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“On the Road Again” (Fernando Arbex) – 5:52 Personnel |
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“Wild Safari” (Fernando Arbex) – 5:01 Personnel |
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Los majos enamorados – Part I |
Diego Vasallo
Diego Vasallo Barruso, conocido como Diego Vasallo (San Sebastián (España), 2 de abril de 1966) es un intérprete, compositor y letrista pop, que, a través de los años, ha ido explorando diferentes estilos (tecno, rock, bossa nova, jazz…). Es, además, un pintor de corte expresionista y aficionado a dibujar cómics.
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Dio sus primeros pasos en un grupo de pop llamado Los Dalton, en el que tocaba junto a Juan Ramón Viles, quien más tarde se incorporaría a Duncan Dhu como batería. En 1984 conoció a Mikel Erentxun, con el que pronto conectó debido sobre todo a tener unas influencias musicales parecidas. Así, tras el abandono del cantante del grupo Los Dalton, y ante la propuesta de Mikel de formar un grupo, Diego aceptó comenzar una nueva andadura musical, que a la postre sería la definitiva. Buscaron un nombre y Mikel propuso Duncan Dhu.
Una vez formada la banda (la fecha exacta es el 4 de agosto), comienzan a grabar algunas maquetas con canciones de un estilo cercano al rockabilly, y ofrecen sus primeras actuaciones en directo por los bares de San Sebastián, la primera de las cuales la dan en el bar Txirristra. En el programa de radio Nuevas factorías Duncan Dhu graba su primera maqueta, con la que Diego viaja a Madrid con Mikel a entregarla a las discográficas.
Finalmente, y tras pasar por varias, les aceptan en la compañía independiente llamada GASA (creada por los miembros del grupo Esclarecidos) que les incluyen en un disco de jóvenes promesas llamado La única alternativa, en el que Duncan Dhu incluye 2 canciones. El 1 de febrero de 1985 firman su primer contrato discográfico, y se publica su álbum debut, llamado Por tierras escocesas. Con Duncan Dhu publicó 11 discos, convirtiéndose en una de las bandas más importantes e influyentes del pop español.
Su carrera en solitario comenzó en febrero de 1991, cuando editó el primer álbum de Cabaret Pop, nombre tras el que se ocultó inicialmente Diego Vasallo. Este disco homónimo desconcertó a los fans de Duncan Dhu, ya que su estilo poco tenía que ver con lo que hasta entonces había hecho con Mikel. No obstante, es algo que caracterizará a toda la andanza en solitario de Diego: lejos de encasillarse en un estilo que le es cómodo, Diego en cada disco explora nuevos horizontes musicales, huyendo de lo que las leyes del mercado estipulen.
Cabaret Pop fue un disco bailable, con toques funk, tecno y música negra. Un disco nocturno en el que la oscura voz de Diego cantaba letras ácidas y urbanas. No obstante, al poco tiempo de editarse este disco, regresó a la actualidad musical con Duncan Dhu y su álbum Supernova, lo que le obligó a interrumpir la promoción de aquel primer trabajo que contenía interesantes temas como Jimy se va, Adictos al amor o el que daba título al disco.
En 1992, Cabaret Pop presenta el disco Realidad Virtual de Rock’n’roll. Sale en un momento en que Mikel y Diego han decidido aparcar Duncan Dhu durante un año, a fin de poder centrarse en sus carreras en solitario (aunque pretenden seguir componiendo juntos para un futuro disco del dúo).
En este disco, Diego se puso en manos del productor Jesús N. Gómez. Con la ayuda de Luis Lozano hicieron un disco que no ha perdido brillo con el paso de los años. Durante un mes se encerraron en Doublewtronics para la grabación del disco. Luis Miguélez se encargó de las guitarras y Edith Salazar – quien ha trabajado con Miguel Bosé y ha cobrado popularidad por su participación en el programa Operación Triunfo – impregnó el disco con coros y voces en la más pura tradición soul. El sonido de este disco supone un giro radical con respecto al anterior: un sonido muy influenciado por los 70, el soul, o el rock más guitarrero… todo ello según la personal perspectiva de Diego. Entre los temas, destacan baladas como En el peine de los vientos, Rastros de ti o Amiga carnal y temas funky como Nada más que rock’n’roll.
No obstante, el tema que se ha convertido ya en un clásico es Juegos de amor, muy pinchado y bailado el verano posterior a su publicación.
En 1995, Diego da un paso adelante y decide pasar a primer plano: ya no forma Cabaret Pop, ahora es Diego Vasallo y el Cabaret Pop. Este cambio queda reflejado en la edición de un disco homónimo y que corre al 100% a su cargo. Diego estuvo componiendo nuevos temas en la recta final de la gira de Duncan Dhu (agosto de 1994) y acabando la labor de composición y arreglos a principios de marzo de 1995.
Entonces, el disco se elabora entre varios estudios: enmaqueta los temas en los estudios Box, trabaja en el estudio de grabación El Cortijo bajo la supervisión de Tony Taverner, se terminan las grabaciones en los estudios Master Rock y el mastering se hace en el estudio Metrópolis por Tim Young. Las tomas las hacen grandes músicos elegidos por Diego: Pedro Barceló (batería), Marcelo Fuentes (bajo), Luis Lozano (hammond), Joserra Senperena (pianos Rhodes)y Juan Luis Giménez (guitarras).
El resultado fueron unos 20 temas con una línea musical muy diferente a la de trabajos anteriores, algo ya típico en Diego. El sonido del disco es muy elaborado, con un guiño constante al pop con aires soul de los años 60 y 70. Destacan temas como Miramar, Verano, Poemas Rotos o como Polaroids que fue el primer sencillo.
Discografía
Cabaret Pop, con Cabaret Pop (1991)
Realidad Virtual del Rock N Roll, con Cabaret Pop (1992)
Diego Vasallo y el Cabaret Pop, con Cabaret Pop (1995)
Criaturas (1997)
Canciones de amor desafinado (2000)
Cuaderno de pétalos de elefante (2002)
Los abismos cotidianos (2005)
Las huellas borradas (2006)
La máquina del mundo (2006)
Canciones en ruinas (2010)
Baladas para un autorretrato (2016)
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01. Sticky (Fernando Arbex) 03:57 Musicians: |
Alacrán
Alacrán, como grupo, es una muestra del hartazgo que tenían tanto Fernando Arbex como Iñaki Egaña y Óscar Lasprilla del anquilosado sistema musical español.
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Todos ellos habían estado en dos de los grupos más famosos de los 60, como fueron Los Brincos y Los Buenos, y ya conocían por dentro cómo funcionaba todo el mecanismo. “Alacrán” (Zafiro, 1971), como disco, es una de esas cosas que ocurren de vez en cuando, un trabajo notable pero que sin apenas publicidad pasa inadvertido en su época y tras un período de hibernación algún despistado lo descubre por casualidad y, si tiene suerte, lo empiece a reivindicar. Este último peaje todavía este disco no lo ha traspasado.
Fernando, Óscar e Iñaki entraron en los estudios Celada de Madrid para grabar lo que a la postre sería su único disco. Para ello no contaron con mucha ayuda, trabajaron juntos en la composición de los temas y, para que nadie interfiriera demasiado, también se hicieron cargo de la producción. Zafiro tampoco les apoyó demasiado, ya que no les hizo ninguna campaña de publicidad para darles a conocer, seguramente porque pensaron que poca rentabilidad económica le iban a sacar a este trabajo.
En Estados Unidos, a finales de los 60, emergían nuevos sonidos que empezaban a llamar la atención del gran público, como eran el rock latino y el funk, que ya comenzaba a hacerse un hueco en las pistas de baile. Ambos, junto con el rock progresivo, son los elementos que utilizaron Alacrán para elaborar este trabajo.
El disco comienza con la vibrante “Sticky”, irresistible ritmo funky marcado por los bongos y la batería junto con el sonido desgarrador de la guitarra, es de lo mejor del disco. Tema firmado por Fernado Arbex en solitario, al igual que “Son (America, America)”, la canción donde más se nota la influencia del rock latino, sobre todo de grupos como Santana; y “San Francisco (California)”, tema psicodélico donde marcan el ritmo los teclados y donde cantan a esa tierra de los sueños como parecían ser los Estados Unidos (“My soul will cross the sky / My soul will never die”). Esta temática también aparece en “My soul (suddenly)”, compuesto por Fernando Arbex e Iñaki Egaña, canción de rock progresivo donde dejan claro que lo que ellos quieren ser, es ser libres.
Iñaki Egaña, por su parte, compuso solo la cara B del único single que sacaron, “Take a look around you, baby”, canción que se inicia con un ritmo obsesivo de guitarra y que sólo es interrumpido cuando canta Iñaki. La aportación de Óscar Lasprilla en la composición, junto con Iñaki, es “Will you keep my love forever”, medio tiempo influenciado por la música negra y perfecto para finalizar.
En definitiva, una entrega notable de un grupo notable, que podían haber hechos grandes cosas juntos, pero que por azares del destino tuvo poco tiempo de vida. Fernando e Iñaki seguirían por esta vía en su nuevo grupo Barrabás.
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1 Está llorando el Sol 4:19 |
Cómplices
Cómplices es un grupo musical español creado en 1987 por Teo Cardalda y su pareja María Monsonis.
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Después de dejar su anterior agrupación (Golpes Bajos), Teo se une a su pareja María Monsonis, y juntos forman el grupo Cómplices. Su primer trabajo discográfico, “Manzanas”, se edita en el año de 1988, destacando las canciones de Dama del río y Serás mi cómplice. Tras su segundo disco, que se lanza en 1989 con el título “Ángeles Desangelados”, Tino DiGeraldo y Billy Villegas dejan la agrupación, que queda entonces como un dúo.
En 1990 lanzan su tercer material que titulan “La danza de la ciudad”, del cual se desprende su canción más representativa, “Es por ti”, con la que alcanzan gran reconocimiento en países como México y Colombia, y se posicionan como una agrupación reconocida tanto en España como en América Latina.
En 1991 editan su cuarto disco “Está llorando el sol”, del que se desprenden grandes canciones como Cuando duermes y Está llorando el sol, alcanzando un éxito razonable con dicho trabajo.
Posteriormente, en 1993, realizan su quinto disco, “Preguntas y Flores”, y al año que sigue graban su primer disco en vivo que titulan “Básico”; después de este material el grupo toma un descanso de aproximadamente 5 años en que no graban material alguno.
En 1999 regresan con su séptimo trabajo discográfico, “Cousas de Meigas”, del que se desprende otra hermosa canción, “Hoy necesito”; en 2000 realizan su octavo disco, al que llaman simplemente “Cómplices”; este material fue influenciado con ideas de la India.
En 2001, María decide dejar la agrupación, porque con tanto ajetreo no puede dedicarse a los 5 hijos que tiene con Teo. Así que en 2002 Teo, ya en solitario, edita el noveno disco titulado “A veces”, del cual se desprende la canción de “Cuando creo en ti”.
En 2003, otra vez con María, realizan su segundo disco en vivo, que titulan “Grandes éxitos en directo”, en el que cuentan con la colaboración de Presuntos Implicados y de Antonio Vega entre otros.
Su siguiente trabajo se lanzó en 2006 bajo el título de “Hello mundo cruel”, siempre con María en la formación.
En junio de 2009 salió el disco titulado “Reencarnación”.
En 2010 publican 20 años cómplices, que es un disco de grandes éxitos con colaboraciones como Rosana, Mónica Naranjo o el sueño de Morfeo.
Discografía
Manzanas (1988)
Ángeles desangelados (1989)
La danza de la ciudad (1990)
Está llorando el sol (1991)
Preguntas y flores (1993)
Básico (1994)
Cousas de meigas (1999)
Cómplices (2000)
A veces (2002)
Grandes éxitos en directo (2003)
Hello mundo cruel (2006)
Reencarnación (2009)
Cómplices 20 años (2010)
Volver a empezar (2015)
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01. Camino Libre |
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Mi primo juan |
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1.- Chambao |
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CD1. CD2. |
Chambao
Chambao es una banda de música originaria de Málaga (España). Su música, denominada Flamenco Chill, mezcla sonidos del flamenco y sus palos con música electrónica.
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Chambao es una palabra malagueña y se utiliza para referirse a un espacio hecho con sencillez, con un techo de hojas de palmeras o cañas y palos de madera que se levanta como refugio o cobijo en donde el señor espetero cubre su cuerpo del sol y el viento para cocinar las sardinas y demás pescados.
En Huelva hace referencia a algo roto o estropeado, también puede ser algo torcido o con extraña forma, ej: este móvil está chambao. Ese árbol está chambao. Referente a una persona significa alocado, algo chalado, impulsivo… ej: tu estás chambao.
Sonido de olas, mansa arena, amigos y música, el chambao no se reduce al efímero espacio levantado de cara al mar, sino más bien un lugar donde prima el regocijo sencillo por la vida.
En el año 2001, María del Mar Rodríguez Carnero, Lamari (voz) y los primos Daniel Casañ (composición y guitarra) y El Edi, Eduardo Casañ (composición y guitarra), amigos y vecinos, comienzan a compartir momentos musicales en el barrio de Pedregalejo en Málaga. Poco después conocen al productor Henrik Takkenberg y maquetan las canciones del que fue su primer disco “Flamenco Chill”. La mezcla del flamenco y de música electrónica ambiental, el chill out, desembocó en un concepto musical novedoso y original a la vez español y cosmopolita.
En el año 2003 sale su primer disco en solitario “Endorfinas en la mente” con la producción de Bob Benozzo, que también participaría en el álbum “Pokito a poko” (2005), en el que Lamari emprendería su proyecto en solitario liderando el grupo Chambao.
Lamari, cantante y voz principal de la banda, durante la gira «Con otro aire».
Su siguiente trabajo, “Con otro aire” (2007), fue un disco que manteniendo una sólida raíz mediterránea y sureña, buscó otras influencias en sonidos frescos y étnicos, donde sus letras hablan de cosas que le influyen, preocupan y divierten: “la música es la sensación más cercana al sentimiento, al amor, a la libertad, es muy difícil definir con palabras, con etiquetas, y el ser humano tiende a etiquetar a todo lo que la mente no llega”.
Ya casi a finales de 2009 Chambao viaja hasta el glaciar del Perito Moreno en la Patagonia argentina para hacer un concierto muy especial sin público, y publican su álbum “En el fin del mundo”. Además de las reflexiones que suscita el escenario sobre el cambio climático y demás delitos contra la naturaleza, canciones como “Detalles”, que abre el disco, “Caprichos de colores” o “Despierta” invitan a soñar, a creer y a ser conscientes de que otros mundos no solo son posibles sino que también necesarios. Mundos de ensueño y ritmos pegadizos se mezclan con pinceladas poéticas de sentimiento y emociones.
La música “es un ser vivo, y como tal, debe desarrollarse, crecer y adaptarse al medio”. En ese contexto Chambao sorprende en su propuesta al combinar armónicamente tradición e innovación tecnológica, al tiempo que sus letras crean una atmósfera de purificación musical. Además de música, pretende también transmitir un deseo manifiesto por una vida con sentido.
