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CD1 CD2 |
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1. «Brutal Planet» 4:40 |
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Hey Stoopid (Cooper, Vic Pepe, Jack Ponti, Bob Pfeifer) – 4:34 Alice Cooper – Voces, Armónica |
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Track List: Musicians: |
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«Freedom» – 4:09 Integrantes |
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«DaDa» (Bob Ezrin) – 4:45 |
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«Zorro’s Ascent» (Alice Cooper, John Nitzinger, Billy Steele, Erik Scott) – 3:56 Personal |
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«From the Inside» (Cooper, Wagner, David Foster) – 3:55 Todas las letras por Bernie Taupin y Alice Cooper, y toda la música por Dick Wagner, salvo donde se indica. |
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«From the Inside» (Cooper, Wagner, David Foster) – 3:55 Todas las letras por Bernie Taupin y Alice Cooper, y toda la música por Dick Wagner, salvo donde se indica. |
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01. Under My Wheels |
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01. Go to Hell 05:15 All songs written and composed by Alice Cooper, Dick Wagner and Bob Ezrin, except where noted |
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01. Go to Hell 05:15 All songs written and composed by Alice Cooper, Dick Wagner and Bob Ezrin, except where noted |
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01. Welcome To My Nightmare (Alice Cooper, Dick Wagner) 05:20 |
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01. Hello Hooray (4:14) |
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01. School’s Out – 03:28 |
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01. School’s Out – 03:28 |
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01. Caught In A Dream 3.09 |
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01. Caught In A Dream 3.09 |
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01. Under My Wheels (2:49) |
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«Mr. and Misdemeanor» – 3:05 Banda |
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«Mr. and Misdemeanor» – 3:05 Banda |
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«Titanic Overture» – 1:12 |
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«Titanic Overture» – 1:12 |
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CD1 CD2 |
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CD 1: CD 2: |
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«As I am» (Intro) Kerry «Krucial» Brothers 1:52 |
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CD 1: CD 2: |
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CD 1: CD 2: |
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DISC 1 – The Last Temptation: DISC 2 – Live At Electric Lady: |
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01 – I’m Eighteen 2.58 |
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01. Big Apple Dreamin’ (Hippo) |
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01. Hello Hooray (4:14) |
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01. Under My Wheels (2:49) |
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01. A mi no me importa |
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01. This Game Is Over |
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CD 1 CD 2 |
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01. Los Chulos Son ‘Pa’ Cuidarlos |
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01 – 21 Things I Want in a Lover 3.28 |
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01. Citizen Of The Planet (04:22) |
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01 – Eight Easy Steps 2.52 |
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01 – Fear Of Bliss 4.37 |
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01 – Front Row 4.13 |
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CD1 – You Oughta Know: CD2 – Ironic: CD3 – You Learn: CD4 – Hand in My Pocket: CD5 – Head Over Feet: |
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CD1 – Jagged Little Pill (2015 Remaster) CD2 – Demos CD3 – Jagged Little Pill Acoustic CD4 – Live at Subterranea, London 09-28-1995 |
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01 – All I Really Want 4.43 |
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01. Feel Your Love (03:49) |
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CD1: CD2: |
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Disc One (01:07:08) Disc Two (01:11:15) |
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01. Genesis Ch. 1 V. 32 [03:18] |
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01. Freudiana (Instrumental) [03:13] |
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01. Pipeline [0:03:58.60] |
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| 1. La Sagrada Familia 8.48 2. Too Late 4.30 3. Closer To Heaven 5.54 4. Standing On Higher Ground 5.03 5. Money Talks 4.26 6. Inside Looking Out 6.22 7. Paseo De Gracia (Instrumental) 3.47 Eric Woolfson – pianos, keyboards, vocals |
