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Barry White
Barry White (nacido como Barry Eugene Carter, 12 de septiembre de 1944 – 4 de julio de 2003) fue un artista estadounidense del género R&B y soul. Caracterizado por un timbre bajo-barítono, grave y ronco, ganó tres premios Grammy y varios reconocimientos por su estilo varonil, romántico y sensual.
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El mayor éxito de White vino en la década de 1970 como artista solista. Durante su carrera editó 26 álbumes y llegó tres veces al número 1 de las listas Hot 100 en su país, con las canciones que lo hicieron mundialmente famoso: Love’s Theme (interpretado por su orquesta Love Unlimited Orchestra), Can’t Get Enough of Your Love, Babe y You’re the First, the Last, My Everything, las dos últimas procedentes del álbum Can’t Get Enough de 1974. Falleció en 2003 debido a una insuficiencia renal crónica.
Barry White nació en Galveston (Texas, Estados Unidos) el 12 de septiembre de 1944 bajo el nombre de Barrence Eugene Carter. Se crío en el gueto negro de la ciudad de Los Ángeles en el seno de una familia pobre. Esto se vio reflejado en su adolescencia, pues formó parte de una pandilla juvenil desde los 10 años de edad. A los 15 años fue encarcelado junto con su hermano durante dos meses por el robo de unos neumáticos. Inspirado por la canción “It’s Now or Never” de Elvis Presley, y que escuchó en prisión, decidió cambiar de vida y de amigos. Desde muy niño entró en el mundo de la música ya que su madre tocaba el piano y le enseñó algunos ejercicios de escalas. Más tarde entró a una fraternidad en la que tocaba el piano y cantaba en el coro de la iglesia. Rápidamente fue promovido a Director del Coro.
En 1990 comentó a una revista que su voz profunda de bajo-barítono por la que fue conocido apareció repentinamente cuando tenía catorce años: «Nos asustó a mí y a mi madre cuando hablé esa mañana; fue completamente inesperado; mi pecho tembló, quiero decir vibró; mi madre sólo me miraba, estaba asombrada. Lo próximo que supe fue cuando su cara de asombro se transformó en una gran sonrisa; las lágrimas le corrían por la cara y me dijo: ‘Mi hijo es un hombre’». Ya convertido en cantante, White durante los años 60 grabó varios discos con su nombre real y como integrante de grupos como “The Upfronts”, “The Atlantics” y “The Majestics”. Sin embargo, su mayor éxito en la década vino como productor de artistas como Felice Taylor y Viola Wills.
En 1969 creó Love Unlimited, un trío vocal femenino compuesto por las cantantes Diane Taylor, Glodean James (quien se convirtió en su segunda esposa en 1974) y la hermana de esta última Linda, cuyo primer éxito llegó de la mano de White en 1972 con “Walkin’ in the rain with the one I love” (posición #14 en el Billboard Hot 100 y #6 en el R&B). Dicha canción aparece en el primer álbum producido por White: From a Girl’s Point of View We Give To You…. Para este grupo femenino creó la orquesta de 40 músicos denominada Love Unlimited Orchestra. Aunque Barry White dirigía y creaba las melodías de la orquesta, fue su amigo y mano derecha, el arreglista Gene Page quien, gracias a su formación en un conservatorio, se encargó principalmente desde 1972 hasta 1976 de dotar a Love Unlimited Orchestra de un sonido clásico combinado con arreglos rítmicos modernos.
En 1973 y tras su éxito con su primer álbum “I’ve Got So Much To Give” (del que se extrae su éxito “I’m Gonna Love You Just a Little More Baby”, que llegó al #1 en la lista de R&B y al #3 en el Pop Charts), Barry White había abierto un nuevo camino para su música, así que reunió nuevamente a su orquesta en el estudio para grabar “Rhapsody in White”, el álbum que contenía el tema Love’s Theme (#1 Pop en 1974).
Posteriormente, editó su segundo álbum “Stone Gon” en el cual se destacó el tema «Never, never gonna give you up» (#2 R&B y #7 Pop en 1973), que no era más que el aperitivo de su año triunfal, 1974, con su álbum número uno “Can’t get enough”. El disco contenía otras canciones destacables como Can’t Get Enough of Your Love, Babe (número 1 en las listas Pop y R&B en 1974) y You’re the First, the Last, My Everything (#1 R&B, #2 Pop en 1974).
