a la canción «Born to Run». Durante este tiempo, Springsteen se sintió frustrado, llegando a decir que escuchaba «sonidos en su cabeza» que no era capaz de explicar al resto de músicos en el estudio. Su principal ayuda fue Steve Van Zandt, quien ayudó a Bruce a organizar el sonido, especialmente en la sección de vientos en «Tenth Avenue Freeze-Out», siendo finalmente añadido al elenco de la E Street Band.
Se considera que la E Street Band fue formada en octubre de 1972, si bien no fue conocida de forma oficial hasta septiembre de 1974. Entre 1988 y 1999, y a excepción de una breve reunión en 1995, el grupo permaneció inactivo.
Álbumes de estudio
1973: Greetings from Asbury Park, N.J.
1973: The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle
1975: Born to Run
1978: Darkness on the Edge of Town
1980: The River
1982: Nebraska
1984: Born in the U.S.A.
1986: Live/1975-85
1987: Tunnel of Love
1992: Human Touch
1992: Lucky Town
1993: In Concert/MTV Plugged
1995: The Ghost of Tom Joad
1995: Greatest Hits
2001: Live in New York City
2002: The Rising
2005: Devils & Dust
2006: Hammersmith Odeon London ’75
2006: We Shall Overcome: The Seeger Sessions
2007: Live in Dublin
2007: Magic
2009: Working on a Dream
2012: Wrecking Ball
2014: High Hopes
Álbumes en vivo
1986 Live/1975-85
1993 In Concert/MTV Plugged
2001 Live in New York City
2006 Hammersmith Odeon London ’75
2007 Bruce Springsteen with The Sessions Band: Live in Dublin
2010 London Calling Live In Hyde Park
Álbumes recopilatorios
1995 Greatest Hits
1998 Tracks
1999 18 Tracks
2003 The Essential Bruce Springsteen
2009 Greatest Hits
2010 The Promise
2013 Collection: 1973–2012
Miembros actuales
Bruce Springsteen: voz, guitarra, armónica y piano.
Garry Tallent: bajo y tuba.
Max Weinberg: batería y percusión (desde septiembre de 1974).
Roy Bittan: piano, sintetizador y acordeón (desde septiembre de 1974).
Steven Van Zandt: guitarra principal, mandolina y coros (desde julio de 1975).
Nils Lofgren: guitarra, pedal steel, acordeón y coros (desde junio de 1984).
Patti Scialfa: guitarra acústica, percusión y coros (desde junio de 1984).
Soozie Tyrell: violín, guitarra acústica, percusión y coros (desde 2002).
Charles Giordano: órgano y acordeón.
Otros miembros
Vini «Mad Dog» López: batería (hasta febrero de 1974)
David Sancious: teclados (desde junio de 1973 hasta agosto de 1974)
Ernest «Boom» Carter: batería (desde febrero hasta agosto de 1974)
Suki Lahav: violín y coros (desde septiembre de 1974 hasta marzo de 1975)
Danny Federici: órgano, acordeón y glockenspiel (falleció el 17 de abril de 2008 a causa de un cáncer)
Clarence «Big Man» Clemons: saxofón, percusión y coros (falleció el 18 de junio de 2011 a causa de un derrame cerebral).
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Bruce Hornsby
Bruce Randall Hornsby (nacido el 23 de noviembre de 1954 en Williamsburg, Virginia) es un cantante, pianista, intérprete de acordeón y compositor, conocido por su canción de los ochenta «The Way It Is» y los éxitos de listas «Mandolin Rain» y «The Valley Road». Posteriormente su carrera se ha movido en una dirección menos comercial.
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Bruce Hornsby creció escuchando todo tipo de música. Estudió música en la Universidad de Richmond, Berklee y en la Universidad de Miami, en donde se graduó en 1977. Pasó después algún tiempo en Los Ángeles como músico de estudio y compositor antes de volver a Virginia.
En 1984 forma Bruce Hornsby and the Range y firman con RCA Records en 1985. Además de Hornsby, los miembros de The Range eran David Mansfield (guitarra, mandolina, violín), George Marinelli (guitarras y coros), Joe Puerta (bajo y coros) y John Molo (tambores).
