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Bob Dylan
Bob Dylan (Duluth, Minnesota, Estados Unidos, 24 de mayo de 1941), registrado al nacer como Robert Allen Zimmerman (en hebreo: Shabtai Zisl ben Avraham), es un músico, cantante y poeta estadounidense, ampliamente considerado como una de las figuras más prolíficas e influyentes de su generación en la música popular del siglo XX y de comienzos del siglo XXI.
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Gran parte de su trabajo más célebre data de la década de 1960, en la que se dio a conocer como cantautor folk con composiciones como «Blowin’ in the Wind» y «A Hard Rain’s a-Gonna Fall» con un importante contenido de protesta social. Tras dejar atrás la música folk, Dylan modificó la música popular en 1965 con el álbum Highway 61 Revisited, uno de los trabajos musicales más influyentes del siglo XX, en el que combinó la música rock con composiciones complejas y literarias influidas por imaginería surrealista. Su primer sencillo, «Like a Rolling Stone», fue elegido como la mejor canción de todos los tiempos por la revista Rolling Stone y alcanzó el segundo puesto en la lista estadounidense Billboard Hot 100.
Tras Highway 61 Revisited, Bob Dylan consolidó su interés por el rock y el blues con trabajos como Blonde on Blonde y exploró nuevos registros musicales como el country rock en Nashville Skyline y Self Portrait. A lo largo de la década de 1970, después de sufrir un accidente de motocicleta en 1966 y no salir de gira durante ocho años, obtuvo un mayor éxito comercial con discos como Planet Waves, Blood on the Tracks y Desire, números uno en su país natal. A finales de la década, abrió una nueva etapa musical con la publicación de Slow Train Coming, con una profunda temática religiosa. Aunque el trasfondo religioso y su interés por la Biblia se mantuvo a lo largo de los años, después de Infidels comenzó a grabar discos con un mayor peso de temas seculares como Knocked Out Loaded y Down in the Groove, que obtuvieron peores resultados comerciales y de crítica.
La carrera musical de Dylan resurgió a finales de la década de 1980 con el lanzamiento de Oh Mercy, producido por Daniel Lanois calificado por la prensa como el «regreso a la formalidad musical», y con la formación de The Traveling Wilburys con George Harrison, Roy Orbison, Tom Petty y Jeff Lynne. Tras un breve retorno al folk en trabajos como Good as I Been to You y World Gone Wrong, Dylan volvió a trabajar con Lanois en Time Out of Mind, un álbum con un «sonido nebuloso y ominoso» que ganó el Grammy al álbum del año en la 40.ª entrega de los premios. Desde Time Out of Mind, sus álbumes más recientes —»Love and Theft», Modern Times y Together Through Life— han obtenido el respaldo de la prensa musical y del público.
Las letras de Dylan incorporan una variedad de temas sociales, políticos, filosóficos y literarios que desafiaron la música pop convencional existente y apelaron generalmente a la contracultura emergente en la época. Influido por Woody Guthrie, Robert Johnson y Hank Williams, Dylan amplió y personalizó géneros musicales a lo largo de cinco décadas de carrera musical, en las que exploró la tradición musical estadounidense con el folk, el blues, el country, el gospel, el rock and roll y el rockabilly, así como la música folk inglesa, escocesa e irlandesa, pasando por el jazz y el swing. Dylan toca la guitarra, la armónica y los teclados, y respaldado por una alineación de músicos cambiante, ha salido de gira anualmente desde finales de la década de 1980, en lo que se conoce como Never Ending Tour —en español: La gira interminable—.
A lo largo de su carrera, Dylan ha sido reconocido y honrado por sus composiciones, interpretaciones y grabaciones. Sus discos le han valido varios Grammys, Globos de Oro y premios de la Academia, y su nombre se halla en el Salón de la Fama del Rock and Roll, el Salón de la Fama de Compositores de Nashville y el Salón de la Fama de los Compositores. En enero de 1990, fue investido Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el Ministro de Cultura de Francia Jack Lang. En 1999, fue incluido en la lista de las cien personas más influyentes del siglo XX elaborada por la revista Time. En el año 2000, ganó el Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música, y en 2004 alcanzó el segundo puesto en la lista de los cien mejores artistas de todos los tiempos elaborada por la revista Rolling Stone, después de The Beatles. El 13 de junio de 2007 fue premiado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, y un año después recibió un reconocimiento honorario del Premio Pulitzer por su «profundo impacto en la música popular y en la cultura norteamericana, marcado por sus composiciones líricas de extraordinario poder poético». En este contexto, desde 1996 diversos autores y académicos han nominado a Dylan para la candidatura del Premio Nobel de Literatura. En mayo de 2012, recibió la Medalla Presidencial de la Libertad por parte del presidente Barack Obama.
