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Barry White
Barry White (nacido como Barry Eugene Carter, 12 de septiembre de 1944 – 4 de julio de 2003) fue un artista estadounidense del género R&B y soul. Caracterizado por un timbre bajo-barítono, grave y ronco, ganó tres premios Grammy y varios reconocimientos por su estilo varonil, romántico y sensual.
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El mayor éxito de White vino en la década de 1970 como artista solista. Durante su carrera editó 26 álbumes y llegó tres veces al número 1 de las listas Hot 100 en su país, con las canciones que lo hicieron mundialmente famoso: Love’s Theme (interpretado por su orquesta Love Unlimited Orchestra), Can’t Get Enough of Your Love, Babe y You’re the First, the Last, My Everything, las dos últimas procedentes del álbum Can’t Get Enough de 1974. Falleció en 2003 debido a una insuficiencia renal crónica.
Barry White nació en Galveston (Texas, Estados Unidos) el 12 de septiembre de 1944 bajo el nombre de Barrence Eugene Carter. Se crío en el gueto negro de la ciudad de Los Ángeles en el seno de una familia pobre. Esto se vio reflejado en su adolescencia, pues formó parte de una pandilla juvenil desde los 10 años de edad. A los 15 años fue encarcelado junto con su hermano durante dos meses por el robo de unos neumáticos. Inspirado por la canción “It’s Now or Never” de Elvis Presley, y que escuchó en prisión, decidió cambiar de vida y de amigos. Desde muy niño entró en el mundo de la música ya que su madre tocaba el piano y le enseñó algunos ejercicios de escalas. Más tarde entró a una fraternidad en la que tocaba el piano y cantaba en el coro de la iglesia. Rápidamente fue promovido a Director del Coro.
En 1990 comentó a una revista que su voz profunda de bajo-barítono por la que fue conocido apareció repentinamente cuando tenía catorce años: «Nos asustó a mí y a mi madre cuando hablé esa mañana; fue completamente inesperado; mi pecho tembló, quiero decir vibró; mi madre sólo me miraba, estaba asombrada. Lo próximo que supe fue cuando su cara de asombro se transformó en una gran sonrisa; las lágrimas le corrían por la cara y me dijo: ‘Mi hijo es un hombre’». Ya convertido en cantante, White durante los años 60 grabó varios discos con su nombre real y como integrante de grupos como “The Upfronts”, “The Atlantics” y “The Majestics”. Sin embargo, su mayor éxito en la década vino como productor de artistas como Felice Taylor y Viola Wills.
En 1969 creó Love Unlimited, un trío vocal femenino compuesto por las cantantes Diane Taylor, Glodean James (quien se convirtió en su segunda esposa en 1974) y la hermana de esta última Linda, cuyo primer éxito llegó de la mano de White en 1972 con “Walkin’ in the rain with the one I love” (posición #14 en el Billboard Hot 100 y #6 en el R&B). Dicha canción aparece en el primer álbum producido por White: From a Girl’s Point of View We Give To You…. Para este grupo femenino creó la orquesta de 40 músicos denominada Love Unlimited Orchestra. Aunque Barry White dirigía y creaba las melodías de la orquesta, fue su amigo y mano derecha, el arreglista Gene Page quien, gracias a su formación en un conservatorio, se encargó principalmente desde 1972 hasta 1976 de dotar a Love Unlimited Orchestra de un sonido clásico combinado con arreglos rítmicos modernos.
En 1973 y tras su éxito con su primer álbum “I’ve Got So Much To Give” (del que se extrae su éxito “I’m Gonna Love You Just a Little More Baby”, que llegó al #1 en la lista de R&B y al #3 en el Pop Charts), Barry White había abierto un nuevo camino para su música, así que reunió nuevamente a su orquesta en el estudio para grabar “Rhapsody in White”, el álbum que contenía el tema Love’s Theme (#1 Pop en 1974).
Posteriormente, editó su segundo álbum “Stone Gon” en el cual se destacó el tema «Never, never gonna give you up» (#2 R&B y #7 Pop en 1973), que no era más que el aperitivo de su año triunfal, 1974, con su álbum número uno “Can’t get enough”. El disco contenía otras canciones destacables como Can’t Get Enough of Your Love, Babe (número 1 en las listas Pop y R&B en 1974) y You’re the First, the Last, My Everything (#1 R&B, #2 Pop en 1974).
Posteriormente llegaron otros éxitos como “What am I gonna do with you”, (#1 R&B, #8 Pop en 1975), y “Let the Music Play” (#4 R&B en 1976). Su último gran éxito tuvo lugar en 1977 cuando “It’s Ecstasy When You Lay Down Next To Me” llegó a lo más alto de las listas de Estados Unidos. Mientras tanto, también apadrinó a otros artistas y grupos musicales como Tom Brock, Evan Pace, Jay Dee, Gloria Scott y White Heat entre otros.
En plena fiebre de la música disco, cuando diversos artistas del mundo empezaron a poner el acento en el ritmo de sus discos, Barry White se convirtió en uno de los triunfadores de la década a base de acentuar la pasión y la sensualidad de su música, teniéndose como ejemplo de ello, su versión del tema “Just the way you are” de Billy Joel.
En el momento en que nacía el Disco, Barry White se desarrollaba como artista influyendo decisivamente en la escena musical de finales de los ’70. Durante la década de 1980, tras haber firmado un nuevo contrato discográfico con Columbia Records se dedicó a grabar una serie de álbumes que casi no tuvieron repercusión (con excepción de «The Message Is Love»), entre ellos uno realizado con su esposa Glodean White bajo el título “Barry & Glodean”. No obstante, los éxitos apenas llegaban al listado Top 50. En 1985, con la muerte de su madre y el asesinato de su hermano Darryl a manos de una banda criminal, White entró en un período de reflexión. Descontento con la promoción, abandonó a Columbia Records, y cambió a la empresa A&M Records. El éxito regresó en 1987 con la canción “Sho’ You Right”, que entró en el Top 20 británico.2 A pesar de esta aparente declinación, obtuvo 106 Discos de Oro y 46 de Platino durante su trayectoria artística.
Junto a la cantante británica Lisa Stansfield grabaron una nueva versión del éxito de Stansfield “All Around The World” en 1992. Durante los ’90, una serie de álbumes comercialmente exitosos le dieron a White la reputación de ser más que una figura de culto. También emergió como una celebridad menor de la televisión, realizando algunas apariciones en programas muy populares como The Simpsons y Ally McBeal.
En 1999 presentó una retrospectiva de lo que había sido su carrera artística al escribir, junto con Marc Eliot, su autobiografía “Love Unlimited – Insights of Life & Love”. A comienzos de 2001 la salud de White comenzó a deteriorarse, ya que padecía una hipertensión crónica, siendo hospitalizado en septiembre de 2002 por una insuficiencia renal, a la espera de un trasplante. Por ello se le sometió a un tratamiento con hemodiálisis, pero su organismo no pudo resistir las complicaciones de ambas enfermedades y falleció el 4 de julio de 2003, a las 9 de la mañana, en el Centro Médico Cedars-Sinai, en Los Ángeles, a los 58 años.