La carrera de Hornsby comenzó con el mayor éxito que ha tenido hasta la fecha, la canción «The Way It Is». Con su ritmo pegajoso de piano y una letra que reflexionaba sobre los derechos civiles, llegó a lo más alto de las listas en 1986. En años posteriores la canción ha sido utilizada para obtener samples para artistas de rap o como cortina de introducción en programas radiales..
Gracias al éxito de esta canción, el álbum del mismo nombre se convirtió en un multiplatino y produjo otra canción dentro del Top 5 llamada «Mandolin Rain» (co-escrita con su hermano John). «Every Little Kiss» también funcionó muy bien en radio y en listas. El álbum definió lo que se conoció como el «sonido Virginia», una mezcla de rock, jazz, y bluegrass. Hornsby and the Range llegaron a ganar el Grammy al mejor nuevo artista en 1987.
El éxito y la fama continuaron con su segundo álbum Scenes From The Southside (en el cual Peter Harris reemplazó a Mansfield). Lanzado en 1988, tuvo canciones éxito como «Look Out Any Window» y «The Valley Road». La canción «Jacob’s Ladder» venía en este disco a pesar de haber sido escrita para su amigo Huey Lewis. La versión de Lewis fue un número uno de su álbum Fore!. Scenes fue un álbum exitoso en radio y en ventas, pero sería el último en lograr ese desempeño.
En 1988, Hornsby empezó a aparecer en escena con los Grateful Dead. Esta colaboración continuó de forma irregular hasta el final del grupo en 1995. En 1989 Hornsby co-escribió y tocó el piano en el éxito de Don Henley «The End of the Innocence».
El álbum A Night On The Town salío al mercado en 1990. En este se aprecia un cambio de estilo con más influencia de la guitarra y menos del piano. Después de este álbum el grupo se disuelve y cada miembro comienza una carrera en solitario.
En 1993 Bruce Hornsby lanza su primer álbum en solitario llamadoHarbor Lights, el cual presentaba una orientación más fuerte hacia el jazz especialmente por la inclusión de colaboradores de primera línea como Pat Metheny, Branford Marsalis, Jerry García, Phil Collins, y Bonnie Raitt. El disco abre con la canción del mismo nombre del álbum la cual contiene 50 segundos de solo de piano y cierra igualmente con la canción «Pastures of Plenty». la canción «Fields of Gray», escrita por Hornsby para sus recientemente nacidos gemelos tuvo algo de difusión radial.
Harbor Lights fue bien recibido por la crítica y por sus seguidores, pero Hornsby reconoció que sus días de éxito comercial habían pasado y que había sido realmente un accidente que su estilo de tocar al piano influenciado por McCoy Tyner le hubiera llevado al reconocimiento en listas.
En 1995 lanza Hot House con un sabor de jazz aún más amplio que su anterior disco y con colaboraciones nuevamente de Pat Metheny.
3 años más tarde decide lanzar al mercado un doble álbum llamado Spirit Trail, el cual presentaba una graciosa foto en portada de su tío. En este caso une y mezcla tonadas instrumentales con rock, jazz y con su capacidad de contar historias. En este disco Hornsby muestra un gran avance en su capacidad interpretativa al desarrollar temas de gran complejidad al piano como lo evidencia el tema «King of the Hill».
Hornsby posteriormente trabajó con algunos proyectos de los Grateful Dead, en el año 2000 lanzó el disco en vivo Here Come The Noise Makers y se dedicó a hacer giras.
No sería hasta 2002 que lanzaría un nuevo álbum llamado Big Swing Face en el cual deja el piano para ensayar sonidos nuevos con sintetizadores. «Big Swing Face» usaba de forma constante samples y loops con lo cual no fue muy bien recibido por sus seguidores.