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01. Prime Time [0:03:50.40] |
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01. Let’s Talk About Me [0:04:29.65] |
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01. I Wouldn’t Want To Be Like You [0:03:13.00] |
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01. Sirius [0:01:55.05] |
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CD1 (Original Album): CD2 (Eric’s Songwriting Diaries): |
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01 – May Be a Price to Pay 5.01 |
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01. Lucifer [0:05:06.25] |
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01. Lucifer [0:05:06.25] |
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01. Voyager [0:02:15.20] Personnel: |
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CD1 CD2 |
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Disc 1 1976 Original Album: Disc 2 1987-Remix: |
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01. A Dream Within A Dream – 03:43 |
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01. A Dream Within A Dream (Instrumental) – 4:14 |
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DISC 1: DISC 2: |
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01 Lord Grenville 5.03 |
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CD1: CD2: |
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01. Is We on the Downbeat (00:36) |
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01. New York City (You’re a Woman) (05:21) |
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01. New York City (You’re a Woman) 5.21 |
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01. Magic in My Socks 3.57 |
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01. Random Act Of Love |
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01. Adiemus 3.57 |
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CD1: CD2: |
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Carreras Domingo Pavarotti – Los Tres Tenores
Los Tres Tenores es el nombre dado a un espectáculo realizado por los cantantes de ópera Luciano Pavarotti, José Carreras y Plácido Domingo, quienes ofrecieron juntos una serie de conciertos entre 1990 y comienzos del siglo XXI. El repertorio de los Tres Tenores comprendió desde óperas y obras de Broadway hasta canciones napolitanas y éxitos de la música pop.
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El productor italiano Mario Dradi concibió la idea del concierto. El primero se llevó a cabo para recaudar fondos para la Fundació Internacional Josep Carreras per a la Lluita contra la Leucèmia; también fue para los amigos Domingo y Pavarotti, una forma de dar la bienvenida a Carreras en el mundo de la ópera después de haber tenido éxito en su tratamiento de la leucemia. Para el primer concierto de 1990 se planificó tener como escenario a la ciudad de Roma aprovechando el final de la Mundial de Fútbol realizado en Italia,.
El concierto de Roma resultó en un enorme éxito, y las grabaciones del mismo (tanto en discos como en cintas de video) fueron ampliamente vendidas en todo el planeta. El éxito del concierto de 1990 motivó que el espectáculo quedara denominado definitivamente como Los Tres Tenores, quienes continuaron cantando juntos en conciertos producidos por el mánager húngaro Tibor Rudas y otros productores. Así, se planificó un segundo espectáculo en el Dodger Stadium de Los Ángeles antes del partido final de la Copa Mundial de Fútbol de 1994, el cual contó con una masiva asistencia y cuyas grabaciones discográficas y televisivas repitieron el gran éxito de cuatro años antes.
Ante ello, el espectáculo de Los Tres Tenores fue repetido en el Campo de Marte de París, bajo la Torre Eiffel durante la Copa Mundial de 1998, y luego se realizó en Yokohama (Japón) con motivo de la Mundial de Fútbol del 2002. También se reprodujeron conciertos similares en otras ciudades de todo el mundo (Londres, Nueva York, etc.), generalmente presentándose en estadios u otros grandes espacios. En Chile, una presentación similar se hizo, bajo el nombre de «Chile tres tenores cantan a Santiago», inspirado en las actuaciones de Domingo, Pavarotti y Carreras en la final de la Copa Mundial de Italia 1990, EE.UU. 1994, Francia 1998 y Corea Japón 2002.
Los conciertos fueron un gran éxito comercial, y fueron acompañados por una serie de grabaciones de gran éxito, incluyendo «Carreras-Domingo-Pavarotti: Los Tres Tenores en Concierto» (que posee el récord mundial Guinness para el álbum de música clásica más vendido en la historia), «Los Tres Tenores en Concierto 1994», «Los Tres Tenores: París 1998», «Los Tres Tenores Navidad», «Lo mejor de Los Tres Tenores». El director indio Zubin Mehta fue encargado de las actuaciones en 1990 y 1994, mientras que el concierto de París fue dirigido por James Levine.
Los Tres Tenores mantuvieron en todos sus conciertos un amplio repertorio: desde la ópera clásica italiana o alemana hasta canciones de Broadway, incluyendo canciones napolitanas y éxitos de música pop adaptados a la música clásica. Su característica firma incluye el aria Nessun dorma de la ópera Turandot de Giacomo Puccini, y la balada italiana «O Sole Mio».