En mayo de 2012, celebrando una década desde la fundación del proyecto, Chambao presenta un álbum homónimo y el single Lo mejor pa ti. ”Chambao” (álbum) mantiene la esencia Chambao, un crisol de músicas sureñas y mediterráneas, de alcance global y tratadas con imaginación, raíz contemporánea y extrema sensibilidad. El álbum está producido y arreglado por Carlos Raya (Premio de la Música al Mejor Productor en 2010, al Mejor Técnico de Sonido en 2011 y guitarrista de Quique González, Fito y Fitipaldis, M-Clan…), que ha capturado el espíritu Chambao con riqueza de sonidos, sorpresas en los arreglos y originalidad, en un trabajo detallista que gana con las sucesivas escuchas.
En Noviembre de 2012, además de su nominación a los Latin Grammy en la categoría de mejor álbum vocal pop contemporáneo, Lamari también participó en la Gala Homenaje a la Persona de Año en los Latin Grammy, en esta ocasión Caetano Veloso, interpretando la canción “Onde O Rio e Mais Baiano”.
En septiembre de 2013, y celebrando el 10º aniversario, Chambao lanza un nuevo disco que cuenta con las nuevas versiones de sus mejores canciones. En él participan artistas como Nneka, Enrique y Estrella Morente, Javier Ruibal, Totó la Momposina, Lila Downs, Estopa, Toumani Diabaté, así como djs de la talla de Howie B, Max Sedgley, Paco Fernandez, Talvin Singh, Guilles Peterson y Afterlife. El álbum, cuenta con 2 CD, recuperando la esencia de Chambao. El álbum lo han producido los dos productores de la carrera de Chambao, Carlos Raya y Bob Benozzo con la ayuda de Ale Acosta. Como single se ha escogido la renovada versión de “Ahí estas tú”, una re-mezcla de la antigua versión, incorporando elementos electrónicos entre otros y la colaboración de la artista nigeriana Nneka. Este segundo CD cuenta con algunas de las colaboraciones de la artista con músicos del momento como son Rosario Flores, Pau Donés (Jarabe de Palo), Peret, Mojo Project, Cesária Évora, Macaco, Ricky Martin, Calima, Mario Díaz, Ivan Lins y Antonio Lizana, además de “Hoy puede ser un gran día, homenaje a Serrat”.
En estos momentos Chambao está ultimando los preparativos para sacar a la venta su nuevo álbum de estudio de la mano del productor Eduardo Cabra (Calle13), el próximo mes de Abril de 2016, en el que contará con la participación de grandes instrumentistas y voces del momento.
Discografía
2002 – Flamenco Chill [2CD]
2004 – Endorfinas en la mente [CD]
2003 – Endorfinas en la mente (Reedicción de Oro) [CD]
2004 – Chambao en privado [CD/DVD]
2005 – Pokito a poko [CD/DVD]
2005 – Chambao puro [DVD]
2006 – Caminando 2001-2006 [2CD/DVD]
2007 – Con otro aire [CD/DVD]
2009 – En el fin del mundo [CD/DVD]
2012 – Chambao [CD]
2013 – Esencial Chambao [2CD]
2013 – 10 Años Around The World [2CD]
2016 – Nuevo Ciclo [CD]
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1. C’est la vie -Letra: Jesús González. Música: Gego Revuelta. |
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1. No Nos Podrán Parar (04:22) -Letra Jesús Hernández Cifuentes. Música: Jesús Hernández Cifuentes. |
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1. Gente Distinta (03:36) – Letra: Jesús Hernández Cifuentes. Música: Jesús Hernández Cifuentes. |
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1 Tranquilo Majete 4:15 Credits: |
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1 Tranquilo Majete 4:15 Credits: |
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1. ¿Qué voy a hacer yo? – Letra: Jesús Hernández Cifuentes. Música: Jesús Hernández Cifuentes, Nacho Martín. |
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1 Salida De Emergencia Credits |
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1 Salida De Emergencia Credits |
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1. El ritmo del mar – Letra y música Jesús Hernández Cifuentes, Nacho Martín. |
Celtas Cortos
Celtas Cortos es un grupo español de música rock con influencias celtas. Es uno de los grupos nacionales más exitosos de todos los tiempos, como lo demuestra el hecho de que durante su carrera han llegado a vender más de 2.000.000 de copias de sus distintos trabajos.
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Las raíces de Celtas Cortos se remontan a finales de 1984 cuando en el Instituto Delicias de Valladolid coinciden como estudiantes cuatro de sus miembros fundadores: Goyo Yeves, César Cuenca, Carlos Soto y Óscar García que, junto a Luis M. de Tejada, un profesor de francés de la institución, conforman el Colectivo de Música del Instituto Delicias, nombre bajo el cual comienzan a interpretar música folk. Poco después tres chicas se unen al grupo creando la formación Páramo, bajo la que interpretaban música castellana y que tuvo una corta duración en el tiempo.
Paralelamente Carlos Soto formaba parte de otro grupo bastante conocido en los circuitos regionales denominado Almenara y del que a su vez era miembro integrante Jesús Cifuentes a la guitarra española y bajo el que publicaron un disco llamado “Desde aquel día de Abril… (Amapolas Comuneras)” en 1984. Poco después ingresan en Almenara Nacho Castro a la batería y Luis M. de Tejada al violín por lo que en Almenara se juntaron cuatro de los miembros fundadores de Celtas Cortos.
En 1986 los 5 miembros masculinos de Páramo acompañados por Jesús Cifuentes y Nacho Castro de Almenara, además de por Fernando, un amigo de César que se hace cargo de los teclados, deciden presentarse a un concurso organizado por la discoteca Sheraton de Valladolid. El nombre que eligen para concursar es el de Colectivo Eurofolk y finalmente resultan ganadores del concurso, lo que les reportó 100.000 pesetas (600 euros) y los llevó a no disolver la banda tras el concurso como era la idea inicial.
Tras decidir que se hacía necesario un cambio de nombre, finalmente el elegido es Celtas Cortos, haciendo honor a la popular marca de tabaco sin filtro que fumaba el batería Nacho Castro, quien propuso el nombre, sin que su intención inicial fuese más allá de la mera broma.
Celtas Cortos ha tenido muchos y a veces cambiantes miembros.
Los ocho miembros originales de Salida de emergencia, en 1989, eran:
Jesús H. Cifuentes: Guitarra y voz.
Nacho Castro: Batería y otras percusiones.
Carlos Soto: Flauta travesera, whistle y gaita.
Goyo Yeves: Whistle, flautas de pico, flautas de vara y saxo.
Nacho Martín: Teclados.
Luis M. de Tejada: Violín.
Óscar García “Vinagre”: Bajo.
César Cuenca: Guitarras eléctricas y acústicas.
De los miembros originales, sólo quedan tres en la actualidad:
Jesús Cifuentes (voz solista y guitarra).
Goyo Yeves (saxo y whistles).
Oscar García (bajo).
La formación actual la completan otros cinco músicos:
Alberto García (violín y trombón). Incorporado en 1990.
José Sendino (guitarra). Incorporado en 1997.
Diego Martín (batería). Incorporado en 2006.
Antón Davila (gaita). Incorporado en 2004.
Chuchi Marcos (Bajo). Incorporado en 2013.
Álbumes de estudio
1989 – Salida de emergencia
1990 – Gente impresentable
1991 – Cuéntame un cuento
1993 – Tranquilo majete
1996 – En estos días inciertos
1998 – El alquimista loco
1999 – Tienes la puerta abierta
2003 – C’est la vie
2008 – 40 de abril
2010 – Introversiones
2014 – Contratiempos
Recopilatorios
1995 – ¡Vamos!
1999 – The best of
2001 – Grandes éxitos, pequeños regalos
2002 – Gente distinta
2006 – 20 soplando versos
Box-set
2003 – Colección
2014 – Original Album Series
Álbumes en directo
1997 – Nos vemos en los bares
2012 – Vivos y directos
2016 – In crescendo
Otros
1988 – Así es como suena: folk joven (denominado como disco cero por los propios miembros de la banda)
2004 – Celtificado (álbum no oficial)
Sencillos
Alabama’s (1989)
Salida De Emergencia (1989)
Haz turismo (1990)
Gente impresentable (1990)
Si No Me Veo No Me Creo (1990)
La senda del tiempo (1990)
¿Qué voy a hacer yo? (1990)
20 de abril ? (1991)
Cuéntame un cuento (1991)
El ritmo del mar (1991)
Trágame tierra (1992)
¡¡Ya Está Bien!! ? (1992)
Tranquilo Majete (1993)
Lluvia en soledad (1993)
Romance de Rosabella y Domingo (1993)
Madera de colleja (1994)
Carta a Rigoberta Menchú (?1994)
Cuéntame un cuento (feat. Willy Deville) (1995)
El Emigrante ? (1996)
No nos podrán parar (1996)
Cálida trinchera (1996)
En estos días inciertos (1996)
Siempre tarde (1996)
Blues del rosario (directo) (1997)
¿Qué voy a hacer yo? (directo) (1997)
20 de abril (directo) (1997)
Haz turismo (directo) (1997)
Vasos rotos (1998)
Todo es ponerse (1999)
Pajarico (1999)
Gente distinta (1999)
A saber (1999)
Cuéntame un cuento (2001)
C´est la vie (2002)
Baila (2003)
Hay que volver (2006)
Retales de una vida (2008) (iTunes)
Canciones sin medida (2008) (iTunes)
Retales de una vida Remezclas EP (2009) (iTunes)
Blues del Pescador (Fisherman’s Blues) (2010) (iTunes)
Días de colores (versión 2012) (2012) (iTunes)
Salieron las estrellas (2014) (iTunes)
Videoclips
Qué voy a hacer yo? (Directo)
Haz turismo (Directo)
Gente impresentable (Directo)
La senda del tiempo (Directo)
Cuéntame un cuento
El ritmo del mar
20 de Abril (Directo)
Tranquilo majete
Madera de colleja
Romance de Rosabella y Domingo
No nos podrán parar
El emigrante
Gente distinta
A saber
Pajarico
C’est la vie
Hay que volver
Por ser de Valladolid
Retales de una vida
Retales de una vida (con Maria Toledo)
Tú eres el mejor
Tú eres el mejor (con ADANO)
Amor al vino
Blues del pescador
Vamos Eileen
Fiesta
Días de colores (Versión 2012)
Salieron las estrellas
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01. Vivir Sin Miedo Produced by Buika and Martin Terefe |
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01. Sueño con ella (versión 2013) Musicians |
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01. Soledad 2.49 Personnel: |
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1 Como hablar 3:59 |
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Desordenada Habitacion |
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CD1 CD2 |
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01. A mi no me importa |
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01. This Game Is Over |
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CD 1 CD 2 |
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01. Los Chulos Son ‘Pa’ Cuidarlos |
Alameda
Alameda estuvo en sus comienzos bajo la sospecha de clonar a Triana, y de hecho sus fundamentos musicales son los mismos, la tradición del rock progresivo y el flamenco, y la forma de abordarlos muy similar, con apoyo en ritmos aflamencados (especialmente bulerías y rumbas ), utilización profusa de la iconografía y resortes de la tradición vinculada al flamenco, letras de tipo popular y voces con fraseos y melismas aflamencados.
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A pesar de estas comparaciones con Triana, Alameda siempre ha tenido un estilo que le distinguía, un flamenco más arraigado y unas guitarras menos distorsionadas. Lo que más los asemeja es el canto a la vida y la esperanza, presentes en todas las canciones de ambos grupos, así como el teclado rock flamenco que le da a este rock andaluz sus aires progresivos.
La banda se creó en 1977 tras coincidir cuatro de sus componentes en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla. Los hermanos Marinelli aportaban nuevas experiencias en los teclados, tanto con el tradicional piano, con el Moog o con el melotrón. Uno de los integrantes de Alameda, Luis Moreno, había formado parte, junto con Eduardo Rodríguez Rodway, fundador de Triana, del grupo Los Payos. Otro de sus integrantes, Pepe Roca, había sido componente del grupo Tartessos.
Graban su primera maqueta de la mano de Ricardo Pachon en su estudio de “El Aljarafe”. Poco después Gonzalo García Pelayo les consigue su primer contrato discográfico en 1979, cuatro años después de la aparición de Triana, que había sentado las bases del llamado rock andaluz.
La aparición de su primer disco, Alameda, supuso un gran éxito comercial llegando a conseguir el disco de oro.
Este disco contiene tres clásicos del grupo: “El amanecer en el puerto”, canción con la que se dieron a conocer y que se convertiría en su canción seña; “Aires de la Alameda” y “Matices”, con tintes de balada. Ese mismo año 1979, colaborarían en el mítico disco “La leyenda del tiempo” de Camarón.
En su segundo elepé, “Misterioso Manantial” (1980), destaca el tema “Dos Amores”. En su tercer álbum, “Aire Cálido De abril” 1981), sobresale “Sangre Caliente”. Estos dos discos mantuvieron un cierto nivel de ventas, aunque no con el mismo éxito comercial que el primero.
En 1983 graban su cuarto disco “Noche andaluza”, con muestras de la división que ya aparecía en el grupo: unos preferían un enfoque más culto y otros volver a la frescura del primer disco. Después de este disco, el grupo se disolverá. Sus componentes colaborarán en trabajos de Camarón y Paco de Lucía.
Se vuelven a unir en 1992 para un recital organizado con motivo de la Expo 92 en Sevilla. Tras esto, publican “Dunas” (1994) y, un año después, “Ilusiones” (1995), que contiene una recopilación de temas de Dunas y temas nuevos. Su último trabajo, “Concierto veinte aniversario” (1999) incluye la colaboración de varios artistas.
A finales de la primera década del nuevo siglo, seguían actuando con dos de sus fundadores, Pepe Roca y Rafael Marinelli, acompañados de una banda de músicos de sesión, editando un disco en 2008 (“Calle arriba”)
Álbumes
1979 – Alameda
1980 – Misterioso manantial
1981 – Aire Cálido de abril
1983 – Noche Andaluza
1994 – Dunas
1995 – Ilusiones
2008 – Calle Arriba
Recopilatorios
1999 – Concierto – 20 Aniversario (2CD en directo)
2003 – Todas Las Grabaciones En CBS 1979-1983 (doble CD)
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Barón Rojo
Barón Rojo es un grupo español de heavy metal, formado en 1980 y que consiguió un cierto éxito internacional a principios de la misma década.
Barón Rojo nació de la unión de cuatro músicos: los hermanos Armando y Carlos de Castro, José Luis Campuzano, también conocido como “Sherpa”, y Hermes Calabria
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Los hermanos Carlos y Armando de Castro permanecieron en el grupo Coz hasta 1980, momento en que las relaciones del grupo se deterioraron y el grupo se dividió en dos. Los hermanos de Castro, junto al cantante y bajista José Luis Campuzano y el batería uruguayo Hermes Calabria, anteriormente en el grupo de rock progresivo Psiglo, fundaron Barón Rojo, mientras que la otra mitad del grupo Coz continuó con su carrera publicando algunos discos más.