El 13 de octubre de 2016, la Academia Sueca le otorgó el Premio Nobel de Literatura33 por «haber creado una nueva expresión poética dentro de la gran tradición de la canción estadounidense».
Robert Allen Zimmerman (en hebreo: Shabtai Zisel ben Avraham) nació en el hospital St. Mary de Duluth, Minnesota, el 24 de mayo de 1941 y se crió en Hibbing, Minnesota, en el Mesabi Iron Range al oeste del Lago Superior. Los estudios realizados por varios de sus biógrafos han demostrado que sus abuelos paternos, Zigman y Anna Zimmerman, emigraron desde Odessa (actual Ucrania) a los Estados Unidos a causa de un pogromo antisemita acaecido en 1905.19 Sus abuelos maternos, Benjamin y Lybba Edelstein, eran judíos lituanos que llegaron a América en 1902. En su autobiografía, Crónicas, Vol. 1, Dylan escribió que el apellido de su abuela materna era kirguís y que su familia procedía de Estambul.
Sus padres, Abram Zimmerman y Beatrice «Beatty» Stone, formaban parte de una reducida pero muy unida comunidad judía. Robert Zimmerman vivió en Duluth hasta los seis años, cuando su padre contrajo la poliomielitis y su familia volvió a la ciudad natal de su madre, Hibbing, Minnesota, donde pasó el resto de su infancia. Robert vivió buena parte de su juventud escuchando la radio: en un primer momento, escuchando emisoras que transmitían música blues y country desde Shreveport, Luisiana, y posteriormente al rock and roll. Durante su estancia en la escuela, formó varias bandas, como The Shadow Blasters, de corta duración, o The Golden Chords, con quienes llegaría a tocar en el programa de búsqueda de talentos Rock and Roll Is Here to Stay. En el anuario escolar de 1959, Robert Zimmerman marcó como su principal ambición «unirse a Little Richard». El mismo año, usando el seudónimo de Elston Gunn, tocó en dos conciertos con Bobby Vee, acompañando al piano e improvisando palmas.
Zimmerman se trasladó a Minneapolis, Minnesota, en septiembre de 1959 para matricularse en la universidad estatal. Durante la época, su inicial interés en el rock and roll dejó paso a un acercamiento a la música folk americana. En 1985, Dylan explicó su atracción hacia la música folk: «Lo que pasaba con el rock’n’roll es que para mí, de todos modos, no era suficiente… Había muy buenas frases pegadizas y un ritmo contagioso, pero las canciones no eran serias o no reflejaban la vida de un modo realista. Sabía eso cuando me metí en la música folk, era una cosa más seria. Las canciones estaban llenas de tristeza, de triunfo, de fe en lo sobrenatural, y tenían sentimientos más profundos». Pronto comenzó a tocar en el 10 O’Clock Scholar, una cafetería a pocos bloques del campus universitario, y se vio involucrado en el circuito del folk de Dinkytown.
Durante sus días en Dinkytown, Zimmerman pasó a llamarse a sí mismo «Bob Dylan». En una entrevista concedida en 2004, Dylan dijo: «Naces, ya sabes, con nombres equivocados, padres equivocados. Quiero decir, eso sucede. Te puedes llamar como quieras. Este es el país de la libertad». En su autobiografía, Crónicas, Vol. 1, Dylan escribió sobre el cambio de nombre:
«Había visto algunos poemas de Dylan Thomas. La pronunciación de Dylann y Allyn era similar. Robert Dylan. Robert Allyn. La letra D tenía más fuerza. Sin embargo, el nombre Robert Dylan no era tan atractivo como Robert Allyn. La gente siempre me había llamado Robert o Bobby, pero Bobby Dylan me parecía cursi, y además ya estaban Bobby Darin, Bobby Vee, Bobby Rydell, Bobby Neely y muchos otros Bobbies. La primera vez que me preguntaron mi nombre en Saint Paul, instintiva y automáticamente solté: «Bob Dylan»».