El fenómeno de los Tres Tenores fue aplaudido por muchos críticos debido a que implicaba presentar la ópera y la música clásica en general a un público más amplio que el tradicional, pero algunos puristas del género condenaron estos espectáculos alegando que la música clásica no podía ser entendida por grandes masas, agregando que era absurdo mezclar música popular y música culta con un simple ánimo de lucro en vista de grandes pagos que los tres cantantes y el director Zubin Mehta percibieron (más de 1 millón de dólares estadounidenses (US $1 000 000) por persona). Algunos críticos alegaron que la presentación de la ópera en estadios como en el Estadio de Wembley, con amplificadores pesados, contribuye muy poco a la comprensión y apreciación de la ópera. «Entiendo las quejas de los puristas,» dijo Plácido Domingo a un entrevistador en 1998, «pero no quiero que los puristas vayan a ver a los Tres Tenores». Estos tres cantantes han dejado una gran y hermosa huella en la historia de la música.
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 01. What To Take You Higher 5.06 02. Pavane 3.46 03. No Time To Live 5.25 04. Maiden Voyage 5.01 05. Listen Here 9.26 06. Adagio Per Archi E Organa 3.30 07. Just You Just Me 6.31 08. Rain Forest Talking (Bonus Track) 4.05 09. Pavane (Demo) (Bonus Track) 3.43 10. Fire In The Mind (Bonus Track) 4.48 |
 01. Dragon Song 4.27 02. Total Eclipse 11.35 03. The Light 4.24 04. On The Road 5.25 05. The Sword 6.35 06. Oblivion Express 7.51 07. Dragon Song (Live ’72) 5.32 |
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Bebe
María Nieves Rebolledo Vila (Valencia, 9 de mayo de 1978), conocida como Bebe, es una cantautora y actriz española que ganó la fama internacional con los sencillos «Malo» y «Ella». Nació en Valencia y con un año de vida se trasladó a Extremadura.
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La cantante Bebe nació el 9 de mayo de 1978 en Valencia, aunque sólo vivió un año en aquella ciudad. Se crió en Zafra, en Montijo y en Mérida.
Creció en un ambiente musical ya que sus padres formaban parte del grupo de folk Suberina. Vivió en San Vicente de Alcántara (Badajoz) en su juventud. Sus padres, según Bebe, «aficionados a la música» le inculcaron desde pequeña el amor por la isma, siempre vivió rodeada de instrumentos musicales y así le surgió la vena musical, comenzando en 1995 su trayectoria como corista en el grupo Vanagloria.3
En 1996, tras terminar sus estudios de COU en Badajoz, se fue a Madrid a estudiar arte dramático. A los pocos meses comenzó a actuar en locales de la capital y en el año 2001 ganó un concurso de cantautores en Extremadura.
Canta con su banda sin dejar de lado actuaciones en solitario y aparece como personaje secundario en dos películas de producción nacional, Al sur de Granada y El Oro de Moscú en 2003, y, en un capítulo de la serie El comisario.
A finales de 2003 le llega la oferta para publicar un álbum. El álbum aparece por fin en marzo de 2004, con el título de Pafuera Telarañas con producción de Carlos Jean. Entre sus canciones más conocidas se encuentran «Ella», «Siempre me quedará», o «Malo», que obtuvo gran éxito en Italia en el verano de 2006[. En el álbum se ofrece una pista extra con la canción «Que nadie me levante la voz», que Bebe interpreta para la serie de Telecinco, Aída.
El 27 de junio de 2006 anunció su retirada temporal del mundo de la música, centrándose en su carrera como actriz, que dio un salto con La educación de las hadas, dirigida por José Luis Cuerda, y Caótica Ana, dirigida por Julio Medem.
En junio de 2009 presentó su nuevo trabajo musical, un disco llamado Y.. Sus sencillos fueron «La bicha», «Me fui», «Pa mi casa» y «Busco me». En la ceremonia de los Grammy Latinos de 2009 confirmó estar embarazada y el 31 de marzo de 2010 dio a luz a su primera hija, de nombre Candela.