Una vez formado, el grupo debuta a comienzos de 1981 con el álbum Larga Vida al Rock’n Roll, publicado por la compañía Chapa/Zafiro. Lanzan como primer single el tema Con botas sucias, cuyas siglas aluden veladamente a CBS, la compañía discográfica que editaba los discos del anterior grupo de los hermanos De Castro (Coz). El disco está dedicado a la memoria de John Lennon, que había sido asesinado recientemente.
El álbum obtiene el disco de oro, lo que les proporciona actuaciones por toda España y comentarios en televisión, radio y prensa.
Gracias a los beneficios del primer LP, el grupo se traslada a Londres, donde graba su segundo trabajo titulado Volumen Brutal. Éste se graba en los estudios Kingsway de Ian Gillan, cantante de Deep Purple, en sólo dos semanas. De este disco existen dos versiones: Una grabada en castellano y otra en inglés con la compañía “Kamaflage”, que adquirió los derechos del disco para su venta en Europa. Tanto la versión en castellano como la inglesa triunfan en Inglaterra y en otros lugares de Europa.
Barón Rojo “bombardean” Inglaterra con temas como Los rockeros van al infierno, Incomunicación o Resistiré (Stand Up en inglés), con el que alcanzan el aplauso de parte de la prensa especializada y logran encabezar las portadas de algunas revistas especializadas como Kerrang!. El 27 de agosto de 1982 Barón Rojo actúa junto a Iron Maiden, Gary Moore, Marillion, Twisted Sister y M.S.G. en el “Reading Festival 82”. De Volumen brutal merece mención especial el tema Concierto para ellos, dedicado a Bon Scott y otros músicos de rock fallecidos.
En 1983 se publica el tercer disco, titulado Metalmorfosis, grabado también en Londres. Aparecen en él temas como Casi me mato, El malo y Tierra de vándalos, así como el tema más sentimental de la banda: “Siempre estás allí”.
En 1984 sale a la venta un disco doble en directo titulado Barón al rojo vivo grabado con los más avanzados sistemas de la época. El disco, incluye cuatro canciones nuevas entre sus hits más conocidos (“Campo de concentración”, “El mundo puede ser diferente”, “Mensajeros de la destrucción” y “Atacó el hombre blanco”), así como una pequeña versión instrumental de “Whole lotta love” de Led Zeppelin (“Muchísimo amor”) y las instrumentales “Czardas” y “Buenos Aires”, esta última dedicada a la capital argentina.
En 1985 presentan el disco En un lugar de la marcha con canciones tan conocidas como Hijos de Caín, en la que colabora José Barta a los teclados, y Cuerdas de acero.
El año 1986 sale a la venta el álbum en vivo Siempre Estáis Allí, en el cual deleitan a sus fans con los temas que no pudieron entrar en el álbum en vivo anterior, Barón Al Rojo Vivo, producido por la misma banda para Chapa Discos.
En 1987, nos entregan su trabajo Tierra de Nadie, producido por Joaquín Torres para Serdisco, el cual fue grabado en “Torres Sonido” de Torrelodones, Madrid, durante los meses de marzo, abril y mayo del mismo año. Con este álbum comienza un período de experimentación en el cuál Barón Rojo busca integrar su estilo compositivo con nuevos elementos. Destacan en este álbum los temas La voz de su amo, Sombras en la noche o la propia Tierra de Nadie, que goza de majestuosas orquestaciones.
El álbum No Va Más, de 1988, nuevamente lanzado por la discográfica Serdisco, está enfocado sobre el tema de las apuestas y sus consecuencias, el mismo muestra a un Barón Rojo que experimenta ampliamente con teclados, apreciable en los temas Cansado de esperar y Mil años luz, encontrándonos también con la experimentación de un curioso violín chino (además del banjo) en el extraño tema Celtas cortos, que hace alusión a una famosa marca de cigarrillos.
Casi un año después llega su nuevo trabajo, Obstinato, nuevamente producido por Barón Rojo para Serdisco. El álbum fue grabado en los estudios Chamber durante marzo y abril de 1989. En él se deja un poco de lado la línea experimental abierta en los dos anteriores, aunque sin abandonarse completamente. Contiene temas como Vampiros y banqueros, Tren fantasma o Pura sangre, así como una nueva versión más tranquila y relajada del tema Herencia letal, aparecido en Metalmorfosis.
Barón Rojo sería la banda de Rock más importante y grandiosa de la historia de España, constituyéndose como emblema del género dentro del país, arrastrando miles de seguidores durante décadas y constituyendo una leyenda nacional dentro de la música rock. Esta formación inicial de Barón Rojo (los hermanos De Castro, Sherpa y Hermes) sería la más célebre, gloriosa y reputada, permaneciendo incólume hasta que Sherpa y Hermes abandonan el grupo en 1990, producto de una suma de factores, tales como mala relación con Carlos y Armando, desilusión causada por una cada vez menor repercusión mediática en España del Heavy metal en general y de Barón Rojo en particular, y agotamiento debido a una década plagada de numerosas giras. A finales del mismo año, Jose Luis Campuzano y Hermes Calabria abandonan la formación, pero los hermanos De Castro deciden continuar con la banda y experimentan con varias formaciones, como la que llevó a Barón Rojo a estar integrado por cinco componentes, al unírseles Pepe Bao al bajo (conocido por bandas como Manzano y, más adelante, O’funk’illo), José Antonio Nogal “Ramakhan” a la batería (de Tritón), y Maxi González (también de Tritón), voz solista en todos los temas.
Álbumes
Larga vida al rock and roll – 1981
Volumen brutal – 1982
Metalmorfosis – 1983
En un lugar de la marcha – 1985
Tierra de nadie – 1987
No va más – 1988
Obstinato – 1989
Desafío – 1992
Arma secreta – 1997
20+ – 2001
Perversiones – 2003
Ultimasmentes – 2006
Tommy Barón – 20128
En directo
Barón al rojo vivo – 1984, formación original.
Siempre estáis allí – 1986, formación original.
Barón en Aqualung – 2001
Desde Barón a Bilbao – 2007 (DVD y 2 CD)
En clave de rock – 2008, en este directo tocan acompañados de la banda sinfónica C.I.M. de Mislata (Valencia), siendo así el primer disco de la banda que se acerca al rock sinfónico.
Recopilatorios
Larga vida al Barón – 1995
Cueste lo que cueste – 1999
Las aventuras del Barón – 2006
Miembros
Formación original (1980 – 1991)
Carlos de Castro (guitarra y voz)
Armando de Castro (guitarra y voz)
José Luis Campuzano “Sherpa” (bajo y voz)
Hermes Calabria (batería)
Formación actual desde 2007:6
Armando de Castro: Guitarra y voz. (Miembro desde 1980)
Carlos de Castro: Guitarra y voz. (Miembro desde 1980)
Rafa Díaz: Batería. (Miembro desde 2007)
En 2011 se unieron para la gira Gira 30 Aniversario los cuatro “barones” originales -Carlos de Castro (guitarra y voz) y Armando de Castro (guitarra y voz), José Luis Campuzano “Sherpa” (bajo y voz) y Hermes Calabria (batería)- están dispuestos a continuar con su reunión también durante 2013, año en el que se estrenará la cinta documental ‘Larga Vida Al Rock And Roll. Barón Rojo: La Película‘.
Miembros anteriores
José Luis Campuzano Sherpa (de 1980 hasta 1989): Bajo y voz.
Hermes Calabria (de 1980 hasta 1989): Batería
Máximo González (1991): Voz
Pepe Bao (de 1990 hasta 1991): Bajo
José Antonio Nogal Ramakhan (de 1991 hasta 1995): Batería
Niko del Hierro (de 1991 hasta 1992): Bajo y coros
José Luis Aragón (de 1993 hasta 1995): Bajo y coros
Valeriano Rodríguez (de 1998 hasta 2005): Batería
Ángel Arias (de 1995 hasta 2007): Bajo y voz
José Martos (de 1996 hasta 1998 y de 2005 hasta 2007): Batería
Tony Ferrer (de 2007 hasta 2008): Bajo
Gorka Alegre (de 2008 hasta 2015): Bajo y coros
Azabache
En 1978 el grupo madrileño Azahar se escinde. Dos de sus cuatro componentes: Antonio Valls y Dick Zappala deciden seguir adelante con el grupo. Los otros dos: Jorge -Flaco- Barral (guitarra acústica y bajo) y Gustavo Ros (teclados) abandonan y comienzan un nuevo proyecto, que denominan Azabache. Con ellos también se irá el productor Gonzalo García Pelayo, que les consigue un contrato con Movieplay, dentro de la serie Gong, que él mismo dirige, en la que ya estaba encuadrado Azahar.
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En principio, completarán el grupo con el guitarrista Daniel Henestrosa y el batería Ricardo Valle. No obstante, muchos pensamos entonces que Azabache era un dúo. Basta ver la foto que acompaña este comentario para apreciar a Gustavo Ros, a la izquierda, y Flaco Barral, a la derecha, ambos en primer plano. Al fondo, muy al fondo, los otros dos componentes. Esta foto, que figura en la contraportada de su primer LP y fue portada de uno de sus singles, deja a las claras quiénes partían el bacalao en la formación.
En 1979 aparecerá su primer disco, el largo “Días de Luna” (Movieplay, 1979) que obtendría unas modestas ventas. Al año siguiente, el batería deja el grupo y el Flaco Barral va a traer un compatriota uruguayo para ocupar el puesto: Hermes Calabria. En ese momento de cambios en el grupo, entrará también Miguel Torres (voz y flauta). Lanzan “No, Gracias” (Movieplay, 1980), este segundo disco, aunque supone una clara evolución respecto al primero, tampoco acaba de funcionar en cuanto a ventas y Azabache pasa a mejor vida a principios de 1981.
Cuando uno escucha los viejos discos de Azabache, piensa que algo se le escapa, que hay algo que no acaba de comprender en lo que está oyendo. Evidentemente, el punto de partida es el rock progresivo, pero en cada corte el grupo parece querer jugar al despiste con el oyente. Temas de folk instrumental como “Noche de meigas galopantes”, sonoros aldabonazos a la naciente nueva ola en “Cuidado con la Marisol”, música progresiva tópica en “Algún día”, claras referencias a Mick Oldfield en las guitarras, etc. Y esto sólo por referirme a su primer LP. Ese batiburrillo de estilos hace que su primer disco suene indefinido, aunque en él un oyente atento va a encontrar momentos memorables. Tampoco ayuda el hecho de que Azabache carecía de cantante en sentido estricto y las canciones aparecen cantadas indistintamente por cualquiera de los miembros del cuarteto.
Su segundo disco se apunta a un rock urbano y un tanto apocalíptico. Las referencias a los dos estilos, supuestamente antagónicos, que imperaban en el Madrid de 1980: el rock urbano y los primeros trabajos importantes de La Movida aquí se nos presentan entremezclados. Azabache logra en su segunda producción un buen disco de rock, con letras de mensaje más o menos ecologista y una producción mejorable. Las mezclas dejan bastante que desear y el sonido general resulta algo oscuro y plano a pesar de la interpretación llena de matices que realiza la banda. Estas deficiencias técnicas restan posibilidades a un disco que intentaba aunar estilos y que podría haber resultado muy interesante.
Azabache como vino se fue, sin ruido, con actuaciones que casi siempre se desarrollaron en pequeñas salas y dejando tras de sí dos álbumes difícilmente clasificables, con un tono general de medianía, pero con detalles instrumentales y momentos compositivos de alta escuela.
Sus componentes siguieron en la brecha. A Flaco Barral y su bajo lo encontraremos acompañando a Hilario Camacho, formando parte de Labanda y al frente del estudio de grabación Colores, donde grabarían Siniestro Total, Vulpess, 091 y un largo etcétera de grupos de los ochenta. A Hermes Calabria lo veremos solo unos meses después de la desaparición del grupo sentado tras los tambores de Coz y en 1982 formando parte de Barón Rojo.
Bebe
María Nieves Rebolledo Vila (Valencia, 9 de mayo de 1978), conocida como Bebe, es una cantautora y actriz española que ganó la fama internacional con los sencillos «Malo» y «Ella». Nació en Valencia y con un año de vida se trasladó a Extremadura.
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La cantante Bebe nació el 9 de mayo de 1978 en Valencia, aunque sólo vivió un año en aquella ciudad. Se crió en Zafra, en Montijo y en Mérida.
Creció en un ambiente musical ya que sus padres formaban parte del grupo de folk Suberina. Vivió en San Vicente de Alcántara (Badajoz) en su juventud. Sus padres, según Bebe, “aficionados a la música” le inculcaron desde pequeña el amor por la isma, siempre vivió rodeada de instrumentos musicales y así le surgió la vena musical, comenzando en 1995 su trayectoria como corista en el grupo Vanagloria.3
En 1996, tras terminar sus estudios de COU en Badajoz, se fue a Madrid a estudiar arte dramático. A los pocos meses comenzó a actuar en locales de la capital y en el año 2001 ganó un concurso de cantautores en Extremadura.
Canta con su banda sin dejar de lado actuaciones en solitario y aparece como personaje secundario en dos películas de producción nacional, Al sur de Granada y El Oro de Moscú en 2003, y, en un capítulo de la serie El comisario.
A finales de 2003 le llega la oferta para publicar un álbum. El álbum aparece por fin en marzo de 2004, con el título de Pafuera Telarañas con producción de Carlos Jean. Entre sus canciones más conocidas se encuentran «Ella», «Siempre me quedará», o «Malo», que obtuvo gran éxito en Italia en el verano de 2006[. En el álbum se ofrece una pista extra con la canción «Que nadie me levante la voz», que Bebe interpreta para la serie de Telecinco, Aída.
El 27 de junio de 2006 anunció su retirada temporal del mundo de la música, centrándose en su carrera como actriz, que dio un salto con La educación de las hadas, dirigida por José Luis Cuerda, y Caótica Ana, dirigida por Julio Medem.
En junio de 2009 presentó su nuevo trabajo musical, un disco llamado Y.. Sus sencillos fueron «La bicha», «Me fui», «Pa mi casa» y «Busco me». En la ceremonia de los Grammy Latinos de 2009 confirmó estar embarazada y el 31 de marzo de 2010 dio a luz a su primera hija, de nombre Candela.
Ha colaborado con Los Amaya, Tontxu, Chambao, Luis Pastor, Albert Pla, El Combolinga, Los Delinqüentes, El Tío Calambres, Kultama, Paco Bello, Los Aldeanos, Shinoflow y SYJ, entre otros; y es coautora, junto a Hernán Zin y Carlos Jean, de «César debe morir», la canción central del documental dirigido por Hernán Zin La guerra contra las mujeres estrenado en Televisión Española en noviembre de 2013.