Álbumes de estudio
I’ve Got So Much To Give (1973)
Stone Gon’ (1973)
Can’t Get Enough (1974)
Just Another Way To Say I Love You (1975)
Let The Music Play (1976)
Is This Whatcha Want? (1976)
Barry White Sings For Someone You Love (1977)
The Man (1978)
I Love To Sing The Songs I Sing (1979)
The Message Is Love (1979)
Sheet Music (1980)
Barry & Glodean (1981) (grabado con su esposa Glodean)
Beware! (1981)
Change (1982)
Dedicated (1983)
The Right Night & Barry White (1987)
The Man Is Back! (1989)
Put Me In Your Mix (1991)
The Icon Is Love (1994)
Staying Power (1999)
Recopilaciones
Barry White’s Greatest Hits (1975)
Barry White’s Greatest Hits 2 (1981)
The Collection (1988)
Just For You (4 CD) (1992)
All Time Greatest Hits (1994)
Boss Soul – The genius of Barry White (1995)
Your Heart and Soul: The Love Album (2000)
The Ultimate Collection (2000)
The Best of Barry White (2003)
White Gold: The Very Best of Barry White (2005)
Unlimited (4 CD + 1 DVD) (2009)
Sencillos
I’m gonna love you just a little more baby (1973)
I’ve got so much to give (1973)
Never, Never Gonna Give You Up (1973)
Honey please, can’t ya see (1974)
Can’t Get Enough of Your Love, Babe (1974)
You’re the First, the Last, My Everything (1974)
What am I gonna do with you (1975)
I’ll do for you anything you want me to (1975)
Let the music play (1976)
You see the trouble with me (1976) (con Ray Parker, Jr.)
Baby, we better try to get it together (1976)
Don’t make me wait too long (1976)
I’m qualified to satisfy you (1977)
It’s ecstasy when you lay down next to me (1977)
Playing your game, baby (1977)
Your sweetness is my weakness (1978)
Just the Way You Are (1978)
Oh what a night for dancing (1978)
Sha la la means I love you (1979)
Sheet susic (1980)
Louie Louie (1981)
Sho’ you right (1987)
For your love (I’ll do most anything) (1987)
Super lover (1989)
Put me in your mix (1991)
Practice what you preach (1994)
I only want to be with you (1994)
Staying power (1999)
The longer we make love (1999) (junto a Lisa Stansfield y Chaka Khan
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Alice Cooper
Alice Cooper (nacido Vincent Damon Furnier, 4 de febrero de 1948) es un cantante de hard rock y heavy metal estadounidense, nacido en Detroit, Michigan. Alice Cooper fue inicialmente el nombre de una banda de rock and roll en la que Furnier era el vocalista, pionera del género conocido como shock rock. Surgida en 1964 en Arizona, Estados Unidos, logró su mayor auge durante los años setenta y alcanzó el éxito comercial con el álbum Billion Dollar Babies de 1973.
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Posteriormente, Furnier adoptó el nombre de su anterior banda e inició una carrera como solista, convirtiéndose en un importante icono del rock que influiría en diferentes géneros como el heavy metal,3 4 el hard rock y el rock gótico y sirviendo de referente para artistas y bandas como Rob Zombie y Marilyn Manson, al ser uno de los pioneros en asociar rock y espectáculo en sus conciertos y en montar pequeñas historias teatrales encima de un escenario donde a la vez tocaba un grupo de rock y crear de sí mismo un personaje de pesadilla.
Cooper es reconocido por el uso de maquillajes de aspecto siniestro, inquietantes letras y provocativas representaciones que abarcaban ejecuciones con guillotina y sillas eléctricas o actos con enormes serpientes, que ilustraban los contenidos de sus álbumes, muchos de los cuales narraban una historia, en la más pura línea del álbum conceptual. Alice Cooper sería el primero en desarrollar con más sofisticación las puestas en escena respecto a otros músicos influenciados por la estética «glam-teatral», como David Bowie o Peter Gabriel, inspirado notablemente por el cantante Arthur Brown. Esta característica escénica influenciaría notablemente a grupos como KISS, White Zombie, Mötley Crüe, Twisted Sister, Vinnie Vincent Invasion, Lordi, Mercyful Fate y King Diamond. Dentro de su actitud irreverente destaca el show de cortar bebés con un hacha, filetear una dama frente a un refrigerador abierto e incluso presentarse para presidente contra Richard Nixon en Estados Unidos de América.
Cooper también es famoso por su carismática personalidad fuera del escenario, siendo nombrado como el «artista de heavy metal más querido» en el libro The Rolling Stone Album Guide, publicado por la famosa revista Rolling Stone. Es acreditado como uno de los creadores del sonido y del estilo heavy metal, y ha sido descrito como «el primer artista en incluir imaginería de horror en el rock ‘n’ roll, con sus escenarios y montajes terroríficos en concierto». Aparte de la música, Cooper ha actuado en algunas películas, de las que destacan Waynes’s World de Penelope Spheeris, Sombras Tenebrosas de Tim Burton y The Prince of Darkness de John Carpenter.
Miembros Actuales
Alice Cooper – voz, guitarra, armónica (1963–presente)
Ryan Roxie – guitarra, coros (1996–2006, 2012–presente)
Chuck Garric – bajo, coros (2002–presente)
Glen Sobel – batería, percusión (2011–presente)
Tommy Henriksen – guitarra, coros (2011–presente)
Nita Strauss – guitarra, coros (2014–presente)101
Formación original
Vincent Damon Furnier – voz (1965-)
Glen Buxton – guitarra (1965-1973) (fallecido)
Michael Bruce – guitarra (1965-1973)
Dennis Dunaway – bajo (1965-1973)
Neal Smith – batería (1965-1973)
Discografía
Pretties For You (1969)
Easy Action (1970)
Love It to Death (1971)
Killer (1971)
School’s Out (1972)
Billion Dollar Babies (1973)
Muscle of Love (1973)
Welcome to My Nightmare (1975)
Alice Cooper Goes to Hell (1976)
Lace And Whiskey (1977)
The Alice Cooper Show (1977)
From the Inside (1978)
Flush the Fashion (1980)
Special Forces (1981)
Zipper Catches Skin (1982)
DaDa (1983)
Constrictor (1986)
Raise Your Fist and Yell (1987)
Trash (1989)
Hey Stoopid (1991)
The Last Temptation (1994)
A Fistful of Alice (1997)
Brutal Planet (2000)
Dragontown (2001)
The Eyes of Alice Cooper (2003)
Dirty Diamonds (2005)
Live at Montreux 2005 (2006)
Along Came A Spider (2008)
Welcome 2 my Nightmare (2011)
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Barbra Streisand
Barbra Streisand (Brooklyn, Estados Unidos, 24 de abril de 1942) es una actriz, cantante, compositora, productora, y directora de cine estadounidense. Apreciada sobre todo por su poderosa y excepcional voz, es la cantante femenina que más discos ha vendido en Estados Unidos y ampliamente reconocida a nivel mundial.