Ha colaborado con Los Amaya, Tontxu, Chambao, Luis Pastor, Albert Pla, El Combolinga, Los Delinqüentes, El Tío Calambres, Kultama, Paco Bello, Los Aldeanos, Shinoflow y SYJ, entre otros; y es coautora, junto a Hernán Zin y Carlos Jean, de «César debe morir», la canción central del documental dirigido por Hernán Zin La guerra contra las mujeres estrenado en Televisión Española en noviembre de 2013.
Discografía
2004 Pafuera telarañas
2009 Y.
2012 Un pokito de rocanrol
2015 Cambio de piel
Sencillos
Pafuera telarañas
«Malo»
«Ella»
«Con mis manos»
«Siempre me quedará»
«Como los olivos»
«Que nadie me levante la voz» (Tema de la serie Aída)
Y.
«Me fui»
«La bicha»
«Pa mi casa»
«Busco-me»
«Se fue»
Un pokito de Rocanrol
«K.I.E.R.E.M.E.» (lanzado en iTunes el 25 de noviembre de 2011)
«Adiós»
«Me pintaré»
«Mi guapo»
Cambio de piel
«Respirar»
«Que llueva»
«Ganamos»
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Carl Perkins
Carl Lee Perkins (Ridgely, Tennessee, 9 de abril de 1932 – Jackson, Tennessee, 19 de enero de 1998) fue un músico estadounidense pionero del rockabilly, una mezcla de rhythm and blues y música country, que inició su carrera con la Sun Records en Memphis al comienzo de los años 50.
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De origen humilde, su padre era un granjero arrendatario, Perkins se crio rodeado por la música gospel cantada por los afroamericanos en los campos del algodón.
A la edad de siete años ya jugaba con una guitarra que su padre le hizo con una caja de cigarros y los alambres de embalaje. A los trece, ganó un concurso de nuevos talentos con una canción que él mismo escribió y que la llamó «Movie Magg». Diez años más tarde, Perkins llevaría esa misma canción, renombrada como Sam Phillips, a la Sun Records.
Sus comienzos fueron trabajando en salones de baile country de su pueblo, acompañado por sus hermanos Jay con la guitarra rítmica y Clayton al bajo. De este modo terminaría también su carrera.
En 1955, un desesperadamente pobre y luchador Perkins, escribió la canción «Blue Suede Shoes» (Zapatos de gamuza azul) sobre un viejo saco de patatas. Con Sam Phillips como productor, el disco sería un éxito clamoroso. En los Estados Unidos, alcanzó el número 1 en la Billboard magazine en su sección de música country, el 4 en la sección de música Pop y el 3 en la de rhythm and blues. En el Reino Unido, se convirtió en un éxito de los Top Ten. Fue el primer disco de un artista de la casa Sun que alcanzó un millón de copias, dicho tema sería interpretado posteriormente en 1956 por Elvis Presley con un estilo country más marcado, colocándolo nuevamente como un éxito.
En el momento en que Perkins y Blue Suede Shoes veían la cima del éxito a nivel nacional, éste sufrió un grave accidente de coche. Ocurrió el 21 de marzo de 1956 cuando viajaba junto a su grupo a participar en un programa de televisión de Ed Sullivan que servía de trampolín a muchos artistas. En el accidente, ocurrido en Wilmington, fallecieron su hermano Jay y su manager. Perkins sufrió una fractura de cráneo que lo mantuvo fuera de la música todo un año. Durante su convalecencia, Perkins sólo pudo ver como su amigo, Elvis Presley, obtenía un enorme éxito cantando su misma canción.
Intencionadamente o no, la versión de Elvis robó el éxito inicial de Perkins, y él nunca alcanzó otro nuevo éxito, incluso después de su marcha a la Columbia Records en 1958. Casi a la par Eddie Cochran, grabó una versión de Blue suede shoes a su estilo, más apegada al estilo country de Elvis Presley, pero con el estilo llamado Sonido Cochran.