Discografía
2004 Pafuera telarañas
2009 Y.
2012 Un pokito de rocanrol
2015 Cambio de piel
Sencillos
Pafuera telarañas
«Malo»
«Ella»
«Con mis manos»
«Siempre me quedará»
«Como los olivos»
«Que nadie me levante la voz» (Tema de la serie Aída)
Y.
«Me fui»
«La bicha»
«Pa mi casa»
«Busco-me»
«Se fue»
Un pokito de Rocanrol
«K.I.E.R.E.M.E.» (lanzado en iTunes el 25 de noviembre de 2011)
«Adiós»
«Me pintaré»
«Mi guapo»
Cambio de piel
«Respirar»
«Que llueva»
«Ganamos»
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Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán
Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, también conocidos por sus siglas, CRAG, es un cuarteto español de música pop, intermitentemente en activo desde los años 1970, formado por los músicos Juan Robles Cánovas, Rodrigo García, Adolfo Rodríguez y José María Guzmán.
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Los cuatro juntos han publicado solamente tres elepés y, aunque en su momento no tuvieron prácticamente éxito, ni de público ni de crítica, con el tiempo han sido reivindicados por su música, sus letras y sus armonías vocales y han sido comparados con la banda estadounidense Crosby, Still, Nash and Young, hasta el punto de que su elepé Señora azul está considerado uno de los mejores de la historia del pop español.
Los cuatro componentes del grupo se unieron en 1974 provenientes de otras bandas que ya habían tenido éxito: Cánovas había sido el batería de la banda de rock progresivo Módulos y del grupo Franklin; Rodrigo provenía de Los Pekenikes; Adolfo había sido vocalista y guitarrista de Los Íberos; y Guzmán, junto con Rodrigo y los hermanos José y Manuel Martín, habían pertenecido al grupo Solera, que el año anterior había grabado su único disco, llamado como el grupo.
El mismo año de su formación el grupo sacó su primer elepé, Señora Azul, con la compañía discográfica Hispavox y producido por Rafael Trabucchelli. El disco incluía los temas Señora azul, Sólo pienso en ti, con un elegante arreglo orquestal, Carrusel, en el que destaca el uso del sintetizador, El río, Don Samuel Jazmín, Si pudieras ver, Nuestro problema, Buscando una solución, Supremo director, María y Amaranta, una historia sobre una relación lésbica y El vividor.
Señora azul, que se ha convertido en el tema más conocido de CRAG, ha tenido varias interpretaciones. Según algunos era una crítica contra el franquismo y, más concretamente, contra la censura imperante en aquellos años, aunque los integrantes del grupo desmintieron este punto y señalaron que el tema estaba dedicado a los críticos musicales.
El disco apenas tuvo éxito en su época pero su influencia no ha hecho sino crecer con los años. La revista especializada Rockdelux lo situó en 2004 en el puesto número 11 entre «Los mejores 100 discos españoles del siglo XX».
Tras el fracaso comercial de su primer disco, los cuatro músicos trabajaron como banda de acompañamiento para la cantante Karina y sólo volvieron a grabar una década después, publicando en 1984 el álbum Queridos compañeros y, al año siguiente, CRAG 1985, ambos con la compañía Polygram, y ambos grabados y copodrucidos por José Antonio Álvarez Alija. De esta época trata la primera aparición del grupo con sus cuatro integrantes, ya que hasta entonces, en los escasos conciertos que dieron, siempre lo hicieron como trío, Cánovas, Adolfo y Guzmán o Rodrigo, Adolfo y Guzmán. Esta aparición tuvo lugar en octubre de 1984 en el programa de Televisión Española La tarde.
En los años siguientes, los cuatro miembros siguieron sus carreras en solitario. Guzmán formó en los años 80 el grupo Cadillac, tachado por la crítica de comercial y previsible, que participó con el tema Valentino en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1986, tras el que se disolvieron después de siete años en activo. Posteriormente, ya en solitario, Guzmán editó cuatro discos.
En 1994, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, sin Cánovas, publicaron un nuevo disco, Rodrigo, Adolfo y Guzmán.
El 28 de junio de 2005 se presentó, con el nombre de Gran Reserva 30 años, un disco recopilatorio del grupo en la sala Manuel de Falla de la Sociedad General de Autores y Editores, en Madrid. El trabajo incluía un CD con la reedición de Señora azul; otro con los mejores temas de sus otros discos, una maqueta inédita de 1978, y temas de los grupos Solera, Los Pekenikes, Los Íberos, Módulos y Cadillac; y un DVD con sus escasas apariciones televisivas y un pequeño documental sobre el grupo. Durante la presentación, los cuatro músicos interpretaron los temas Los blues, Sólo pienso en ti, Señora azul y Queridos compañeros.
El 6 de octubre de ese mismo año, el cuarteto dio en la Sala Galileo Galilei de Madrid su primer concierto público en treinta años, en un acto organizado a través de la Fundación Autor por la SGAE, dentro de la VII Semana de Autor. Posteriormente, los días 13 y 14 de diciembre, en una pequeña gira, actuaron en el Teatro del Mercado de Zaragoza y en el Teatro del Matadero de Huesca.
El 13 de octubre de 2014, celebrando la reedición del álbum Señora Azul, que cumplía 40 años, Cánovas, Adolfo y Guzmán, sin Rodrigo, volvieron a llenar la sala Galileo Galilei de Madrid.
Miembros
Juan Robles Cánovas
Rodrigo García
Adolfo Rodríguez
José María Guzmán
Discografía
Señora azul (1974). Hispavox.
Queridos compañeros (1984). Polygram.
CRAG 1985 (1985). Polygram.
Rodrigo, Adolfo y Guzmán (1994). J.J. Record’s.
Gran Reserva 30 Años (2005). Emi.
Los Canarios
Los Canarios fue un grupo de rock español de las décadas 60s y 70s. Se formaron en las Las Palmas de Gran Canaria, en 1964, alrededor de su cantante Teddy Bautista, quien más tarde sería presidente de la SGAE, hasta su imputación judicial en 2011.
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El que fuera guitarrista de la banda en sus últimos tiempos, Salvador Domínguez, incluye los datos históricos de la banda en su libro Bienvenido Mr Rock. Inicialmente se hacían llamar “Los Ídolos”, aunque al iniciar el viaje que realizaron a Estados Unidos (1967), decidieron cambiarse el nombre a “The Canaries”, grabando allí su primer LP “Flying High With The Canaries”.
A la vuelta españolizaron su nombre, y grabaron una serie de singles de rock con metales con muchas influencias soul, que tuvieron bastante proyección. Su primer sencillo en esta línea, fue «The incredible Miss Perryman» para la película Pepermint Frappé, de Carlos Saura, protagonizada por Geraldine Chaplin y José Luis López Vázquez. Pero su mayor hit lo obtendrían con su siguiente single, «Get On Your Knees», producido por Alain Milhaud y grabado en Londres, que se convirtió en la canción del verano en 1968.
La formación en esta época era la siguiente:
Teddy Bautista (cantante, armónica, guitarra de ritmo) -Gibson Les Paul custom-
Germán Pérez (guitarra solista) -Fender Telecaster-
Graham Bircumshaw (órgano)
Álvaro Yébenes (bajo) -Fender Jazz Bass-
Tato Luzardo (batería)
Feliciano “Nano” Muñoz (trompeta)
Alfredo Máiquez (trombón)
Vicente Máiquez (saxo)
A lo largo de este tiempo fueron pasando por el grupo varios músicos, entre ellos Félix Sierra, que sustituyó a Graham Bircumshaw al órgano, y el cantante madrileño Pedro Ruy-Blas, que fue el encargado de suplir la ausencia del líder del grupo, Teddy Bautista, durante su servicio militar (posteriormente participó en el interesante grupo Dolores, que desarrolló un sonido de jazz fusión con influencias aflamencadas, además de una prolongada carrera en solitario). Con la reincorporación de Teddy Bautista, evolucionaron hacia un sonido menos negro y más jazz-rock, como el que hacían en los EEUU grupos del tipo de Chicago o Blood, Sweat & Tears. En esta línea, menos cercana al soul pero manteniendo los metales, grabarían varios singles y dos LP, Libérate y Canarios Vivos.
En 1973, Bautista decidió rehacer el grupo con nuevos componentes, eliminando la sección de viento, para grabar un disco de rock progresivo o sinfónico, llamado Ciclos, basado en Las cuatro estaciones de Vivaldi.
Cuatro de los miembros de la banda que no encajaban en este cambio formaron entonces el grupo Alcatraz, que grabó un LP, y del que ha derivado la Orquesta Alcatraz, aún operativa.
Su tema “Free Yourself” ha sido usado en la película Al final del camino.
La mayor parte de los discos editados por la banda, no se encuentran actualmente disponibles en el mercado: “Ciclos” es el único disco de Los Canarios que es posible encontrar hoy comercialmente.
LP
1967: Flying High With The Canaries (Primer LP grabado y editado sólo en EEUU. En España lo editó en 1985 el sello Cocodrilo).
1968: Lo mejor del clan! (LP) (Recopilatorio de singles compartido con Pop-Tops)
1969: Lo mejor del clan Vol. II (LP) (Recopilatorio de singles compartido con Pop-Tops y Mike Kennedy)
1970: Libérate! (LP)
1972: Canarios Vivos (LP) (No contiene Revival, pues se editó como single)
1974: Ciclos (LP doble)
Singles
1967 The incredible miss Perryman-Peppermint Frappe / Keep on the Right Side
1967: Get on Your Knees / Trying So Hard
1967: Three-Two-One-Ah / Pain (editado también en Reino Unido por el sello “Major Minor”)
1968: Child / Requiem for a Soul
1970: Free Yourself / I wonder what freedom means
1971: Extra-extra / Reaching out
1971: Reacción / Señor estoy preparado
1972: Revival / Chaos
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Andrés Segovia
Andrés Segovia Torres, I marqués de Salobreña (Linares, Jaén, 21 de febrero de 1893 – Madrid, 3 de junio de 1987) fue un guitarrista clásico español, considerado como el padre del movimiento moderno de la guitarra clásica.
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Muchos estudiosos creen que, sin los esfuerzos de Segovia, y pese a la noble historia de dicho instrumento (derivado a su vez de la vihuela), la guitarra seguiría estando considerada como un instrumento meramente popular.
Conoció la guitarra desde niño, probablemente en la localidad de Villacarrillo (Jaén), próxima a la ciudad de Linares, donde nació pero que abandonó muy pronto y a la que no regresó hasta la década de 1950. Fue bautizado en Jaén, y a una edad indeterminada se trasladó a Villacarrillo. Posteriormente marchó a estudiar guitarra a Granada. Es posible, si bien esto no puede afirmarse con seguridad a falta de más datos, que su primera incursión en el mundo de la guitarra viniera de la mano del flamenco. Sin embargo, muy pronto, desde su temprana adolescencia, optó por explorar otras posibilidades por formarse como autodidacta en la tradición de la guitarra española clásica.
Realizó su primera aparición pública en Granada a los catorce años y, con pocos más, ofreció en Madrid su primer concierto, en el que interpretó, entre otras piezas, transcripciones para guitarra de Francisco Tárrega.
Sabiendo que los concertistas de piano en ocasiones alquilan el instrumento, y deseoso de encontrar un instrumento que se ajustara a sus propósitos, acudió en Madrid para dar ese concierto al establecimiento del constructor de guitarras Manuel Ramírez, con intención de proponerle al dueño que le alquilara un instrumento. Después de probarlo y de ensayar durante un tiempo la música que había preparado para el recital, el asombrado Ramírez le rogó que aceptara la guitarra elegida a modo de obsequio.
Segovia continuó con sus estudios de guitarra durante toda su vida, aún a pesar de aquellos que trataron de disuadirlo por no confiar en el futuro de dicho instrumento para la música clásica.
Fueron muchos los músicos que creyeron que la guitarra de Segovia no sería aceptada por la comunidad clásica ya que, según sus creencias, la guitarra no se podía considerar como un instrumento capaz de interpretar a los clásicos. Sin embargo, la técnica de Andrés Segovia asombró al público. A partir de entonces, la guitarra dejó de considerarse un instrumento meramente popular y se aceptó también como instrumento de concierto.
Buika
Concha Buika o Buika (Palma de Mallorca, España, 11 de mayo de 1972), de nombre completo María Concepción Balboa Buika, es una cantante española residente en los Estados Unidos.
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Nació en las Islas Baleares donde vivía su familia, exiliados políticos de Guinea Ecuatorial. Es hija del expolítico y escritor guineano Juan Balboa Boneke. La comunidad gitana del humilde barrio de Palma de Mallorca donde se crió fue para ella un segundo hogar, y encontró en el flamenco un modo de expresión auténtico y la salida ideal para escapar de una dura realidad de pobreza y marginalidad.
Su primer disco, Mestizüo, salió en 2000.
En 2008 colaboró con la cantante de fado portuguesa Mariza en un dúo incluido en su disco Terra (Pequeñas Verdades) y con Elefthería Arvanitáki en el tema Mírame.
En 2008 su cuarto disco, Niña de Fuego, catapultó su carrera internacional. Tras unos pocos conciertos en Los Ángeles, Miami y Nueva York, el disco recibió dos nominaciones a los premios Grammy Latinos de 2008, como «Álbum del Año» y «Mejor Producción». Una edición especial del disco se puso a la venta acompañado de un libro de poemas de Buika ilustrados por autorretratos.
En septiembre de 2009 salió al mercado una colaboración realizada con Nelly Furtado, en el tema llamado Fuerte, todo un himno a la fuerza de la mujer. Cantó junto a Tomeu Penya en su tema Ho feim.
El 20 de octubre de 2009 salió a la venta mundialmente su disco El último trago, un homenaje a Chavela Vargas y a Bebo Valdés en sus 90 cumpleaños, grabado en directo en Cuba en los Estudios Abdala con Chucho Valdés y su cuarteto. El álbum le valió su primer premio Grammy al mejor álbum de música tradicional tropical.
Dos canciones suyas, Por el amor de amar y Se me hizo fácil, fueron elegidas por Pedro Almodóvar para la banda sonora de su película La piel que habito.
El 5 de noviembre de 2010 un artículo publicado online en la publicación npr.com la definió como la «Voz de la libertad» agrupándola con otras 50 voces en una lista llamada 50 Great Voices.
En 2011, fue invitada especial de Chick Corea en un concierto en el club de jazz Blue Note, en Nueva York.
En 2011 se instaló en Miami para poder atender la fuerte demanda de conciertos en los Estados Unidos, y también porque todavía era considerada una extranjera en España.
Discografía
Mestizüo, 2000, junto al pianista Jacob Sureda
Buika, 2005
Mi niña Lola, 2006
Mi niña Lola, 2006 (Edición especial CD+DVD)
Niña de fuego, 2008
Niña de fuego, 2008 (Edición de lujo: 2cd’s + Libro de poemas)
El último trago, 2009 junto al pianista Chucho Valdés
En mi piel, 2011 (Primer recopilatorio)
La noche más larga, 2013
Vivir sin miedo, 2015
Azahar
Azahar se forma en Madrid en 1977 con músicos de diversa procedencia. Es una mezcla de culturas e inquietudes poco usual en otros grupos españoles de la época. El ejemplo está en su vocalista, Dick Zappala, egipcio (nacido en El Cairo) con una voz muy carismática; y el bajista, Jorge “Flaco” Barral, que llegaba desde Uruguay, donde ya había tenido sus experiencias con Opus Alpha y Días de Blues. Junto a ellos, dos músicos madrileños igualmente de gran calibre.