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Ganadora de dos Premios Óscar, cuatro Emmy, ocho Grammy, cuatro Golden Globe y un Tony. Entre otros muchos reconocimientos tiene, el premio American Film Institute a toda una carrera, la medalla Nacional de América de las Artes y la Legión de Honor francesa. En diciembre de 2008 fue la primera mujer directora en recibir el prestigioso Kennedy Center Honors.
Gracias a su frenética actividad discográfica en los años 1960 y 1970, y pese a su relativa inactividad en las últimas tres décadas, continúa siendo la artista femenina que más ha vendido en la historia en los Estados Unidos con, por lo menos, un álbum Nº 1 en Billboard en cada una de las últimas cinco décadas. Sus 9 números 1 en los Estados Unidos se extienden durante un espacio de 46 años; el período más largo que ningún artista o grupo haya logrado. Según la RIAA (Recording Industry Association of America), a lo largo de su carrera, Streisand ha conseguido 51 discos de oro, 30 de platino, 13 multiplatinos, 3 megaplatinos, 1 ultraplatino, y 247 de metal.
Nació el 24 de abril de 1942 como Barbara Joan Streisand, en el seno de una familia judía en Williamsburg, Nueva York. Su padre, Emanuel Streisand, profesor de gramática y literatura, murió a consecuencia de una hemorragia cerebral cuando ella tenía apenas 15 meses. Tiene un hermano mayor, Sheldon, agente inmobiliario y una media hermana, Roslyn Kind (también cantante), fruto del segundo matrimonio de su madre, Diana, que era secretaria en una escuela y que nunca respaldó el sueño de su hija de dedicarse al mundo del espectáculo, ya que no le parecía atractiva. Cursó estudios en el Colegio Beis Yakov y el Erasmus Hall High School de Brooklyn donde se graduó cuarta en la promoción de 1959. Allí cantaba en el coro junto a Neil Diamond. También fue amiga del que después sería campeón mundial de ajedrez Bobby Fischer.
Los deseos de Streisand de convertirse en actriz y cantante surgieron en 1956 cuando acudió a ver en Broadway la obra teatral El diario de Ana Frank. Para lograr su objetivo se inscribió en el verano de 1957 en un curso teatral, donde participó en The Teahouse of the August Moon, Desk Set y Picnic. Entre 1958 y 1960 tomó parte en varias producciones teatrales independientes off-off-Broadway y off-Broadway como Driftwood, The Insect Comedy, The Boyfriend y Another Evening with Harry Stoones.
Las perspectivas de su carrera comenzaron a mejorar en 1960 cuando, con la ayuda de su entonces novio Barry Dennen, ganó un concurso de nuevos talentos organizado en el club nocturno The Lion. A partir de ese momento realizó presentaciones como cantante en otros clubes neoyorquinos, entre ellos el Bon Soir y el Blue Angel. En 1961 realizó su primera aparición en la televisión; interpretó la canción «A Sleepin’ Bee» en el programa de variedades The Tonight Show. A finales de ese año realizó actuaciones especiales en el programa televisivo presentado por el periodista Mike Wallace, PM East/PM West.
Debutó en Broadway el 20 de marzo de 1962 en el musical I Can Get It For You Wholesale, donde representó el papel de la Sta. Marmelstein. Su interpretación recibió críticas positivas de muchas fuentes. Posteriormente fue nominada al premio Tony por mejor actriz secundaria de un musical. En la primavera de ese año, Barbra entró por primera vez en un estudio profesional de grabación para registrar las canciones de I Can Get It For You Wholesale, donde, además de la cómica Miss Marmelstein, también interpretaba una espectacular What Are They Doing To Us Now?; aparte de colaborar en un par de números más junto a compañeros del reparto. El disco solamente llegó a la posición 125 de Billboard pero le dio la oportunidad, gracias a la insistencia del compositor de la obra, Harold Rome, de participar, un par de meses más tarde, en un disco homenaje por el 25 aniversario de la exitosa obra Pins And Needles, donde interpretó cinco solos y un cuarteto.
Discografía
| 1962 | I Can Get It For You Wholesale | Broadway cast |
| 1962 | Pins And Needles | Estudio/colaboración |
| 1963 | The Barbra Streisand Album | Estudio |
| 1963 | The Second Barbra Streisand Album | Estudio |
| 1964 | The Third Album | Estudio |
| 1964 | Funny Girl | Broadway cast |
| 1964 | People | Estudio |
| 1965 | My Name is Barbra | Estudio/especial televisión |
| 1965 | My Name is Barbra, Two | Estudio/especial televisión |
| 1966 | Color Me, Barbra | Estudio/especial televisión |
| 1966 | Harold Arlen sings…with friend | Estudio/colaboración |
| 1966 | Je m’appelle Barbra | Estudio |
| 1967 | Simply Streisand | Estudio |
| 1967 | A Christmas Album | Estudio |
| 1968 | Funny Girl | Banda sonora |
| 1968 | A Happening in Central Park | Banda sonora |
| 1968 | What About Today? | Estudio |
| 1969 | Hello, Dolly! | Banda sonora |
| 1970 | Barbra Streisand’s Greatest Hits | Recopilatorio |
| 1970 | On A Clear Day You Can See Foerever | Banda sonora |
| 1971 | The Owl and The Pussycat | Banda sonora y diálogos |
| 1971 | Stoney End | Estudio |
| 1971 | Barbra Joan Streisand | Estudio |
| 1972 | Live Concert at the Forum | Directo |
| 1973 | Barbra Streisand… And Other Musical Instruments | Especial televisión |
| 1974 | The Way We Were | Banda sonora |
| 1974 | The Way We Were | Estudio |
| 1974 | ButterFly | Estudio |
| 1975 | Funny Lady | Banda sonora |
| 1975 | Lazy Afternoon | Estudio |
| 1976 | Classical Barbra | Estudio |
| 1976 | A Star is Born | Banda sonora |
| 1977 | Streisand Superman | Estudio |
| 1978 | Songbird | Estudio |
| 1978 | Eyes of Laura Mars | Banda sonora |
| 1978 | Barbra Streisand’s Greatest Hits Vol. 2 | Recopilarotio |
| 1979 | The Main Event | Banda sonora |
| 1979 | Wet | Estudio |
| 1980 | Guilty | Estudio |
| 1981 | Memories | Recopilatorio y estudio (temas nuevos) |
| 1983 | Yentl | Banda sonora |
| 1984 | Emotion | Estudio |
| 1985 | The Broadway Album | Estudio |
| 1987 | One Voice | Directo |
| 1987 | Nuts | Banda sonora |
| 1988 | Till I Loved You | Estudio |
| 1989 | A Collection: Greatest Hits.. and More | Recopilatorio y estudio (temas nuevos) |
| 1991 | Just for the Record | Recopilatorio, temas inéditos y nuevos |
| 1991 | Prince of Tides | Banda sonora |
| 1991 | Just for the Record: Highlights | Recopilatorio, temas inéditos y nuevos |
| 1993 | Back to Broadway | Estudio |
| 1994 | Barbra: The Concert | Directo |
| 1995 | The Concert: Highlights | Directo |
| 1996 | The Mirror Has Two Faces | Banda sonora |
| 1997 | Higher Ground | Estudio |
| 1999 | A Love Like Ours | Estudio |
| 2000 | Timeless: Live in Concert | Directo |
| 2001 | Christmas Memories | Estudio |
| 2002 | The Essential Barbra Streisand | Recopilatorio y estudio (temas nuevos) |
| 2002 | Duets | Recopilatorio y estudio (temas nuevos) |
| 2003 | The Movie Album | Estudio |
| 2005 | Guilty Pleasures | Estudio |
| 2007 | Live in Concert 2006 | Directo |
| 2008 | The Essential Barbra Streisand 3.0 | Recopilatorio |
| 2009 | Love Is the Answer | Estudio |
| 2010 | One Night Only | Directo |
| 2010 | The Ultimate Collection | Recopilatorio |
| 2011 | What Matters Most | Estudio |
| 2012 | Release Me | Recopilatorio temas inéditos |
| 2013 | Back to Brooklyn | Directo |
| 2014 | Partners | Estudio |
| 2016 | Encore: Movie Partners Sing Broadway | Estudio |
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B. B. King
Riley B. Kinga o Riley Ben King (Itta Bena, Misisipi, 16 de septiembre de 1925-Las Vegas, Nevada, 14 de mayo de 2015), más conocido como B.B. King, fue un músico, cantante y compositor estadounidense.