Sin embargo, sus canciones fueron escuchadas por el público, en la interpretación de otros grupos, como la banda británica The Beatles, que grabaron los temas «Matchbox», «Honey Don’t» y «Everybody’s Trying To Be My Baby».
En 1968, Johnny Cash alcanzó, con la canción escrita por Perkins «Daddy Sang Bass», el número 1 en las listas de música country. Perkins pasaría una década de giras con los Cash. También realizaría giras con sus hijos Stan y Greg.
En 1982, Perkins colaboró en el álbum de Paul McCartney Tug Of War, haciendo dúo con el ex Beatle en la canción «Get It».
Carl Orff
Carl Orff (Múnich, 10 de julio de 1895 – ibídem, 29 de marzo de 1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana y también por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niños (Schulwerk o ‘método Orff’) que ha tenido notables resultados.
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Carl Orff nació en Múnich, el 10 de julio de 1895. Su familia era originaria de Baviera y estaba vinculada al ejército alemán.
Orff comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones de órgano y cello. Sin embargo, se mostró más interesado en la composición que en el estudio orientado a la interpretación instrumental. Por eso mismo, desde muy temprano Orff escribió y puso en escena obras de títeres para su familia, componiendo la música para piano, violín, cítara y glockenspiel para acompañar sus obras. Además, publicó en 1905 un cuento en una revista para niños y comenzó a escribir un libro acerca de la naturaleza mientras, en su tiempo libre, disfrutaba coleccionando insectos.
En 1912, a la edad de 16 años, comenzó a publicar parte de su música. Muchos de sus trabajos de juventud están inspirados en la poesía alemana. Por eso, se pueden clasificar dentro del estilo de Richard Strauss y otros compositores alemanes de la época, pero que ya muestran indicios de lo que sería el distintivo lenguaje musical de Orff.
En 1911-1912 Orff escribió Zaratustra, Op. 14, un amplio trabajo para barítono, tres coros y orquesta, inspirado en la obra filosófica de Friedrich Nietzsche Así habló Zaratustra. En 1913 compuso una ópera o drama musical titulado Gisei, das Opfer (Gisei, el sacrificio). Influenciado también por el compositor impresionista francés Claude Debussy, comenzó a utilizar inusuales y coloridas combinaciones de instrumentos en su orquestación.
El Musik-Lexikon de Moser nos dice que Orff estudió hasta 1914 en la Königlichen Akademie der Tonkunst (Academia de música de Múnich), ahora llamada Hochschule für Musik und Theater. Después sirvió en el ejército durante la Primera guerra mundial. Fue gravemente herido durante un bombardeo de artillería mientras se encontraba en una trinchera. Más adelante ocupó varios puestos en las óperas de Mannheim y Darmstadt y, finalmente, volvió a Múnich para proseguir sus estudios musicales.
A mediados de la década de 1920 Orff comienza a formular un concepto que llamó elementare Musik (música elemental) que estaba basado en la unidad de las artes, simbolizado por las antiguas musas griegas (vocablo del cual proviene el nombre Música), involucrando al tono, la danza, la poesía, la imagen, el diseño y el gesto teatral. Como muchos otros compositores de la época, se vio influenciado por el émigré (emigrante) Ruso-Francés Igor Stravinsky. Pero mientras otros seguían el estilo neoclásico «fresco y balanceado» de algunos trabajos de Stravinsky, a Orff le interesaron más otras obras como Las bodas, una evocación cuasi-folclórica a los antiguos ritos de boda. Entonces él comenzó a adaptar obras musicales de eras tempranas para la representación teatral en su tiempo, incluyendo la ópera de Claudio Monteverdi Orfeo (1607). La versión alemana de Orff, Orpheus, fue puesta en escena en 1925 en Mannheim, Alemania bajo la dirección del propio Orff y usando algunos de los instrumentos utilizados en la ejecución original de 1607. Esta apasionada y declamada ópera de Monteverdi era prácticamente desconocida en los años 1920; sin embargo, la producción de Orff se encontró con reacciones que iban desde la incomprensión hasta la ridiculización.