Discografía
1962: Bob Dylan
1963: The Freewheelin’ Bob Dylan
1964: The Times They Are a-Changin’
1964: Another Side of Bob Dylan
1965: Bringing It All Back Home
1965: Highway 61 Revisited
1966: Blonde on Blonde
1967: John Wesley Harding
1969: Nashville Skyline
1970: Self Portrait
1970: New Morning
1973: Pat Garrett & Billy the Kid
1973: Dylan
1974: Planet Waves
1974: Before the Flood
1975: Blood on the Tracks
1976: Desire
1976: Hard Rain
1978: Street Legal
1979: Slow Train Coming
1979: Bob Dylan at Budokan
1980: Saved
1981: Shot of Love
1983: Infidels
1984: Real Live
1985: Empire Burlesque
1986: Knocked Out Loaded
1988: Down in the Groove
1989: Dylan & The Dead
1989: Oh Mercy
1990: Under the Red Sky
1992: Good as I Been to You
1993: The 30th Anniversary Concert Celebration
1993: World Gone Wrong
1995: MTV Unplugged
1997: Time Out of Mind
2001: «Love and Theft»
2006: Modern Times
2009: Together Through Life
2009: Christmas in the Heart
2012: Tempest
2015: Shadows in the Night
2016: Fallen Angels
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Blur
Blur es un grupo Indie formado en 1989 en la ciudad de Colchester, Inglaterra, bajo el nombre de Seymour. La banda está integrada por el vocalista, tecladista y guitarrista Damon Albarn, el guitarrista y vocalista Graham Coxon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree.
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El grupo se convirtió en una de las bandas más grandes e importantes del Reino Unido durante la década de 1990. El álbum debut de Blur, Leisure, incorporó elementos de estilos como el «Madchester», el shoegazing y Baggy. Tras un cambio de estilo influenciado por algunos grupos ingleses de pop como The Kinks, The Beatles y XTC, la banda lanzó Modern Life Is Rubbish en 1993, Parklife en 1994, consolidando el Britpop, y The Great Escape en 1995.
Durante la grabación de Blur —del año 1997—, la banda experimentó otra reinvención, que mostró la influencia del estilo lo-fi de algunos grupos norteamericanos de indie rock.
En 1999, publicaron «13 (álbum)», el que sería su sexto álbum. Con esta grabación, sonoramente, incursionarían en la psicodelia, gólpel y Punk. En el 2003, publicaron Think Tank, su séptimo y último álbum hasta la fecha, el que estaría altamente cargado de una fusión étnica: una estética Soul, Reggae, Punk y Rock. Cabe destacar que por primera vez las líricas de sus discos (tanto las de 13 como las de Think Tank), están más abocadas a emociones y a vivencias personales, aunque no por eso dejan de formar parte de sentimientos universales, generando así identificaciones.
Con Modern Life Is Rubbish, la banda impulsó el denominado Britpop, cuyo movimiento (el cual pretendía rescatar/conservar el ‘sonido británico’, o al menos parte de éste, que creían que era propio de su identidad) alcanzó una masiva popularidad en el Reino Unido, a mediado de los noventa, al que se sumaron otros grupos musicales, tales como: Suede, Elástica y Oasis. Sin embargo, Blur pasó a convertirse en una de las grandes encarnaciones del concepto Indie, debido a la amplia variedad de géneros, ambientes y matices recorridos en su discografía.
Blur es una de las bandas británicas que aparecieron en el inicio de la caída del grupo británico The Stone Roses, mezclando psicodelia pop rock con fuertes guitarras. Siguieron el cambio de imagen a mediados de los 90, el grupo se erigió como uno de las más populares bandas de Reino Unido, proclamándose como herederos de la tradición Pop inglesa de grupos como The Kinks, The Small Faces, The Who, The Jam, Madness y The Smiths. En el proceso, el grupo abrió las puertas a una nueva generación de bandas cuyo movimiento se engloba en el Britpop. Las letras irónicas de Damon Albarn, el trabajo remarcado de Graham Coxon y la maestría pop del resto del grupo, les concede ser uno de los líderes del Britpop. Sin embargo, pronto se vieron atados por él; porque fueron una de sus principales bandas, estuvieron cerca de caer con el movimiento cuando este decaía o ya no interesaba. A través del reinvento de sí mismos, Blur reclamaba su posición como una banda art pop-rock en los 90 mediante la incorporación de indie rock e influencias lo-fi procedentes de bandas de los Estados Unidos en el estilo de Pavement o R.E.M., lo cual les dio el difícil reto de triunfar en Norteamérica en 1997. Pero el legado de la banda todavía permanece en Reino Unido, donde ayudaron a reinventar la música pop de guitarras con un enriquecimiento sabio de las tradiciones pop del país.