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Es ampliamente considerado uno de los músicos de blues más influyentes de todos los tiempos, ganando el apodo de «el Rey del Blues» y el renombre de «uno de los tres reyes (kings) de la guitarra blues» junto a Albert King y Freddie King. Según Edward M. Komara, King «introdujo un sofisticado estilo de solos basados en fluidas cuerdas [de guitarra] dobladas y brillantes vibratos que influirían prácticamente a todos los guitarristas de blues eléctrico que le siguieron». Los Beatles le mencionaron en la canción «Dig It» (1970). Además, la revista Rolling Stone lo situó en el puesto seis de la lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos y figura en el puesto 17 de la lista «Top 50 Guitarists of All Time» elaborada por Gibson. King fue introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987.
Con los años, King desarrolló un estilo de guitarra identificable de su obra musical, con elementos prestados de Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker y otros y la fusión de géneros musicales como el blues, el jazz, el swing y el pop. Su guitarra eléctrica Gibson ES-335, apodada «Lucille», también da nombre a una línea de guitarras creada por la compañía en 1980. King es también reconocido por su prolífica cuenta de presentaciones en directo, con un promedio de 250 o 300 conciertos anuales durante la década de 1970.
Riley B. King, hijo de Albert King y Nora Ella Farr, nació el 16 de septiembre de 1925 en una pequeña cabaña de una plantación de algodón situada entre las ciudades de Itta Bena y Berclair, Misisipi. En 1930, su madre se separó de su marido y más tarde se casó con otro hombre. Debido a que su madre no tenía medios para cuidar de su hijo, King pasó mucho tiempo con su abuela materna, Elnora Farr, en Kilmichael. La madre de Riley murió cuando él tenía nueve años.
King creció cantando en un coro de gospel en la iglesia baptista Elkhorn de Kilmichael. Con doce años, compró su primera guitarra por quince dólares, aunque otra fuente indica que fue un regalo de Bukka White, primo de su madre. En 1943, King abandonó Kilmichael para trabajar como conductor de tractores y comenzó a tocar la guitarra con el Famous St. John’s Quartet en Inverness, tocando en iglesias de la zona y en la estación de radio WGRM de Greenwood.
En la década de 1950, B. B. King se convirtió en uno de los nombres más importantes del rhythm and blues, con una lista de éxitos en su haber que incluía, entre 1952 y 1955, cuatro primeros puestos en la lista de éxitos de R&B de la revista Billboard.
Aunque sus audiencias fueron orientadas al R&B y el blues, King se rodeó siempre de arreglistas y músicos de jazz, sobre todo de saxos y trompetas, para sus grabaciones y actuaciones en directo. Su banda para sus primeras grabaciones de 1949 para Bullet Record Transcription Company, estaba formada por los hermanos Calvin y Phineas Newborn, Jr., el padre de estos, Phineas Newborn, Sr., Tuff Green, los hermanos Tom y Ben Branch, Willie Mitchell y una mujer trombonista, Sammie Jett. El trompetista James «Boogaloo» Bolden, miembro de la banda de King durante treinta años y su líder los últimos veinte, había estado en la orquesta de Duke Ellington. Otros músicos de jazz asociados con King fueron The Crusaders, bien como banda, bien a nivel individual; Johnny Pate arreglista y/o productor de álbumes como Live at The Regal o Blues on Top of Blues; o el trompetista Snooky Young.
A partir de Live & Well (1969), el primero de cuatro álbumes producidos por Bill Szymczyk, se asocia también con músicos de blues y rock, como Gerald Jemmott, Al Kooper, Hugh McCracken, Dr. John, Eric Clapton, entre muchos otros.
Participó como invitado en numerosos programas de televisión muy populares en los Estados Unidos, incluyendo a The Ed Sullivan Show en 1971, cuando una audiencia de 20 millones le vieron tocar «The Thrill Is Gone», The Tonight Show’, Merv Griffin, The Cosby Show,23 The Young and the Restless, Hospital General, El Príncipe de Bel Air, Barrio Sésamo, Married… with Children y Sanford and Son.
B.B. King recibió 15 Premios Grammy.25 Asimismo, cuatro de sus grabaciones, dos álbumes (Live at The Regal y The Thrill Is Gone) y dos canciones («3 O’Clock Blues», «Everyday I Have the Blues»), han sido incorporados al Hall of Fame de los Grammy. Por otra parte, la grabación «The Thrill is Gone» recibió el Premio del Salón de la Fama de los Grammy en 1998.