Posteriormente llegaron otros éxitos como “What am I gonna do with you”, (#1 R&B, #8 Pop en 1975), y “Let the Music Play” (#4 R&B en 1976). Su último gran éxito tuvo lugar en 1977 cuando “It’s Ecstasy When You Lay Down Next To Me” llegó a lo más alto de las listas de Estados Unidos. Mientras tanto, también apadrinó a otros artistas y grupos musicales como Tom Brock, Evan Pace, Jay Dee, Gloria Scott y White Heat entre otros.
En plena fiebre de la música disco, cuando diversos artistas del mundo empezaron a poner el acento en el ritmo de sus discos, Barry White se convirtió en uno de los triunfadores de la década a base de acentuar la pasión y la sensualidad de su música, teniéndose como ejemplo de ello, su versión del tema “Just the way you are” de Billy Joel.
En el momento en que nacía el Disco, Barry White se desarrollaba como artista influyendo decisivamente en la escena musical de finales de los ’70. Durante la década de 1980, tras haber firmado un nuevo contrato discográfico con Columbia Records se dedicó a grabar una serie de álbumes que casi no tuvieron repercusión (con excepción de «The Message Is Love»), entre ellos uno realizado con su esposa Glodean White bajo el título “Barry & Glodean”. No obstante, los éxitos apenas llegaban al listado Top 50. En 1985, con la muerte de su madre y el asesinato de su hermano Darryl a manos de una banda criminal, White entró en un período de reflexión. Descontento con la promoción, abandonó a Columbia Records, y cambió a la empresa A&M Records. El éxito regresó en 1987 con la canción “Sho’ You Right”, que entró en el Top 20 británico.2 A pesar de esta aparente declinación, obtuvo 106 Discos de Oro y 46 de Platino durante su trayectoria artística.
Junto a la cantante británica Lisa Stansfield grabaron una nueva versión del éxito de Stansfield “All Around The World” en 1992. Durante los ’90, una serie de álbumes comercialmente exitosos le dieron a White la reputación de ser más que una figura de culto. También emergió como una celebridad menor de la televisión, realizando algunas apariciones en programas muy populares como The Simpsons y Ally McBeal.
En 1999 presentó una retrospectiva de lo que había sido su carrera artística al escribir, junto con Marc Eliot, su autobiografía “Love Unlimited – Insights of Life & Love”. A comienzos de 2001 la salud de White comenzó a deteriorarse, ya que padecía una hipertensión crónica, siendo hospitalizado en septiembre de 2002 por una insuficiencia renal, a la espera de un trasplante. Por ello se le sometió a un tratamiento con hemodiálisis, pero su organismo no pudo resistir las complicaciones de ambas enfermedades y falleció el 4 de julio de 2003, a las 9 de la mañana, en el Centro Médico Cedars-Sinai, en Los Ángeles, a los 58 años.
Álbumes de estudio
I’ve Got So Much To Give (1973)
Stone Gon’ (1973)
Can’t Get Enough (1974)
Just Another Way To Say I Love You (1975)
Let The Music Play (1976)
Is This Whatcha Want? (1976)
Barry White Sings For Someone You Love (1977)
The Man (1978)
I Love To Sing The Songs I Sing (1979)
The Message Is Love (1979)
Sheet Music (1980)
Barry & Glodean (1981) (grabado con su esposa Glodean)
Beware! (1981)
Change (1982)
Dedicated (1983)
The Right Night & Barry White (1987)
The Man Is Back! (1989)
Put Me In Your Mix (1991)
The Icon Is Love (1994)
Staying Power (1999)
Recopilaciones
Barry White’s Greatest Hits (1975)
Barry White’s Greatest Hits 2 (1981)
The Collection (1988)
Just For You (4 CD) (1992)
All Time Greatest Hits (1994)
Boss Soul – The genius of Barry White (1995)
Your Heart and Soul: The Love Album (2000)
The Ultimate Collection (2000)
The Best of Barry White (2003)
White Gold: The Very Best of Barry White (2005)
Unlimited (4 CD + 1 DVD) (2009)
Sencillos
I’m gonna love you just a little more baby (1973)
I’ve got so much to give (1973)
Never, Never Gonna Give You Up (1973)
Honey please, can’t ya see (1974)
Can’t Get Enough of Your Love, Babe (1974)
You’re the First, the Last, My Everything (1974)
What am I gonna do with you (1975)
I’ll do for you anything you want me to (1975)
Let the music play (1976)
You see the trouble with me (1976) (con Ray Parker, Jr.)