Debe anotarse que Blur salió de Goldsmith’s College. Otros alumnos de la escuela son Damien Hirst que trabajó con Blur en un vídeo y con miembros de la banda en otra banda llamada Fat Les, y Julian Opie, quien creó las imágenes vectoriales realistas usadas en la carátula de la colección de singles. El impacto del Goldsmith’s College en la banda no puede menospreciarse.
Después de «She’s So High», el primer single del grupo, que salió en el programa Top 50 – el productor de Morrissey Stephen Street contactó con la banda y les propuso producir su álbum. La banda aceptó inteligentemente, teniendo en cuenta el éxito posterior de la banda. La asociación entre Blur y Stephen fue exitosa y perduraría durante la siguiente mitad de década. La ayuda de Street en la producción, que ayudó a la banda en su camino al estrellato, hizo que fuese considerado como el quinto miembro de Blur por fans y prensa.
El siguiente single a «She’s So High» – «There’s No Other Way» – entró en el Top Ten. Ambos singles se incluyeron en su álbum debut, Leisure. Aunque recibió buenas críticas, el álbum fue encajado entre la escena pop Madchester prácticamente muerta y la escena Shoegazing ya decadente, haciendo que algunos periodistas y críticos musicales desecharan a la banda al considerarla ídolos hechos para jóvenes. Durante un par de años, Blur luchó para abandonar este título y probar que los críticos se equivocaban.
Durante su tour por América, documentado en la película Starshaped, el grupo perdió la felicidad, muchas veces ventilando sus frustraciones entre ellos y llevando a cabo varios enfrentamientos violentos. La banda (y especialmente Albarn) empezó a desarrollar la idea de un álbum dirigido contra la cultura estadounidense, originalmente titulado «Blur vs América», con lo que empezaron a trabajar en su regreso a Reino Unido. Andy Patridge, de XTC, fue en un primer momento encargado de producir el siguiente álbum a Leisure – lo que se convirtió posteriormente en Modern Life Is Rubbish. Sin embargo, la relación entre él y la banda pronto se deterioró, así que Street fue de nuevo conducido a producir la grabación. Tras estar casi un año en el estudio, la banda publicó el álbum en Food Records. Sin embargo, la compañía rechazó el álbum, declarando que necesitaba un hit. La banda volvió de nuevo al estudio y grabó «For Tomorrow», que se convirtió en un hit en Reino Unido. Food estaba preparada para publicar el álbum, pero su compañía en Estados Unidos, SBK, dijo que no había un hit para el público estadounidense, así que pidió el regreso de nuevo al estudio de la banda. Entonces crearon y grabaron «Chemical World» que satisfizo a SBK; la canción fue un hit alternativo menor en Estados Unidos y alcanzó el puesto 28 en la lista británica. Modern Life… estaba preparado para ser publicado en la primavera de 1993, cuando SBK pidió a Blur regrabar el álbum con el productor Butch Vig (Nirvana, Sonic Youth y Smashing Pumpkins). La banda muy enfadada e irritada decidió rehusar la petición. El álbum fue publicado en mayo en Reino Unido; apareció en EE.UU. ese otoño. Modern Life Is Rubbish recibió buenas críticas en RU, alcanzando el puesto 15 en las listas, pero falló estrepitosamente en EEUU. A pesar del desdén de Albarn por la cultura estadounidense, particularmente el grunge, las notas del álbum llevaban una cita directa del escritor canadiense Douglas Coupland que escribió la «novela grunge» Generation X: Tales for an Accelerated Culture (Generación X: Historias para una cultura acelerada). La cita decía «Legislated nostalgia: to force a body of people to have memories they do not actually possess» (Nostalgia legislada: forzar a un cuerpo de personas a tener recuerdos que de hecho no poseen).
Álbumes de estudio
Leisure (1991)
Modern Life Is Rubbish (1993)
Parklife (1994)
The Great Escape (1995)
Blur (1997)
13 (1999)
Think Tank (2003)
The Magic Whip (2015)
Recopilatorios y álbumes en directo
1994: The Special Collectors Edition.