Tras fundar junto a Dorothee Günther en 1924 la Escuela Günther para gimnasia, música y danza en Múnich, Orff fue jefe de departamento de dicha escuela hasta el fin de su vida. Allí trabajó con alumnos principiantes y desarrolló sus teorías en educación musical, teniendo un contacto constante con los niños. En 1930, Orff publicó un manual titulado Schulwerk, donde comparte su método educativo. Antes de escribir los Carmina Burana, Orff editó óperas del siglo XVII.
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Andrés Segovia
Andrés Segovia Torres, I marqués de Salobreña (Linares, Jaén, 21 de febrero de 1893 – Madrid, 3 de junio de 1987) fue un guitarrista clásico español, considerado como el padre del movimiento moderno de la guitarra clásica.
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Muchos estudiosos creen que, sin los esfuerzos de Segovia, y pese a la noble historia de dicho instrumento (derivado a su vez de la vihuela), la guitarra seguiría estando considerada como un instrumento meramente popular.
Conoció la guitarra desde niño, probablemente en la localidad de Villacarrillo (Jaén), próxima a la ciudad de Linares, donde nació pero que abandonó muy pronto y a la que no regresó hasta la década de 1950. Fue bautizado en Jaén, y a una edad indeterminada se trasladó a Villacarrillo. Posteriormente marchó a estudiar guitarra a Granada. Es posible, si bien esto no puede afirmarse con seguridad a falta de más datos, que su primera incursión en el mundo de la guitarra viniera de la mano del flamenco. Sin embargo, muy pronto, desde su temprana adolescencia, optó por explorar otras posibilidades por formarse como autodidacta en la tradición de la guitarra española clásica.
Realizó su primera aparición pública en Granada a los catorce años y, con pocos más, ofreció en Madrid su primer concierto, en el que interpretó, entre otras piezas, transcripciones para guitarra de Francisco Tárrega.
Sabiendo que los concertistas de piano en ocasiones alquilan el instrumento, y deseoso de encontrar un instrumento que se ajustara a sus propósitos, acudió en Madrid para dar ese concierto al establecimiento del constructor de guitarras Manuel Ramírez, con intención de proponerle al dueño que le alquilara un instrumento. Después de probarlo y de ensayar durante un tiempo la música que había preparado para el recital, el asombrado Ramírez le rogó que aceptara la guitarra elegida a modo de obsequio.
Segovia continuó con sus estudios de guitarra durante toda su vida, aún a pesar de aquellos que trataron de disuadirlo por no confiar en el futuro de dicho instrumento para la música clásica.
Fueron muchos los músicos que creyeron que la guitarra de Segovia no sería aceptada por la comunidad clásica ya que, según sus creencias, la guitarra no se podía considerar como un instrumento capaz de interpretar a los clásicos. Sin embargo, la técnica de Andrés Segovia asombró al público. A partir de entonces, la guitarra dejó de considerarse un instrumento meramente popular y se aceptó también como instrumento de concierto.
Ben Harper
Ben Harper (Pomona, California, 28 de octubre de 1969) es un músico estadounidense.
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Creció entre Claremont y Pomona, ambas situadas en la región de Inland Empire, en una familia de músicos de orígenes muy diversos: su abuela paterna era medio negra medio india cherokee y su bisabuela materna era rusa judía, procedente de Lituania. Fue a ella a quien dedicó su álbum Welcome to the cruel world.
Creció escuchando soul, folk, blues, r&b, reggae, hip hop, jazz y country entre otros, dándole un estilo muy particular a su música. Su evolución le ha llevado a introducir ritmos urbanos y sonidos étnicos, llegando a grabar versiones de Led Zeppelin, The Verve o Marvin Gaye. En lo que a sus influencias se refiere, podemos encontrar entre ellas grupos musicales y artistas tan diversos como Bob Marley, Robert Johnson, David Lindley, Chris Darrow, Led Zeppelin, Queen, Pink Floyd, Nirvana, Pearl Jam y Jeff Buckley, sin olvidar la influencia del blues de Jimi Hendrix y de bandas del jam como los Blues Traveler o Hootie & The Blowfish. También cabe decir que fue alumno de los cantautores negros de los años 1970 Bill Withers y Curtis Mayfield. Sus letras abordan temas como la paz, Dios y la religión, el medio ambiente o la política, a nivel conflictivo y con connotación reivindicativa.