Baby, we better try to get it together (1976)
Don’t make me wait too long (1976)
I’m qualified to satisfy you (1977)
It’s ecstasy when you lay down next to me (1977)
Playing your game, baby (1977)
Your sweetness is my weakness (1978)
Just the Way You Are (1978)
Oh what a night for dancing (1978)
Sha la la means I love you (1979)
Sheet susic (1980)
Louie Louie (1981)
Sho’ you right (1987)
For your love (I’ll do most anything) (1987)
Super lover (1989)
Put me in your mix (1991)
Practice what you preach (1994)
I only want to be with you (1994)
Staying power (1999)
The longer we make love (1999) (junto a Lisa Stansfield y Chaka Khan
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Alice Cooper
Alice Cooper (nacido Vincent Damon Furnier, 4 de febrero de 1948) es un cantante de hard rock y heavy metal estadounidense, nacido en Detroit, Michigan. Alice Cooper fue inicialmente el nombre de una banda de rock and roll en la que Furnier era el vocalista, pionera del género conocido como shock rock. Surgida en 1964 en Arizona, Estados Unidos, logró su mayor auge durante los años setenta y alcanzó el éxito comercial con el álbum Billion Dollar Babies de 1973.
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Posteriormente, Furnier adoptó el nombre de su anterior banda e inició una carrera como solista, convirtiéndose en un importante icono del rock que influiría en diferentes géneros como el heavy metal,3 4 el hard rock y el rock gótico y sirviendo de referente para artistas y bandas como Rob Zombie y Marilyn Manson, al ser uno de los pioneros en asociar rock y espectáculo en sus conciertos y en montar pequeñas historias teatrales encima de un escenario donde a la vez tocaba un grupo de rock y crear de sí mismo un personaje de pesadilla.
Cooper es reconocido por el uso de maquillajes de aspecto siniestro, inquietantes letras y provocativas representaciones que abarcaban ejecuciones con guillotina y sillas eléctricas o actos con enormes serpientes, que ilustraban los contenidos de sus álbumes, muchos de los cuales narraban una historia, en la más pura línea del álbum conceptual. Alice Cooper sería el primero en desarrollar con más sofisticación las puestas en escena respecto a otros músicos influenciados por la estética «glam-teatral», como David Bowie o Peter Gabriel, inspirado notablemente por el cantante Arthur Brown. Esta característica escénica influenciaría notablemente a grupos como KISS, White Zombie, Mötley Crüe, Twisted Sister, Vinnie Vincent Invasion, Lordi, Mercyful Fate y King Diamond. Dentro de su actitud irreverente destaca el show de cortar bebés con un hacha, filetear una dama frente a un refrigerador abierto e incluso presentarse para presidente contra Richard Nixon en Estados Unidos de América.
Cooper también es famoso por su carismática personalidad fuera del escenario, siendo nombrado como el «artista de heavy metal más querido» en el libro The Rolling Stone Album Guide, publicado por la famosa revista Rolling Stone. Es acreditado como uno de los creadores del sonido y del estilo heavy metal, y ha sido descrito como «el primer artista en incluir imaginería de horror en el rock ‘n’ roll, con sus escenarios y montajes terroríficos en concierto». Aparte de la música, Cooper ha actuado en algunas películas, de las que destacan Waynes’s World de Penelope Spheeris, Sombras Tenebrosas de Tim Burton y The Prince of Darkness de John Carpenter.
Miembros Actuales
Alice Cooper – voz, guitarra, armónica (1963–presente)
Ryan Roxie – guitarra, coros (1996–2006, 2012–presente)
Chuck Garric – bajo, coros (2002–presente)
Glen Sobel – batería, percusión (2011–presente)
Tommy Henriksen – guitarra, coros (2011–presente)
Nita Strauss – guitarra, coros (2014–presente)101
Formación original
Vincent Damon Furnier – voz (1965-)
Glen Buxton – guitarra (1965-1973) (fallecido)
Michael Bruce – guitarra (1965-1973)
Dennis Dunaway – bajo (1965-1973)
Neal Smith – batería (1965-1973)
Discografía
Pretties For You (1969)
Easy Action (1970)
Love It to Death (1971)
Killer (1971)
School’s Out (1972)
Billion Dollar Babies (1973)
Muscle of Love (1973)
Welcome to My Nightmare (1975)
Alice Cooper Goes to Hell (1976)
Lace And Whiskey (1977)
The Alice Cooper Show (1977)
From the Inside (1978)
Flush the Fashion (1980)
Special Forces (1981)
Zipper Catches Skin (1982)
DaDa (1983)
Constrictor (1986)
Raise Your Fist and Yell (1987)
Trash (1989)
Hey Stoopid (1991)
The Last Temptation (1994)
A Fistful of Alice (1997)
Brutal Planet (2000)
Dragontown (2001)
The Eyes of Alice Cooper (2003)
Dirty Diamonds (2005)
Live at Montreux 2005 (2006)
Along Came A Spider (2008)
Welcome 2 my Nightmare (2011)
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Barbra Streisand
Barbra Streisand (Brooklyn, Estados Unidos, 24 de abril de 1942) es una actriz, cantante, compositora, productora, y directora de cine estadounidense. Apreciada sobre todo por su poderosa y excepcional voz, es la cantante femenina que más discos ha vendido en Estados Unidos y ampliamente reconocida a nivel mundial.