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Cabe destacar que Dick Zappala antes de incorporarse a Azahar ya había participado en la gira del “Ciclos” de Los Canarios e interpretó el papel de Herodes en la adaptación española de Jesucristo Superstar, que produjo Camilo Sesto, junto a un buen puñado de artistas nacionales.
Por su parte, Flaco había sido el bajista del cantautor Hilario Camacho, participando en la autoría de muchos temas de “La estrella del alba”.
Mucha gente se pregunta si Azahar hacia exactamente rock andaluz o no. La respuesta no es fácil, ya que el grupo estaba establecido en Madrid y las influencias que proponían al nivel musical eran varias, con matices que llegaban de distintos estilos y lugares. Lo que sí está claro es que se
incorporaron perfectamente al movimiento rock andaluz, ya que tuvieron gran éxito en Andalucía, donde participaban en eventos con los grupos de la tierra.
Lo que está claro es que la proximidad era grande y consiguieron una marca de mucha calidad que caló en el público de forma especial.
Su formación inicial era peculiar e inusual, ya que no llevaban batería. Era un grupo basado en sonidos más electrónicos e innovadores.
Hicieron dos discos magistrales, especialmente el primero “Elixir”, con un contenido musical muy denso y compacto, y con una presentación exquisita, ya que incluía un encarte con un comic alegóricos al grupo impregnado en azahar, olor que podía apreciarse claramente. Los diseños del logo del grupo, el comic y el disco fueron de Flaco.
“Elixir” es un disco etéreo y sinfónico, de esos que te deja llevar al escucharlo, con teclados envolventes y matices árabes que le dan un toque muy personal y único. Y, sobre todo, la voz peculiar de Dick Zappala, a veces con gran sentimiento y serenidad, y otras veces con impulsivos desgarros. Los temas del álbum fueron compuestos y arreglados por todo el grupo, que hizo un esfuerzo por hacer un trabajo muy laborioso.
Estamos ante un grupo arriesgado e inconformista con letras reivindicativas y continuas invitaciones a la evasión. Claro ejemplo de ello lo tenemos en los temas “¿Qué malo hay sr. juez?” con letras como: -Tenía yo dos amigos que fumaban humo de reír pa’ cuando estaban muy caídos les volvieran las ganas de vivir. Un día me los ligaron por fumar el regalito de dios. Al que resistió lo mataron y al otro el juez lo encarceló- o el tema “Viaje a Marruecos” con otra estrofa insinuante cantada en árabe y cuya traducción es: -hermano, pásame la pipa y las cerillas-.
Cantaban a la legalización de la marihuana y a los beneficios del ácido, y lo hacían precisamente en un momento de convulsión política en España. A eso hubo que sumar que Dick tenía sus papeles de residencia caducados lo cual terminó provocando su expulsión del país, a quien se le aplicó la ley de extranjería y fue deportado a Italia, país del que retornó poco tiempo después de forma ilegal con la ayuda de Antonio Valls.
Su disco de debut es místico, peculiar e impactante, marcando diferencias respecto a lo que se hacía en aquella época.
Dos años después llega su segundo disco, titulado como el propio grupo “Azahar” y con algunos cambios en la formación. Se marcharon “Flaco” Barral y Gustavo Ros, para poner en marcha el proyecto Azabache, con el que hicieron otros dos discos más, e incorporaron a otro teclista, un batería y la colaboración de dos bajistas, aunque no formaban parte de la formación.
Los nuevos miembros fueron Manolo Manrique a los teclados y Willy Trujillo a la batería. Suplieron la ausencia de bajista con la colaboración en el disco
de dos bajistas: Julio Blasco, procedente de la banda madrileña Granada, y Enrique Carmona, un guitarrista que llegó a grabar con Triana y Vega.
Con esta nueva estructura se mantuvo el mismo carisma, aunque el sonido cambió sustancialmente con otras sonoridades.
El segundo disco es mucho más próximo al rock andaluz con un sin fin de ritmos y melodías muy cercanas a grupos como Mezquita, Cai o Imán. Temas como “La naranja y el limón”, “Noche de primavera”, “Zahira” o “Bulerías de lujo” así lo demuestran.
El grupo desarrolló la mayor parte de sus conciertos en Andalucía, lo que supuso que se les aceptara y se les considerase como uno más de los grupos de rock andaluz que en aquellos días poblaban nuestros escenarios, participando también en numerosos festivales.
Tristemente Antonio Valls falleció en el año 2004, haciéndolo también Dick el 5 de Diciembre del 2009 al sufrir un fallo cardiaco.
Azahar es, por tanto, un libro abierto con sabor y un intercambio profundo y cultural entre la península (con su rica historia musical) y esos pellizcos magrebíes que son capaces de incorporar con gran maestría. El grupo contribuyó indiscutiblemente a escribir una página de la música española, aportando su sello propio dentro y fuera del rock andaluz con dos obras imprescindibles.
Formación original:
Dick Zappala – voz
Antonio Valls – guitarras y mandolina
Gustavo Ros – teclados
Jorge “Flaco” Barral – bajo y percusión
Segunda formación:
Dick Zappala – voz
Antonio Valls – guitarras y mandolina
Manolo Manrique – teclados
Willy Rodríguez de Trujillo – batería y percusión
Fuente: Arabiandrock
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Café Quijano
Café Quijano es un grupo musical español de música rock, con origen en la ciudad de León. Es una de las bandas procedentes de su país más famosas a nivel mundial, y han creado clásicos del rock en español como La Lola.
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El grupo está compuesto por tres hermanos, Manuel, Óscar y Raúl, todos ellos músicos, originarios de la ciudad de León, donde en el centro de la misma son propietarios de un Café Concierto cuyo nombre da título a una de sus más famosas canciones: La Lola. Es en este local donde la banda comienza a tener su primer contacto con el público tocando en directo.
En 1996, graban una primera maqueta y se organiza el que será su debut ante el gran público en el Teatro Emperador de León. Todo ello llevará a la banda a captar la atención de la discográfica Warner, con quién firman su primer contrato discográfico.
Publican cuatro CD con gran éxito. También presentan galas y colaboran con importantes nombres como Ricardo Franco, Armando Manzanero, Humberto Gatica, Kenny O’Brien, David Foster, Raphael, Joaquín Sabina o Céline Dion entre otros, además de su incursiones en cine como la aparición en la película Torrente 2: Misión en Marbella, la aportación de bandas sonoras como la película de Disney Lilo y Stitch o sus múltiples apariciones en televisión como en la famosa serie española Aquí no hay quien viva.
Algo importante a destacar es la gran labor que han ejercido como embajadores de su tierra, promocionando la imagen de León alrededor del mundo para fomentar el turismo regional.
Su primer trabajo con Warner, en 1998, será el lanzamiento del primer álbum del mismo nombre de la banda: Café Quijano, que incluye la colaboración del cineasta Ricardo Franco con el tema Loco de amor y que supone una posterior gira de más de 50 conciertos por España, lo que les hace merecedores del favor y reconocimiento del público, alcanzando rápidamente un alto nivel de popularidad.
Con el lanzamiento en 1999 de su segundo álbum de estudio titulado La extraordinaria paradoja del Sonido Quijano, alcanzan un éxito sin precedentes y se convierten en uno de los referentes de la música en castellano a nivel internacional, siendo su primer sencillo, La Lola, número 1 en emisoras de radio de más de 30 países.
Este álbum, que se convertirá en doble platino en España y Top 10 de ventas en la lista AFYVE, cuenta con la colaboración del músico y productor Lulo Pérez y el compositor y arreglista Juan Carlos Calderón.
Los dos años posteriores al lanzamiento de este álbum suponen una gira de conciertos de gran despliegue y numerosos actos, colaboraciones y reconocimientos entre los que se incluyen las dos nominaciones a mejor nuevo grupo en los Latin Grammy Awards y a mejor álbum de rock pendenciero alternativo en los Grammy Academy Awards, convirtiéndose así en el primer grupo español en ser nominado al Grammy estadounidense en sus 43 ediciones hasta ese momento.
Destaca además su colaboración en el disco Duetos de Armando Manzanero con el tema Esperaré, la inclusión del tema Así se va como BSO de la película Por la liebre, la utilización del sencillo De sol a sol en la sintonía de la serie de televisión Abierto 24 Horas o su participación en la película Torrente 2: Misión en Marbella de Santiago Segura, en la que además de aparecer junto a la modelo y actriz Inés Sastre, aportan un tema llamado En mis besos.
Álbumes
Café Quijano (1998) (+ 100.000 Copias)
La extraordinaria paradoja del Sonido Quijano (1999) (+ 500.000 Copias)
La taberna del Buda (2001) (+ 700.000 Copias)
¡Qué grande es esto del amor! (2003) (+ 800.000 Copias)
Grandes éxitos (2008) (+ 30.000 Copias)
Orígenes: El Bolero (2012) (+ 80.000 Copias)
Orígenes: El Bolero Vol. 2 (2013) (+60.000 Copias)
Orígenes: El Bolero Vol. 3 (2014) (+40.000 Copias)
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01. La falsa moneda 03:33 |
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Carlos Núñez
Carlos Núñez Muñoz (Vigo, Pontevedra, el 16 de julio de 1971) es un músico español, considerado como uno de los mejores gaiteros del mundo. Comenzó con las flautas, y más adelante, a los ocho años, con la gaita gallega. A los trece años fue descubierto por The Chieftains, en el Auditorio de Castrelos, en Vigo, y comenzó su carrera en la música, que aún continua.
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Núñez es considerado un erudito de la música celta. Sus investigaciones siguen básicamente dos líneas relacionadas entre sí: el origen de la música celta y su fusión con las músicas del mundo actuales. Su interés por el tema le ha llevado a recorrer el globo y a relacionarse con músicos y artistas de los países que ha visitado, para luego plasmar sus conocimientos y experiencias en su prolífica discografía.
Nieto del escritor y pedagogo Albino Núñez Domínguez, estudió en el Colegio Martín Codax de Vigo, y en el instituto Álvaro Cunqueiro. A los doce años fue invitado a tocar en la Orquesta Sinfónica de Lorient y en 1989 grabó junto al grupo irlandés The Chieftains la banda sonora de la película La isla del tesoro (1990), con los que seguiría colaborando hasta ser conocido como el séptimo Chieftain. Núñez además completó su formación en la enseñanza académica obteniendo la calificación de Matrícula de Honor y Premio Extraordinario Fin de Carrera (Cum Laude) en el instrumento flauta de pico por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Comienza a tocar las flautas, y a los ocho años, pasa al siguiente paso, como dice el, comenzando con la gaita. En una actuación en el Auditorio de Castrelos, en Vigo, su ciudad natal, donde fue descubierto por The Chieftains, y eso dio comienzo a su carrera musical, cuando fue por primera vez a Irlanda, en el año 1989, a grabar junto a estos la banda sonora de la película La isla del tesoro.
En 1996, publica su primer disco, A Irmandade das Estrelas que supuso el boom de la música celta en España. En este disco, Núñez se centra sobre todo en la exploración de su Galicia natal con aportes irlandeses.
En su siguiente disco, Os amores libres (1999), Núñez presenta una reflexión en torno al concepto celta explorando, entre otras, las conexiones existentes entre la música tradicional gallega y el flamenco. Los textos que acompañan a las canciones de este disco están redactados por el escritor Manuel Rivas.
Ya en 2000 y con la publicación de Mayo Longo, con Núñez ya consagrado como músico de renombre y proyección internacional, el gaitero compuso una canción con el ex Supertramp Roger Hodgson. Este disco es un retorno a la tradición galaica y a la sencillez y destacó principalmente por introducirse en las radiofórmulas musicales del momento.
Su siguiente disco de estudio es Almas de Finisterre publicado en 2003, y en Francia como Un Galicien en Bretagne, con una lista de cortes ligeramente diferente. Este disco es el resultado de una larga permanencia del músico en Bretaña, Francia, en el que se muestran músicas tradicionales bretonas grabadas junto a músicos de renombre de la Bretaña francesa.
Carlos Núñez también ha editado un álbum recopilatorio de grandes éxitos con varios cortes nuevos llamado Todos os mundos y en 2004 editó un CD+DVD conteniendo un concierto grabado en Vigo con el título de Carlos Núñez & Amigos con sus canciones más emblemáticas. Carlos también participa en la banda sonora de la película de Alejandro Amenábar Mar Adentro.
En mayo de 2005, Carlos Núñez publicó en Francia, Cinema do mar, dedicado a la interpretación de una selección de celebérrimas piezas de la música clásica (como el Bolero de Ravel o el Concierto de Aranjuez) y bandas sonoras de películas, espoleado por su participación en Mar Adentro. La inclusión de bandas sonoras estuvo motivada por los paralelos que encuentra en las piezas seleccionadas y la música gallega. Podemos encontrar una versión de La Misión de Ennio Morricone, de El Padrino de Nino Rota o la ya habitual en el repertorio de The Chieftains «Women of Ireland», de la banda sonora de Barry Lyndon.
En 2006, participó en la banda sonora de la película del Studio Ghibli Cuentos de Terramar del director Gor? Miyazaki, primer largometraje del hijo del conocido cineasta japonés Hayao Miyazaki. Su colaboración en la banda sonora de dicha película junto a su compositor Tamiya Terashima fue elogiada por el público cinéfilo y filarmónico en general y le valió buenas críticas y mayor proyección internacional al artista gallego.
En febrero de 2007, en la misma semana de los Oscar, Carlos Nuñez publicó la versión española de “Cinema do mar”, distinta a la francesa. Incluye temas con Ryuichi Sakamoto y Dulce Pontes que no se incluyeron en la versión francesa de 2005.
En 2008, participó en las bandas sonoras de las películas Silk del director François Girard y Mi monstruo y yo del director Jay Russell.
Desde el 2007 aproximadamente, Carlos Núñez ha estado indagando en las conexiones galaicas de la música brasileña. De esta investigación ha surgido su nuevo trabajo discográfico, titulado Alborada do Brasil, puesto a la venta el 16 de junio de 2009.
En 2012 publica Discover, un 2-CD que incluye cuatro temas inéditos así como múltiples colaboraciones con artistas amigos al margen de su propia discografía, que se unifican en este disco y hace balance de estos primeros años de su carrera. Incluye 39 temas en los conecta la música gallega con otras culturas, para lo que cuenta con The Chieftains, Sinéad O’Connor, The Waterboys, Omara Portuondo, Compay Segundo, Los Lobos, Carlinhos Brown, Carmen Linares, Vicente Amigo, Carles Benavent, Montserrat Caballé, Jordi Savall, Luz, Ry Cooder, Jackson Browne, Ryuichi Sakamoto, o Roger Hodgson de Supertramp.