Harper firmó con Virgin Records en 1992, año en el que grabó Pleasure and pain junto con Tom Freund, álbum que se limitó a 1.500 copias en vinilo. En 1994 publicó Welcome to the cruel world, que no recibirá la atención de la crítica hasta dos años más tarde. En 1995, el político Fight for your mind sale a la luz. Su tercer álbum, en 1998, fue The will to live, que se orientó hacia el blues y el folk alternativo, empezando a sonar en varias radios y contando con la aparición de su grupo de apoyo: los Innocent Criminals. Mientras tanto, escribió para otros artistas, colaborando con Beth Orton, John Lee Hooker y Government Mule.
En 1997 y 1999 tocó en los Tibetan Freedom Concerts y se convirtió en telonero de grupos como R.E.M., Radiohead, Metallica, Pearl Jam y The Fugees. En 1999 publicó Burn to shine, colección de canciones que se pasean entre el jazz, el funk y el folk. En 2000 se convirtió en telonero de la gira de Dave Matthews Band y a comienzos de 2001 publicó Live from Mars, directo acústico y eléctrico de la gira del año anterior.
En 2003 sacó Diamonds on the inside y en 2004 se unió a los Blinds Boys of Alabama en el álbum There will be a light. En 2005 y también junto con los Blinds Boys of Alabama salió a la venta Live at the Apollo, álbum en directo.
En 2006 publicó su séptimo álbum de estudio, un doble CD que llevó por título Both sides of the gun. En 2007 salió a la venta en España Lifeline, álbum grabado en el Studio Gang de París nada más terminar la gira europea del año anterior, en tan sólo siete días y junto a la banda The Innocent Criminals. Lifeline fue grabado íntegramente con una clásica mezcladora analógica de 16 pistas, sin utilizar ordenadores ni pro-tools en ningún momento del proceso de la grabación. Éste último álbum fue concebido, y sus canciones compuestas, practicamente durante la gira de conciertos de su anterior álbum. El album recoge once temas, y tuvo como primer sencillo «In the colours».
En 2009 Ben Harper dejó aparcada su banda The Innocent Criminals para sacar a la luz su décimo álbum, White lies for dark times, junto con la banda Relentless 7, dando así un giro genuinamente rockero a su carrera. Compuesto por otros once temas, el primer sencillo fue «Shimmer and Shine».
En enero de 2013 apareció el disco Get Up!, en el que Ben Harper está acompañado por el célebre armonicista de blues Charlie Musselwhite.