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Ganadora de dos Premios Óscar, cuatro Emmy, ocho Grammy, cuatro Golden Globe y un Tony. Entre otros muchos reconocimientos tiene, el premio American Film Institute a toda una carrera, la medalla Nacional de América de las Artes y la Legión de Honor francesa. En diciembre de 2008 fue la primera mujer directora en recibir el prestigioso Kennedy Center Honors.
Gracias a su frenética actividad discográfica en los años 1960 y 1970, y pese a su relativa inactividad en las últimas tres décadas, continúa siendo la artista femenina que más ha vendido en la historia en los Estados Unidos con, por lo menos, un álbum Nº 1 en Billboard en cada una de las últimas cinco décadas. Sus 9 números 1 en los Estados Unidos se extienden durante un espacio de 46 años; el período más largo que ningún artista o grupo haya logrado. Según la RIAA (Recording Industry Association of America), a lo largo de su carrera, Streisand ha conseguido 51 discos de oro, 30 de platino, 13 multiplatinos, 3 megaplatinos, 1 ultraplatino, y 247 de metal.
Nació el 24 de abril de 1942 como Barbara Joan Streisand, en el seno de una familia judía en Williamsburg, Nueva York. Su padre, Emanuel Streisand, profesor de gramática y literatura, murió a consecuencia de una hemorragia cerebral cuando ella tenía apenas 15 meses. Tiene un hermano mayor, Sheldon, agente inmobiliario y una media hermana, Roslyn Kind (también cantante), fruto del segundo matrimonio de su madre, Diana, que era secretaria en una escuela y que nunca respaldó el sueño de su hija de dedicarse al mundo del espectáculo, ya que no le parecía atractiva. Cursó estudios en el Colegio Beis Yakov y el Erasmus Hall High School de Brooklyn donde se graduó cuarta en la promoción de 1959. Allí cantaba en el coro junto a Neil Diamond. También fue amiga del que después sería campeón mundial de ajedrez Bobby Fischer.
Los deseos de Streisand de convertirse en actriz y cantante surgieron en 1956 cuando acudió a ver en Broadway la obra teatral El diario de Ana Frank. Para lograr su objetivo se inscribió en el verano de 1957 en un curso teatral, donde participó en The Teahouse of the August Moon, Desk Set y Picnic. Entre 1958 y 1960 tomó parte en varias producciones teatrales independientes off-off-Broadway y off-Broadway como Driftwood, The Insect Comedy, The Boyfriend y Another Evening with Harry Stoones.
Las perspectivas de su carrera comenzaron a mejorar en 1960 cuando, con la ayuda de su entonces novio Barry Dennen, ganó un concurso de nuevos talentos organizado en el club nocturno The Lion. A partir de ese momento realizó presentaciones como cantante en otros clubes neoyorquinos, entre ellos el Bon Soir y el Blue Angel. En 1961 realizó su primera aparición en la televisión; interpretó la canción «A Sleepin’ Bee» en el programa de variedades The Tonight Show. A finales de ese año realizó actuaciones especiales en el programa televisivo presentado por el periodista Mike Wallace, PM East/PM West.
Debutó en Broadway el 20 de marzo de 1962 en el musical I Can Get It For You Wholesale, donde representó el papel de la Sta. Marmelstein. Su interpretación recibió críticas positivas de muchas fuentes. Posteriormente fue nominada al premio Tony por mejor actriz secundaria de un musical. En la primavera de ese año, Barbra entró por primera vez en un estudio profesional de grabación para registrar las canciones de I Can Get It For You Wholesale, donde, además de la cómica Miss Marmelstein, también interpretaba una espectacular What Are They Doing To Us Now?; aparte de colaborar en un par de números más junto a compañeros del reparto. El disco solamente llegó a la posición 125 de Billboard pero le dio la oportunidad, gracias a la insistencia del compositor de la obra, Harold Rome, de participar, un par de meses más tarde, en un disco homenaje por el 25 aniversario de la exitosa obra Pins And Needles, donde interpretó cinco solos y un cuarteto.