Álbumes
Singin’ the Blues (1957)
King of the Blues (1960)
My Kind of Blues (1960)
Live at the Regal (Live, 1965)
Lucille (1968)
Live & Well (1969)
Completely Well (1969)
Indianola Mississippi Seeds (1970)
B. B. King in London (1971)
Live in Cook County Jail (1971)
Guess Who (1972)
Lucille Talks Back (1975)
Midnight Believer (1978)
Live «Now Appearing» at Ole Miss (1980)
There Must Be a Better World Somewhere (1981)
Love Me Tender (1982)
Why I Sing the Blues (1983)
B. B. King and Sons Live (Live, 1990)
Live at San Quentin (1991)
Live at the Apollo (Live, 1991)
There is Always One More Time (1991)
Blues Summit; 1993
How Blue Can You Get? Live Performances; 1996
Deuces Wild (1997)
Take it Home; 1998
His Best – The Electric B. B. King; 1998
Completely Well; 1998
Greatest Hits; 1998
Blues on the Bayou; 1998
Millennium Collection – 20th Century Masters; 1999
His Definitive Greatest Hits; app. 1999
Live in Japan; 1999
Let the Good Times Roll; 1999
Riding with the King (2000)
Makin’ Love is Good for You; 2000
Anthology; 2000
Live at San Quentin (Remastered); 2001
Here & There – The Uncollected B. B. King; 2001
A Christmas Collection of Hope; 2001
Blues is King; 2002
Christmas Collection – 20th Century Masters; 2003
Reflections (2003)
The Ultimate Collection (2005)
B. B. King & Friends: 80 (2005)
B. B. King Best of B. B. King (2006)
B. B. King Gold (Remastered 2006)
B. B. King The Best of (1987)
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Aztec Camera
Aztec Camera es una banda escocesa de indie pop formada en 1981 y disuelta en 1995.
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Aztec Camera se suele englobar dentro del movimiento post-punk aunque el término que mejor podría definirlo es indie pop. La banda se formó en 1981 en Glasgow. Su líder, Roddy Frame, tenía tan sólo 17 años. El resto de la formación eran Bernie Clarke (teclados), Campbell Owens (bajo) y Dave Mulholland (batería). En marzo de ese mismo año, publicaron su primer single, contenía las canciones «Just Like Gold» y «We Could Send Letters». Una versión acústica de las segunda canción fue publicada, también en 1981, en el álbum recopilatorio «C81» publicado por New Musical Express en formato cassette, incluyendo canciones de las principales bandas alternativas del momento. Este álbum sería de gran influencia en el mundo musical. Finalmente, también en 1981, publicaron un segundo single: «Mattress Of Wire».
En abril de 1983, Aztec Camera publicó su primer LP, High Land, Hard Rain. El mismo obtuvo cierto éxito y fue aclamado por la crítica. Los miembros fundadores de la banda Bernie Clarke, Campbell Owens y Dave Mulholland abandonaron la banda antes de la publicación del álbum, que tuvo que ser mezclado y editado por Roddy Frame en solitario (Campbell Owens volvería a integrarse en la banda de forma esporádica en el futuro). A partir de ese momento, Aztec Camera dejó de ser una banda para convertirse en una «marca» que englobaba el equipo de músicos, más o menos permanente, que acompañaba a Roddy Frame. Músicos como el guitarrista Malcom Ross (de otros grupos indie como Josef K o Orange Juice) o Mick Jones (de The Clash) colaborarían en algún momento con la banda.
Su segundo álbum, Knife, fue producido por Mark Knopfler, líder de Dire Straits, y se publicó en 1984. La crítica lo tachó de sobre-producido, con un sonido alejado del indie pop desenfadado del primer álbum. Para muchos, el sonido y el nivel musical de la banda nunca se recuperarían. Sin embargo, produjo el hit «All I Need Is Everything». Como cara B se publicó una versión lenta del clásico de Van Halen, «Jump» (en USA, esta canción se incluyó dentro de un EP titulado simplemente «Aztec Camera»).
Su tercer álbum, Love, publicado en 1987, continuó en la misma línea de su predecesor y generó el éxito «Somewhere in My Heart» que llegó al puesto 3 en las listas británicas. En 1990, se publicó Stray, un álbum que volvía al sonido de los primeros años, más basado en la guitarra. En él, encontramos el dueto con Mick Jones «Good Mornig Britain». En 1993, se publicó Dreamland, en donde encontramos la colaboración con el compositor japonés Ryuichi Sakamoto. El estilo musical se basaba en canciones suaves y discretas. Su último álbum, Frestonia, publicado en 1995, seguía con la línea musical de su predecesor.
En este comento de su trayectoria, Aztec Camera se había convertido en un vehículo personal de Roddy Frame para exteriorizar sus propios proyectos personales. Frame decidió retirar el nombre de Aztec Camera y comenzar a publicar álbums con su nombre. En 1999, se publicó el recopilatorio The Best of Aztec Camera, que no incluía ninguna canción del álbum Frestonia y sin embargo, incluía una canción del álbum The North Star, de Roddy Frame en solitario. La cuarta parte del disco estaba basada en High Land, Hard Rain, su primer álbum. En 2001, vio la luz un segundo recopilatorio: Deep and Wide and Tall.
Álbums
High Land, Hard Rain (1983)
Knife (1984)
Love (1987)
Stray (1990)
Dreamland (1993)
Frestonia (1995)
EP
Aztec Camera (1985) – Publicado en USA. Incluye una versión de estudio de la canción Jump de Van Halen y 5 canciones grabadas en vivo en el Dominion Theatre en octubre de 1984.
Recopilatorios
The Best of Aztec Camera (1999)
Deep and Wide and Tall (2005)
Miembros
Gary Daly
Eddie Lundon
Antiguos miembros
Dave Reilly
Gazza Johnson
Kevin Wilkinson
Walter Becker
Brian McNeill
Avril Lavigne
Avril Ramona Lavigne (Belleville, Ontario, 27 de septiembre de 1984) es una cantautora, diseñadora de moda y actriz canadiense. Algunos medios de comunicación y críticos desde sus inicios la llaman como la princesa del pop punk.
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Comenzó su carrera musical en diciembre de 2001, cuando después de una presentación en una feria country, despertó el interés del productor L.A. Reid y firmó para Arista Records. Luego del lanzamiento de cuatro álbumes de estudio, Let Go (2002), Under My Skin (2004), The Best Damn Thing (2007) y Goodbye Lullaby (2011). Lavigne ha vendido más de 40 millones de copias y 35 millones de sencillos en todo el mundo, teniendo Cinco sencillos número uno mundialmente; «Complicated», «Sk8er Boi», «I’m With You», «My Happy Ending», «Girlfriend» . Su éxito se debe a sus influencias transitando por los caminos del power pop y el punk, mezclados en una fórmula propia solo de ella.16 Avril es también, según Forbes, una de las celebridades jóvenes más ricas del mundo, con una fortuna estimada en más de 100 millones de dólares.