1996: Live at the Budokan.
1998: Bustin’ + Dronin’.
1999: The 10 Year Limited Edition Anniversary Box Set.
2000: Blur: The Best of.
2009: Midlife: A Beginner’s Guide to Blur.
2009: Blur: Live at Hyde Park
2012: Blur 21
2012: Parklive
Miembros
Damon Albarn
Graham Coxon
Alex James
Dave Rowntree
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The Blues Brothers
The Blues Brothers es un número cómico musical creado por John Belushi y Dan Aykroyd, para el programa de televisión Saturday Night Live, en el que John trabajó durante el período 1975-79. Al principio el grupo que les acompañaba era el del programa, pero reunieron una banda estable para su primer disco.
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Tom Malone, a quien se puede ver soplando el trombón en la película «The Last Waltz» de Martin Scorsese, (que es la despedida filmada de otro de los grandes grupos de la música estadounidense, The Band), y que era parte de la banda, les recordó que podían contar con Steve Cropper a la guitarra y Donald «Duck» Dunn al bajo. Ambos fueron miembros del grupo instrumental de los años 1960: Booker T. & the M.G.’s, banda estable del sello Stax.
En una de sus primeras actuaciones se hicieron acompañar del grupo Roomfull Of Blues. También hicieron jams junto a Albert Collins y Carey Bell, además de ver a varios grupos, entre ellos el de Robert Cray, para la puesta en escena de la banda. Tras la muerte de Belushi, la banda pasó a ser dirigida por Steve Cropper, con cantantes como Eddie Floyd o Rob Paparozzi.
Músicos del primer disco «Briefcase Full of Blues»
Jake Blues , voz
Elwood Blues , 2ª voz y armónica
Steve Cropper – guitarra (Stax, Otis Redding, MGs, «Rock & Roll» de John Lennon)
Matt «Guitar» Murphy – guitarra (Otis Rush, Koko Taylor, Memphis Slim, James Cotton)
Donald «Duck» Dunn – bajo (Stax, MGs, Otis Redding, Neil Young, Tony Joe White)
Paul Shaffer – teclados (Late show band de David Letterman, Saturday Night Live Band, Beach Boys)
Steve Jordan – batería (Keith Richards, Bruce Springsteen, Fabulous Thunderbirds)
Tom Malone – trombón, trompeta, saxo barítono (Frank Zappa, The Band, Blood, Sweat & Tears, Willy Deville, Lou Reed)
«Blue» Lou Marini – saxos (Woody Herman, Frank Zappa, Blood, Sweat & Tears, Steely Dan)
Alan Rubin – trompeta (Duke Ellington, Stanley Clarke, Herbie Mann)
Tom Scott – saxo tenor y alto (George Harrison, Toto, Steely Dan, Barbra Streisand, Frank Sinatra, Blue Oyster Cult, Grateful Dead, Ringo Starr, Ray Charles, REM)
Músicos de «The Blues Brothers» – Banda sonora
Además de los mismos del primer disco, los siguientes:
Murphy Dunne – teclado (Ray Charles , The Conception Corporation)
Willie Hall – batería. Sustituto de Al Jackson en los MGs, cuando éste murió asesinado. Batería del disco de Issac Hayes «Shaft», en el cual se creó el llamado «Soul sinfónico»)
Estrellas invitadas: Aretha Franklin, James Brown, Cab Calloway, Ray Charles, John Lee Hooker (su intervención no aparece en el disco).
Discografía
Briefcase Full of Blues, 1978, Atlantic
Blues Brothers, banda sonora, 1980, Atlantic
Made in America, 1980, Atlantic
Montreaux Live, 1990, WEA
Red White & Blues, 1992.
Blues Brothers & Friends: Live From House of Blues, A&M, 1997.
Blues Brothers 2000, banda sonora, Universal, 1997.
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Blood Sweat & Tears
Blood, Sweat & Tears (también conocidos como BS&T) es una banda de rock, fundada en 1967 en Nueva York (Estados Unidos), que se convirtió en el principal icono del llamado Jazz Rock, fusionando rock, blues, pop y jazz a través de arreglos complejos, concebidos para una sección rítmica clásica y una sección de instrumentos de viento, creando una peculiar forma de R&B y soul. Junto con el grupo Chicago, conforman la cabeza más visible de lo que el musicólogo Joachim E. Berendt llamó las Big Bands de Rock.
