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Bruce Springsteen
Bruce Frederick Joseph Springsteen (Long Branch, Nueva Jersey, 23 de septiembre de 1949), más conocido como Bruce Springsteen, es un cantante, músico y compositor estadounidense.
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Apodado a menudo The Boss —en español: El jefe—, Springsteen es ampliamente conocido por su trabajo con el grupo The E Street Band y considerado uno de los artistas más exitosos de la música rock, con ventas que superan los 64,5 millones de álbumes en los Estados Unidos y más de 120 millones a nivel mundial, y un total de diez discos números uno, un registro solo superado por The Beatles y Jay-Z.
Springsteen comenzó su carrera musical a finales de la década de 1960 tocando con grupos como Steel Mill y Dr. Zoom & the Sonic Boom. En 1972 firmó un contrato discográfico con Columbia Records y publicó Greetings from Asbury Park, N.J., su primer álbum de estudio con el respaldo de The E Street Band, su principal grupo de apoyo en sucesivos trabajos. A lo largo de su trayectoria musical, que abarca más de cinco décadas hasta la actualidad, ha publicado trabajos como Born to Run (1975), Darkness on the Edge of Town (1978) y The River (1980), valorados por la crítica musical como tres de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos. Además de su faceta como músico de rock, Springsteen grabó varios trabajos orientados al folk como Nebraska (1982), The Ghost of Tom Joad (1995) y Devils & Dust (2005).
Su popularidad se consolidó con el lanzamiento de Born in the U.S.A. (1984), un álbum que vendió más de quince millones de copias en los Estados Unidos y alcanzó el primer puesto en varios países, incluyendo Estados Unidos y el Reino Unido.7 8 Desde entonces, y a pesar de no trabajar con la E Street Band en trabajos como Human Touch y Lucky Town, la mayoría de sus discos han obtenido un elevado respaldo comercial, con un total de seis números uno en su país natal entre el lanzamiento de Tunnel of Love (1987) y de Wrecking Ball (2012).
En general, las canciones de Springsteen reflejan letras con aspectos autobiográficos, principalmente sentimientos centrados en Asbury Park o Nueva Jersey, o relatos de personajes ficticios o novelescos que se enfrentan a retos o a puntos de inflexión en sus vidas. También suele incluir preocupaciones económicas, sociales y políticas en composiciones como «Born in the U.S.A.», «American Skin (41 Shots)», «Devils & Dust» y «Jack of All Trades», entre otras. Ha sido además uno de los artistas más críticos con la política exterior de su país en relación con la invasión y posterior guerra de Irak, y participó en la gira Vote for Change para pedir el voto por John Kerry.
La trayectoria musical de Springsteen ha sido reconocida con varios premios, incluyendo 20 premios Grammy, dos Globos de Oro y un Óscar, y en 1999, entró en el Salón de la Fama del Rock and Roll. En 2004 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 23 de la lista de los mejores artistas de todos los tiempos, y cuatro años más tarde, en la posición 36 de la lista de mejores cantantes de todos los tiempos. Su trabajo más reciente, High Hopes, fue publicado el 14 de enero de 2014, habiendo sido difundido vía streaming por el mismo Springsteen gracias a su participación en la banda sonora de un capítulo de una famosa serie estadounidense.
Bruce Frederick Joseph Springsteen pasó su infancia y sus años escolares en Freehold Borough, Nueva Jersey.12 Su padre, Douglas Frederick Springsteen, fue un conductor de autobús de ascendencia neerlandesa e irlandesa. Su madre, Adele Ann Zirilli, era una secretaria con antepasados italianos
Educado en un ambiente católico, Springsteen asistió a la escuela parroquial de St. Rose of Lima en Frehold Borough, donde su temprano temperamento chocó tanto con la estricta moral del colegio como con otros estudiantes. En el noveno curso, se trasladó a la escuela regional secundaria pública de Freehold, donde su disconformidad, a pesar de finalizar los estudios, se haría patente a lo largo de los últimos años, llegando incluso a evitar su propia ceremonia de graduación. Durante pocos meses, acudió al Ocean County College, aunque finalmente lo abandonó.
La inspiración para dedicarse a la música le vino cuando vio actuar a Elvis Presley en el programa televisivo The Ed Sullivan Show. A la edad de 13 años, compró su primera guitarra por 18 dólares, y a los 16 su madre consiguió un préstamo para comprarle una guitarra Kent que costaba 60 dólares, evento que rememoraría años más tarde en su canción «The Wish». En 1965, se convirtió en guitarrista del grupo The Castiles, en el que posteriormente asumiría también el papel de vocalista principal. The Castiles grabó dos canciones en un estudio de grabación público en Brick Township, Nueva Jersey, y llevó a cabo varios conciertos, incluyendo el local Cafe Wha? de Greenwich Village.
A finales de los años 60, Springsteen participó brevemente en un trío musical conocido como Earth, tocando en clubes de Nueva Jersey. Durante este periodo, Springsteen adquirió el sobrenombre de «The Boss» debido a su trabajo a la hora de percibir el pago en los conciertos y de distribuirlo entre sus compañeros.Entre 1969 y 1971, Springsteen llevó a cabo conciertos en el entorno de Nueva Jersey acompañado del guitarrista Steve Van Zandt, el organista Danny Federici, el batería Vini López y el bajista Vinnie Roslin en una banda conocida como Child, aunque posteriormente renombrada como Steel Mill (con la adición del guitarrista Robbin Thompson). En enero de 1970, el crítico musical del San Francisco Examiner Philip Eldwood dio cobertura mediática a Springsteen y a su banda Steel Mill, escribiendo: «Nunca he estado tan abrumado por un talento totalmente desconocido». Elwood alabó su «musicalidad cohesionada» y, en particular, señaló a Springsteen como un «compositor muy impresionante».
Durante este periodo de tiempo, Springsteen también ofreció conciertos en clubes de Asbury Park, adquiriendo progresivamente un séquito de culto. Con la adición del pianista David Sancious, el núcleo de lo que más tarde se convertiría en la E Street Band ya estaba formado, con ocasionales aportes de una sección de vientos, un grupo vocal femenino conocido como The Zoometes y Southside Johnny Lyon en la armónica. Por otra parte, su prolífica capacidad de escribir canciones sirvió para llamar la atención de varias personas que llegarían a cambiar su vida en adelante: Mike Appel y Jim Cretecos, sus posteriores representantes, y el productor de Columbia Records John H. Hammond, quien, bajo presión de Appel, llamó a Springsteen para una audición en mayo de 1972.
Springsteen firmó un contrato discográfico con Columbia Records en 1972 gracias a la ayuda de John H. Hammond, quien había contratado a Bob Dylan para el mismo sello una década antes. Su álbum debut, Greetings from Asbury Park, N.J., publicado en enero de 1973, estableció a Springsteen como un favorito de la crítica musical, a pesar de que las ventas fueron escasas. Debido a su influencia lírica y a la música orientada hacia el folk rock en temas como «Blinded by the Light» y «For You», la crítica comenzó a comparar a Springsteen con Bob Dylan. Al respecto, el editor de la revista Crawdaddy, Peter Knobler, escribió en marzo de 1973: «Él [en referencia a Bruce] canta con una frescura y una urgencia que no escuchaba desde que fui noqueado por «Like a Rolling Stone»». Por su parte, Lester Bangs escribió en Creem en 1975 que cuando Springsteen había publicado su primer álbum, «muchos de nosotros le desestimamos: escribía como Bob Dylan y Van Morrison, cantaba como Van Morrison y Robbie Robertson, y lideraba una banda que sonaba como la de Van Morrison». El tema «Spirit in the Night» mostraba especialmente la influencia de Morrison en Springsteen, mientras que «Lost in the Flood» supuso el primero de los numerosos retratos de los veteranos de Vietnam.
En septiembre de 1973, su segundo álbum, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle, fue publicado y elogiado nuevamente por la crítica musical, aunque su recibimiento comercial fue tibio. Las canciones de Springsteen comenzaron a adaptarse en forma y alcance, con la E Street Band proveyendo un sonido más cercano al R&B en detrimento del folk.
El 22 de mayo de 1974, el crítico musical Jon Landau escribió en The Real Paper tras ver a Springsteen en un concierto en el Harvard Square Theater: «Vi el futuro del rock and roll, y su nombre es Bruce Springsteen. Y en una noche en la que necesité sentirme joven, él me hizo sentir como si escuchara música por primera vez». Landau se convertiría en el representante y productor musical de Springsteen, ayudándole a finalizar su nuevo trabajo, Born to Run. A pesar de contar con un elevado presupuesto a gastar con el objetivo de crear un álbum comercialmente viable, Springsteen comenzó a estancarse en el proceso de grabación. Su grabación fue desarrollada en 14 meses, seis de los cuales fueron dedicados a la canción «Born to Run». Durante este tiempo, Springsteen se sintió frustrado, llegando a decir que escuchaba «sonidos en su cabeza» que no era capaz de explicar al resto de músicos en el estudio. Su principal ayuda fue Steve Van Zandt, quien ayudó a Bruce a organizar el sonido, especialmente en la sección de vientos en «Tenth Avenue Freeze-Out», siendo finalmente añadido al elenco de la E Street Band.
Se considera que la E Street Band fue formada en octubre de 1972, si bien no fue conocida de forma oficial hasta septiembre de 1974. Entre 1988 y 1999, y a excepción de una breve reunión en 1995, el grupo permaneció inactivo.
Álbumes de estudio
1973: Greetings from Asbury Park, N.J.
1973: The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle
1975: Born to Run
1978: Darkness on the Edge of Town
1980: The River
1982: Nebraska
1984: Born in the U.S.A.
1986: Live/1975-85
1987: Tunnel of Love
1992: Human Touch
1992: Lucky Town
1993: In Concert/MTV Plugged
1995: The Ghost of Tom Joad
1995: Greatest Hits
2001: Live in New York City
2002: The Rising
2005: Devils & Dust
2006: Hammersmith Odeon London ’75
2006: We Shall Overcome: The Seeger Sessions
2007: Live in Dublin
2007: Magic
2009: Working on a Dream
2012: Wrecking Ball
2014: High Hopes
Álbumes en vivo
1986 Live/1975-85
1993 In Concert/MTV Plugged
2001 Live in New York City
2006 Hammersmith Odeon London ’75
2007 Bruce Springsteen with The Sessions Band: Live in Dublin
2010 London Calling Live In Hyde Park
Álbumes recopilatorios
1995 Greatest Hits
1998 Tracks
1999 18 Tracks
2003 The Essential Bruce Springsteen
2009 Greatest Hits
2010 The Promise
2013 Collection: 1973–2012
Miembros actuales
Bruce Springsteen: voz, guitarra, armónica y piano.
Garry Tallent: bajo y tuba.
Max Weinberg: batería y percusión (desde septiembre de 1974).
Roy Bittan: piano, sintetizador y acordeón (desde septiembre de 1974).
Steven Van Zandt: guitarra principal, mandolina y coros (desde julio de 1975).
Nils Lofgren: guitarra, pedal steel, acordeón y coros (desde junio de 1984).
Patti Scialfa: guitarra acústica, percusión y coros (desde junio de 1984).