Para el año 2004 y después de 19 años con el sello RCA, vuelve a un sonido más acústico y basado en piano en su primer álbum con Columbia Records llamado Halcyon Days. Este disco incluía invitados tales como Sting, Elton John y Eric Clapton. Un gran interprete de los años 80
Albumes
The Way It Is (1986)
Scenes From The Southside (1988)
A Night On The Town (1990)
Harbor Lights (1993)
Hot House (1995)
Spirit Trail (1998)
Here Come The Noise Makers (2000)
Big Swing Face (2002)
Halcyon Days (2004)
Sencillos
«The Way It Is» (1986)
«Mandolin Rain» (1987)
«Every Little Kiss» (1987)
«The Valley Road» (1988)
«Look Out Any Window» (1988)
«Across The River» (1990)
«Lost Soul» (1990)
«Fields Of Gray» (1993)
«Walk In The Sun» (1995)
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Bread
Bread fue una banda de rock y pop, formada en 1968, en Los Ángeles (California). Lograron situar 13 canciones en la lista de ventas del Billboard Hot 100 entre 1970 y 1977, y fueron uno de los primeros ejemplos de lo que, más tarde, se llamaría soft rock.
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Bread es considerada como una banda precursora del AOR, Aunque la banda se separó antes del auge del género, Bread varias canciones con un estilo similar al de las bandas del AOR, además sus canciones tuvieron mucha recepción en la radio.
La banda estaba formada por:
David Gates (1940-): cantante, guitarra, bajo eléctrico, teclados, violín, viola, percusión
Jimmy Griffin (1943-2005): voz, guitarra, teclados, percusión
Robb Royer (1942-): bajo, guitarra, flauta, teclados
Mike Botts (1944-2005): batería; se incorporó en 1970
Larry Knechtel (1940): bajo, guitarra eléctrica solista, sintetizador, Mini-Moog, piano eléctrico, armónica; reemplazó a Royer en 1971
Álbumes
1969 Bread
1970 On the Water
1971 Manna
1972 Baby I’m-a Want You
1972 Guitar Man
1977 Lost Without Your Love
Recopilatorios
1973 The Best of Bread
1974 The Best of Bread, Volume 2
1977 The Sound of Bread
1985 Anthology of Bread
1989 The Very Best Of Bread
1996 David Gates & Bread Essentials
1996 Retrospectiv
2002 Make It With You And Other Hits
2006 The Definitive Collection
2007 The Works
Singles
13 de junio de 1970 «Make It with You»
26 de septiembre de 1970 «It Don’t Matter to Me»
2 de enero de 1971 «Let Your Love Go»
27 de marzo de 1971 «If»
17 de julio de 1971 «Mother Freedom»
23 de octubre de 1971 «Baby I’m-a Want You»
29 de enero de 1972 «Everything I Own»
22 de abril de 1972 «Diary»
29 de julio de 1972 «The Guitar Man»
11 de noviembre de 1972 «Sweet Surrender»
3 de febrero de 1973 «Aubrey»
16 de abril de 1977 «Hooked On You»
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Boston
Boston es un grupo de rock de Estados Unidos formado en los años setenta liderado por el virtuoso músico Tom Scholz.
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El grupo Boston se crea a mediados de 1969 por el ingeniero del MIT Tom Scholz como guitarrista y principal compositor, además del vocalista Brad Delp, el guitarrista Barry Goudreau y el batería Jim Masdea. Tras unos inicios algo inciertos, en el cual grabaron varias demos, realizadas en el estudio de Tom Scholz ubicado en el sótano doméstico de éste; luego el batería Jim Masdea deja el grupo y es reemplazado por Sib Hashian, mientras que el bajista Fran Sheehan se incorpora a las filas del grupo, que hasta el momento funcionaba como una banda a medio camino entre el circuito de aficionados y el profesionalismo de tiempo completo en los bares y pubs del circuito costero de bandas de rock de la ciudad de Boston. De hecho tanto Bradley Delp como Tom Scholz, tenían trabajos estables de tiempo completo fuera de la escena musical, durante esta primera etapa de la banda los miembros de la primera formación del grupo se habían conocido indistintamente interactuando y compartiendo papeles musicales en otras bandas locales. En los años previos a la edición de su primer LP, las demos realizadas fueron enviadas a varias compañías discográficas, como muestra para una eventual grabación y edición, y frecuentemente se recibía la respuesta (a confesión del propio Tom Scholz) «…esta banda no tiene nada que ofrecer…». Fue así como, en 1976, y gracias a las composiciones ingeniosas de Scholz, el grupo publica ese mismo año su primer álbum titulado simplemente «Boston», en base a las demos realizadas en el estudio particular de Tom Scholz, que fueron remasterizadas y remezcladas en los afamados estudios «The Record Plant» en California, saltando de inmediato a los primeros puestos de las listas de éxitos con el clásico «More Than a Feeling» y con «Peace of Mind». El trabajo de Scholz se puede ver, asimismo, en la enigmática «Hitch a Ride», una de las piezas más completas del disco. La voz de Delp es, además, un total acierto y se nota cierta innovación en el sonido del grupo en comparación de otras bandas de la época.