Discografía
| 1962 | I Can Get It For You Wholesale | Broadway cast |
| 1962 | Pins And Needles | Estudio/colaboración |
| 1963 | The Barbra Streisand Album | Estudio |
| 1963 | The Second Barbra Streisand Album | Estudio |
| 1964 | The Third Album | Estudio |
| 1964 | Funny Girl | Broadway cast |
| 1964 | People | Estudio |
| 1965 | My Name is Barbra | Estudio/especial televisión |
| 1965 | My Name is Barbra, Two | Estudio/especial televisión |
| 1966 | Color Me, Barbra | Estudio/especial televisión |
| 1966 | Harold Arlen sings…with friend | Estudio/colaboración |
| 1966 | Je m’appelle Barbra | Estudio |
| 1967 | Simply Streisand | Estudio |
| 1967 | A Christmas Album | Estudio |
| 1968 | Funny Girl | Banda sonora |
| 1968 | A Happening in Central Park | Banda sonora |
| 1968 | What About Today? | Estudio |
| 1969 | Hello, Dolly! | Banda sonora |
| 1970 | Barbra Streisand’s Greatest Hits | Recopilatorio |
| 1970 | On A Clear Day You Can See Foerever | Banda sonora |
| 1971 | The Owl and The Pussycat | Banda sonora y diálogos |
| 1971 | Stoney End | Estudio |
| 1971 | Barbra Joan Streisand | Estudio |
| 1972 | Live Concert at the Forum | Directo |
| 1973 | Barbra Streisand… And Other Musical Instruments | Especial televisión |
| 1974 | The Way We Were | Banda sonora |
| 1974 | The Way We Were | Estudio |
| 1974 | ButterFly | Estudio |
| 1975 | Funny Lady | Banda sonora |
| 1975 | Lazy Afternoon | Estudio |
| 1976 | Classical Barbra | Estudio |
| 1976 | A Star is Born | Banda sonora |
| 1977 | Streisand Superman | Estudio |
| 1978 | Songbird | Estudio |
| 1978 | Eyes of Laura Mars | Banda sonora |
| 1978 | Barbra Streisand’s Greatest Hits Vol. 2 | Recopilarotio |
| 1979 | The Main Event | Banda sonora |
| 1979 | Wet | Estudio |
| 1980 | Guilty | Estudio |
| 1981 | Memories | Recopilatorio y estudio (temas nuevos) |
| 1983 | Yentl | Banda sonora |
| 1984 | Emotion | Estudio |
| 1985 | The Broadway Album | Estudio |
| 1987 | One Voice | Directo |
| 1987 | Nuts | Banda sonora |
| 1988 | Till I Loved You | Estudio |
| 1989 | A Collection: Greatest Hits.. and More | Recopilatorio y estudio (temas nuevos) |
| 1991 | Just for the Record | Recopilatorio, temas inéditos y nuevos |
| 1991 | Prince of Tides | Banda sonora |
| 1991 | Just for the Record: Highlights | Recopilatorio, temas inéditos y nuevos |
| 1993 | Back to Broadway | Estudio |
| 1994 | Barbra: The Concert | Directo |
| 1995 | The Concert: Highlights | Directo |
| 1996 | The Mirror Has Two Faces | Banda sonora |
| 1997 | Higher Ground | Estudio |
| 1999 | A Love Like Ours | Estudio |
| 2000 | Timeless: Live in Concert | Directo |
| 2001 | Christmas Memories | Estudio |
| 2002 | The Essential Barbra Streisand | Recopilatorio y estudio (temas nuevos) |
| 2002 | Duets | Recopilatorio y estudio (temas nuevos) |
| 2003 | The Movie Album | Estudio |
| 2005 | Guilty Pleasures | Estudio |
| 2007 | Live in Concert 2006 | Directo |
| 2008 | The Essential Barbra Streisand 3.0 | Recopilatorio |
| 2009 | Love Is the Answer | Estudio |
| 2010 | One Night Only | Directo |
| 2010 | The Ultimate Collection | Recopilatorio |
| 2011 | What Matters Most | Estudio |
| 2012 | Release Me | Recopilatorio temas inéditos |
| 2013 | Back to Brooklyn | Directo |
| 2014 | Partners | Estudio |
| 2016 | Encore: Movie Partners Sing Broadway | Estudio |
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Bad Religion
Bad Religion es una banda de punk rock estadounidense fundada en 1979 en el sur de California por Greg Graffin (voz), Jay Bentley (bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz (guitarra). La banda ha contado con diferentes alineaciones a lo largo de sus 33 años de existencia, siendo Graffin el único miembro que ha sido constante; no obstante, la banda cuenta hoy en día con tres de sus miembros originales: Greg Graffin, Brett Gurewitz y Jay Bentley.