Soozie Tyrell: violín, guitarra acústica, percusión y coros (desde 2002).
Charles Giordano: órgano y acordeón.
Otros miembros
Vini «Mad Dog» López: batería (hasta febrero de 1974)
David Sancious: teclados (desde junio de 1973 hasta agosto de 1974)
Ernest «Boom» Carter: batería (desde febrero hasta agosto de 1974)
Suki Lahav: violín y coros (desde septiembre de 1974 hasta marzo de 1975)
Danny Federici: órgano, acordeón y glockenspiel (falleció el 17 de abril de 2008 a causa de un cáncer)
Clarence «Big Man» Clemons: saxofón, percusión y coros (falleció el 18 de junio de 2011 a causa de un derrame cerebral).
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Bruce Hornsby
Bruce Randall Hornsby (nacido el 23 de noviembre de 1954 en Williamsburg, Virginia) es un cantante, pianista, intérprete de acordeón y compositor, conocido por su canción de los ochenta «The Way It Is» y los éxitos de listas «Mandolin Rain» y «The Valley Road». Posteriormente su carrera se ha movido en una dirección menos comercial.
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Bruce Hornsby creció escuchando todo tipo de música. Estudió música en la Universidad de Richmond, Berklee y en la Universidad de Miami, en donde se graduó en 1977. Pasó después algún tiempo en Los Ángeles como músico de estudio y compositor antes de volver a Virginia.
En 1984 forma Bruce Hornsby and the Range y firman con RCA Records en 1985. Además de Hornsby, los miembros de The Range eran David Mansfield (guitarra, mandolina, violín), George Marinelli (guitarras y coros), Joe Puerta (bajo y coros) y John Molo (tambores).
La carrera de Hornsby comenzó con el mayor éxito que ha tenido hasta la fecha, la canción «The Way It Is». Con su ritmo pegajoso de piano y una letra que reflexionaba sobre los derechos civiles, llegó a lo más alto de las listas en 1986. En años posteriores la canción ha sido utilizada para obtener samples para artistas de rap o como cortina de introducción en programas radiales..
Gracias al éxito de esta canción, el álbum del mismo nombre se convirtió en un multiplatino y produjo otra canción dentro del Top 5 llamada «Mandolin Rain» (co-escrita con su hermano John). «Every Little Kiss» también funcionó muy bien en radio y en listas. El álbum definió lo que se conoció como el «sonido Virginia», una mezcla de rock, jazz, y bluegrass. Hornsby and the Range llegaron a ganar el Grammy al mejor nuevo artista en 1987.
El éxito y la fama continuaron con su segundo álbum Scenes From The Southside (en el cual Peter Harris reemplazó a Mansfield). Lanzado en 1988, tuvo canciones éxito como «Look Out Any Window» y «The Valley Road». La canción «Jacob’s Ladder» venía en este disco a pesar de haber sido escrita para su amigo Huey Lewis. La versión de Lewis fue un número uno de su álbum Fore!. Scenes fue un álbum exitoso en radio y en ventas, pero sería el último en lograr ese desempeño.
En 1988, Hornsby empezó a aparecer en escena con los Grateful Dead. Esta colaboración continuó de forma irregular hasta el final del grupo en 1995. En 1989 Hornsby co-escribió y tocó el piano en el éxito de Don Henley «The End of the Innocence».
El álbum A Night On The Town salío al mercado en 1990. En este se aprecia un cambio de estilo con más influencia de la guitarra y menos del piano. Después de este álbum el grupo se disuelve y cada miembro comienza una carrera en solitario.
En 1993 Bruce Hornsby lanza su primer álbum en solitario llamadoHarbor Lights, el cual presentaba una orientación más fuerte hacia el jazz especialmente por la inclusión de colaboradores de primera línea como Pat Metheny, Branford Marsalis, Jerry García, Phil Collins, y Bonnie Raitt. El disco abre con la canción del mismo nombre del álbum la cual contiene 50 segundos de solo de piano y cierra igualmente con la canción «Pastures of Plenty». la canción «Fields of Gray», escrita por Hornsby para sus recientemente nacidos gemelos tuvo algo de difusión radial.
Harbor Lights fue bien recibido por la crítica y por sus seguidores, pero Hornsby reconoció que sus días de éxito comercial habían pasado y que había sido realmente un accidente que su estilo de tocar al piano influenciado por McCoy Tyner le hubiera llevado al reconocimiento en listas.
En 1995 lanza Hot House con un sabor de jazz aún más amplio que su anterior disco y con colaboraciones nuevamente de Pat Metheny.
3 años más tarde decide lanzar al mercado un doble álbum llamado Spirit Trail, el cual presentaba una graciosa foto en portada de su tío. En este caso une y mezcla tonadas instrumentales con rock, jazz y con su capacidad de contar historias. En este disco Hornsby muestra un gran avance en su capacidad interpretativa al desarrollar temas de gran complejidad al piano como lo evidencia el tema «King of the Hill».
Hornsby posteriormente trabajó con algunos proyectos de los Grateful Dead, en el año 2000 lanzó el disco en vivo Here Come The Noise Makers y se dedicó a hacer giras.
No sería hasta 2002 que lanzaría un nuevo álbum llamado Big Swing Face en el cual deja el piano para ensayar sonidos nuevos con sintetizadores. «Big Swing Face» usaba de forma constante samples y loops con lo cual no fue muy bien recibido por sus seguidores.
Para el año 2004 y después de 19 años con el sello RCA, vuelve a un sonido más acústico y basado en piano en su primer álbum con Columbia Records llamado Halcyon Days. Este disco incluía invitados tales como Sting, Elton John y Eric Clapton. Un gran interprete de los años 80
Albumes
The Way It Is (1986)
Scenes From The Southside (1988)
A Night On The Town (1990)
Harbor Lights (1993)
Hot House (1995)
Spirit Trail (1998)
Here Come The Noise Makers (2000)
Big Swing Face (2002)
Halcyon Days (2004)
Sencillos
«The Way It Is» (1986)
«Mandolin Rain» (1987)
«Every Little Kiss» (1987)
«The Valley Road» (1988)
«Look Out Any Window» (1988)
«Across The River» (1990)
«Lost Soul» (1990)
«Fields Of Gray» (1993)
«Walk In The Sun» (1995)
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Los Brincos
Los Brincos fueron una banda española y filipina de música rock fundada en 1964 en Madrid, que obtuvo un enorme éxito entre ese año y 1968 (convirtiéndose en un auténtico fenómeno musical en su país). Tras diversos cambios de formación y evoluciones estilísticas, terminó disolviéndose en 1970.
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En su tiempo fueron conocidos como los Beatles españoles. Su imagen (al menos en los primeros tiempos), aunque inspirada en los grupos Beat británicos, incluía también elementos idiosincráticos y más o menos castizos, como las capas españolas o los cascabeles.
El grupo se creó en 1964. Sus componentes fueron Fernando Arbex, Manuel González, Juan Pardo y Antonio Morales, Junior. Fueron conocidos como «Los Beatles españoles», de ahí que el nombre del grupo se parezca fonéticamente al de la banda inglesa. En un principio se pensó en bautizar al grupo Las Ovejas Negras. Todos los discos de su primera etapa fueron número uno en las listas españolas.
Los Brincos nacieron a instancias de la discográfica española Zafiro, que trató de repetir en España el éxito de las bandas del beat británico, formando un conjunto que aunara las características del beat británico con la personalidad española. Luis Sartorius fue el encargado de reclutar a los miembros del grupo, procedentes de bandas pioneras del pop español, como Los Estudiantes y Los Pekenikes. Sartorius murió poco antes del lanzamiento, pero ya había sentado las bases de un proyecto que tuvo su plasmación en el estudio gracias a la producción de Mariní Callejo, que había formado parte de Los Brujos y con el tiempo sería considerada como una de las grandes productoras del pop melódico español de los 60 y 70.
De acuerdo con Jesús Ordovás, Los Brincos no tocaban realmente en sus propias grabaciones, sino que eran sustituidos por otros músicos. En realidad ellos mismos tocaban en el estudio, pero la leyenda nunca se pudo cambiar. También supuso otro momento polémico para el grupo cuando fue denunciado por plagio de uno de sus temas («Sola») en el año 65. Varias revistas de la época, como Diez Minutos, Fonorama o Disco Express se hicieron eco de la noticia.
Juan Pardo y Antonio Morales se separaron dos años más tarde para formar el dúo Juan y Junior. Los nuevos Brincos se recompusieron bajo el liderazgo de Arbex, con las entradas de Ricky Morales y Vicente Jesús Martínez, procedentes ambos del grupo Shakers.
Más tarde Vicente Martínez también abandonó la formación y lo sustituyó Miguel Morales, hermano de Junior y de Ricky. La última formación, a instancias de Arbex, se fue decantando hacia un rock más psicodélico, que en aquellos años estaba desbancando de las preferencias juveniles al beat. Así grabaron el disco conceptual Mundo, demonio, carne, también editado en inglés como World, Devil, Body. Su discreta recepción les decidió a disolver el grupo. Arbex formaría pronto Alacrán y posteriormente Barrabás.
En los años 2000 volvieron a aparecer Los Brincos, esta vez de la mano de Fernando Arbex y Miguel Morales. Se dedican a tocar sus grandes éxitos en diferentes galas y festivales.
El 5 de julio de 2003 falleció, a la edad de 62 años, Fernando Arbex.
Tras la muerte de Arbex, el grupo continúa realizando actuaciones con el nombre original aunque sin contar entre sus filas con ninguno de los miembros fundadores.
Discografía
Los Brincos (1965). (Reeditado en CD en 2001, BMG)
Brincos II (1966).
Contrabando (1968) — producido por Larry Page.
Mundo, demonio y carne (1970).
World, Evil & Body (1970) — versión en inglés del anterior.
Eterna juventud (2000).
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Brian May
Brian Harold May, CBE (19 de julio de 1947, Hampton, Gran Londres, Reino Unido), es un músico y astrofísico británico. Es conocido mundialmente por ser guitarrista, compositor, vocalista y en ocasiones teclista de la exitosa banda británica Queen.
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Compuso muchos de los grandes éxitos de Queen, y utiliza una guitarra eléctrica hecha por él mismo, llamada Red Special. Es considerado uno de los guitarristas más grandes y originales de la historia. En 2003 la revista Rolling Stone lo nombró como en el puesto 26 de su lista de los guitarristas más grandes de todos los tiempos. En 2011, la misma revista en una nueva lista, lo posicionó en el puesto número 26. En 2005 una entrevista de Planet Rock lo ubicó como el puesto 7 de los mejores guitarristas.
En 2005 fue nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico por sus «servicios a la industria de la música». May obtuvo un PhD en astrofísica en el Imperial College, y desde abril de 2007, fue elegido rector honorífico de la Universidad John Moores.
Nacido el 19 de julio de 1947 en Hampton, Londres, May es el único hijo de Harold y Ruth May. Desde niño mostró gran interés por la música y la astronomía. Comenzó a tocar el ukelele, instrumento que su padre tocaba muy bien. A los 7 años recibió de regalo su primera guitarra acústica. Su padre trabajó como dibujante en el Ministerio de Aviación, además su padre fue fumador por mucho tiempo. Como consecuencia, May detesta el tabaco, hasta tal punto de prohibirlo en sus más recientes conciertos.