Para 1978, el grupo lanza su segundo álbum titulado «Don’t Look Back», el cual es de notable menor calidad que su antecesor y no deja muy satisfecho a Scholz, que acusa a la compañía discográfica de haberlo presionado para publicar este material; a pesar de esto, el disco alcanza ventas que le llevan al disco de platino y la canción que da título al disco se convierte en un éxito comercial. Tras ello, comienza un litigio legal entre la compañía y el grupo, que durará años, y que retrasará el siguiente álbum de Boston durante ocho años. En el intertanto Tom Scholz líder de la banda expresó a los miembros del grupo que si deseaban realizar un proyecto musical alternativo ese era el momento pues el próximo proyecto de la banda tomaría un tiempo mayor. El guitarrista Barry Goudreau lanzó su proyecto solista titulado «Goudreau» en conjunto con otros músicos como banda de apoyo; entonces debido a un malentendido pues el sello discográfico de Barry Goudreau publicitó el disco con la consigna «music throught science» (música a través de la ciencia), Tom Scholz expulsa a Barry Goudreau de la banda acusándolo de suplantar y plagiar en su proyecto musical personal la propuesta grupal de la banda cuestión que no era intención de Goudreau. El guitarrista Gary Phil sustituye a Goudreau y Fran Sheehan deja también al grupo. Scholz financia sus grabaciones vendiendo equipo, debido al asunto entre CBS y Boston. En 1982 el baterista Sib Hashian deja al grupo.
En 1986 se lanza, por fin, Third Stage y la canción «Amanda» llega inmediatamente a las listas de popularidad; esta canción es de un sonido muy distinto a las anteriores, una balada muy de los años ochenta, acertada por Scholz y la gran voz de Delp. El álbum alcanza disco de platino. Delp deja Boston en 1990 y es sustituido por Fran Cosmo.
El siguiente álbum de Boston no aparece hasta 1994; titulado Walk On, retoma ciertos sonidos de hard rock de los inicios del grupo. Los arreglos de la canción que titula al disco (dividida en tres segmentos) son considerados excesivos por algunos, pero la canción es una de las mejores piezas compuestas y arregladas por el ingenioso Scholz. Delp regresa al grupo ese mismo año.
El siguiente trabajo del grupo es Corporate America lanzado en 2002, ya con algunas tendencias pop y otras buenas canciones. Es de resaltar la participación de Fran Cosmo y su hijo Anthony, además de que entra Kimberley Dahme en el bajo y en algunos arreglos vocales. Jeff Neal (batería) completa una la extensa alineación de este álbum.
Fran Cosmo y su hijo dejaron al grupo a principios de 2006 para formar su propia banda, dejando en ese momento a Brad Delp como única voz del grupo. Se especuló sobre una posible reunión con Barry Goudreau durante este periodo.
Uno de los aportes de Tom Scholz es la tecnología «Rockman», que fue utilizada por Def Leppard en su álbum Hysteria.