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Se les adjudica comúnmente haber guiado el resurgimiento del punk rock y de haber inspirado bandas pop punk durante los últimos años de la década de 1970, así como también de haber influenciado a lo largo de su trayectoria a un gran número de músicos del punk y del rock.
Hasta la fecha, Bad Religion ha lanzado quince álbumes de estudio, dos EP, tres álbumes compilatorios, un álbum en directo y tres DVD. Su álbum Suffer ha sido valorado por algunos críticos como el álbum de punk rock más relevante de todos los tiempos, aunque nunca tuvo un puesto en la lista de popularidad la Billboard. En 1993 la banda alcanzó un puesto de cartelera con su álbum Recipe for Hate, éste les dio fama mientras les aseguró el puesto número 14 de la lista Heatseekers de la Billboard de ese año. Su mayor éxito vino con Stranger Than Fiction el primer álbum en ameritarles el disco de oro en Estados Unidos, desprendiéndose de él reconocidos singles como «21st Century (Digital Boy)» e «Infected». La banda se mantuvo cosechando éxitos de manera más discreta en su nueva discográfica, Warner, sin Brett Gurewitz, quien se retirara en 1994 por motivos personales. 2001 fue un año importante para la banda ya que marcó el regreso de Gurewitz y el regreso de Bad Religion a , discográfica de música independiente de la cual Gurewitz es dueño. Desde este renacer para la banda, esta se ha mantenido con la misma alineación por más de 10 años y de 4 álbumes.
Son conocidos particularmente por su sofisticado uso del estilo, metáfora, vocabulario, iconografía y armonías vocales (los denominados por la banda como oozin’ aahs); esto último consagrándolos como pioneros del naciente hardcore melódico. Sus letras suelen ser reflexivas en torno a sentimientos personales, ideologías de vida y responsabilidad social.
Los orígenes de Bad Religion se remontan a finales de la década de los años 1970, cuando unos adolescentes del instituto El Camino Real High School, situado en el angelino distrito de Woodland Hills, en el Valle de San Fernando, coinciden en sus aficiones musicales y deciden formar una banda con influencias del punk del momento de bandas como The Adolescents, Black Flag ó The Germs.
El grupo en ese momento lo componían Greg Graffin (voz), Jay Ziskrout (batería), Brett Gurewitz (guitarra) y Jay Bentley (bajo). La escena punk, pese al éxito de grupos antes mencionados como Black Flag o los históricos Ramones y Sex Pistols, aún era complicada para las bandas jóvenes que emergían y pedían una oportunidad. Por eso, Brett Gurewitz, alias Mr. Brett, se aventuró en la creación de un sello discográfico independiente con el que poder lanzar los discos de Bad Religion y, de paso, poder ayudar y a las bandas punk rock que comenzaban en la música. Gurewitz recuerda que la situación era «una escena gris en la que solo había bandas de colegio; por eso decidimos escribir nuestra propia historia y, de paso, ayudar a otros a escribirla. Porque no teníamos cabida, tan solo había unos pocos sellos de punk que estaban en la frontera entre lo que hacíamos y el pasado. Pero, a la vez, también había un caldo de cultivo de bandas que pedían a gritos editar sus primeros siete pulgadas. Eso es lo que nos terminó de animar».
Gurewitz fundó Epitaph, sin saber en ese momento el punto de inflexión que supondría ese modesto sello en el mundo del punk rock y del rock alternativo, estadounidense sobre todo, en el futuro. La banda graba su primer trabajo, un EP autotitulado Bad Religion, compuesto por seis canciones y lanzado mediante Epitaph en 1981. Tras ese trabajo, la banda graba su primer álbum de estudio, How Could Hell Be Any Worse?, en el que contaría con la colaboración de uno de los futuros guitarristas, Greg Hetson, que aportó un solo de guitarra en el tema Part III. En aquel momento, Hetson era guitarrista de Circle Jerks, pero compatibilizaría ambos grupos en el futuro. Durante la grabación del disco debut, comienzan a aparecer lo que sería una de las constantes en la banda californiana: los cambios en la formación. Jay Ziskrout deja la banda, tras haber grabado 8 canciones, y es sustituido por Pete Finestone, quien graba las 6 restantes. El disco tuvo una buena acogida, vendiendo más de 10 000 copias y, lo más importante, reclutando una importante legión de fanes.