Fue alumno de la Escuela Hampton, donde obtuvo altas notas en Física y Matemática. Durante sus estudios, conoció a Tim Staffel, con quién formó su primer banda, 1984, por la novela de George Orwell del mismo nombre.
Estuvo casado con Chrissie Mullen desde 1974, hasta 1988. Con ella tuvo a sus 3 hijos, Jimmy (nacido el 15 de junio de 1978), Louisa (nacida el 22 de mayo de 1981), y Emily Ruth (nacida el 17 de febrero de 1987). Luego de divorciarse de Chrissie, en 1988, comenzó una relación con la actriz Anita Dobson. Tras 12 años, se casaron, en 2000.
Ha dicho en entrevistas que sufrió de depresión a finales de los años ’80, hasta el punto de considerar el suicidio, por razones como su divorcio, considerando haber fallado como padre y esposo, la muerte de su padre, y la enfermedad de Freddie Mercury.
En 1968, mientras estudiaba en el Imperial College formó la banda Smile, con su compañero Tim Staffel como cantante y bajista. Tras dejar varios anuncios en la Universidad, solicitando un baterista, se les uniría Roger Taylor. Tras dos años, Staffel dejó la banda en 1970, con un repertorio de sólo nueve canciones. Finalmente, como vocalista se les unió un joven llamado Farrokh Bulsara, que se había declarado fan. El 22 de diciembre de 1992, durante un concierto de la banda de Roger, The Cross, Smile se reunió para interpretar 2 canciones: «Earth» y «If I Were A Carpenter».
En 1970, tras incorporar a Freddie Bulsara, ahora Freddie Mercury, nombraron a la banda como Queen. Luego de pasar por varios bajistas, comenzaron a buscar uno permanente, y así conocieron a John Deacon. Tras una audición, incorporaron a Deacon a la banda en mayo de 1971.
Junto a Mercury fueron los principales compositores de Queen. May, compuso canciones para todos los álbumes y varios de los éxitos mundiales de la banda, como «We Will Rock You, «Tie Your Mother Down», «Fat Bottomed Girls», «Keep Yourself Alive», «Who Wants to Live Forever?», «Hammer to Fall», «Save Me», «I Want it All», «The Show Must Go On» y «No-One But You (Only The Good Die Young)»
Como cantante en la banda se desempeñó en canciones como «Some Day One Day», «She Makes Me (Stormtrooper in Stilettos)», «’39», «Good Company», «Long Away», «All Dead All Dead», Leaving Home Ain’t Easy», «Sleeping On The Sidewalk», «Who Wants to Live Forever?», «I Want it All», «Let Me Live», y «No-One But You (Only The Good Die Young)»
Desde 2005 hasta 2009, Brian trabajó en el proyecto post-Queen, Queen + Paul Rodgers, que juntó a May y Taylor con Paul Rodgers, ex cantante de Free y Bad Company. Con esta banda realizaron un exitoso tour llamado «The Return of The Champions» (El regreso de los campeones) en el año 2005.
El 15 de septiembre de 2008, salió a la venta el primer disco de estudio de Queen+PR, titulado «The Cosmos Rocks»», y es el segundo bajo el nombre de Queen desde la muerte de Freddie Mercury, después de «Made in Heaven». El álbum contiene catorce canciones nuevas, incluyendo el exitoso single «Say It’s Not True».
A fines de 2008 finalizó el Tour Mundial «The Cosmos Tour», que los llevó por Europa, Asia, América del Norte, y fue motivo del retorno de May y Taylor a tocar en escenarios de Sudamérica. Tras finalizar la gira, Paul Rodgers anunció que terminaba de forma amistosa su colaboración con Queen.
May es conocido por rasguear las cuerdas con una moneda británica de seis peniques. Según él, con ella logra un sonido mucho más metálico y con más cuerpo. Sus solos de guitarra y riffs históricos estaban dotados de armonía, lo que Freddie hacía con la voz se puede decir que Brian lo hacía con su guitarra Red Special.
En 1983, los miembros de Queen experimentaron trabajos solistas. El 21 y 22 de abril en Los Ángeles, May grabó su primer trabajo solista; un mini EP titulado Star Fleet Project, en el que colaboró con Eddie Van Halen. En 1986 colaboró con Ramoncín tocando la guitarra en la canción «Como un susurro».8
El 5 de abril De 1992, cinco meses después de la muerte de Mercury, se organizó el «Concierto Tributo a Freddie Mercury», junto con Roger Taylor y John Deacon, con el fin de recaudar fondos para la cura del sida.
El 28 de septiembre del mismo año, editó su álbum Back to the Light que tuvo un gran éxito con canciones como «Too Much Love Will Kill You» y «Resurrection». A finales del año formó The Brian May Band, con miembros como Cozy Powell en la batería y Spike Edney en los teclados, saliendo a una gira mundial, que lo llevó a editar un álbum en vivo titulado «Live at the Brixton Academy».
Luego de que la gira promocional terminase el 18 de diciembre de 1993, May volvió junto con Taylor y Deacon, los miembros sobrevivientes de Queen, para grabar el trabajo final de la banda, Made in Heaven.
En 1998 editó su trabajo solista Another World. En 1999 compuso la banda sonora de la película «Furia», y en 2000 se lanzó el álbum de la misma.
En 2006 tocó junto a McFly las canciones «Don’t Stop Me Now» y «5 Colours in Her Hair» durante el Motion in The Ocean Tour.
May ha colaborado extensamente con la cantante y actriz de musicales Kerry Ellis, a quién conoció luego de que quedara seleccionada para interpretar uno de los papeles principales de la obra We Will Rock You. El ha producido en el primer EP de Ellis; Wicked in Rock, editado en el 2008. También produjo e interpretó todos los instrumentos y coros del primer álbum de Ellis; Anthems editado en el 2010. Desde entonces, comenzó a aparecer en la mayoría de las actuaciones de Ellis. En mayo de 2011 May empezó un tour, nombrado «Anthems Tour» por todo el Reino Unido junto a Kerry Ellis en el que interpretaron tanto canciones del último álbum de la cantante, como conocidísimas canciones de Queen. El tour empezó el día 1 de mayo de 2011 en la Royal Albert Hall de Londres en una doble actuación y acabó en la ciudad inglesa de Cranwell el 16 de julio de 2011, pasando por varias ciudades y poblaciones de toda Inglaterra, Escocia y Gales. Actualmente, ambos se encuentran trabajando en un nuevo álbum y tour europeo que se espera editar para el 2012.
Más recientemente, May colaboró tocando la guitarra en el sencillo «Yoü and I», de la cantante neoyorquina Lady Gaga, perteneciente al disco Born This Way. El 28 de agosto de 2011, interpretó la canción junto a la cantante (caracterizada de su álter ego masculino Jo Calderone), en los MTV Video Music Awards 2011, en el Nokia Theatre de Los Ángeles. El 26 de agosto de 2011 tocó «We Will Rock You» y «Welcome to the Black Parade», junto a la banda My Chemical Romance en el Reading Festival de Reino Unido.
Discografía con Queen
Álbumes de estudio
1973: Queen
1974: Queen II
1974: Sheer Heart Attack
1975: A Night at the Opera
1976: A Day at the Races
1977: News of the World
1978: Jazz
1980: The Game
1980: Flash Gordon
1982: Hot Space
1984: The Works
1986: A Kind of Magic
1989: The Miracle
1991: Innuendo
1995: Made in Heaven
Álbumes en vivo
1979: Live Killers
1986: Live Magic
1992: Live at Wembley ’86
2004: Queen on Fire: Live at the Bowl
2007: Queen Rock Montreal
Recopilatorios
1981: Greatest Hits I
1989: At the Beeb
1991: Greatest Hits II
1992: Classic Queen
1997: Queen Rocks
1999: Greatest Hits III
2006: Stone Cold Classics
2007: The A-Z of Queen, Volume 1
2009: Absolute Greatest
Sencillos
1973: «Keep Yourself Alive»
1974: «Liar»
1974: «Seven Seas of Rhye»
1974: «Killer Queen»
1975: «Now I’m Here»
1975: «Lily of the Valley»
1975: «Bohemian Rhapsody»
1976: «You’re My Best Friend»
1976: «Somebody to Love»
1977: «Tie Your Mother Down»
1977: «Good Old-Fashioned Lover Boy»
1977: «Teo Torriate (Let us Cling Together)»
1977: «Long Away»
1977: «We Are the Champions» / «We Will Rock You»
1978: «Spread Your Wings»
1978: «It’s Late»
1978: «Bicycle Race» / «Fat Bottomed Girls»
1979: «Don’t Stop Me Now»
1979: «Jealousy»
1979: «Mustapha»
1979: «Love of my Life (en vivo)»
1979: «We Will Rock You (en vivo)»
1979: «Crazy Little Thing Called Love»
1980: «Save Me»
1980: «Play the Game»
1980: «Another One Bites the Dust»
1980: «Need Your Loving Tonight»
1980: «Flash»
1981: «Under Pressure» (con David Bowie)
1982: «Body Language»
1982: «Las Palabras de Amor (The Words of Love)»
1982: «Calling All Girls»
1982: «Staying Power»
1982: «Back Chat»
1984: «Radio Ga Ga»
1984: «I Want to Break Free»
1984: «It’s a Hard Life»
1984: «Is This The World We Created…?»
1984: «Hammer to Fall»
1984: «Thank God It’s Christmas»
1985: «One Vision»
1986: «A Kind of Magic»
1986: «Princes of the Universe»
1986: «Friends Will Be Friends»
1986: «Pain Is So Close to Pleasure»
1986: «Who Wants to Live Forever»
1986: «One Year of Love»
1989: «I Want It All»
1989: «Breakthru»
1989: «The Invisible Man»
1989: «Scandal»
1989: «The Miracle»
1991: «Innuendo»
1991: «I’m Going Slightly Mad»
1991: «I Can’t Live With You» (solo en EEUU)
1991: «The Show Must Go On»
1991: «These Are The Days Of Our Lives»
1991: «Bohemian Rhapsody» / «These Are The Days Of Our Lives»
1991: «We Will Rock You (remix)» / «We Are the Champions (remix)»
1992: «Who Wants to Live Forever» / «Friends Will Be Friends»
1992: «We Are the Champions (en vivo)» / «We Will Rock You (en vivo)»
1992: «We Are the Champions» / «We Will Rock You» (relanzamiento)
1995: «Heaven for Everyone»
1995: «A Winter’s Tale»
1996: «I Was Born to Love You»
1996: «Too Much Love Will Kill You»
1996: «Let Me Live»
1996: «You Don’t Fool Me»
1997: «No-One but You (Only the Good Die Young)» / «Tie Your Mother Down»
1998: «We Are the Champions» (relanzamiento)
1999: «Under Pressure remix» (con David Bowie)
Discografía como solista
Álbumes de estudio
1983: Star Fleet Project (Mini LP)
1992: Back To The Light
1998: Another World
Álbumes en vivo
1993: Live At The Brixton Academy
1998: Red Special (álbum)
Bandas sonoras
2000: Furia
Sencillos
1983: «Star Fleet»
1991: «Driven By You»
1992: «Too Much Love Will Kill You»
1992: «Back to the Light»
1992: «We Are the Champions» (con Hank Marvin)
1993: «Resurrection»
1993: «Last Horizon»
1995: «The Amazing Spider-Man»
1998: «Business»
1998: «On My Way Up»
1998: «Another World»
1998: «Why Don’t We Try Again»
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Brian Eno
Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno, (nacido en Woodbridge, Suffolk, Inglaterra, el 15 de mayo de 1948) también conocido como Brian Eno o, simplemente, Eno, es un compositor de música electrónica y experimental inglés que empezó tocando con Roxy Music.