En solitario
A Irmandade das Estrelas (BMG Ariola, 1996)
Os amores libres (BMG Ariola, 1999)
Mayo Longo (BMG Ariola, 2000)
Todos os mundos (BMG Ariola, 2002)
Almas de Fisterra (Sony Music, 2003)
Almas de Fisterra Edición Especial (Sony Music, 2003)
DVD Carlos Núñez & Amigos en casa (Sony/BMG, 2004)
Cinema do mar (Versión francesa, 2005)
Cinema do mar (Versión española, febrero de 2007)
Alborada do Brasil (Sony Music 2009)
Discover (Sony Music 2012)
Inter Celtic (2014)
Colaboraciones
Matto Congrio (1993)
The Chieftains – Santiago (1996)
Alejandro Amenábar – Mar Adentro (2004)
Memories from Gedo Senki (Banda Sonora de la película de anime, Gedo Senki, 2007)
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Ana Torroja
Ana Torroja Fungairiño (Madrid, 28 de diciembre de 1959) es una cantante pop española. Fue la vocalista del grupo Mecano, junto a los hermanos José María y Nacho Cano, con quienes consiguió un éxito espectacular en España y otros países.
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Debutó en 1997 como solista, pero se consolidó como tal en 2000. Es conocida por su “voz” atípica, que transmite sensibilidad y equilibrio, infantil para muchos (con Mecano), asimilando de forma figurada a la de una sirena o un ángel. Sin duda ha plasmado su manera de interpretar en la memoria musical de habla hispana. Sus mayores éxito son «A contratiempo», «Ya no te quiero», «Veinte mariposas», «No me canso», «Sonrisa» y los duetos «Corazones», «Duele el amor» e «Hijo De La Luna».
Ana es la mayor de una familia numerosa de seis hermanos. Tiene dos hermanas (Celia y Laura) y tres hermanos (Yago, Javier y Carlos). Su padre José Antonio Torroja Cavanillas es un prestigioso ingeniero de caminos al igual que su abuelo, Eduardo Torroja Miret, Primer Marqués de Torroja y quizá el mayor especialista mundial en su tiempo de construcción en hormigón. Su madre María del Carmen Fungairiño Bringas a la que Ana estaba muy unida era hermana del conocido fiscal Eduardo Fungairiño y murió el 26 de septiembre de 1985 cuando Ana tenía 25 años y Mecano estaba en la cima de su éxito. Ana Torroja comenzó su etapa escolar en un liceo bilingüe en El Viso (barrio de Madrid) relativamente cercano a su casa familiar de entonces en la calle Raimundo Fernández Villaverde.
Posteriormente estudió en un colegio religioso de Teresianas. Siendo una niña cuenta que cantaba, a cambio de una galleta, el “frère Jacques”. Su padre toca bien el piano y en general se puede decir que los Torroja estaban en contacto con la música a través de sus padres y abuelos. Ana y José María Cano se conocieron en una fiesta que se celebraba en los apartamentos Tiuna cerca del madrileño paseo de la Habana hacia el año 1974, siendo ambos adolescentes (14-15 años aproximadamente). En un principio José María se sintió más atraído por la hermana menor de Ana, Celia. Sin embargo, al poco tiempo de conocerse, Ana y José María comenzaron a vivir una relación amorosa de adolescentes que duró unos 3 años según ambos han manifestado en algunas entrevistas, probablemente hasta el traslado de José María a Valencia después del verano de 1977. Tras ese verano del 77 Ana comenzó la carrera de Económicas que posteriormente abandonó hacia 1980 tras dos cursos académicos coincidiendo con los orígenes de su carrera musical.
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Los Brincos
Los Brincos fueron una banda española y filipina de música rock fundada en 1964 en Madrid, que obtuvo un enorme éxito entre ese año y 1968 (convirtiéndose en un auténtico fenómeno musical en su país). Tras diversos cambios de formación y evoluciones estilísticas, terminó disolviéndose en 1970.
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En su tiempo fueron conocidos como los Beatles españoles. Su imagen (al menos en los primeros tiempos), aunque inspirada en los grupos Beat británicos, incluía también elementos idiosincráticos y más o menos castizos, como las capas españolas o los cascabeles.
El grupo se creó en 1964. Sus componentes fueron Fernando Arbex, Manuel González, Juan Pardo y Antonio Morales, Junior. Fueron conocidos como «Los Beatles españoles», de ahí que el nombre del grupo se parezca fonéticamente al de la banda inglesa. En un principio se pensó en bautizar al grupo Las Ovejas Negras. Todos los discos de su primera etapa fueron número uno en las listas españolas.
Los Brincos nacieron a instancias de la discográfica española Zafiro, que trató de repetir en España el éxito de las bandas del beat británico, formando un conjunto que aunara las características del beat británico con la personalidad española. Luis Sartorius fue el encargado de reclutar a los miembros del grupo, procedentes de bandas pioneras del pop español, como Los Estudiantes y Los Pekenikes. Sartorius murió poco antes del lanzamiento, pero ya había sentado las bases de un proyecto que tuvo su plasmación en el estudio gracias a la producción de Mariní Callejo, que había formado parte de Los Brujos y con el tiempo sería considerada como una de las grandes productoras del pop melódico español de los 60 y 70.
De acuerdo con Jesús Ordovás, Los Brincos no tocaban realmente en sus propias grabaciones, sino que eran sustituidos por otros músicos. En realidad ellos mismos tocaban en el estudio, pero la leyenda nunca se pudo cambiar. También supuso otro momento polémico para el grupo cuando fue denunciado por plagio de uno de sus temas (“Sola”) en el año 65. Varias revistas de la época, como Diez Minutos, Fonorama o Disco Express se hicieron eco de la noticia.
Juan Pardo y Antonio Morales se separaron dos años más tarde para formar el dúo Juan y Junior. Los nuevos Brincos se recompusieron bajo el liderazgo de Arbex, con las entradas de Ricky Morales y Vicente Jesús Martínez, procedentes ambos del grupo Shakers.
Más tarde Vicente Martínez también abandonó la formación y lo sustituyó Miguel Morales, hermano de Junior y de Ricky. La última formación, a instancias de Arbex, se fue decantando hacia un rock más psicodélico, que en aquellos años estaba desbancando de las preferencias juveniles al beat. Así grabaron el disco conceptual Mundo, demonio, carne, también editado en inglés como World, Devil, Body. Su discreta recepción les decidió a disolver el grupo. Arbex formaría pronto Alacrán y posteriormente Barrabás.
En los años 2000 volvieron a aparecer Los Brincos, esta vez de la mano de Fernando Arbex y Miguel Morales. Se dedican a tocar sus grandes éxitos en diferentes galas y festivales.
El 5 de julio de 2003 falleció, a la edad de 62 años, Fernando Arbex.
Tras la muerte de Arbex, el grupo continúa realizando actuaciones con el nombre original aunque sin contar entre sus filas con ninguno de los miembros fundadores.
Discografía
Los Brincos (1965). (Reeditado en CD en 2001, BMG)
Brincos II (1966).
Contrabando (1968) — producido por Larry Page.
Mundo, demonio y carne (1970).
World, Evil & Body (1970) — versión en inglés del anterior.
Eterna juventud (2000).
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Barrabás
Barrabás es un grupo musical de España integrada entre músicos españoles y filipinos, fue creado en los años 1970.
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Barrabás nació de la mano de Fernando Arbex, quien tras la disolución de Los Brincos quiso formar un grupo en el que se combinase la riqueza instrumental de las formaciones sinfónicas con los ritmos y percusiones latinas, así como con el funk, al igual que estaban haciendo otras formaciones como Santana, Mandrill u Osibisa.
Arbex creó Barrabás en 1971, tras la separación de su efímera banda Alacrán. Junto al bajista y vocalista de Alacrán, Iñaky Egaña, que con anterioridad había estado en Los Buenos, se unirían otros cuantos músicos para el álbum de debut que se editaría el siguiente año. Arbex sólo tocaría la batería en la grabación de este primer disco, conocido como Barrabas, Música caliente por ser el subtítulo de la cubierta posterior. Arbex nunca tocó la batería en directo con el grupo Barrabas, siendo el batería titular desde sus comienzos, José María Moll.
Arbex se limitó a la composición de canciones y a la producción. Desde el segundo álbum, Barrabas Power (1973), Iñaky Egaña fue sustituido por el vocalista José Luis Tejada. Egaña volvería a la formación en 1983 para la grabación del último álbum de la banda.
Uno de sus mayores éxitos, incluido en su primer álbum, fue “Woman”, que llegó a colocarse en las listas de éxitos de Norteamérica, Europa y Latinoamérica, llegando a número 1 en Canadá. En ese álbum también se encontraba “Wild safari”, otro éxito internacional y que dio nombre al álbum en algunos mercados como el francés. En el álbum Release Barrabas (Soltad a Barrabas en España), publicado en 1974, se encontraba “Hi-jack”, éxito internacional que fue versionado con gran éxito por Herbie Mann. El tema fue número 1 en España durante varias semanas y se colocó también en las listas internacionales, llegando a número 1 en las listas de música negra norteamericanas.
En 1975, con el creciente éxito de la música Disco, fueron unos de los primeros en editar un tema en el novedoso por aquel entonces formato maxi single. El tema elegido fue “Mellow Blow” del álbum Heart of The City en el sello norteamericano Atlantic. No sería el único ya que debido al éxito siguieron editando maxi singles en Atlantic como, el exitoso también, “Desperately” del álbum Watch Out en 1975, lo que los afianzó en el mercado de la música Funk-Disco.
Después de un paréntesis de cuatro años, en 1981 el grupo reapareció con una formación renovada, además de José María Moll como coproductor, batería y líder del grupo y la voz de José Luis Tejada, entraron a formar parte del grupo: Koky, Armando Pelayo y Susy Gordaliza. El resultado fue el álbum Piel de Barrabas del que se extrajeron éxitos internacionales como “On The Road Again” o “Please Mr.Reagan, Please Mr.Breznev”. En 1982 salió el álbum Bestial. El último álbum en el que intervino Arbex como productor, fue Forbidden 1983 con nueva formación: José María Moll, Iñaky Egaña y Miguel Morales.
Posteriormente y tras años de actuaciones y con la formación anterior sale al mercado en formato CD Barrabas Power – Abraxa 1993 con Solera Discos, que recopila los éxitos internacionales del grupo de los años 70 y 80 y, además, temas nuevos. En el año 1997 el sello Solera Discos edita el CD titulado Barrabas Grandes Éxitos con los temas de siempre remasterizados. En 2000, CNR Music edita el doble álbum CD Barrabas Vive que recopila grandes éxitos y temas inéditos en español.
En el año 2000 el sello de Andorra Disconforme, reeditó los álbumes en formato CD con el nombre de “Barrabas the original” (debido a problemas con la titularidad del nombre “Barrabas” que acabó registrando un ex-miembro del grupo) , conservando los contenidos musicales originales y sacando todo el brillo de su grabación original, pero cambiando el nombre de los álbumes (como en el caso de Watch Out que se asigna al Barrabas de 1977) así como algunas de las portadas originales. El autor de su remasterización fue el fundador y productor del grupo así como el autor de la mayoría de sus éxitos Fernando Arbex.
Discografía
Barrabás (Wild Safari para el mercado internacional) (RCA Victor, 1972).
Power (Ariola, 1973).
¡Soltad a Barrabás! (Release Barrabas para el mercado internacional) (Ariola, 1974).
Heart of the City (Ariola, 1975).
Watch Out (Ariola, 1976).
Barrabas (Ariola, 1977). (Titulado Swinger en algunos mercados)
Piel de Barrabas (Columbia Records, 1981).
Bestial (Columbia Records, 1982).
Forbidden (CBS, 1983).
Recopilaciones y reediciones
Barrabas Power – Abraxa CD (Solera Discos, 1995).
Barrabás Grandes Éxitos CD (Solera Discos, 1997).
Wild Safari CD (Disconforme, 2000).
Power CD (Disconforme, 2000).
Soltad a Barrabás CD (Disconforme, 2000).
Barrabas Vive CD (CNR Music, 2001).
Check Mate CD (Disconforme, 2000). Contenido de Heart Of The City con portada distinta.
Desperately CD (Disconforme, 2000). Contenido de Watch Out con una portada inspirada en la de Piel de Barrabas cambiando el color.
Watch Out CD (Disconforme, 2000). Contenido del Álbum Barrabas de 1977.
Piel de Barrabás CD (Disconforme, 2000).
Bestial CD (Disconforme, 2000).
Forbidden CD (Disconforme, 2000).
Singles Collection CD (Divucsa Music, 2001). Recopilación de singles, falsamente remasterizados, ya que son grabaciones en su mayoría completamente nuevas.
70’s Los años jóvenes – La colección CD (Divucsa Music, 2002).
Musica Caliente (Vampi Soul, 2005). Recopilación en doble vinilo.
Barrabas, Sus primeras grabaciones (1972-1975) Doble CD (RAMA LAMA, 2005).
Miembros
José María Moll (Batería y voz)
Iñaky Egaña (Bajo y voz)
Miguel Morales (Guitarra eléctrica y voz)
Antiguos miembros
Ernesto Duarte (Percusiones y saxofón)
Ricky Morales (Guitarra solista)
Juan Vidal (Órgano Hammond)
José Luis Tejada (Voz)
Koky (Guitarra solista)
Armando Pelayo (Teclado)
Susy Gordaliza (Bajo eléctrico)
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Antonio Vega
Antonio Vega Tallés (Madrid, 16 de diciembre de 1957 – Majadahonda, Madrid, 12 de mayo de 2009 ) fue un autor, escritor, compositor y cantante español. En 1978 formó junto a su primo Nacho García Vega el grupo Nacha Pop, originado en otra banda, Uhu Helicopter, de la que provenían ambos. Su disco de presentación se editó en 1980, separándose el grupo en 1988 tras una exitosa carrera con seis álbumes de estudio y uno en directo. Vega comenzó entonces su carrera como solista, en la que editaría cinco discos de estudio, un álbum en directo y un recopilatorio de colaboraciones con otros artistas.
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Antonio Vega fue el tercero de seis hermanos de una familia de clase media-alta madrileña; su padre era un afamado médico traumatólogo. De carácter inquieto, destacó pronto en casi cualquier disciplina, tanto en las físicas como en las intelectuales. En unas pruebas psicológicas puntuó 168 de cociente intelectual.3 Estudió en el Liceo Francés de Madrid, donde actuó por primera vez a los 14 años.
Inició diferentes estudios, que no llegó a terminar: arquitectura, sociología, pilotaje de aviones. En 1977 cumplió su servicio militar en Valencia, durante el cual compuso su canción más conocida, Chica de ayer. Finalmente, en 1978 entraba a formar parte de Nacha Pop, que se formaba entonces con exmiembros de Uhu-helicopter, la banda de Nacho García Vega, con la que Antonio ya tocaba ocasionalmente antes de irse a la mili.