Discografía
1994 Welcome to the Cruel World
1995 Fight for Your Mind
1997 The Will to Live
1999 Burn to Shine
2003 Diamonds on the Inside
2004 There Will Be a Light
2006 Both Sides of the Gun
2007 Lifeline
2009 White Lies for Dark Times
2011 Give Till It’s Gone
2013 Get Up!
Live albums
2001 Live from Mars
2005 Live at the Apollo
2007 Live at Twist & Shout
2010 Live from the Montreal International Jazz Festival
2013 Live from the Granada Theater: Dallas, Texas September 10, 2013
Álbumes virtuales
iTunes Originals – Ben Harper
iTunes Must Haves – Ben Harper
Sencillos
«Like A King / Whipping Boy» (1994)
«Ground on Down» (1995)
«Excuse Me Mr.» (1996)
«Gold to Me» (1996)
«Faded» (1997) #43 Australia, #54 Reino Unido40
«Jah Work» (1997)
«Glory & Consequence» (1997)
«Please Bleed» (1999)
«Burn to Shine» (1999)
«Forgiven» (2000) #50 Australia
«Steal My Kisses» (2000) #15 Estados Unidos Adult Top 40
«With My Own Two Hands» (2003)
«Diamonds On the Inside» (2003) #31 Estados Unidos Adult Top 40, #68 Australia
«Brown Eyed Blues» (2004)
«Wicked Man» (2004)
«There Will Be a Light» (2004)
«Better Way» (2006)
«Both Sides Of The Gun» (2006)
«Morning Yearning» (2006)41
«Fight Outta You» (2007) #61 Hot Canadian Digital Charts
«Boa Sorte/Good Luck» (2007) (con Vanessa da Mata) #1 Portugal; #1 Brasil
«In The Colors» (2008)
«Fool For A Lonesome Train» (2008)
«Shimmer & Shine» (2009)
«Fly One Time» (2009)
«Lay There & Hate Me» (2010)
«Skin Thin» (2010)
«The Word Suicide» (2010)
«Never Tear Us Apart» (con INXS) (2010)
«Rock N’ Roll Is Free» (2011)
«Don’t Give Up on Me Now» (2011, Solo en Italia)
«I Don’t Believe A Word You Say» (2012)
Buika
Concha Buika o Buika (Palma de Mallorca, España, 11 de mayo de 1972), de nombre completo María Concepción Balboa Buika, es una cantante española residente en los Estados Unidos.
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Nació en las Islas Baleares donde vivía su familia, exiliados políticos de Guinea Ecuatorial. Es hija del expolítico y escritor guineano Juan Balboa Boneke. La comunidad gitana del humilde barrio de Palma de Mallorca donde se crió fue para ella un segundo hogar, y encontró en el flamenco un modo de expresión auténtico y la salida ideal para escapar de una dura realidad de pobreza y marginalidad.
Su primer disco, Mestizüo, salió en 2000.
En 2008 colaboró con la cantante de fado portuguesa Mariza en un dúo incluido en su disco Terra (Pequeñas Verdades) y con Elefthería Arvanitáki en el tema Mírame.
En 2008 su cuarto disco, Niña de Fuego, catapultó su carrera internacional. Tras unos pocos conciertos en Los Ángeles, Miami y Nueva York, el disco recibió dos nominaciones a los premios Grammy Latinos de 2008, como «Álbum del Año» y «Mejor Producción». Una edición especial del disco se puso a la venta acompañado de un libro de poemas de Buika ilustrados por autorretratos.
En septiembre de 2009 salió al mercado una colaboración realizada con Nelly Furtado, en el tema llamado Fuerte, todo un himno a la fuerza de la mujer. Cantó junto a Tomeu Penya en su tema Ho feim.
El 20 de octubre de 2009 salió a la venta mundialmente su disco El último trago, un homenaje a Chavela Vargas y a Bebo Valdés en sus 90 cumpleaños, grabado en directo en Cuba en los Estudios Abdala con Chucho Valdés y su cuarteto. El álbum le valió su primer premio Grammy al mejor álbum de música tradicional tropical.
Dos canciones suyas, Por el amor de amar y Se me hizo fácil, fueron elegidas por Pedro Almodóvar para la banda sonora de su película La piel que habito.
El 5 de noviembre de 2010 un artículo publicado online en la publicación npr.com la definió como la «Voz de la libertad» agrupándola con otras 50 voces en una lista llamada 50 Great Voices.
En 2011, fue invitada especial de Chick Corea en un concierto en el club de jazz Blue Note, en Nueva York.
En 2011 se instaló en Miami para poder atender la fuerte demanda de conciertos en los Estados Unidos, y también porque todavía era considerada una extranjera en España.
Discografía
Mestizüo, 2000, junto al pianista Jacob Sureda
Buika, 2005
Mi niña Lola, 2006
Mi niña Lola, 2006 (Edición especial CD+DVD)
Niña de fuego, 2008
Niña de fuego, 2008 (Edición de lujo: 2cd’s + Libro de poemas)
El último trago, 2009 junto al pianista Chucho Valdés
En mi piel, 2011 (Primer recopilatorio)
La noche más larga, 2013
Vivir sin miedo, 2015
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TAKE A LOOK begins with expanded editions of Aretha’s seven original Columbia albums: |
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