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Tras abandonar el grupo comenzó una carrera en solitario y, en conjunto con Robert Fripp, editan en 1978 Before and after Science, que sería el antecedente más sobresaliente, partiendo del art rock para su aporte más importante a la denominada música ambient y a todo tipo de experimentos de vanguardia. El propio término «música ambient» se acuñó a partir de su serie de álbumes inspirados en el muzak, entre ellos Music for Airports, The Plateaux of Mirror, Day of Radiance y On Land.
Posteriormente, se ha centrado cada vez más en las tareas de producción para otros artistas, tanto en grabaciones eclécticas de estrellas del pop y el rock, incluyendo Ultravox!, U2, los míticos Camel, Coldplay y James y ganando los premios BRIT de 1994 y 1996 al mejor productor, como de músicos de vanguardia a través de sellos como Opal.
Ha colaborado con David Byrne, ex componente de Talking Heads, en My Life in the Bush of Ghosts que fue uno de los primeros discos que no era de rap o hip hop en utilizar ampliamente samplings. Ha colaborado con David Bowie como letrista y compositor de la influyente «Trilogía de Berlín» de Bowie (Low, Heroes y Lodger), en su disco 1. Outside y en el tema «I’m Afraid of Americans.» Eno también ha colaborado con Robert Fripp (de King Crimson), Robert Wyatt en el CD Shleep, Jon Hassell y el dúo alemán Cluster. Tiene un hermano que también es músico, Roger Eno, con quien también ha colaborado.
Considerado un visionario y un innovador en muchos campos de la música, es alguien muy preocupado por el resto de las disciplinas artísticas, en especial de las instalaciones. Fue el compositor del archivo de sonido de inicio de sesión de Windows 95, que aún se encuentra en las versiones actuales como «The Microsoft Sound», y ha colaborado en el desarrollo del generador de música algorítmica K?an. También trabaja en el campo de las artes visuales.
En 1996 Brian Eno, entre otros, fundó la Long Now Foundation, con el fin de enseñar a la gente a pensar sobre futuro de la sociedad a muy largo plazo. Es también columnista en el periódico inglés The Observer.
Brian Eno estudió en una escuela privada, St. Joseph’s College, en Birkfield, para, a los dieciséis años, matricularse en las Art School —institución británica equivalente a una Escuela de Bellas Artes de Grado Medio— de Ipswich y Winchester, donde se graduó en 1969.
Desde su infancia, Eno veía muy claro que quería dedicarse a la actividad artística. Ya en la escuela experimentaba con la música sirviéndose de un magnetófono, y su profesor de pintura Tom Phillips le animó a continuar con ello. Entre ambos organizaron una peculiar «performance» consistente en disponer una serie de pianos en una sala y golpearlos con pelotas de tenis. Tal como él mismo explica,
«Cuando era muy joven —tenía de hecho nueve años— tomé la decisión de que nunca iba a tener un trabajo corriente. Un incidente en particular aceleró mi decisión. Mi padre llegó a casa después del trabajo un día y había estado trabajando más que de costumbre. Él era cartero y estábamos en invierno, así que había estado arrastrándose por la nieve doce horas, desde las cuatro de la mañana. En casa, se tiró en una silla y estaba tan cansado que no podía ni comer. Hambre tenía, y no paraba de coger comida con el tenedor… pero era incapaz de comerla, se quedaba dormido. Entonces pensé: a mí nunca me va a pasar eso. Y creo que lo he ido logrando hasta ahora».
Brian Eno
Una vez graduado se traslada a Londres, donde colabora con la Scratch Orchestra de Cornelius Cardew, en cuya grabación de The Great Learning (Deutsche Grammophon, 1971) interviene como una de las voces; y con Malcom Le Grice en la banda sonora de Berlin Horse (1971), un film experimental de nueve minutos.
Eno comienza su carrera musical profesional en 1971 al entrar a formar parte del grupo de glam rock y art rock Roxy Music. Bryan Ferry, líder de la banda, reclutó a Eno por recomendación del saxofonista Andy Mackay que, después de adquirir un sintetizador VCS3 se había visto incapaz de manejarlo. Eno sí lo consiguió, y se incorporó inicialmente como operador de la mesa de mezclas y las cintas pregrabadas, además del sintetizador y los coros, pero sin actuar en escena. Finalmente aparecería con el resto de músicos, con una apariencia y atuendo aún más estrafalario y andrógino que el de sus compañeros.
Con Roxy Music grabará los sencillos «Virginia Plain/The Numberer» (1972) y «Pyjamarama» (1973), y los álbumes Roxy Music (1972) y For Your Pleasure (1973), para ser expulsado(**) del grupo por Ferry tras la gira de promoción de este segundo álbum.
Eno abandonó el grupo por diferencias con Bryan Ferry, aparte que sentía que le aburría seguir en este proyecto.
Una vez abandona la banda, Eno edita el álbum Here Come The Warm Jets (1973), al que seguirán Taking Tiger Mountain (By Strategy) y Another Green World. Durante esta etapa se instala en un sonido que recuerda al de su paso por Roxy Music, próximo al pop con toques de vanguardia, aunque progresivamente va incluyendo matices más experimentales y alejados del formato habitual de canción. Here Come The Warm Jets incluye su primera colaboración con Robert Fripp en el tema «Baby’s On Fire», uno de sus temas más conocidos de esta primera etapa junto con «Third Uncle», posteriormente versionado por el grupo Bauhaus…
Álbumes
1973 Here Come the Warm Jets
1974 Taking Tiger Mountain
1975 Another Green World
1975 Discreet Music
1977 Before and After Science
1978 Ambient 1: Music for Airports
1978 Music for Films
1982 Ambient 4: On Land
1983 Apollo: Atmospheres and Soundtracks
1983 Music for Films Volume 2 (More Music for Films)
1985 Thursday Afternoon
1992 Nerve Net
1992 The Shutov Assembly
1993 Neroli
1994 Braincandy
1997 The Drop
2005 Another Day on Earth
2012 Lux
2016 The Ship
Ambiente álbums
1997 Extracts From Music for White Cube
1998 I Dormienti
1998 Lightness: Music for the Marble Palace
1999 Kite Stories
2000 Music for Civic Recovery Centre
2001 Compact Forest Proposal
2003 January 07003: Bell Studies for the Clock of the Long Now
2010 Making Space
Colaboraciones
1973 (No Pussyfooting)
1974 June 1, 1974
1974 Lady June’s Linguistic Leprosy
1975 Evening Star
1977 Cluster & Eno
1978 After the Heat
1979 In a Land of Clear Colours
1980 Ambient 2: The Plateaux of Mirror
1980 Fourth World, Vol. 1: Possible Musics
1981 My Life in the Bush of Ghosts
1984 The Pearl
1988 Music for Films III
1990 Wrong Way Up
1995 Spinner
1995 Original Soundtracks 1
1997 Tracks and Traces
2000 Music for Onmyo-Ji
2001 Drawn from Life
2004 The Equatorial Stars
2007 Beyond Even
2008 Everything That Happens Will Happen Today
2010 Small Craft on a Milk Sea
2011 Drums Between the Bells
2011 Panic of Looking
2014 Someday World
2014 High Life
Compilaciones
1981 Music for Airplay
1983 Working Backwards 1983–1973
1984 Begegnungen
1985 Begegnungen II
1985 Old Land
1986 Desert Island Selection
1986 More Blank Than Frank
1993 Eno Box II: Vocal
1994 The Essential Fripp and Eno
1994 Eno Box I: Instrumental
1999 Sonora Portraits
2003 Curiosities Volume 1
2005 Curiosities Volume II
Singles
1974 «Seven Deadly Finns»
1975 «The Lion Sleeps Tonight (Wimoweh)»
1975 «King’s Lead Hat» (different mix from LP)
1981 «The Jezebel Spirit»
1986 «Backwater»
2007 «Baby’s on Fire»
2008 «Strange Overtones»
2016 «The Ship»
EP
1992 Ali Click
1992 Fractal Zoom
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Brian Auger
Brian Albert Gordon Auger (18 de julio de 1939 en Hammersmith, Londres) es un teclista de jazz y rock británico, especializado en la ejecución de órganos Hammond.
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Pianista de jazz, músico de sesión y especialista en teclados Hammond, Auger ha grabado y girado con artistas como Rod Stewart, Tony Williams, Jimi Hendrix, John McLaughlin, Sonny Boy Williamson, Led Zeppelin, Eric Burdon, entre otros.
Antiguo pianista de jazz, el inglés Brian Auger se hizo famoso a mitad de los años sesenta como organista de rhythm and blues, gracias a su particular habilidad técnica con el órgano Hammond. Después de haber tocado con el guitarrista John McLaughlin, Brian Auger encontró el camino del éxito con el grupo Steampacket en 1965: junto a él estaban Long John Baldry, Rod Stewart y Julie Driscoll como imponente trío vocal. En 1968 abandonó la banda y, junto con su mujer Julie (que algunos años después lo dejará para casarse con otro famoso pianista de jazz, Keith Tippet) constituyó un nuevo grupo llamado The Trinity. Fue el momento de mayor éxito comercial de Auger: una afortunada versión de la dylaniana ‘This wheel’s on fire’ escaló vertiginosamente las listas de éxitos de media Europa.
Inmediatamente se produjeron nuevos cambios: Auger fundó en 1970 el grupo Oblivion Express, con Jim Mullen y Robbie McIntosh, entre otros. El estilo de esta nueva formación perdió el toque jazz-rock de las anteriores producciones con Trinity. Los álbumes ‘Brian Auger’s Oblivion Express’ y ‘A better land’, ambos de 1971, se inclinan hacia el funky-rock menos creativo. Después de 1972 entraron en el grupo el cantante Alex Ligertwood (más tarde en la banda de Santana) y el batería Steve Ferrone (que posteriormente tocó con The Average White Band y Duran Duran). Con esta formación Oblivion Express grabaron en 1974 un triple álbum en directo en un famoso local de Hollywood, el Whisky a Go-Go. Es el mejor de la producción del grupo que, en las grabaciones de estudio, no lograba transmitir fuerza y emoción.
Pasado de moda el «sonido» del órgano Hammond, Brian Auger realizó un par de incursiones en el funky más duro (álbumes como ‘Planet earth’ y ‘Here and now’), pero con decepcionantes resultados. Desde principios de los años ochenta Auger vive en California y sólo de vez en cuando vuelve a la producción discográfica. Prisionero de su inseparable Hammond, se ha dejado ver por Europa en breves giras.