La carrera en solitario de Antonio Vega comenzaría marcada por su etapa anterior, de la que saldría como un músico consagrado y muy respetado por sus compañeros de profesión. Así pues, el músico mantendría la misma línea de creación durante su etapa de solista, aunque acentuando en algún sentido su vocación más intimista, quizá por la ausencia de la influencia musical de García Vega.
Su primer disco en solitario data de 1991 y llevó por título No me iré mañana. En él se mezclan temas más poperos, como Esperando nada (que más tarde versionaría la cantante chilena Nicole y que daría lugar a un álbum homónimo, el segundo de la cantante desde 1989), Háblame a los ojos o Lo mejor de nuestra vida, con temas más próximos a un estilo de la denominada canción de autor, como Tesoros o Se dejaba llevar por ti, canción de la cual el propio músico reconocería que hacía alusión a su adicción a la heroína.
En 1992 se publicó un recopilatorio que mezclaba algunas de sus mejores canciones de la época de Nacha Pop con temas de su primer disco como solista. Se incluía asimismo una versión de la canción Ansiedad, de Chelique Sarabia, y una maqueta de otro de sus temas más conocidos, El sitio de mi recreo, que también daba nombre al disco.
Su siguiente trabajo, Océano de sol, vería la luz en 1994, cuando Vega se desplazaría hasta Inglaterra para trabajar con Phil Manzanera, ex guitarrista de Roxy Music y productor musical que se ocuparía de la producción del disco. Sin embargo, Vega no quedó satisfecho con el trabajo de Manzanera, atribuyendo a este falta de profesionalidad, así como diferencias en la concepción del trabajo. Del disco destacan temas como Vapor, Palabras o una segunda versión más trabajada de El sitio de mi recreo.
Al año siguiente colabora en el primer disco tributo a Joan Manuel Serrat, que llevaría por nombre Serrat, eres único (1995), con el Romance de Curro el Palmo. También participó en 1997 en el Tributo a Queen, con el tema Días que no volverán, versión en español de la canción These are the days of our lives publicada por la banda británica en su álbum Innuendo, de 1991. Mientras se grababa este álbum, el vocalista de Queen Freddie Mercury vivía sus últimos meses de vida antes de fallecer de SIDA el 24 de noviembre de 1991.
Tras un silencio de cuatro años se publica el disco Anatomía de una ola, más acústico y tranquilo que los anteriores. En él se recogen temas como Ángel caído, dedicada a Vincent Van Gogh o Como la lluvia al sol, canción ya grabada por Luz Casal en su álbum de 1995 Como la flor prometida. En este disco se hallaba también una versión de Agua de río, del grupo Sonora, compuesto entre otros por varios amigos de Vega, Basilio Martí y Nacho Béjar, muy influenciados por aquel en su único LP, Arquitectura de la soledad.
Con la muerte en 1999 del líder de Los Secretos Enrique Urquijo la banda publica un disco homenaje con el título A tu lado, y en el cual Vega interpretó la canción Agárrate a mí, María.
Tras una etapa con la discográfica Polydor se produce su fichaje por EMI, que edita en 2001 De un lugar perdido, un disco corto en el que destacan temas como Estaciones, Para bien y para mal o A trabajos forzados, poema de Antonio Gala al cual pone música. Ese año también colabora con Jarabe de Palo en el tema Completo, incompleto, dentro del disco De vuelta y vuelta.
En 2002 publica su particular Básico, basado en un concierto acústico ofrecido el 5 de julio de 2001 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y en el que incluye tanto versiones de su repertorio clásico como algún tema inédito.
A finales de 2003 participa como solista en el tributo a la banda española Hombres G, interpretando la canción La carretera. Esta versión fue una de las incluidas en Escapadas, disco que salió al mercado en 2004 y en el cual contaba con colaboraciones de otros artistas como Amaral, con los que canta Cómo hablar; Pau Donés, con quien cantaba a dueto Completo, incompleto, o Elefantes, con los que realiza una versión de Que yo no lo sabía. También en ese mismo año participa en el homenaje colectivo al poeta Pablo Neruda en su centenario, que llevaba el título de Neruda en el corazón. La muerte de su compañera sentimental Marga (Margarita del Río), el 11 de febrero de 2004, con la que llevaba desde finales de los noventa y coautora de algunos de sus temas, supone un duro golpe para Vega, que sufrió seguidamente una neumonía que le tuvo hospitalizado. E incluso le llevó a atravesar un periodo de depresión. Posteriormente compondría su último disco en solitario, 3000 noches con Marga, editado en 2005, en el que se incluyen temas como Ángel de Orión, Caminos infinitos, Pasa el otoño o la instrumental 3000 noches con Marga.
En 2007 Antonio se reúne con Nacho García Vega y deciden volver al escenario como Nacha Pop en una gira por España, además de su aparición en el DVD Historia sinfónica del pop español junto a Germán Coppini, Javier Andreu, José María Granados y otras leyendas del pop español. También colaboraría en el tema Ahora qué de Conchita, incluido en su álbum de debut, Nada más. En marzo del mismo año graba a dúo con Miguel Bosé una versión de El sitio de mi recreo que el cantante incluiría en el disco conmemorativo Papito.
El proyecto valenciano Escoles de Nicaragua, que tenía como objetivo recaudar fondos con destino a la construcción de infraestructura educativa en el país centroamericano, le lleva a participar en Un sueño compartido, disco que el grupo Un Mar al Sur realizó para este fin.
Tras acabar la gira con Nacha Pop vuelve a su carrera en solitario y continúa dando conciertos, orientando en los últimos tiempos su gira a los escenarios teatrales con el respaldo de una banda en la que estaba Basilio Martí, que también era su representante musical. Esta serie de conciertos estaba pensada para dar lugar a un nuevo disco en directo. En marzo de 2009 presentó, en el que sería a la postre su último concierto, una de sus últimas composiciones: Antes de haber nacido. Su último concierto tuvo lugar el 28 de marzo de 2009 en el Kafe Antzokia de Bilbao.
Antonio Vega tenía desde los ochenta graves problemas con la drogodependencia, un hecho que con el tiempo había dejado de ser un secreto para el público, debido a su deterioro físico, para convertirse en un componente más de su aura de cantante maldito.
El 20 de abril de 2009 fue ingresado en el Hospital Puerta de Hierro de Madrid debido a una neumonía aguda que le obligó a suspender su gira. Falleció el 12 de mayo siguiente, a los 51 años de edad, a consecuencia de un cáncer de pulmón que le habían diagnosticado meses antes.
Con Nacha Pop
Álbumes de estudio
1980: Nacha Pop (Hispavox, 1980)
1982: Buena disposición (Hispavox, 1982)
1983: Más números, otras letras (DRO, 1983)
1985: Dibujos animados (Polydor, 1985)
1987: El momento (Polydor, 1987)
EP
Una décima de segundo (DRO, 1984)
Álbumes en directo
1988: Nacha Pop 1980-1988 (Polydor, 1988)
2008: Tour 80-08 Reiniciando
Recopilatorios
1996: Bravo. Editado solo en México
1997: Lo mejor de Nacha Pop, Rico y Antonio Vega
2003: Un día cualquiera. Colección de canciones
2005: La más completa colección
En solitario
Álbumes de estudio
1991: No me iré mañana
1994: Océano de sol
1998: Anatomía de una ola
2001: De un lugar perdido
2005: 3000 noches con Marga
Álbumes en directo
2002: Básico (concierto acústico en el Círculo de Bellas Artes de Madrid)
2012: Antes de haber nacido (selección de grabaciones de su última gira)
Recopilatorios
1992: El sitio de mi recreo (recopilatorio de sus mejores baladas)
2004: Autorretratos (recopilatorio)
2004: Escapadas (disco de colaboraciones)
2009: Canciones 1980-2009 (recopilatorio póstumo)
Con Un Mar al Sur
2008: Un sueño compartido
Homenajes
1993: Ese chico triste y solitario
2010: El alpinista de los sueños
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Ana María Drack
Ana María Drack es una cantante, compositora y poetisa española nacida en la ciudad de Elche.
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Sus inicios artísiticos se encuentran en el campo de la interpretación. Comenzó como actriz aficionada y llegó a fundar el grupo de teatro Los goliardos en la década de los setenta. Paralelamente comienza a componer e interpretar canciones.
En 1969, quedó finalista en el concurso de televisión Tres música tres y en 1972 editaba su primer álbum, Despacio. Un año más tarde, ya con la discográfica Philips, grababa Dime que no es verdad, un disco intimista que canta a la soledad y a los fracasos amorosos.
Iniciada la Transición española, salían a la luz dos nuevos LP: Enhorabuena, en 1976, y Está prohibido, en 1978. Contenían algunos temas que se hicieron populares en su momento, como La del metro y Asientos individuales.
En la década de los ochenta, se retira de la canción y centra su actividad en la literatura, editando en 1984 su primer libro: Poemas con patatas y una margarita, al que siguieron Diario de un año sin luna, De dos en dos y Cuarto de hora.
Es miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música.
Estuvo casada con el director teatral Angel Facio, con quien tuvo dos hijas, Judith y Silvia.
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Ana Belén
Ana Belén, cuyo nombre real es María del Pilar Cuesta Acosta (n. Madrid, España; 27 de mayo de 1951), es una cantante, actriz y directora española. Está casada con el cantautor asturiano Víctor Manuel, su pareja artística en muchas ocasiones. Tras más de cuarenta años de profesión, su carrera artística cuenta con más de cuarenta películas, una veintena de obras de teatro y más de treinta y cinco discos.
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Ana Belén tiene una de las más importantes y reconocibles voces de la música hispana, y ha sido nominada en dos ocasiones al Grammy Latino.
Ana Belén se crió en el seno de una familia humilde en la calle del Oso, junto a la glorieta de Embajadores del barrio de Lavapiés (Madrid, España). Es la mayor de tres hermanos. Su padre era cocinero en el Hotel Palace y su madre, portera de una finca. Pasaba los veranos de su niñez en Cabezuela (Segovia), donde ejercía su abuela paterna, Matilde Bravo, de maestra en la escuela del pueblo. Estudió en el colegio de las Damas Apostólicas; allí tuvo su primera salida a escena para actuar en un cuento que se titulaba El enanito saltarín. Desde muy pequeña sintió una vocación artística y por ello, al mismo tiempo que estudiaba solfeo y piano con el maestro Estebarena, que vivía en su misma calle, comenzó a inscribirse en concursos radiofónicos infantiles, algunos como Gran Vía o Conozca usted a sus vecinos, en los que cantaba canciones de moda como La novia, La flor de la canela, Nena, de Sara Montiel, o Tómbola, de Marisol. Participó en un concurso de Radio España a los diez años que se llamaba Vale todo, dirigido por Bobby Deglané, en la Gran Vía madrileña; se inscribió en el apartado de música moderna e interpretó La novia. Ese año no ganó el concurso, pero sí al año siguiente, con la canción La flor de la canela, famosa canción de la cantautora peruana Chabuca Granda, que cantaba por entonces con una gran repercusión María Dolores Pradera. Estuvo en otros concursos con Juan de Toro, en Radio Madrid, donde cantó cuatro canciones acompañada del maestro Aguayo (El ritmo de la lluvia, Cúlpale a la bossa nova, La novia y La flor de la canela).
En 1964 ya era conocida en las emisoras de radio como una nueva niña prodigio, con el nombre de Mari Pili Cuesta, al estilo de Rocío Dúrcal o Marisol, a quien Ana Belén admiraba mucho. A los 13 años grabó sus primeras canciones, de las cuales la más promocionada fue Qué difícil es tener 18 años. Pronto empezó a trabajar de forma fija en Radio Madrid para cubrir un hueco que había dejado Rocío Dúrcal, hasta que la productora Época Films se interesó por ella y le firmó un contrato por cuatro años para rodar cuatro películas musicales infantiles.
Álbumes de estudio
Tierra (1973)
Calle del Oso (1975)
La paloma del vuelo popular (1976)
De paso (1977)
Ana (1979)
Con las manos llenas (1980)
Ana Belén (en italiano) (1981)
Ana en Río (1982)
Ana Belén (en portugués) (1982)
Géminis (1984)
A la sombra de un león (1988)
Rosa de amor y fuego (1989)
Como una novia (1991)’
Veneno para el corazón (1993)
Mírame (1997)
Lorquiana. Poemas de Federico García Lorca (1998)
Lorquiana. Canciones populares de Federico García Lorca (1998)
Peces de ciudad (2001)
Viva l’Italia (2003)
Anatomía (2007)
A los hombres que amé (2011)
Con otros artistas
Para la ternura siempre hay tiempo (con Víctor Manuel) (1986)
Ana Belén y Miguel Ríos cantan a Kurt Weill (con Miguel Ríos) (1999)
Recopilatorios
Lo mejor de Ana Belén (1979)
Grandes éxitos (1986)
26 grandes canciones y una nube blanca (1989)
20 éxitos (1996)
Ana Belén en Argentina (1999)
Los grandes éxitos…y mucho más (CD+DVD) (2008)
Álbumes en directo
Víctor y Ana en vivo (1983)
Mucho más que dos (2 CD) (1994)
El gusto es nuestro (1996)
Dos en la carretera (CD+DVD) (2001)
Una canción me trajo aquí (CD+DVD) (2005)
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Amistades Peligrosas
Amistades Peligrosas es un dúo musical español formado por Cristina del Valle (Asturias, 1960) y Manu Garzón (Antiguos miembros:
Alberto Comesaña). Hasta la fecha llevan vendidas alrededor de 2.000.000 de copias en España.
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Tras haberse conocido en una fiesta, Alberto y Cristina se fueron a vivir juntos a Madrid como pareja sentimental y formaron Amistades Peligrosas.
En sus dos primeros trabajos se explotó la imagen de pareja, caracterizada por la defensa de posturas liberales y transgresoras, con unas letras y unas actuaciones en directo que reflejaban una alta tensión sexual. En canciones como “Estoy por ti” o “Hágase tu voluntad”, para que no se les pudiera acusar de sexistas, ambos tenían un papel activo sin que predominase una parte masculina o femenina.
Su primer álbum, Relatos de una intriga, se publicó en 1991 y llegó a vender 300.000 copias en España, además de conseguir varios discos de oro y platino en Latinoamérica. Su primer single, “Estoy por ti”, se convirtió en uno de los mayores éxitos del dúo, el cual se utilizó en las campañas publicitarias de TVE y Coca-Cola de ese año. El segundo single del disco fue “Muy Peligroso”, continuando con la temática de pareja del grupo. Su tercer single, “Africanos en Madrid” fue un tema con el que fueron pioneros al hablar de la vida de los emigrantes en las grandes ciudades. Otras canciones promocionadas por el grupo fueron “Fe”, “Hágase tu voluntad” y “Sólo pienso en ti”, un tema de amor más convencional, versión del que grabaron Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán.