En una encuesta creada por la revista Rolling Stone para elegir las 100 mejores canciones y álbumes entre los años 2000 y 2009, la canción «Complicated» y el álbum Let Go obtuvieron la octava y cuarta posición, respectivamente. La cantante es también poseedora del récord guinness como la cantante femenina más joven en llevar un álbum debut a las listas de popularidad del Reino Unido, con 18 años y 106 días de edad, el 11 de enero de 2003, ya que estuvo 18 semanas en el número uno de dicha lista, con su álbum Let Go. El mismo estuvo también en la posición 162 de la lista de los mejores álbumes del Salón de la Fama del Rock.
Según la revista Billboard, Lavigne se encuentra en la lista de los 100 artistas más populares de la década del 2000 en los Estados Unidos, ubicándose en la posición 27.
Avril Lavigne proviene de una familia cristiana de clase media. Es hija de John y Judy Lavigne, ambos de origen franco-canadiense, nació el 27 de septiembre de 1984 en Belleville, Ontario, pero pocos meses después se mudaron a Napanee, también en Ontario. Cantaba canciones de género góspel y country. Unos años después, Avril se dedicó a cantar en ferias. Cuando creció, aprendió a tocar la guitarra sin ayuda.
En 1998, con trece años de edad, ganó un concurso de canto patrocinado por una radio local, obteniendo la oportunidad de compartir el escenario con la cantante Shania Twain. Avril se presentó por primera vez frente a un público de aproximadamente 20 000 personas. Poco después contrató a su primer mánager, Cliff Fabri, quién notó su talento cuando tenía catorce años y realizaba una presentación en una librería en Canadá.
En diciembre de 2014, se informó de que Avril Lavigne había escrito un comunicado en Twitter que ella sufría problemas de salud que no se conocían, ella negó los rumores de que estaba en rehabilitación. En abril de 2015, reveló a la revista People que había sido diagnosticada con la enfermedad de Lyme. En una entrevista con Billboard, Lavigne dijo que se estaba recuperando de su enfermedad. Semanas después la cantante dio una entrevista exclusiva con el programa de TV estadounidense Good Morning America, donde se quebró en llanto contando personalmente el proceso de recuperación.
Álbumes de estudio
2002: Let Go
2004: Under My Skin
2007: The Best Damn Thing
2011: Goodbye Lullaby
2013: Avril Lavigne
EP
2003: Angus Drive EP
2003: Try to Shut Me Up
2004: Avril Live Acoustic
2008: Control Room
2010: Essential Mixes
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Arthur Garfunkel
Arthur Ira Garfunkel, conocido como Art Garfunkel (n. en Nueva York, Estados Unidos, el 5 de noviembre de 1941), es un cantautor y actor estadounidense, famoso por formar parte del dúo de folk Simon and Garfunkel.
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Arthur Garfunkel nació en Forest Hills, un barrio de Queens (Nueva York). Es de ascendencia judía de Rumanía.
Conoció a Paul Simon en sexto año de la secundaria. Entre los años 1956 y 1962 tocaban juntos música con el sobrenombre de Tom & Jerry. Garfunkel se hacía llamar Tom Graph. Se matriculó en la Universidad de Columbia a principios de los sesenta, allí tocó con los Kingsmen, un grupo a capella en el que todos eran hombres. Durante su estancia en la universidad, también fue miembro de la Alpha Epsilon Pi, la única fraternidad judía en Estados Unidos y Canadá. En 1962 se sacó el Bachillerato de Artes licenciándose en Historia del Arte.
En 1963 volvió a unirse al dúo con Paul Simon, aunque ahora ya bajo sus nombres reales, Simon y Garfunkel. En octubre de 1964 publican Wednesday Morning, 3 AM, su primer álbum gracias a Columbia Records. El álbum no tuvo buena acogida, y el dúo se separó.
Al año siguiente añadieron sonidos electrónicos a la canción The Sound of Silence, ya que la original sólo contaba con la guitarra y la voz del cantante. Se volvieron a juntar, y en los años sucesivos grabaron cinco discos más, logrando ser reconocidos como uno de los grupos más populares de los años sesenta. El dúo publicó en 1970 el álbum más elogiado de su carrera, Bridge Over Troubled Water, sin embargo, el dúo se volvió a separar debido a los diferentes intereses entre ambos y las ganas de crear una carrera en solitario.
Discografía
Angel Clare (1973)
Breakaway (1975)
Watermark (1977)
Fate for Breakfast (1979)
Scissors Cut (1981)
The Art Garfunkel álbum (1984)
The Animals Christmas Album (1986)
Lefty (1988)
Garfunkel (1989) (collection)
Up ‘til Now (1993)
Across America (live) (1997)
Songs from a Parent to a Child (1997)
Everything Waits to Be Noticed (2002)
Some Enchanted Evening (2007)
The Singer (2012)
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Aretha Franklin
Aretha Louise Franklin (Memphis, 25 de marzo de 1942) es una cantante de soul, R&B y gospel. Apodada como «Lady Soul» (la Dama del Soul) o «Queen of soul» (la Reina del Soul), es para algunos una de las artistas más influyentes en la música contemporánea.
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A mediados de la década de 1960 se consolidó como estrella femenina del soul, algo que usó en favor de los derechos raciales en Estados Unidos, siendo un elemento influyente dentro del movimiento racial y de la liberación femenina. En 1987, Franklin se convierte en la primera mujer en entrar en el Rock and Roll Hall of Fame.
Según el listado 100 Grandes Cantantes de la revista Rolling Stone, Franklin es la mejor cantante de la historia, ocupando el primer lugar (1º) de dicho listado. Además, la misma publicación la cataloga como la novena (9º) mejor artista, del listado 100 Grandes Artistas.
Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee), y creció en Detroit. Es hija del predicador Clarence LeVaughn Franklin y la cantante de gospel Barbara Franklin. Su madre abandonó a su familia cuando Aretha era una niña, y poco tiempo después, murió. Su padre vio pronto el talento de Aretha, por lo que quiso que tomara clases de piano, pero ella lo rechazó y prefirió aprender por sí sola con la ayuda de grabaciones. En este tiempo, permanecía en un tour itinerante de gospel, donde uno de los primeros temas que interpretó fue «Precious Lord». Los genios del gospel Clara Ward, James Cleveland y Mahalia Jackson eran íntimos de su familia, por lo que Aretha creció rodeada de ellos. Con doce años tuvo a su primer hijo, y dos años después tuvo el segundo.
Las raíces gospel de Franklin son una de las huellas más personales e influyentes en su carrera. Con sus hermanas Carolyn Franklin y Erma Franklin (ambas mantuvieron también carreras en solitario) cantaba en la Iglesia Bautista de Detroit (New Bethel Baptist Church), fundada y regentada por su padre, C.L. Franklin, un predicador baptista, apodado «La voz del millón de dólares» y uno de los principales confidentes del líder Martin Luther King. Aretha pasó toda su infancia dentro de este ambiente gospel y rodeada de voces del jazz como Dinah Washington y Ella Fitzgerald. Con tan solo 14 años hizo su primera grabación para el sello JVB/Battle Records, luego reeditado por Checker, The gospel soul of Aretha Franklin, en el que se podían oír composiciones gospel con un potente sonido soul, lleno de melodías a piano, instrumento que dominaba desde su infancia. En 1960, viajó hasta Nueva York para tomar clases de técnica vocal y danza. En este tiempo, empezó a grabar demos para enviar a las discográficas.