Discografía
1965 – Brian Auger, Sonny Boy Williamson & Jimmy Page – Don’t Send Me No Flowers
1965 – The Steampacket
1965 – Attention! Brian Auger!
1967 – Open
1968 – Definitely What!
1968 – Don’t Send Me No Flowers
1969 – Streetnoise
1969 – Jools & Brian
1970 – Befour
1971 – Brian Auger’s Oblivion Express
1971 – A Better Land
1972 – Second Wind
1973 – Closer To It!
1974 – Straight Ahead
1974 – Live Oblivion, Volume 1
1975 – Reinforcements
1976 – Live Oblivion, Volume 2
1977 – The Best Of Brian Auger
1977 – Happiness Heartaches
1978 – Encore
1978 – The Joy Of Flying
1981 – Search Party
1982 – Here And Now
1987 – Keys To The Heart
1990 – Super Jam
1993 – Live In Tokyo
1993 – Access All Areas: Live
1996 – The Best Of Brian Auger’s Oblivion Express
1998 – Blue Groove
1999 – Voices Of Other Times
1999 – The Mod Years (1965-1969)
2002 – Soft & Furry
2003 – Auger Rhythms: Brian Auger’s Musical History
2004 – Get Auger-Nized! The Anthology
2005 – This Wheel’s On Fire: The Best Of Brian Auger
2005 – Looking In The Eye Of The World
2005 – Live At The Baked Potato
2007 – Tiger: Brian Auger Featuring Trinity, Julie Driscoll & The Steampacket
2012 – Language Of The Heart
2013 – Mod Party
2013 – Train Keeps A Rolling
2015 – Live Los Angeles
2015 – Back To The Beginning: The Brian Auger Anthology
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Bread
Bread fue una banda de rock y pop, formada en 1968, en Los Ángeles (California). Lograron situar 13 canciones en la lista de ventas del Billboard Hot 100 entre 1970 y 1977, y fueron uno de los primeros ejemplos de lo que, más tarde, se llamaría soft rock.
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Bread es considerada como una banda precursora del AOR, Aunque la banda se separó antes del auge del género, Bread varias canciones con un estilo similar al de las bandas del AOR, además sus canciones tuvieron mucha recepción en la radio.
La banda estaba formada por:
David Gates (1940-): cantante, guitarra, bajo eléctrico, teclados, violín, viola, percusión
Jimmy Griffin (1943-2005): voz, guitarra, teclados, percusión
Robb Royer (1942-): bajo, guitarra, flauta, teclados
Mike Botts (1944-2005): batería; se incorporó en 1970
Larry Knechtel (1940): bajo, guitarra eléctrica solista, sintetizador, Mini-Moog, piano eléctrico, armónica; reemplazó a Royer en 1971
Álbumes
1969 Bread
1970 On the Water
1971 Manna
1972 Baby I’m-a Want You
1972 Guitar Man
1977 Lost Without Your Love
Recopilatorios
1973 The Best of Bread
1974 The Best of Bread, Volume 2
1977 The Sound of Bread
1985 Anthology of Bread
1989 The Very Best Of Bread
1996 David Gates & Bread Essentials
1996 Retrospectiv
2002 Make It With You And Other Hits
2006 The Definitive Collection
2007 The Works
Singles
13 de junio de 1970 «Make It with You»
26 de septiembre de 1970 «It Don’t Matter to Me»
2 de enero de 1971 «Let Your Love Go»
27 de marzo de 1971 «If»
17 de julio de 1971 «Mother Freedom»
23 de octubre de 1971 «Baby I’m-a Want You»
29 de enero de 1972 «Everything I Own»
22 de abril de 1972 «Diary»
29 de julio de 1972 «The Guitar Man»
11 de noviembre de 1972 «Sweet Surrender»
3 de febrero de 1973 «Aubrey»
16 de abril de 1977 «Hooked On You»
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Boston
Boston es un grupo de rock de Estados Unidos formado en los años setenta liderado por el virtuoso músico Tom Scholz.
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El grupo Boston se crea a mediados de 1969 por el ingeniero del MIT Tom Scholz como guitarrista y principal compositor, además del vocalista Brad Delp, el guitarrista Barry Goudreau y el batería Jim Masdea. Tras unos inicios algo inciertos, en el cual grabaron varias demos, realizadas en el estudio de Tom Scholz ubicado en el sótano doméstico de éste; luego el batería Jim Masdea deja el grupo y es reemplazado por Sib Hashian, mientras que el bajista Fran Sheehan se incorpora a las filas del grupo, que hasta el momento funcionaba como una banda a medio camino entre el circuito de aficionados y el profesionalismo de tiempo completo en los bares y pubs del circuito costero de bandas de rock de la ciudad de Boston. De hecho tanto Bradley Delp como Tom Scholz, tenían trabajos estables de tiempo completo fuera de la escena musical, durante esta primera etapa de la banda los miembros de la primera formación del grupo se habían conocido indistintamente interactuando y compartiendo papeles musicales en otras bandas locales. En los años previos a la edición de su primer LP, las demos realizadas fueron enviadas a varias compañías discográficas, como muestra para una eventual grabación y edición, y frecuentemente se recibía la respuesta (a confesión del propio Tom Scholz) «…esta banda no tiene nada que ofrecer…». Fue así como, en 1976, y gracias a las composiciones ingeniosas de Scholz, el grupo publica ese mismo año su primer álbum titulado simplemente «Boston», en base a las demos realizadas en el estudio particular de Tom Scholz, que fueron remasterizadas y remezcladas en los afamados estudios «The Record Plant» en California, saltando de inmediato a los primeros puestos de las listas de éxitos con el clásico «More Than a Feeling» y con «Peace of Mind». El trabajo de Scholz se puede ver, asimismo, en la enigmática «Hitch a Ride», una de las piezas más completas del disco. La voz de Delp es, además, un total acierto y se nota cierta innovación en el sonido del grupo en comparación de otras bandas de la época.
Para 1978, el grupo lanza su segundo álbum titulado «Don’t Look Back», el cual es de notable menor calidad que su antecesor y no deja muy satisfecho a Scholz, que acusa a la compañía discográfica de haberlo presionado para publicar este material; a pesar de esto, el disco alcanza ventas que le llevan al disco de platino y la canción que da título al disco se convierte en un éxito comercial. Tras ello, comienza un litigio legal entre la compañía y el grupo, que durará años, y que retrasará el siguiente álbum de Boston durante ocho años. En el intertanto Tom Scholz líder de la banda expresó a los miembros del grupo que si deseaban realizar un proyecto musical alternativo ese era el momento pues el próximo proyecto de la banda tomaría un tiempo mayor. El guitarrista Barry Goudreau lanzó su proyecto solista titulado «Goudreau» en conjunto con otros músicos como banda de apoyo; entonces debido a un malentendido pues el sello discográfico de Barry Goudreau publicitó el disco con la consigna «music throught science» (música a través de la ciencia), Tom Scholz expulsa a Barry Goudreau de la banda acusándolo de suplantar y plagiar en su proyecto musical personal la propuesta grupal de la banda cuestión que no era intención de Goudreau. El guitarrista Gary Phil sustituye a Goudreau y Fran Sheehan deja también al grupo. Scholz financia sus grabaciones vendiendo equipo, debido al asunto entre CBS y Boston. En 1982 el baterista Sib Hashian deja al grupo.
En 1986 se lanza, por fin, Third Stage y la canción «Amanda» llega inmediatamente a las listas de popularidad; esta canción es de un sonido muy distinto a las anteriores, una balada muy de los años ochenta, acertada por Scholz y la gran voz de Delp. El álbum alcanza disco de platino. Delp deja Boston en 1990 y es sustituido por Fran Cosmo.
El siguiente álbum de Boston no aparece hasta 1994; titulado Walk On, retoma ciertos sonidos de hard rock de los inicios del grupo. Los arreglos de la canción que titula al disco (dividida en tres segmentos) son considerados excesivos por algunos, pero la canción es una de las mejores piezas compuestas y arregladas por el ingenioso Scholz. Delp regresa al grupo ese mismo año.
El siguiente trabajo del grupo es Corporate America lanzado en 2002, ya con algunas tendencias pop y otras buenas canciones. Es de resaltar la participación de Fran Cosmo y su hijo Anthony, además de que entra Kimberley Dahme en el bajo y en algunos arreglos vocales. Jeff Neal (batería) completa una la extensa alineación de este álbum.
Fran Cosmo y su hijo dejaron al grupo a principios de 2006 para formar su propia banda, dejando en ese momento a Brad Delp como única voz del grupo. Se especuló sobre una posible reunión con Barry Goudreau durante este periodo.
Uno de los aportes de Tom Scholz es la tecnología «Rockman», que fue utilizada por Def Leppard en su álbum Hysteria.
El 9 de marzo de 2007, una de las mejores voces en la historia del rock, Brad Delp, se suicidó inhalando monóxido de carbono. Fue hallado en su casa muerto en el baño con su cabeza encima de una almohada con una nota pegada en el cuello de su camisa con un clip que decía: «soy un alma solitaria». Pruebas de toxicología mostraron que se envenenó respirando monóxido de carbono y también hallaron otra nota en la puerta de su casa diciendo: «Cuando encuentren esta nota, ya estaré muerto, o si no, mi plan B es asfixiarme en mi coche».
El sustituto de Brad Delp fue nada menos que el cantante del grupo de rock cristiano Stryper, Michael Sweet, quien participó en el último tour de Boston.
Después de que Brad Delp nos dejara el pasado 9 de marzo de 2007, la banda tiene nuevo cantante, Tommy DeCarlo. El nuevo cantante, fue descubierto por casualidad por la mujer de Scholz cantando karaoke con una canción de Boston por Myspace. Boston anunció que la banda lleva grabado el 85% de su nuevo disco y piensan editarlo para el 2013. Según algunas fuentes, en este próximo álbum se podrá escuchar la voz de todos los cantantes incluyendo varias canciones con la voz de Brad Delp.
Boston es considerado como un grupo de hard rock, combinando elementos del rock progresivo y heavy metal en su música. El ex-cantante Brad Delp era bien conocido por su gran tesitura vocal y un timbre afinado y «cristalino» que se muestra en éxitos como «More Than a Feeling».
El guitarrista y compositor principal Tom Scholz abarca diversos estilos musicales, que van desde la música clásica hasta el pop inglés de 1960, que ha dado como resultado a un sonido único, se dio cuenta de forma más consistente en los dos primeros discos (Boston y Don’t Look Back). Este sonido se caracteriza por provocar múltiples armonías combinadas con la guitarra, a menudo alternando sonidos y luego mezclando «capas» de guitarras eléctricas y acústicas. Scholz y Brian May son buenos ejemplos en ‘perfectas’ armonías de guitarra. Otro factor que contribuye es el uso de equipos de alta tecnología, en cuanto a efectos, amplificación electroacústica, etc. como los Rockman (creado por Tom Scholz), usado por guitarristas como de Journey Neal Schon, la banda ZZ Top, y Ted Nugent; pero por otra parte evitando usar «samplers», sintetizadores, computadores, midis, secuenciadores, y otros tipos de instrumentos en la creación de sonidos pues en palabras de Scholz tales elementos desnaturalizan la verdadera creación musical. El álbum Hysteria de Def Leppard fue creado usando tan sólo la tecnología de Rockman. «Combinando un sonido de guitarra profundo, agresivo, acortado en riffs y casi etéreo. Tiempo después pasó a un enfoque global más pesado, más bajo y oscuro (en los próximos dos álbumes) Third Stage y Walk On.