En 1983 comienzan a introducir nuevos sintetizadores y teclados en el segundo disco, Into the Unknown, que les llevan a un sonido más progresivo. Sus seguidores no encajaron nada bien este cambio en la música de Bad Religion y criticaron muy duramente el álbum. Además, la formación había vuelto a cambiar, ya que Finestone dejó la banda y en su lugar entró Davy Goldman en la batería. También Jay Bentley dejó el bajo y fue sustituido por Paul Dedona. Comienzan también las primeras crisis internas y todo provoca que la banda sufra su primera ruptura. El disco está fuera del mercado y las ventas no superaron a las de How Could Hell Be Any Worse?. Un año más tarde, en 1984, Gurewitz deja la banda para tratarse de su adicción a las drogas y es reemplazado por Hetson, que ya trabajó en el disco debut de la formación. Este habla con Graffin y le propone volver a los estudios de grabación para grabar su segundo EP, Back to the Known. En este trabajo Tim Gallegos entra a ocupar el bajo en lugar de Dedona, y Finestone vuelve a la batería. Des 1984 a 1988 no se produce ninguna novedad en cuanto a grabación de nuevo material pero Finestone vuelve a marchar, es sustituido por John Albert y este, a su vez, por Lucky Lehrer.
Miembros
Greg Graffin: voz principal (1979-presente)
Brett Gurewitz: guitarra (1979-1984, 1986-1994, 2001-presente)
Mike Dimkich: guitarra (2013-presente)
Brian Baker: guitarra (1994-presente)
Jay Bentley: bajo (1979-1982, 1986-presente)
Jamie Miller: Batería (2016-presente)
Miembros anteriores
Greg Hetson: guitarra (1984-2013)
Paul Dedona: bajo (1982-1984)
Tim Gallegos: bajo (1984-1986)
Jay Ziskrout: batería (1979-1981)
Davy Goldman: batería (1982-1984)
John Albert: batería (1985-1986)
Lucky Leher: batería (1986)
Pete Finestone: batería (1981-1982, 1984-1985, 1986-1991)
Bobby Schayer: batería (1991-2001)
Brooks Wackerman: batería (2001-2015)
Discografía
1982 How Could Hell Be Any Worse?
1983 Into the Unknown
1988 Suffer
1989 No Control
1990 Against the Grain
1992 Generator
1993 Recipe for Hate
1994 Stranger Than Fiction
1996 The Gray Race
1998 No Substance
2000 The New America
2002 The Process of Belief
2004 The Empire Strikes First
2007 New Maps of Hell
2010 The Dissent of Man
2013 True North
EP
Bad Religion (1981)
Back to the Known (1984)
Christmas Songs (2013)
Recopilaciones
’80-’85 (1991)
All Ages (1995)
Punk Rock Songs (The Epic Years) (2002)
Grabaciones en directo
Tested (1997)
30 Years Live (2010)
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B. B. King
Riley B. Kinga o Riley Ben King (Itta Bena, Misisipi, 16 de septiembre de 1925-Las Vegas, Nevada, 14 de mayo de 2015), más conocido como B.B. King, fue un músico, cantante y compositor estadounidense.
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Es ampliamente considerado uno de los músicos de blues más influyentes de todos los tiempos, ganando el apodo de «el Rey del Blues» y el renombre de «uno de los tres reyes (kings) de la guitarra blues» junto a Albert King y Freddie King. Según Edward M. Komara, King «introdujo un sofisticado estilo de solos basados en fluidas cuerdas [de guitarra] dobladas y brillantes vibratos que influirían prácticamente a todos los guitarristas de blues eléctrico que le siguieron». Los Beatles le mencionaron en la canción «Dig It» (1970). Además, la revista Rolling Stone lo situó en el puesto seis de la lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos y figura en el puesto 17 de la lista «Top 50 Guitarists of All Time» elaborada por Gibson. King fue introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987.
Con los años, King desarrolló un estilo de guitarra identificable de su obra musical, con elementos prestados de Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker y otros y la fusión de géneros musicales como el blues, el jazz, el swing y el pop. Su guitarra eléctrica Gibson ES-335, apodada «Lucille», también da nombre a una línea de guitarras creada por la compañía en 1980. King es también reconocido por su prolífica cuenta de presentaciones en directo, con un promedio de 250 o 300 conciertos anuales durante la década de 1970.
Riley B. King, hijo de Albert King y Nora Ella Farr, nació el 16 de septiembre de 1925 en una pequeña cabaña de una plantación de algodón situada entre las ciudades de Itta Bena y Berclair, Misisipi. En 1930, su madre se separó de su marido y más tarde se casó con otro hombre. Debido a que su madre no tenía medios para cuidar de su hijo, King pasó mucho tiempo con su abuela materna, Elnora Farr, en Kilmichael. La madre de Riley murió cuando él tenía nueve años.