El 9 de marzo de 2007, una de las mejores voces en la historia del rock, Brad Delp, se suicidó inhalando monóxido de carbono. Fue hallado en su casa muerto en el baño con su cabeza encima de una almohada con una nota pegada en el cuello de su camisa con un clip que decía: «soy un alma solitaria». Pruebas de toxicología mostraron que se envenenó respirando monóxido de carbono y también hallaron otra nota en la puerta de su casa diciendo: «Cuando encuentren esta nota, ya estaré muerto, o si no, mi plan B es asfixiarme en mi coche».
El sustituto de Brad Delp fue nada menos que el cantante del grupo de rock cristiano Stryper, Michael Sweet, quien participó en el último tour de Boston.
Después de que Brad Delp nos dejara el pasado 9 de marzo de 2007, la banda tiene nuevo cantante, Tommy DeCarlo. El nuevo cantante, fue descubierto por casualidad por la mujer de Scholz cantando karaoke con una canción de Boston por Myspace. Boston anunció que la banda lleva grabado el 85% de su nuevo disco y piensan editarlo para el 2013. Según algunas fuentes, en este próximo álbum se podrá escuchar la voz de todos los cantantes incluyendo varias canciones con la voz de Brad Delp.
Boston es considerado como un grupo de hard rock, combinando elementos del rock progresivo y heavy metal en su música. El ex-cantante Brad Delp era bien conocido por su gran tesitura vocal y un timbre afinado y «cristalino» que se muestra en éxitos como «More Than a Feeling».
El guitarrista y compositor principal Tom Scholz abarca diversos estilos musicales, que van desde la música clásica hasta el pop inglés de 1960, que ha dado como resultado a un sonido único, se dio cuenta de forma más consistente en los dos primeros discos (Boston y Don’t Look Back). Este sonido se caracteriza por provocar múltiples armonías combinadas con la guitarra, a menudo alternando sonidos y luego mezclando «capas» de guitarras eléctricas y acústicas. Scholz y Brian May son buenos ejemplos en ‘perfectas’ armonías de guitarra. Otro factor que contribuye es el uso de equipos de alta tecnología, en cuanto a efectos, amplificación electroacústica, etc. como los Rockman (creado por Tom Scholz), usado por guitarristas como de Journey Neal Schon, la banda ZZ Top, y Ted Nugent; pero por otra parte evitando usar «samplers», sintetizadores, computadores, midis, secuenciadores, y otros tipos de instrumentos en la creación de sonidos pues en palabras de Scholz tales elementos desnaturalizan la verdadera creación musical. El álbum Hysteria de Def Leppard fue creado usando tan sólo la tecnología de Rockman. «Combinando un sonido de guitarra profundo, agresivo, acortado en riffs y casi etéreo. Tiempo después pasó a un enfoque global más pesado, más bajo y oscuro (en los próximos dos álbumes) Third Stage y Walk On.
El cantante Brad Delp, que fue fuertemente influenciado por los Beatles, también era conocido por crear el sonido de Boston con su voz característica, que se vincula rápidamente con el grupo como a Freddie Mercury con Queen, Mick Jagger con los Rolling Stones, Steve Perry de Journey, Lou Gramm de Foreigner, Paul Rodgers de Bad Company, Roger Daltrey de The Who, Richard Sinclair con Hatfield & The North, Elliot Lurie con Looking Glass, Dennis DeYoung con Styx, Andy Fairweather-Low con Amen Corner, y Steve Walsh de Kansas.
Miembros
Tom Scholz
Gary Pihl
Curly Smith
Jeff Neal
Tommy DeCarlo
Tracy Ferrie
Beth Cohen
Antiguos miembros
Brad Delp †
Jim Masdea
Fran Sheehan
Sib Hashian
Barry Goudreau
David Sikes
Doug Huffman
Fran Cosmo
Anthony Cosmo
Anthony Citrinite
Michael Sweet
David Victor
Kimberley Dahme
Álbumes
1976: Boston
1978: Don´t Look Back
1986: Third Stage
1994: Walk On
1997: Greatest Hits
2002: Corporate America
2013: Life, Love & Hope
Sencillos
1976: «More Than a Feeling’»
1977: «Long Time»
1977: «Peace of Mind»
1978: «Don’t Look Back»
1978: «A Man I’ll Never Be»
1979: «Feelin’ Satisfied»
1986: «Amanda»
1987: «We’re Ready»
1987: «Can’tcha Say (You Believe in Me)/Still in Love»
1987: «Hollyann»
1994: «I Need Your Love»
1994: «Surrender to Me»
1994: «Livin’ for You»
1994: «What’s Your Name»
1994: «Walk On»
1997: «Higher Power»
2002: «I Had a Good Time»
2013: «Heaven on Earth»
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Bonnie Bramlett
Bramlett nació en Alton, Illinois. Comenzó su carrera musical a la edad de trece años como cantante de reserva para el blues actúa como Fontella Bass, el rey Alberto, y Milton Little.