El cantante Brad Delp, que fue fuertemente influenciado por los Beatles, también era conocido por crear el sonido de Boston con su voz característica, que se vincula rápidamente con el grupo como a Freddie Mercury con Queen, Mick Jagger con los Rolling Stones, Steve Perry de Journey, Lou Gramm de Foreigner, Paul Rodgers de Bad Company, Roger Daltrey de The Who, Richard Sinclair con Hatfield & The North, Elliot Lurie con Looking Glass, Dennis DeYoung con Styx, Andy Fairweather-Low con Amen Corner, y Steve Walsh de Kansas.
Miembros
Tom Scholz
Gary Pihl
Curly Smith
Jeff Neal
Tommy DeCarlo
Tracy Ferrie
Beth Cohen
Antiguos miembros
Brad Delp †
Jim Masdea
Fran Sheehan
Sib Hashian
Barry Goudreau
David Sikes
Doug Huffman
Fran Cosmo
Anthony Cosmo
Anthony Citrinite
Michael Sweet
David Victor
Kimberley Dahme
Álbumes
1976: Boston
1978: Don´t Look Back
1986: Third Stage
1994: Walk On
1997: Greatest Hits
2002: Corporate America
2013: Life, Love & Hope
Sencillos
1976: «More Than a Feeling’»
1977: «Long Time»
1977: «Peace of Mind»
1978: «Don’t Look Back»
1978: «A Man I’ll Never Be»
1979: «Feelin’ Satisfied»
1986: «Amanda»
1987: «We’re Ready»
1987: «Can’tcha Say (You Believe in Me)/Still in Love»
1987: «Hollyann»
1994: «I Need Your Love»
1994: «Surrender to Me»
1994: «Livin’ for You»
1994: «What’s Your Name»
1994: «Walk On»
1997: «Higher Power»
2002: «I Had a Good Time»
2013: «Heaven on Earth»
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Bonnie Tyler
Gaynor Hopkins (nacida el 8 de junio de 1951 en Sweken, Neath, Gales) mejor conocida por su nombre artístico Bonnie Tyler, es una cantante galesa, compositora, empresaria y filántropa activa. Dueña de una voz muy característica, como ronca o rasgada.
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Comenzando como un cantante local en Swansea, Tyler saltó a la fama con el lanzamiento de su álbum de 1977 The World Starts Tonight y sus sencillos «Lost in France» y «More Than a Lover». Su canción «It’s a Heartache» fue un éxito a ambos lados del Atlántico, alcanzando el número uno en varios países europeos y rompiendo las listas de éxitos estadounidenses. En 1979 ganó el 10º Festival Mundial de la Canción Popular con su canción «Sitting on the Edge of the Ocean», su carrera alcanzó su punto máximo en la década de 1980 con su colaboración con Jim Steinman, lanzando éxitos internacionales como «Total Eclipse of the Heart», «Holding Out for a Hero», «If You Were a Woman (And I Was a Man)», «Here She Comes» y «Loving You’s a Dirty Job (but Somebody’s Gotta Do It)».
En la década de 1990 tuvo un mayor éxito en Europa continental con sencillos como «Bitterblue» y «Fools Lullaby», con el productor alemán Dieter Bohlen (cerebro del famoso dúo Modern Talking). Tyler había continuado con su éxito en el Reino Unido y Estados Unidos.
Haciendo una reaparición a finales de 2003 en Francia, Tyler lanzó «Si demain… (Turn Around)» con Kareen Antonn, que fue número uno en Francia durante diez semanas, vendiendo más de 700.000 copias. En los últimos años ha aparecido en varios programas de televisión del Reino Unido; por ejemplo, hizo un cameo en la telenovela británica Hollyoaks. Más tarde estuvo de gira con Robin Gibb en 2010 y con Status Quo en 2012. Su último álbum Rocks and Honey tuvo un éxito moderado en Europa, con su sencillo «Believe in Me» con el cual representó al Reino Unido en el Festival de la Canción de Eurovisión, quedando en el puesto 19 con 23 puntos. Posteriormente, Tyler ganó el premio ESC Radio a la mejor canción y la mejor artista femenina, marcándola como la primera representante del Reino Unido en recibir dos premios. Sus últimos sencillos, «This is Gonna Hurt» y «Love is the Knife» fueron lanzados en agosto y septiembre de 2013, respectivamente, y en el 2013 realizó una gira por Sudáfrica.
Tyler ha colaborado con varios cantantes incluyendo Cher, Meat Loaf, Mike Oldfield, Frankie Miller, Vince Gill y Andrea Bocelli y ha lanzado más de 30 sencillos a dúo desde 1983.
Con una carrera que abarca casi cuatro décadas, ha ganado tres premios Goldene Europa, un premio Echo, y ha sido nominada a tres Premios Brit y tres Premios Grammy. Su distintiva voz ronca, como resultado de una operación para extirpar nódulos vocales, ha tenido en ella la comparación con artistas como Rod Stewart y Kim Carnes, y se ha llegado a conocer como «la primera dama internacional del rock»
Gaynor Hopkins nació en Skewen, Neath, Gales, el 8 de junio de 1951, en una familia que incluía a tres hermanas y dos hermanos. Su padre, Glin Hopkins, trabajó en una mina de carbón y su madre, Elsie Hopkins (un amante de la ópera), compartió su amor por la música con sus hijos, y era parte del coro de la iglesia local. En la familia Hopkins, eran todos amantes de la música; «Estábamos acostumbrados a tener un muy antiguo fonógrafo», recordó Tyler, «y siempre había música en la casa». Hopkins fue criada en una profunda religiosidad como protestante. Bonnie Tyler creció escuchando la música de mujeres como Janis Joplin y Tina Turner. Concluyó sus estudios en la década de 1960, dejando la escuela sin cualificación y comenzó a trabajar en una tienda local de comestibles, y luego como cajera de supermercado.
En abril de 1969, con 17 años de edad, entró en un concurso de talentos, cantando «Those Were the Days», canción de Mary Hopkins y la canción de Ray Charles «I Can’t Stop Loving You», finalizando en segundo lugar (perdiendo ante un acordeonista), y ganó £ 1. Más tarde, audicionó con éxito para unirse a Bobby Wayne & The Dixies como cantante de respaldo después de encontrar un anuncio en un periódico local. Dos años más tarde, formó su propia banda llamada Imagination (no relacionada con la banda de baile británica de 1980 del mismo nombre) y cantando con ellos en los bares y clubes de todo el sur de Gales. Fue entonces cuando decidió adoptar el nombre artístico de «Sherene Davis», tomando el nombre de su sobrina y el apellido de su tía favorita. A pesar de los dos cambios de nombre, su familia y amigos todavía la conocen como Gaynor.
El 14 de julio de 1973 contrajo matrimonio con Robert Sullivan, un agente inmobiliario. En el año siguiente, Davis & Imagination cantaron «Armed and Extremely Dangerous» en el concurso British talent show New Faces, participando cuatro de los siete concursantes. Mickie Most dijo que «la chica tiene algo, pero los chicos están fuera de lugar». Avergonzada de hablar en público, Tyler comenzó a asistir a clases de dicción para suprimir su acento galés, pero renunció después de seis semanas. En 1975, Roger Bell, que trabajaba para la capilla de música de la época, visitó un club en el sur de Gales para ver algunos aspirantes de contrato discográfico, Roger Bell quedó asombrado al encontrar a Tyler cantando «Nutbush City Limits» con imaginación. Fue invitada a Londres para grabar algunos demos, y meses más tarde recibió una llamada telefónica de RCA Records deseando firmar un contrato de grabación. Antes de firmar, se le recomienda un cambio de nombre, ella recopiló una lista de apellidos y nombres de la biblia y se estableció como «Bonnie Tyler».
Tras el éxito mundial en la década de 1980, Tyler y su esposo Robert Sullivan decidieron tratar de tener un bebé cuando ella tenía 39 años de edad. Tyler sufrió un aborto y no concibió otra vez.
Desde el año 1988 Tyler y su marido han sido dueños de una casa en Mumbles en Gales. Eran dueños de una casa de cinco dormitorios en el Algarve (Albufeira, al sur de Portugal), después de que Tyler grabó uno de sus discos allí a finales del de 1970 y allí fue donde la pareja pasó la mayor parte del año. En 2005, Tyler fue filmada para un show polaco de entretenimiento televisivo llamado Zacisze Gwiazd, que explora las casas de actores y músicos famosos. A partir de 2009, la casa ha sido derribada y reemplazada por una casa de 10.000 pies cuadrados (930 m2) más grande casa con vista a la playa de Santa Eulália en Albufeira.
En una entrevista de 2013, Tyler declaró que su granja en Nueva Zelanda se había convertido en una granja lechera, 12 años después de que originalmente compró la tierra. En la misma entrevista también dijo que ella es propietaria de una cantera con su marido.
Algunos de los hermanos de Tyler también han tenido algo de éxito en el negocio de la música. Su hermano, Paul Hopkins, es cantante de la banda local de Swansea, Sol CabCo. Él co-escribió la mayor parte de canciones Lado B de Tyler, en la década de 1980, incluyendo «Time» y «Gonna Get Better», así como la composición de algunas canciones para sus discos, tales como «The Reason Why» de All in One Voice. La hermana de Tyler, Avis Hopkins, que figuran en la banda sonora musical de Mal Pope de su álbum Cappuccino Girls, cantando la canción, «Hoy es mi cumpleaños». Avis Hopkins cambió su nombre en 1980 para Amanda Scott y lanzó el tema «Lies» en 1988.
A través de su marido, Tyler se relacionó con la actriz Catherine Zeta-Jones y asistió a su boda con Michael Douglas, donde cantó «Total Eclipse of the Heart».
Álbumes de estudio
The World Starts Tonight (1977)
Natural Force (1978)
Diamond Cut (1979)
Goodbye to the Island (1981)
Faster Than the Speed of Night (1984)
Secret Dreams and Forbidden Fire (1986)
Hide Your Heart (1988)
Bitterblue (1991)
Angel Heart (1992)
Silhouette in Red (1993)
Free Spirit (1995)
All in One Voice (1999)
Heart Strings (2003)
Simply Believe (2004)
Wings (2005)
Rocks and Honey (2013)
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Bonnie Bramlett
Bramlett nació en Alton, Illinois. Comenzó su carrera musical a la edad de trece años como cantante de reserva para el blues actúa como Fontella Bass, el rey Alberto, y Milton Little.
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Hizo historia como la primera mujer caucásica de cantar con Ike y Tina Turner como uno de los «Ikettes». Ella se mudó a Los Angeles, donde conoció a compañeros cantante Delaney Bramlett en 1967 en un concierto en la bolera de su banda, The Shindogs. Se casaron en la semana y los padres de la cantante Bekka Bramlett, que fue brevemente un miembro de Fleetwood Mac en la década de 1990.