Discografía:
1956 The Gospel Soul of Aretha Franklin
1961 Aretha
1962 The Electrifying Aretha Franklin
1962 The Tender, The Moving, The Swinging Aretha Franklin
1963 Laughing on the Outside
1964 Running Out Of Fools
1964 Unforgettable: A Tribute to Dinah Washington
1964 Songs of Faith
1965 Yeah!: Aretha Franklin in Person
1965 Once in a Lifetime
1966 Soul Sister
1967 I never loved a man the way I love you
1967 Aretha Arrives
1967 Take It Like You Give It
1967 Lee Cross
1968 Lady Soul
1968 Aretha Now
1968 Aretha in Paris
1969 Aretha Franklin: Live!
1969 I Say a Little Prayer
1969 Soul ’69
1970 This Girl’s In Love with You
1970 Don’t Play That Song
1970 Sweet Bitter Love
1970 Spirit in the Dark
1971 Aretha Live at the Fillmore West
1971 Young, Gifted and Black
1972 Amazing Grace Atlantic
1973 Hey now hey (the other side of the sky)
1974 With Everything I Feel in Me
1974 Let Me in Your Life
1975 You
1976 Sparkle
1977 Satisfaction
1977 Sweet Passion
1977 Most Beautiful Songs
1978 Almighty Fire
1979 La Diva
1980 Aretha
1980 Aretha Sings the Blues
1981 Love All the Hurt Away
1982 Jump to It
1983 Get It Right
1984 Never Grow Old
1985 Who’s Zoomin’ Who?
1986 Aretha
1987 One Lord, One Faith, One Baptism
1989 Through the Storm
1991 What You See Is What You Sweat
1998 A Rose is Still a Rose
2003 So Damn Happy
2006 Live at Fillmore West: Deluxe Edition
2007 Jewels In The Crown: All-Star Duets With The Queen
2011 A Woman Falling Out of Love
Recopilatorios
1964 Runnin’ out of fools
1965 Yeah! Aretha Franklin in person [Live]
1966 Soul Sister
1967 Aretha Franklin’s Greatest Hits
1967 Take a look
1967 Take it like you give it
1968 Queen of Soul
1968 The Best of Aretha Franklin
1969 Today I sing the blues
1969 Aretha’s Gold
1969 Soft and beautiful
1970 Sweet bitter love
1971 Aretha’s Greatest hits
1972 In the Beginning/The World of Aretha Franklin 1960-1967
1973 Collection
1973 The Great Aretha Franklin: The First 12 Sides
1975 Two originals
1976 Aretha after hours
1976 Ten years of gold
1978 Star Collection
1978 Star Collection, vol.2
1983 The legendary Queen of Soul
1984 Aretha’s Jazz
1985 30 Greatest Hits
1987 20 Greatest Hits
1988 Collection
1988 So swell
1991 Precious Lord
1991 Aretha Gospel (Live)
1992 Jazz to soul
1992 Queen of soul: The Atlantic Recordings
1993 Chain of fools
1994 Greatest hits 1980/1994
1994 The very best of Aretha Franklin vol.1
1994 The very best of Aretha Franklin vol.2
1995 Essential
1995 Collection gold
1996 Gold
1997 Love songs
1997 Early years
1997 A natural woman & other hits
1997 Respect & other hits
1998 the Delta meets Detroit: Aretha’s Blues
1998 Spanish Harlem
1998 Think and other hits
1998 Sings standards
1998 This is jazz 34
1998 You grow closer
1998 Greatest hits
1999 Amazing grace: The Complete Recordings
2000 Portrait
2000 Free soul: the classic of Aretha Franklin
2001 Love songs
2001 Aretha’s best
2001 Gospel greats
2002 Aretha & Otis
2002 The Queen in waiting: the Columbia years
2003 Platinum & gold collection
2003 Hall of fame
2004 The Great
2005 don’t fight the feeling (live)
2005 The essentials
2006 Joy to the world
2006 Legends collection
Antonio Vega
Antonio Vega Tallés (Madrid, 16 de diciembre de 1957 – Majadahonda, Madrid, 12 de mayo de 2009 ) fue un autor, escritor, compositor y cantante español. En 1978 formó junto a su primo Nacho García Vega el grupo Nacha Pop, originado en otra banda, Uhu Helicopter, de la que provenían ambos. Su disco de presentación se editó en 1980, separándose el grupo en 1988 tras una exitosa carrera con seis álbumes de estudio y uno en directo. Vega comenzó entonces su carrera como solista, en la que editaría cinco discos de estudio, un álbum en directo y un recopilatorio de colaboraciones con otros artistas.
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Antonio Vega fue el tercero de seis hermanos de una familia de clase media-alta madrileña; su padre era un afamado médico traumatólogo. De carácter inquieto, destacó pronto en casi cualquier disciplina, tanto en las físicas como en las intelectuales. En unas pruebas psicológicas puntuó 168 de cociente intelectual.3 Estudió en el Liceo Francés de Madrid, donde actuó por primera vez a los 14 años.
Inició diferentes estudios, que no llegó a terminar: arquitectura, sociología, pilotaje de aviones. En 1977 cumplió su servicio militar en Valencia, durante el cual compuso su canción más conocida, Chica de ayer. Finalmente, en 1978 entraba a formar parte de Nacha Pop, que se formaba entonces con exmiembros de Uhu-helicopter, la banda de Nacho García Vega, con la que Antonio ya tocaba ocasionalmente antes de irse a la mili.
La carrera en solitario de Antonio Vega comenzaría marcada por su etapa anterior, de la que saldría como un músico consagrado y muy respetado por sus compañeros de profesión. Así pues, el músico mantendría la misma línea de creación durante su etapa de solista, aunque acentuando en algún sentido su vocación más intimista, quizá por la ausencia de la influencia musical de García Vega.
Su primer disco en solitario data de 1991 y llevó por título No me iré mañana. En él se mezclan temas más poperos, como Esperando nada (que más tarde versionaría la cantante chilena Nicole y que daría lugar a un álbum homónimo, el segundo de la cantante desde 1989), Háblame a los ojos o Lo mejor de nuestra vida, con temas más próximos a un estilo de la denominada canción de autor, como Tesoros o Se dejaba llevar por ti, canción de la cual el propio músico reconocería que hacía alusión a su adicción a la heroína.
En 1992 se publicó un recopilatorio que mezclaba algunas de sus mejores canciones de la época de Nacha Pop con temas de su primer disco como solista. Se incluía asimismo una versión de la canción Ansiedad, de Chelique Sarabia, y una maqueta de otro de sus temas más conocidos, El sitio de mi recreo, que también daba nombre al disco.