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Hizo historia como la primera mujer caucásica de cantar con Ike y Tina Turner como uno de los «Ikettes». Ella se mudó a Los Angeles, donde conoció a compañeros cantante Delaney Bramlett en 1967 en un concierto en la bolera de su banda, The Shindogs. Se casaron en la semana y los padres de la cantante Bekka Bramlett, que fue brevemente un miembro de Fleetwood Mac en la década de 1990.
El dúo firmó con los expedientes de Stax y se conocía como Delaney & Bonnie, convirtiéndose en los primeros artistas en blanco entre R & B de artistas como Rufus Thomas, Thomas Carla, Sam & Dave, John Lee Hooker, y Booker T. y MGs. Pronto gira por Europa con la leyenda del rock británico Eric Clapton. Con una caída en frecuentes las actuaciones de otros músicos, como señaló Duane Allman, George Harrison y Dave Mason, el grupo se hizo conocido como Delaney & Bonnie & Friends. A pesar de esta ayuda todas las estrellas, el dúo sólo logró trazar dos canciones, la más conocida «Never-Ending Song of Love» y un cover de Mason «Sólo usted sabe y yo sé». Durante el curso de su relación con Eric Clapton, Bonnie Bramlett co-escribió el clásico «Let It Rain» en el primer álbum homónimo de Eric Clapton.
Delaney & Bonnie disuelto, tanto en lo musical y marital, en 1972. Bonnie Bramlett continuó su carrera como compositor como solista y artista de grabación. Ella lanzó dulce Bramlett Bonnie en 1973, respaldados por la Average White Band. Bramlett también siguió contribuyendo a las grabaciones de voz por una variedad de otros artistas, incluyendo Little Feat y The Allman Brothers Band.
A finales de 1970, ella viajó con Stephen Stills, durante la cual se ganó una cierta notoriedad de prensa por un incidente con Elvis Costello en un bar del hotel Holiday Inn en Columbus, Ohio. Costello se refiere a James Brown como «jive-culo negro», luego subió la apuesta al pronunciar Ray Charles «un negro ciego e ignorante». Un arrepentido Costello se disculpó en una ciudad de Nueva York una conferencia de prensa unos días después, alegando que estaba borracho y había estado tratando de ser desagradable con el fin de llevar la conversación a una conclusión rápida, sin prever que Bramlett traería sus comentarios a la prensa. Según Costello, «se hizo necesaria para mí a la indignación de estas personas acerca de los comentarios más desagradables y ofensivos que pude.» Bramlett también apareció con frecuencia con The Allman Brothers Band.
En 1979, Bonnie Bramlett viajó a La Habana, Cuba, para participar en el festival Jam histórico de La Habana que tuvo lugar entre 2-4 de marzo, junto a Stephen Stills, el Jazz CBS All-Stars, el Trio of Doom, Fania All-Stars, Billy Swan, Weather Report, Mike Finnegan, Kris Kristofferson, Rita Coolidge y Billy Joel, además de una serie de artistas cubanos como Irakere, Pacho Alonso, Tata Güines y la Orquesta Aragón. Su funcionamiento es capturada en el documental Ernesto Juan Castellanos Jam La Habana ’79.