El dúo firmó con los expedientes de Stax y se conocía como Delaney & Bonnie, convirtiéndose en los primeros artistas en blanco entre R & B de artistas como Rufus Thomas, Thomas Carla, Sam & Dave, John Lee Hooker, y Booker T. y MGs. Pronto gira por Europa con la leyenda del rock británico Eric Clapton. Con una caída en frecuentes las actuaciones de otros músicos, como señaló Duane Allman, George Harrison y Dave Mason, el grupo se hizo conocido como Delaney & Bonnie & Friends. A pesar de esta ayuda todas las estrellas, el dúo sólo logró trazar dos canciones, la más conocida «Never-Ending Song of Love» y un cover de Mason «Sólo usted sabe y yo sé». Durante el curso de su relación con Eric Clapton, Bonnie Bramlett co-escribió el clásico «Let It Rain» en el primer álbum homónimo de Eric Clapton.
Delaney & Bonnie disuelto, tanto en lo musical y marital, en 1972. Bonnie Bramlett continuó su carrera como compositor como solista y artista de grabación. Ella lanzó dulce Bramlett Bonnie en 1973, respaldados por la Average White Band. Bramlett también siguió contribuyendo a las grabaciones de voz por una variedad de otros artistas, incluyendo Little Feat y The Allman Brothers Band.
A finales de 1970, ella viajó con Stephen Stills, durante la cual se ganó una cierta notoriedad de prensa por un incidente con Elvis Costello en un bar del hotel Holiday Inn en Columbus, Ohio. Costello se refiere a James Brown como «jive-culo negro», luego subió la apuesta al pronunciar Ray Charles «un negro ciego e ignorante». Un arrepentido Costello se disculpó en una ciudad de Nueva York una conferencia de prensa unos días después, alegando que estaba borracho y había estado tratando de ser desagradable con el fin de llevar la conversación a una conclusión rápida, sin prever que Bramlett traería sus comentarios a la prensa. Según Costello, «se hizo necesaria para mí a la indignación de estas personas acerca de los comentarios más desagradables y ofensivos que pude.» Bramlett también apareció con frecuencia con The Allman Brothers Band.
En 1979, Bonnie Bramlett viajó a La Habana, Cuba, para participar en el festival Jam histórico de La Habana que tuvo lugar entre 2-4 de marzo, junto a Stephen Stills, el Jazz CBS All-Stars, el Trio of Doom, Fania All-Stars, Billy Swan, Weather Report, Mike Finnegan, Kris Kristofferson, Rita Coolidge y Billy Joel, además de una serie de artistas cubanos como Irakere, Pacho Alonso, Tata Güines y la Orquesta Aragón. Su funcionamiento es capturada en el documental Ernesto Juan Castellanos Jam La Habana ’79.
Después de explorar el género de la música gospel en los años 80, en 1988, se casó con Danny Sheridan Bonnie, que pronto produjo sus grabaciones junto a través de la «Revolución duro Rockin ‘Blues» de sus «médicos Bandaloo». La música del grupo atrajo la admiración de muchas celebridades de Hollywood, y la pareja fue lanzado pronto por varias temporadas como semi-regulares en la exitosa serie de ABC, Roseanne. Bonnie (acreditado como Bonnie Sheridan) tuvo un compañero de trabajo y amigo (que casualidad que el nombre de Bonnie) de ‘Roseanne Conner carácter Roseanne Barr, con Danny Sheridan vez en cuando a escribir música y aparecer como el personaje de «Hank, el bajista» . Durante este período, Delaney y su hija de Bonnie, Bekka Bramlett, también comenzó una carrera como cantante, eventualmente unirse a Fleetwood Mac en 1993, después de la partida de Stevie Nicks.
Bonnie Bramlett y Delaney había tenido pequeños papeles en la película de 1971 El punto de fuga y captura en 1974 de mi alma. Bonnie también había aparecido como estrella invitada en un episodio de la Fama en 1986 y en la película de 1991 The Doors como camarero. Ella también apareció en la película de Andrew Davis The Guardian (2006) protagonizada por Kevin Costner y Ashton Kutcher.
En 2002, Bonnie Bramlett volvió a sus raíces musicales, lanzando su álbum Sigo siendo el mismo. En 2006, ella apareció como vocalista de copia de seguridad para el sur de Rock Shooter Jennings artista en su álbum Electric Rodeo, sin embargo, se negó a acompañar a Jennings en la gira posterior.
Discografía
Delaney & Bonnie:
Home (Stax, 1969)
Accept No Substitute [AKA The Original Delaney & Bonnie] (Elektra, 1969)
On Tour with Eric Clapton (Atco, 1970)
To Bonnie from Delaney (Atco, 1970)
Genesis (GNP Crescendo, 1971)
Motel Shot (Atco, 1971)
Country Life (Atco, 1972)
D&B Together (Columbia, 1972) [reissue of Country Life]
The Best of Delaney & Bonnie (Atco, 1972)
The Best of Delaney & Bonnie (Rhino, 1990)
Bonnie Bramlett:
Sweet Bonnie Bramlett (Columbia, 1973)
It’s Time (Capricorn, 1975)
Lady’s Choice (Capricorn, 1976)
Memories (Capricorn, 1978)
Step By Step (Refuge/Benson 1981)
I’m Still The Same (Audium/Koch, 2002)
It’s Time/Lady’s Choice (Raven, 2004) [reissue: 2LPs-on-1CD]
Roots, Blues & Jazz (Zoho, 2006)
Beautiful (Rockin’ Camel, 2008)
Piece Of My Heart: The Best Of 1969-1978 (Raven, 2008)
I Can Laugh About It Now (Music Avenue, 2009) [reissue of Roots, Blues & Jazz]
Filmografía
Vanishing Point (1971)
Catch My Soul (AKA Santa Fe Satan) (1974)
Fame, episode «Fame And Fortune» (1986)
The Doors (1991)
Roseanne (1991–1992)
The Guardian (2006)
Roseanne’s Nuts, episode «Star Spangled Banner» (2011)
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Bob Seger
Robert Clark «Bob» Seger (Lincoln Park, Míchigan, 6 de mayo de 1945) es un cantante, compositor, guitarrista y pianista estadounidense.
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Como artista local de éxito en el área de Detroit, actuó y grabó durante los años 60 con los nombres Bob Seger and The Last Heard y Bob Seger System. Desde comienzos de los 70 quitó «System» de sus álbumes y continuó esforzándose para lograr un éxito más amplio con varias otras bandas. En 1973 reunió The Silver Bullet Band, un grupo de músicos del área de Detroit, con el que alcanzó el éxito a nivel nacional con el álbum Live Bullet, grabado vivo en 1975 en el Cobo Hall de Detroit, Míchigan. En 1976, consigue un nuevo éxito nacional con el álbum de estudio Night Moves. En sus álbumes de estudio, también ha trabajado extensamente con Muscle Shoals Rythm Section, banda con la que grabó algunos de los ?sencillos y álbumes más vendidos de Seger.
Roquero de raíces con una clásica voz raspada, Seger escribió y grabó canciones que tratan del amor, las mujeres y temas sobre la clase trabajadora, y es un exponente del heartland rock (estilo que habla sobre el estilo de vida del trabajador estadounidense). Seger ha grabado muchos éxitos , incluyendo «Night Moves «, «Turn The Page», «Still The Same», » We’ve Got Tonight», «Against The Wind», «You’ll Accomp’ny Me», «Shame On The Moon «, «Like a Rock», y «Shakedown», el cual fue escrito para la película Beverly Hills Cop II. Seger también co-escribió número 1 de las The Eagles «Heartache Tonight», y su icónico tema «Old Time Rock and Roll» fue nombrado una de las Canciones del Siglo en 2001.
Con una carrera que abarca cinco décadas, Seger continúa actuando y grabando hoy. Fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame en 2004 y en el Songwriters Hall of Fame (compositores) en 2012. Bob Seger fue nombrado en 2015 Leyenda Viva por Billboard, homenajeado en la 12.ª Billboard Touring Conference & Awards, celebrada los días 18 y 19 de noviembre en el hotel Roosevelt de Nueva York.
Seger nació en Lincoln Park, Míchigan, hijo de Charlotte y Stewart Seger, de Dearborn, Míchigan. Vivió en la zona hasta que a la edad 6 años su familia se trasladó cerca de Ann Arbor, Míchigan. Tuvo un hermano mayor, George.
El padre de Seger, un técnico médico de la Ford Motor Company, tocaba varios instrumentos y Seger estuvo expuesto a la música desde una edad temprana. También presenció frecuentes discusiones entre sus padres, que perturbaban el barrio por la noche. En 1956, cuándo Seger tenía 10 años, su padre abandonó a la familia y se trasladó a California.6 La familia restante pronto perdió su cómodo estatus de clase mediana y tuvo que luchar financieramente.
Seger asistió a la escuela en el Tappan Junior High School, (Ann Arbor, Míchigan) (ahora Tappan Middle School) y se graduó en el Pioneer High School en 1963 (con el tiempo conocido como Ann Arbor High School). Practicó atletismo en la escuela secundaria. Seger también fue al Lincoln Park High School durante un año.
En lo que se refiere a sus primeras inspiraciones musicales, Seger ha declarado? «Little Richard – él fue el primero que realmente me cautivó. Little Richard y, por supuesto, Elvis Presley.» Y «Come Go With Me» de The Del-Vikings, un éxito en 1957, fue el primer disco que compró.
El primer matrimonio de Seger en 1968 duró «un día menos que un año.» Tuvo una relación larga con Jan Dinsdale desde 1972 hasta 1983. En 1987, se casó con la actriz Annette Sinclair y se divorciaron un año después. Se casó con Juanita Dorricott en 1993, en un pequeño lugar privado en The Village Club, en Bloomfield Hills; tienen dos niños. Seger vive principalmente en su casa de Orchard Lake Village, Michigan, un suburbio de Detroit. Es dueño de un condominio en Naples, Florida.
Su tema distintivo «Old Time Rock and Roll» fue elegido entre los Songs of the Century en el año 2001. Su trayectoria artística abarca cinco décadas y continúa hasta el día de hoy.
Álbumes en estudio
Ramblin’ Gamblin’ Man (1969)
Noah (1969)
Mongrel (1970)
Brand New Morning (1971)
Smokin’ O.P.’s (1972)
Back in ’72 (1973)
Seven (1974)
Beautiful Loser (1975)
Night Moves (1976)
Stranger in Town (1978)
Against the Wind (1980)
The Distance (1982)
Like a Rock (1986)
The Fire Inside (1991)
It’s a Mystery (1995)
Face the Promise (2006)
La cancion del Maestruli (2010)
TBA (2011)
En vivo
Live Bullet (1976)
Nine Tonight (1981)
Compilaciones
Greatest Hits (1994)
Greatest Hits 2 (2003)
Early Seger Vol. 1 (2009)
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1978 Babylon By Bus – Live
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Bob Marley
Robert Nesta Marley Booker (6 de febrero de 1945 – 11 de mayo de 1981), más conocido como Bob Marley, fue un músico, guitarrista y compositor jamaiquino. Durante su carrera musical fue el líder, compositor y guitarrista de las bandas de ska, rocksteady y reggae The Wailers (1964–1974) y Bob Marley & The Wailers (1974–1981).