Su siguiente trabajo, Océano de sol, vería la luz en 1994, cuando Vega se desplazaría hasta Inglaterra para trabajar con Phil Manzanera, ex guitarrista de Roxy Music y productor musical que se ocuparía de la producción del disco. Sin embargo, Vega no quedó satisfecho con el trabajo de Manzanera, atribuyendo a este falta de profesionalidad, así como diferencias en la concepción del trabajo. Del disco destacan temas como Vapor, Palabras o una segunda versión más trabajada de El sitio de mi recreo.
Al año siguiente colabora en el primer disco tributo a Joan Manuel Serrat, que llevaría por nombre Serrat, eres único (1995), con el Romance de Curro el Palmo. También participó en 1997 en el Tributo a Queen, con el tema Días que no volverán, versión en español de la canción These are the days of our lives publicada por la banda británica en su álbum Innuendo, de 1991. Mientras se grababa este álbum, el vocalista de Queen Freddie Mercury vivía sus últimos meses de vida antes de fallecer de SIDA el 24 de noviembre de 1991.
Tras un silencio de cuatro años se publica el disco Anatomía de una ola, más acústico y tranquilo que los anteriores. En él se recogen temas como Ángel caído, dedicada a Vincent Van Gogh o Como la lluvia al sol, canción ya grabada por Luz Casal en su álbum de 1995 Como la flor prometida. En este disco se hallaba también una versión de Agua de río, del grupo Sonora, compuesto entre otros por varios amigos de Vega, Basilio Martí y Nacho Béjar, muy influenciados por aquel en su único LP, Arquitectura de la soledad.
Con la muerte en 1999 del líder de Los Secretos Enrique Urquijo la banda publica un disco homenaje con el título A tu lado, y en el cual Vega interpretó la canción Agárrate a mí, María.
Tras una etapa con la discográfica Polydor se produce su fichaje por EMI, que edita en 2001 De un lugar perdido, un disco corto en el que destacan temas como Estaciones, Para bien y para mal o A trabajos forzados, poema de Antonio Gala al cual pone música. Ese año también colabora con Jarabe de Palo en el tema Completo, incompleto, dentro del disco De vuelta y vuelta.
En 2002 publica su particular Básico, basado en un concierto acústico ofrecido el 5 de julio de 2001 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y en el que incluye tanto versiones de su repertorio clásico como algún tema inédito.
A finales de 2003 participa como solista en el tributo a la banda española Hombres G, interpretando la canción La carretera. Esta versión fue una de las incluidas en Escapadas, disco que salió al mercado en 2004 y en el cual contaba con colaboraciones de otros artistas como Amaral, con los que canta Cómo hablar; Pau Donés, con quien cantaba a dueto Completo, incompleto, o Elefantes, con los que realiza una versión de Que yo no lo sabía. También en ese mismo año participa en el homenaje colectivo al poeta Pablo Neruda en su centenario, que llevaba el título de Neruda en el corazón. La muerte de su compañera sentimental Marga (Margarita del Río), el 11 de febrero de 2004, con la que llevaba desde finales de los noventa y coautora de algunos de sus temas, supone un duro golpe para Vega, que sufrió seguidamente una neumonía que le tuvo hospitalizado. E incluso le llevó a atravesar un periodo de depresión. Posteriormente compondría su último disco en solitario, 3000 noches con Marga, editado en 2005, en el que se incluyen temas como Ángel de Orión, Caminos infinitos, Pasa el otoño o la instrumental 3000 noches con Marga.
En 2007 Antonio se reúne con Nacho García Vega y deciden volver al escenario como Nacha Pop en una gira por España, además de su aparición en el DVD Historia sinfónica del pop español junto a Germán Coppini, Javier Andreu, José María Granados y otras leyendas del pop español. También colaboraría en el tema Ahora qué de Conchita, incluido en su álbum de debut, Nada más. En marzo del mismo año graba a dúo con Miguel Bosé una versión de El sitio de mi recreo que el cantante incluiría en el disco conmemorativo Papito.
El proyecto valenciano Escoles de Nicaragua, que tenía como objetivo recaudar fondos con destino a la construcción de infraestructura educativa en el país centroamericano, le lleva a participar en Un sueño compartido, disco que el grupo Un Mar al Sur realizó para este fin.
Tras acabar la gira con Nacha Pop vuelve a su carrera en solitario y continúa dando conciertos, orientando en los últimos tiempos su gira a los escenarios teatrales con el respaldo de una banda en la que estaba Basilio Martí, que también era su representante musical. Esta serie de conciertos estaba pensada para dar lugar a un nuevo disco en directo. En marzo de 2009 presentó, en el que sería a la postre su último concierto, una de sus últimas composiciones: Antes de haber nacido. Su último concierto tuvo lugar el 28 de marzo de 2009 en el Kafe Antzokia de Bilbao.
Antonio Vega tenía desde los ochenta graves problemas con la drogodependencia, un hecho que con el tiempo había dejado de ser un secreto para el público, debido a su deterioro físico, para convertirse en un componente más de su aura de cantante maldito.
El 20 de abril de 2009 fue ingresado en el Hospital Puerta de Hierro de Madrid debido a una neumonía aguda que le obligó a suspender su gira. Falleció el 12 de mayo siguiente, a los 51 años de edad, a consecuencia de un cáncer de pulmón que le habían diagnosticado meses antes.
Con Nacha Pop
Álbumes de estudio
1980: Nacha Pop (Hispavox, 1980)
1982: Buena disposición (Hispavox, 1982)
1983: Más números, otras letras (DRO, 1983)
1985: Dibujos animados (Polydor, 1985)
1987: El momento (Polydor, 1987)
EP
Una décima de segundo (DRO, 1984)
Álbumes en directo
1988: Nacha Pop 1980-1988 (Polydor, 1988)
2008: Tour 80-08 Reiniciando
Recopilatorios
1996: Bravo. Editado solo en México
1997: Lo mejor de Nacha Pop, Rico y Antonio Vega
2003: Un día cualquiera. Colección de canciones
2005: La más completa colección
En solitario
Álbumes de estudio
1991: No me iré mañana
1994: Océano de sol
1998: Anatomía de una ola
2001: De un lugar perdido
2005: 3000 noches con Marga
Álbumes en directo
2002: Básico (concierto acústico en el Círculo de Bellas Artes de Madrid)
2012: Antes de haber nacido (selección de grabaciones de su última gira)
Recopilatorios
1992: El sitio de mi recreo (recopilatorio de sus mejores baladas)
2004: Autorretratos (recopilatorio)
2004: Escapadas (disco de colaboraciones)
2009: Canciones 1980-2009 (recopilatorio póstumo)
Con Un Mar al Sur
2008: Un sueño compartido
Homenajes
1993: Ese chico triste y solitario
2010: El alpinista de los sueños
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