Después de explorar el género de la música gospel en los años 80, en 1988, se casó con Danny Sheridan Bonnie, que pronto produjo sus grabaciones junto a través de la «Revolución duro Rockin ‘Blues» de sus «médicos Bandaloo». La música del grupo atrajo la admiración de muchas celebridades de Hollywood, y la pareja fue lanzado pronto por varias temporadas como semi-regulares en la exitosa serie de ABC, Roseanne. Bonnie (acreditado como Bonnie Sheridan) tuvo un compañero de trabajo y amigo (que casualidad que el nombre de Bonnie) de ‘Roseanne Conner carácter Roseanne Barr, con Danny Sheridan vez en cuando a escribir música y aparecer como el personaje de «Hank, el bajista» . Durante este período, Delaney y su hija de Bonnie, Bekka Bramlett, también comenzó una carrera como cantante, eventualmente unirse a Fleetwood Mac en 1993, después de la partida de Stevie Nicks.
Bonnie Bramlett y Delaney había tenido pequeños papeles en la película de 1971 El punto de fuga y captura en 1974 de mi alma. Bonnie también había aparecido como estrella invitada en un episodio de la Fama en 1986 y en la película de 1991 The Doors como camarero. Ella también apareció en la película de Andrew Davis The Guardian (2006) protagonizada por Kevin Costner y Ashton Kutcher.
En 2002, Bonnie Bramlett volvió a sus raíces musicales, lanzando su álbum Sigo siendo el mismo. En 2006, ella apareció como vocalista de copia de seguridad para el sur de Rock Shooter Jennings artista en su álbum Electric Rodeo, sin embargo, se negó a acompañar a Jennings en la gira posterior.
Discografía
Delaney & Bonnie:
Home (Stax, 1969)
Accept No Substitute [AKA The Original Delaney & Bonnie] (Elektra, 1969)
On Tour with Eric Clapton (Atco, 1970)
To Bonnie from Delaney (Atco, 1970)
Genesis (GNP Crescendo, 1971)
Motel Shot (Atco, 1971)
Country Life (Atco, 1972)
D&B Together (Columbia, 1972) [reissue of Country Life]
The Best of Delaney & Bonnie (Atco, 1972)
The Best of Delaney & Bonnie (Rhino, 1990)
Bonnie Bramlett:
Sweet Bonnie Bramlett (Columbia, 1973)
It’s Time (Capricorn, 1975)
Lady’s Choice (Capricorn, 1976)
Memories (Capricorn, 1978)
Step By Step (Refuge/Benson 1981)
I’m Still The Same (Audium/Koch, 2002)
It’s Time/Lady’s Choice (Raven, 2004) [reissue: 2LPs-on-1CD]
Roots, Blues & Jazz (Zoho, 2006)
Beautiful (Rockin’ Camel, 2008)
Piece Of My Heart: The Best Of 1969-1978 (Raven, 2008)
I Can Laugh About It Now (Music Avenue, 2009) [reissue of Roots, Blues & Jazz]
Filmografía
Vanishing Point (1971)
Catch My Soul (AKA Santa Fe Satan) (1974)
Fame, episode «Fame And Fortune» (1986)
The Doors (1991)
Roseanne (1991–1992)
The Guardian (2006)
Roseanne’s Nuts, episode «Star Spangled Banner» (2011)
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Bob Seger
Robert Clark «Bob» Seger (Lincoln Park, Míchigan, 6 de mayo de 1945) es un cantante, compositor, guitarrista y pianista estadounidense.
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Como artista local de éxito en el área de Detroit, actuó y grabó durante los años 60 con los nombres Bob Seger and The Last Heard y Bob Seger System. Desde comienzos de los 70 quitó «System» de sus álbumes y continuó esforzándose para lograr un éxito más amplio con varias otras bandas. En 1973 reunió The Silver Bullet Band, un grupo de músicos del área de Detroit, con el que alcanzó el éxito a nivel nacional con el álbum Live Bullet, grabado vivo en 1975 en el Cobo Hall de Detroit, Míchigan. En 1976, consigue un nuevo éxito nacional con el álbum de estudio Night Moves. En sus álbumes de estudio, también ha trabajado extensamente con Muscle Shoals Rythm Section, banda con la que grabó algunos de los ?sencillos y álbumes más vendidos de Seger.