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Marley sigue siendo el más conocido y respetado intérprete de la música reggae y es acreditado por ayudar a difundir tanto la música de Jamaica como el movimiento rastafari (del que era un miembro comprometido) a una audiencia mundial. Entre sus mayores éxitos se encuentran los sencillos «I Shot the Sheriff», «No Woman, No Cry», «Jamming», «Redemption Song» y, junto a The Wailers, «Three Little Birds», así como el lanzamiento póstumo «Buffalo Soldier». El álbum recopilatorio Legend, lanzado en 1984, tres años después de su muerte, es el álbum de reggae más vendido de la historia con 10 discos de platino en los Estados Unidos y 20 millones de copias en todo el mundo.
Robert Nesta Marley Booker nació el 6 de febrero de 1945 en Nine Mile (Rhoden Hall, Saint Ann Parish), una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe. Era hijo de Cedella Booker, una afro-jamaiquina que tenía 18 años (cuando nació Bob) y de Norval Marley, un jamaiquino blanco de ascendencia inglesa (su familia provenía de Essex), capitán de los Marines Reales (infantería de marina británica), quien se consideraba inglés, debido a que al ingresar a las Fuerzas Armadas Británicas para la Primera Guerra Mundial, en el fomulario dijo ser inglés, para que no se le cuestionara mayor cosa (y porque en esa época Jamaica era una colonia del Reino Unido y su población blanca tenía la nacionalidad británica). La fecha de nacimiento de Norval es motivo de controversia ya que según muchas fuentes nació en 1895 (por lo que tendría 50 años cuando nació su hijo Bob Marley) pero según otras fuentes nació mucho antes, en 1881. Aunque Norval ayudaba económicamente a su mujer y a su hijo, rara vez veía a su hijo por pasar el tiempo viajando; además, según algunas fuentes su madre (la abuela de Bob) lo presionaba para que se alejara del niño por prejuicios racistas. El padre de Bob murió cuando éste tenía 10 años, en 1955.
Bob Marley tuvo que soportar burlas y desprecios por parte de negros jamaiquinos por su condición de mulato (mestizo producto de la mezcla de blanco y negro), sobre todo en su niñez, adolescencia y temprana juventud (se dice que el hermano de su primera novia le dijo que «no queremos blancos en esta casa»). Pero después Bob se demostró indiferente a esos desaires y decía no avergonzarse de su mezcla racial; aunque él se identificaba simplemente como negro y esa fue la única parte de su herencia racial por la que demostró interés.
Nine Miles es un pueblo que está a 3 horas de la capital, Kingston, que obtuvo su nombre por su tamaño -el cual abarca nueve millas. Cedella Marley luchaba cada día por sacar adelante a su hijo, vivían en la pobreza, por lo que en casa no contaban con agua, ni electricidad. Viviendo así en Nine Miles, Bob conoció a quien llegaría a ser su más frecuente amigo -Bunny Wailer. Cedella y el padre de Bunny empezaron a tener una relación, y es esta razón por la cual Bob y Bunny compartían una hermana. Siendo una familia de 5, buscando prosperidad, se mudan a Kingston, la capital de Jamaica. Fue con Bunny, con quien Bob comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Muy influenciados por la música de Raymond Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o Fats Domino, y de grupos como The Drifters muy populares en Jamaica que se escuchaban en la emisiones radiofónicas de las emisoras del sur de los Estados Unidos. Bob Marley alternó el trabajo en una empresa de fundición (donde se quemó en un ojo) con la música. Bob y Bunny recibieron formación musical de Joe Higgs, un cantante venido a menos que había gozado de cierta fama en Jamaica y que se ganaba la vida impartiendo clases de canto para principiantes. En una de esas clases conocieron a otro joven músico llamado Winston Hubert McIntosh (Peter Tosh). En 1962 Bob Marley participó en una audición para un productor musical llamado Leslie Kong que, impresionado, le invitó a grabar algunas canciones. Al año siguiente Bob decidió que el mejor camino para alcanzar su sueño, lo tenía planteado acaso, no lo sabremos, mediante un grupo. Compartió su idea con Bunny y Peter y los tres formaron los Wailing Wailers (literalmente, ‘gritos de protesta’). El nuevo grupo ganó la simpatía del percusionista rastafari Alvin Patterson, que los presentó al productor Clement Dodd. A mediados de 1963 Dodd vio a los Wailing Wailers y decidió promocionar al grupo. Los Wailing Wailers lanzaron su primer single, Simmer Down, con la discográfica Coxsone a finales de 1963. La formación original estaba compuesta por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos coristas, Beverly Kelso y Cherry Smith.
Mientras tanto, la madre de Bob, Cedella, se había casado nuevamente y se había mudado a Delaware, Estados Unidos, tras un importante esfuerzo económico. Ella deseaba dar a Bob una nueva vida en este país, pero antes del viaje, él conoció a Rita Anderson y el 10 de febrero de 1966 se casaron. Bob Marley pasó apenas ocho meses con su madre en Wilmington, Delaware. Allí consigue un trabajo en el turno de noche de una planta de automóviles de Chrysler. Bob llegó a Kingston en octubre de 1966, apenas seis meses después de la visita de Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopía, que impulsó y renovó el importante movimiento rastafari de la isla. El acercamiento de Bob con la creencia Rastafari comienza a reflejarse en su música. Bob, entretanto, llamó a Peter y Bunny para formar una nueva banda, los míticos The Wailers. Rita también comenzaba su carrera como cantante con un importante éxito llamado Pied Piper, una versión de una canción pop inglesa. En Jamaica, la frenética ola del ska estaba dando lugar a un ritmo más lento y sensual llamado rocksteady. Las creencias rastafari de los Wailers chocaron con Dodd y éstos fundaron su propio sello discográfico, Wail’N’Soul. A pesar de conseguir algunos éxitos, el sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967. El grupo sobrevive fungiendo como compositores de una compañía asociada a un cantante estadounidense, Johnny Nash, quien en la década siguiente tendría un gran éxito con la canción Stir It Up, de Bob.
Los Wailers conocieron entonces a un hombre que revolucionaría su trabajo: Lee Perry. La asociación entre Perry y los Wailers trajo consigo algunos de los éxitos más notables de la banda como «Soul Rebel», «Duppy Conqueror», «400 Years» y «Small Axe», clásicos del futuro reggae. En 1970, dos de los músicos más reconocidos de la isla, Aston ‘Family Man’ Barrett y su hermano Carlton (bajo y batería, respectivamente) se unirán a los Wailers, quienes por aquel entonces arrasaban en el Caribe, pero internacionalmente continuaban siendo desconocidos.
En el verano de 1971 Bob aceptó una invitación de Johnny Nash para acompañarlo a Suecia, ocasión en que firmó un contrato con la CBS, que también era la discográfica del estadounidense. En la primavera de 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single Reggae on Broadway, pero no cosecharon demasiados éxitos. A la desesperada, Bob visitó los estudios de grabación de Island Records, que había sido la primera discográfica en interesarse por la música jamaiquina, y pidió hablar con su fundador, Chris Blackwell. Blackwell conocía a los Wailers y les ofreció 4 mil libras para grabar un álbum con los últimos avances tecnológicos de la industria musical, los mismos que gozaban las bandas de rock de la época. Ese primer álbum fue Catch a Fire, fuertemente promovido por Island. El disco no fue un éxito inminente, y es que la música y las letras comprometidas socialmente de Bob contrastaban bastante con lo que se estaba haciendo hasta entonces en Europa. Island promovió una gira del grupo por Inglaterra y los Estados Unidos, otra novedad para una banda de reggae. Los Wailers tocaron en Londres en abril de 1973 y tres meses más tarde el grupo volvió a Jamaica. Bunny, desengañado de la vida musical, abandonó la banda antes de la gira estadounidense. En su lugar entró Joe Higgs, el viejo profesor de música de los Wailers. Ya en los Estados Unidos, participaron en algunos conciertos de Bruce Springsteen y Sly & The Family Stone, la principal banda de música negra estadounidense del momento.
En 1973 el grupo lanzó su segundo álbum con el sello Island, Burnin’, un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones más importantes, como: «Duppy Conqueror», «Small Axe» y «Put It On», junto con «Get Up, Stand Up» y «I Shot The Sheriff». Fue justamente este último tema el que consagró internacionalmente a Bob Marley de la mano de la voz de Eric Clapton, alcanzando el primer lugar en la lista de los sencillos más vendidos en los Estados Unidos. En 1974, Bob Marley pasó gran parte de su tiempo en el estudio trabajando en Natty Dread, un álbum que incluía canciones como «Talkin’ Blues», «No Woman No Cry», «So Jah Seh», «Revolution», «Them Belly Full (But We Hungry)» o «Rebel Music (3 o’clock Roadblock)». Al año siguiente, Bunny y Peter dejarían definitivamente el grupo para embarcarse en sus carreras en solitario, lo que provocó que la banda comenzase a ser conocida como Bob Marley & The Wailers. Natty Dread fue lanzado en febrero de 1975. En cuanto a las giras, destacan dos: una en el Lyceum Ballroom de Londres, que fue catalogada como una de las mejores de la década (El disco Live es este concierto). Y la segunda en noviembre, cuando Bob volvió a Jamaica para tocar en un concierto benéfico con Stevie Wonder, ya como superestrella en su país y en el mundo. Rastaman Vibrations, el siguiente álbum de estudio, fue lanzado en 1976. El trabajo incluía canciones como «Crazy Baldhead», «Johnny Was», «Who The Cap Fit» y, tal vez la más significativa de todas, «War», cuya letra fue extraída de un discurso del Emperador Hailè Selassiè, en las Naciones Unidas.
Discografía
1965 – The Wailing Wailers – The Wailers – Studio One
1970 – Soul Rebels – The Wailers – Upsetter/Trojan
1971 – Soul Revolution – The Wailers – Upsetter/Trojan
1971 – Soul Revolution Part II – The Wailers – Upsetter/Trojan
1972 – Best of the Wailers – The Wailers – Beverley’s
1973 – African Herbsman – The Wailers – Upsetter/Trojan
1973 – Catch a Fire – The Wailers – Island/Tuff Gong
1973 – Burnin’ – The Wailers – Island/Tuff Gong
1974 – Rasta Revolution – Bob Marley & The Wailers – Upsetter/Trojan
1974 – Natty Dread – Bob Marley & The Wailers – Island/Tuff Gong
1975 – Live! – Bob Marley & The Wailers – Island/Tuff Gong
1976 – Rastaman Vibration – Bob Marley & The Wailers – Island/Tuff Gong
1977 – Exodus – Bob Marley & The Wailers – Island/Tuff Gong
1978 – Kaya – Bob Marley & The Wailers – Island/Tuff Gong
1979 – Survival – Bob Marley & The Wailers – Island/Tuff Gong
1980 – Uprising – Bob Marley & The Wailers – Island/Tuff Gong
1983 – Confrontation (álbum póstumo) – Bob Marley & The Wailers – Planet Music
1984 – Legend – Planet Music
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