King creció cantando en un coro de gospel en la iglesia baptista Elkhorn de Kilmichael. Con doce años, compró su primera guitarra por quince dólares, aunque otra fuente indica que fue un regalo de Bukka White, primo de su madre. En 1943, King abandonó Kilmichael para trabajar como conductor de tractores y comenzó a tocar la guitarra con el Famous St. John’s Quartet en Inverness, tocando en iglesias de la zona y en la estación de radio WGRM de Greenwood.
En la década de 1950, B. B. King se convirtió en uno de los nombres más importantes del rhythm and blues, con una lista de éxitos en su haber que incluía, entre 1952 y 1955, cuatro primeros puestos en la lista de éxitos de R&B de la revista Billboard.
Aunque sus audiencias fueron orientadas al R&B y el blues, King se rodeó siempre de arreglistas y músicos de jazz, sobre todo de saxos y trompetas, para sus grabaciones y actuaciones en directo. Su banda para sus primeras grabaciones de 1949 para Bullet Record Transcription Company, estaba formada por los hermanos Calvin y Phineas Newborn, Jr., el padre de estos, Phineas Newborn, Sr., Tuff Green, los hermanos Tom y Ben Branch, Willie Mitchell y una mujer trombonista, Sammie Jett. El trompetista James «Boogaloo» Bolden, miembro de la banda de King durante treinta años y su líder los últimos veinte, había estado en la orquesta de Duke Ellington. Otros músicos de jazz asociados con King fueron The Crusaders, bien como banda, bien a nivel individual; Johnny Pate arreglista y/o productor de álbumes como Live at The Regal o Blues on Top of Blues; o el trompetista Snooky Young.
A partir de Live & Well (1969), el primero de cuatro álbumes producidos por Bill Szymczyk, se asocia también con músicos de blues y rock, como Gerald Jemmott, Al Kooper, Hugh McCracken, Dr. John, Eric Clapton, entre muchos otros.
Participó como invitado en numerosos programas de televisión muy populares en los Estados Unidos, incluyendo a The Ed Sullivan Show en 1971, cuando una audiencia de 20 millones le vieron tocar «The Thrill Is Gone», The Tonight Show’, Merv Griffin, The Cosby Show,23 The Young and the Restless, Hospital General, El Príncipe de Bel Air, Barrio Sésamo, Married… with Children y Sanford and Son.
B.B. King recibió 15 Premios Grammy.25 Asimismo, cuatro de sus grabaciones, dos álbumes (Live at The Regal y The Thrill Is Gone) y dos canciones («3 O’Clock Blues», «Everyday I Have the Blues»), han sido incorporados al Hall of Fame de los Grammy. Por otra parte, la grabación «The Thrill is Gone» recibió el Premio del Salón de la Fama de los Grammy en 1998.
Álbumes
Singin’ the Blues (1957)
King of the Blues (1960)
My Kind of Blues (1960)
Live at the Regal (Live, 1965)
Lucille (1968)
Live & Well (1969)
Completely Well (1969)
Indianola Mississippi Seeds (1970)
B. B. King in London (1971)
Live in Cook County Jail (1971)
Guess Who (1972)
Lucille Talks Back (1975)
Midnight Believer (1978)
Live «Now Appearing» at Ole Miss (1980)
There Must Be a Better World Somewhere (1981)
Love Me Tender (1982)
Why I Sing the Blues (1983)
B. B. King and Sons Live (Live, 1990)
Live at San Quentin (1991)
Live at the Apollo (Live, 1991)
There is Always One More Time (1991)
Blues Summit; 1993
How Blue Can You Get? Live Performances; 1996
Deuces Wild (1997)
Take it Home; 1998
His Best – The Electric B. B. King; 1998
Completely Well; 1998
Greatest Hits; 1998
Blues on the Bayou; 1998
Millennium Collection – 20th Century Masters; 1999
His Definitive Greatest Hits; app. 1999
Live in Japan; 1999
Let the Good Times Roll; 1999
Riding with the King (2000)
Makin’ Love is Good for You; 2000
Anthology; 2000
Live at San Quentin (Remastered); 2001
Here & There – The Uncollected B. B. King; 2001
A Christmas Collection of Hope; 2001
Blues is King; 2002
Christmas Collection – 20th Century Masters; 2003
Reflections (2003)
The Ultimate Collection (2005)
B. B. King & Friends: 80 (2005)
B. B. King Best of B. B. King (2006)
B. B. King Gold (Remastered 2006)
B. B. King The Best of (1987)
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