Roquero de raíces con una clásica voz raspada, Seger escribió y grabó canciones que tratan del amor, las mujeres y temas sobre la clase trabajadora, y es un exponente del heartland rock (estilo que habla sobre el estilo de vida del trabajador estadounidense). Seger ha grabado muchos éxitos , incluyendo «Night Moves «, «Turn The Page», «Still The Same», » We’ve Got Tonight», «Against The Wind», «You’ll Accomp’ny Me», «Shame On The Moon «, «Like a Rock», y «Shakedown», el cual fue escrito para la película Beverly Hills Cop II. Seger también co-escribió número 1 de las The Eagles «Heartache Tonight», y su icónico tema «Old Time Rock and Roll» fue nombrado una de las Canciones del Siglo en 2001.
Con una carrera que abarca cinco décadas, Seger continúa actuando y grabando hoy. Fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame en 2004 y en el Songwriters Hall of Fame (compositores) en 2012. Bob Seger fue nombrado en 2015 Leyenda Viva por Billboard, homenajeado en la 12.ª Billboard Touring Conference & Awards, celebrada los días 18 y 19 de noviembre en el hotel Roosevelt de Nueva York.
Seger nació en Lincoln Park, Míchigan, hijo de Charlotte y Stewart Seger, de Dearborn, Míchigan. Vivió en la zona hasta que a la edad 6 años su familia se trasladó cerca de Ann Arbor, Míchigan. Tuvo un hermano mayor, George.
El padre de Seger, un técnico médico de la Ford Motor Company, tocaba varios instrumentos y Seger estuvo expuesto a la música desde una edad temprana. También presenció frecuentes discusiones entre sus padres, que perturbaban el barrio por la noche. En 1956, cuándo Seger tenía 10 años, su padre abandonó a la familia y se trasladó a California.6 La familia restante pronto perdió su cómodo estatus de clase mediana y tuvo que luchar financieramente.
Seger asistió a la escuela en el Tappan Junior High School, (Ann Arbor, Míchigan) (ahora Tappan Middle School) y se graduó en el Pioneer High School en 1963 (con el tiempo conocido como Ann Arbor High School). Practicó atletismo en la escuela secundaria. Seger también fue al Lincoln Park High School durante un año.
En lo que se refiere a sus primeras inspiraciones musicales, Seger ha declarado? «Little Richard – él fue el primero que realmente me cautivó. Little Richard y, por supuesto, Elvis Presley.» Y «Come Go With Me» de The Del-Vikings, un éxito en 1957, fue el primer disco que compró.
El primer matrimonio de Seger en 1968 duró «un día menos que un año.» Tuvo una relación larga con Jan Dinsdale desde 1972 hasta 1983. En 1987, se casó con la actriz Annette Sinclair y se divorciaron un año después. Se casó con Juanita Dorricott en 1993, en un pequeño lugar privado en The Village Club, en Bloomfield Hills; tienen dos niños. Seger vive principalmente en su casa de Orchard Lake Village, Michigan, un suburbio de Detroit. Es dueño de un condominio en Naples, Florida.
Su tema distintivo «Old Time Rock and Roll» fue elegido entre los Songs of the Century en el año 2001. Su trayectoria artística abarca cinco décadas y continúa hasta el día de hoy.
Álbumes en estudio
Ramblin’ Gamblin’ Man (1969)
Noah (1969)
Mongrel (1970)
Brand New Morning (1971)
Smokin’ O.P.’s (1972)
Back in ’72 (1973)
Seven (1974)
Beautiful Loser (1975)
Night Moves (1976)
Stranger in Town (1978)
Against the Wind (1980)
The Distance (1982)
Like a Rock (1986)
The Fire Inside (1991)
It’s a Mystery (1995)
Face the Promise (2006)
La cancion del Maestruli (2010)
TBA (2011)
En vivo
Live Bullet (1976)
Nine Tonight (1981)
Compilaciones
Greatest Hits (1994)
Greatest Hits 2 (2003)
Early Seger Vol. 1 (2009)
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