En 1993 grabaron La última tentación, con una mejor producción y letras más elaboradas. La temática era continuista aunque se daba un mayor énfasis a la temática social y al concepto del bien y del mal, abordando asuntos polémicos tan dispares como el sexo, las drogas, el aborto, la religión, las guerras, el fin del mundo o la igualdad del hombre y la mujer. Esta idea se reflejó en el símbolo que domina el diseño del disco, una superposición de un tridente y una cruz. El primer single fue “Me haces tanto bien”, una de sus canciones más emblemáticas y posiblemente su éxito más internacional. Tras él le siguieron otros singles muy populares como “Casi nunca bailáis”, “Lágrimas de Metal”, “¿Está Yayo?” y “Díselo a mi corazón”. Con este disco vendieron unas 400.000 copias en España y aumentaron aún más su presencia en Latinoamérica, con varios discos de oro y platino en países como México, Chile o Argentina entre otros.
Álbumes de estudio
1991 Relatos de una intriga (EMI) (+250.000 copias)
1993 La última tentación (EMI) (+400.000 copias)
1996 La profecía (EMI) (+350.000 copias)
1997 Nueva era (EMI) (+150.000 copias)
1998 Grandes éxitos (EMI) (+100.000 copias)
2003 La larga espera (Valemusic) (+50.000 copias)
2012 El arte de amar
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Amaral
Amaral es un grupo musical español de folk rock y rock originario de Zaragoza formado por Eva Amaral y Juan Aguirre. Por el momento, han vendido alrededor de 4 millones de copias de su discografía, compuesta por seis discos de estudio, una edición especial y dos dvd’s en directo, desde 1998 hasta la actualidad. Juan Aguirre define el sonido del grupo diciendo que está “en algún punto entre el punk-rock y el folk-rock’.
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Estrella de mar, su álbum más vendido, ocupa el vigésimo cuarto puesto en la lista de “Los 50 mejores discos del rock español”, confeccionada por la revista Rolling Stone, considerando que “supuso el despegue definitivo de Amaral, el disco que les llevó a la primera línea del rock español”. En otra lista de esa misma publicación, titulada “Las 200 mejores canciones del pop-rock español”, que engloba canciones de géneros muy dispares pero que forman parte de la memoria colectiva de España, aparecen “Sin ti no soy nada” en el puesto 67 y “Cómo hablar” en el puesto 128. Además, Eva Amaral está considerada una de las mejores vocalistas rock españolas.
A lo largo de su trayectoria musical, el grupo ha cosechado numerosos premios entre los que destacan tres Premios Ondas de la Música, diez Premios de la Música, dos MTV Europe Music Awards y el Premio Nacional de las Músicas Actuales.
Según cuenta el mismo grupo en un reportaje para El País, antes de formar Amaral, Eva estudió cinco años en la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza. Con 17 años y una carrera musical en potencia se matriculó en el ciclo de escultura. Se quedó a falta del proyecto. Además, servía copas en el “Azul Rock Café”. Estudió canto lírico cuando comprendió que iba a ser cantante. Primero en un centro cívico. Luego, la profesora, fascinada, la remitió a su maestra. “Cobraba un pastón por horas y yo no tenía parné…”. Le hizo una prueba y la admitió con descuento. Aguirre, por entonces estudiaba filosofía y grabó un álbum con su banda anterior, Días de Vino y Rosas, en 1990. Hasta se fueron de gira por Europa. Tuvieron un tema famoso, Biarritz. Eva y Juan se conocen en 1992 en la parte de atrás de un bar en Zaragoza. Ella tocaba la batería en un grupo de punk-rock local llamado Bandera Blanca. También era la voz solista de otra banda llamada Lluvia Ácida. Simón, el guitarrista de Lluvia Ácida, tenía un estudio casero de música para grabar maquetas, en el almacén. Simón llamó a Juan, para unos arreglos. “Quería que metiera unas guitarras muy en su onda”, cuenta Eva, “porque Juan siempre ha tenido un estilo muy peculiar, muy suyo”. Eso, la onda. Hubo amor, amistad y música desde el primer encuentro.
Al poco de conocerse se apuntaron al Conservatorio de Música para avanzar en solfeo. Sólo quedaban plazas libres en el curso de contrabajo. “Mmm… Está bien, adelante”, dijeron. Entre los cuatro alumnos se sortearon los dos únicos instrumentos que cedía el conservatorio para practicar. “Y de pronto me ve mi madre entrar a casa con un contrabajo enorme”, cuenta Eva. “Me encerraba en mi cuarto a practicar.” A Juan le tocó el otro. Se recorrieron todos los bares tocando. Estuvieron juntos cinco años antes de ser nada. Después empezaron a viajar esporádicamente a Madrid, luego pasaron temporadas más largas, durmiendo de prestado en casas de amigos; trabajaron en el sector de hostelería, y un largo etcétera, mientras actuaban en Libertad 8, en San Mateo 6, en El Rincón del Arte Nuevo y en La Boca del Lobo. Llegó el día en que Jesús Ordovás los pinchó por primera vez en Radio 3. Y el episodio en que un tipo se acerca después de un concierto y dice: “Hola, soy de la compañía Virgin, me gustaría hablar con vosotros…”. Entonces, en algún momento hace 10 años[1998], decidieron quedarse en Madrid.
Álbumes de estudio
1998 – Amaral
2000 – Una pequeña parte del mundo
2002 – Estrella de mar
2005 – Pájaros en la cabeza
2008 – Gato negro?Dragón rojo
2011 – Hacia lo salvaje
2015 – Nocturnal
Recopilatorios
2012 – 1998-2008
EPs
2009 – Granada
Álbumes en directo y DVD
2005 – El comienzo del Big Bang
2009 – La barrera del sonido
Ediciones especiales
2006 – Caja Especial Navidad
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Alicia de Larrocha
Alicia de Larrocha de la Calle, (Barcelona, 23 de mayo de 1923 – Barcelona, 25 de septiembre de 2009) fue una pianista española, reconocida como la de mayor proyección internacional, y una de las mejores intérpretes de piano del siglo XX especialmente en obras de Mozart y del repertorio español. Acumula entre otros premios, cuatro Grammy, la Legión de Honor francesa y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes de 1994. Además, era Académica de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de Nuestra Señora de las Angustias de Granada, donde representaba la letra B.
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Pianista precoz, empezó sus estudios musicales a la edad de tres años: Descubierta por Frank Marshall, discípulo de Enrique Granados, la incorporó a la prestigiosa Academia Granados, de la que era continuador. Allí conoció a Arthur Rubinstein, Alfred Cortot, Conchita Badia y otros grandes pianistas de la época. Cuando Marshall abandonó España en 1936 se vio obligada a proseguir sus estudios por su propia cuenta hasta 1939, cuando reanudó el trabajo con su maestro hasta la muerte de éste, continuando sus pasos al frente de su academia desde 1959.
Interpretó su primer concierto con seis años, en la Exposición Universal de Barcelona de 1929, y a los once participó en su primer concierto oficial, con la Orquesta Sinfónica de Madrid. A partir de 1939 ofreció conciertos con diferentes orquestas europeas, pero es en 1954 al protagonizar una gira por los Estados Unidos con la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, invitada por Alfred Wallenstein, cuando empieza su reconocimiento internacional por su impecable técnica al piano. Desde entonces, hasta el 2003 (año de su despedida de los escenarios), dio más de 3.500 conciertos por los 5 continentes, aunque fue en Norteamérica donde fue más requerida, haciendo 3 giras anuales (de tres meses cada una).
Alicia de Larrocha ha grabado multitud de obras al piano, pero es especialmente reconocida por sus interpretaciones de autores españoles. En particular, de composiciones de Manuel de Falla, Enrique Granados e Isaac Albéniz —autor este último al que estuvo ligada a lo largo de su vida, con sus versiones de la suite Iberia— o de ediciones como la de las sonatas de Antonio Soler, en 1967.
En 1950 contrajo matrimonio con, el también pianista, Juán Torra (fallecido en 1982) y tuvieron 2 hijos: Juán Francisco (1957) y Alicia (1959). Sólo tuvo una nieta, Claudia (1992).
En 1959, año del fallecimiento de su maestro Frank Marshall, fue nombrada Directora de la Academia Marshall, continuadora de la Academia Granados, donde además de supervisar la labor docente del centro impartía, cuando su dilatada agenda concertística se lo permitía, clases magistrales de piano, especialmente de música española.
La pianista falleció el viernes 25 de septiembre de 2009 en el Hospital Quirón de Barcelona a los 86 años como consecuencia de la evolución de un proceso cardiorrespiratorio.
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Alejandro Sanz
Alejandro Sánchez Pizarro (nacido el 18 de diciembre de 1968 en Madrid), es un cantautor y músico español. Ha vendido más de 25 millones de copias de sus discos en todo el mundo y ha ganado 15 premios Grammys Latinos y 3 Grammys anglo. Asimismo, ha realizado colaboraciones con diversos artistas.
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Su padre, Jesús Sánchez Madero era natural de Algeciras y su madre, María Pizarro Medina de Alcalá de los Gazules. A los 8 años se mudó al barrio madrileño de Moratalaz. Su pasión por la música empezó a muy temprana edad, aprendió a tocar la guitarra con 7 años y como el mismo Alejandro dice, viene de herencia, ya que su padre; Jesús Sánchez Madero era músico y formó parte de dos grupos musicales, 1 de ellos Los 3 de la Bahía.
Su carrera comenzó a finales de 1988, al grabar el disco Los Chulos Son Pa’ Cuidarlos a los 20 años, bajo el seudónimo de Alejandro Magno. Este disco de estilo Techno – Flamenco, contenía 10 temas y fue producido por Miguel Ángel Arenas. En la portada, Alejandro Magno aparece ataviado con un chaleco torero con «chorreras».
Para la contraportada, Alejandro elige otro traje de luces bajo el que deja ver una camiseta estampada con un smiley (el icono conocido popularmente «toi», estandarte del acid-house). Este disco lanzado bajo el sello de Hispavox, no contó con publicidad y actualmente es difícil conseguirlo en tiendas. Poco después, en 1990, participa junto a Tino Casal en el segundo disco de Juan Carlos Valenciaga, en el tema Como Un Placer.
Discos de estudio
1989: Los Chulos Son Pa’ Cuidarlos
1991: Viviendo Deprisa
1993: Si Tú Me Miras
1995: 3
1997: Más
2000: El Alma Al Aire
2003: No Es Lo Mismo
2006: El Tren De Los Momentos
2009: Paraíso Express
2012: La Música No Se Toca
Grabaciones en directo
1994: Básico
2001: Alejandro Sanz: MTV Unplugged
2007: El Tren De Los Momentos: En Directo Desde Buenos Aires
2010: Canciones Para Un Paraíso En Vivo
Recopilatorios y otras versiones
1995: 3, versión Italiana
1995: 3, versión Portuguesa
1998: Edición Especial Gira ‘98
1999: The Best Of Alejandro Sanz, lanzado sólo en USA
2001: Lo Esencial de…Alejandro Sanz
2004: Grandes Éxitos 91-04
2011: Colección Definitiva
Ediciones especiales
2001: El Alma Al Aire: Edición Especial
2004: No Es Lo Mismo: Edición Especial Gira
2006: Viviendo Deprisa: Edición 2006
2006: Si Tú Me Miras: Edición 2006
2006: 3: Edición 2006
2006: Más: Edición 2006
2006: El Alma Al Aire: Edición 2006
2006: No Es Lo Mismo: Edición 2006
2007: El Tren De Los Momentos: Edición Especial
2010: Paraíso Express: Edición Especial Gira
DVD
2001: Alejandro Sanz: MTV Unplugged
2001: El Alma Al Aire En Directo
2002: El Concierto Tour Más ‘98
2004: Gira No Es Lo Mismo 2004
2007: El Tren De Los Momentos: En Directo Desde Buenos Aires
2010: Canciones Para Un Paraíso En Vivo
2011: Colección Definitiva
Alarma
Alarma!!! fue un grupo de rock español formado por Manolo Tena (voz y bajo), José Manuel Díaz (batería) y Jaime Asúa (guitarra).
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El grupo, formado por algunos de los integrantes del extinguido Cucharada y en el que en un primer momento la crítica vio paralelismos con los británicos The Police, debutó como telonero en un concierto de la banda Leño en el año 1984.
Ese mismo año publican su primer álbum, Alarma!!!, con la discográfica Mercury, aunque sin grandes repercusiones en el mercado de ventas. Un año después lanzan el que sería su segundo y último LP con el título de En el lado oscuro. El disco contenía títulos importantes y recordados como Marilyn (popularizada años más tarde por Ana Belén e incluida en el disco Mucho más que dos) y Frío (que versionarían con gran éxito grupos como Los Secretos, Enrique Villareal “el drogas” o Barricada con Aurora Beltrán). Pocos meses después tuvieron ocasión de interpretar sus canciones ante el público al actuar de teloneros en la gira de Miguel Ríos Rock en el ruedo.
Tras esa experiencia, el grupo terminaría disolviéndose. Tena inicia una carrera en solitario y Díaz y Asúa se convierten en músicos de acompañamiento para giras de otros grupos.
Albumes de estudio
Alarma (1984)
En el lado oscuro (1985)
Recopilatorios
Alarma (1994)
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Afónicos
Banda de rock formada en 1989 por Kike Romero (bajo y voz), José Luís López (guitarra), Paco Dacoy (guitarra) y Javito González (batería). Rock puro de poderosas guitarras con riffs que enganchan, contundente base rítmica y letras desenfadadamente comprometidas en inglés, lengua madre del rock.
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A finales de 1989 registran su primer demo, que cayó en manos de Mario Gil, ex de La Mode, quien a su vez se lo hizo llegar a Servando Carballar. Gracias a ello consiguen fichar por La Fábrica Magnética. Añadiendo un par de sesiones en directo el disco se completaba a principios de 1990, contando con la producción de José Collantes, de Siniestro Total, y José Rayuela.
Trabajan en estos años con Ollie Halsall (Kevin Ayers) en la preparación de su 2º Trabajo, que no cuaja debida a la inesperada desaparición de este gran músico y productor. Después de 3 años actuando por todos los bares y clubes rockeros de la geografía española, graban, en 1992, unas demos que servirían para el siguiente disco, pero problemas jurídicos de la discográfica hicieron que este, su segundo trabajo, se retrasase hasta llegado el año 1995.
Por fin entran en los estudios de La Nave, con José Collantes y repitiendo a la producción acompañado por Virgilio López de Radio Futura, Rafa Rubio ,Gerardo Calvo y la propia banda, la grabación ha sido remasterizada por Goar Uñaurrieta, el guitarrista de 21 Japonesas, y se espera su lanzamiento al mercado en breve, con la inclusión de nuevos temas. En realidad nunca han dejado de tocar ya que se reúnen periódicamente para revisitar sus propios temas u otros ajenos, y el pásado verano de 2008 se presentaron en la xv edición de Molina Rock junto con Reincidentes ,Telephunken y Athanai, constatando sobradamente su solvencia musical, validez en escena y, lo más importante, conexión con el público..
Extracto de MySpace