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El pianista y organista Al Kooper, que había estado en sesiones históricas con Bob Dylan, Jimi Hendrix o los mismos Rolling Stones, y que por entonces estaba enrolado en una banda de rock denominada The Blues Project, fue el impulsor del grupo, cuyo nombre tomó de un disco, de 1963, del cantante de country, Johnny Cash que, a su vez, lo recogió de la famosa expresión de Winston Churchill. El grupo, al que se incorporaron su compañero de banda, el guitarrista Steve Katz, y el bajista Jim Fielder, un veterano que había estado en grupos como Buffalo Springfield o The Mothers Of Invention de Frank Zappa, se concibió con una estructura derivada de las bandas de soul de los sesenta, con una base rítmica clásica (guitarra, teclados, bajo y batería) y una potente sección de metales (dos trompetas, trombón y saxo), y con un bagaje musical que incluía, por supuesto, rock y blues, pero también psicodelia, pop, jazz y soul.
Su primera actuación tuvo lugar en el Café a Go-Go, en Nueva York, el invierno de 1967, y tuvieron un impacto notable, lo suficiente para que Columbia decidiese ficharlos y grabar un disco, Child is father to the man. El disco se publicó en 1968, con los trompetistas Jerry Weiss y Randy Brecker, el trombonista y teclista Dick Halligan, el saxofonista Fred Lipsius y el batería Bobby Colomby, además de los antes citados. Se situó en el nº 47 del Billboard 200, un puesto elevado para unos debutantes.
Las dudas de la banda, y de la compañía de discos, respecto a la capacidad de Kooper como cantante (se había hecho cargo de la voz en el primer disco) y algunas divergencias conceptuales, le decidieron a dejar la banda. Con él, se fueron Brecker y Weiss, cada uno a sus proyectos. BS&T recurrieron a Laura Nyro para cubrir su puesto, y realizaron un par de actuaciones de prueba, aunque tras ellas, la cantante decidió no arriesgarse. Tras realizar gestiones infructuosas en la Motown (Stevie Wonder), Fielder tanteó a su antiguo compañero de banda, Stephen Stills, que finalmente no aceptó. Fue Katz quien propuso, entonces, al canadiense David Clayton-Thomas para hacerse cargo de la voz. Se incorporaron, además, los trompetistas Lew Soloff y Chuck Winfield, así como el trombonista Jerry Hyman, ya que Halligan se dedicó a los teclados para cubrir la baja de Kooper.
Con esta formación, publicaron su disco más exitoso, Blood, Sweat & Tears (1969), que incluyó verdaderos hits como Spinning Wheel o And when I die, aparte de auténticas joyas, como la versión de God bless the Child, el tema clásico de la cantante de jazz Billie Holiday. En estas grabaciones se plasma de forma clara y brillante el concepto musical que animó al grupo: Bases potentes, arreglos poderosos para los metales, improvisaciones de corte claramente jazzístico y, por encima, una voz carismática e identificable. BS&T fue una de las bandas que actuó en el mítico Festival de Woodstock. El disco llegó al nº 1 en álbumes, y obtuvo el Grammy al mejor disco r&b del año, y ello a pesar de lo ambicioso de la propuesta, incluso para los cánones de la época.
Los siguientes discos, Blood, Sweat & Tears 3 (1970), que también llegó al nº1 de Billboard 200, y B.S. & T. 4 (1971), que alcanzó un aceptable nº 10, abundaron en la fórmula, dejando algunos temas de muy alto nivel, como Hi de Ho, uno de sus grandes éxitos de ventas, compuesta para ellos por Carole King; He’s a Runner (de la cantautora Laura Nyro); Symphony for the Devil / Simpathy for the Devil, una versión oscura y reflexiva del tema de los Rolling Stones; la sutil John the Baptist; o el espectacular solo de trombón que conforma Redemption, ejecutado por Dave Bargeron, quien había sustituido, unos meses antes de la grabación, a Hyman. Cuentan también con la colaboración del clarinetista Don Heckman. En 1970, el grupo había participado en la banda sonora de la película The Owl and the Pussycat, que se editó en disco en Estados Unidos, en diciembre de ese año, y que apenas logró situarse en el puesto 186 de los charts. Nunca llegó a publicarse en España.
En esta época, BS&T estaban unánimemente valorados, sus conciertos recibían buenas críticas, se situaban en los puestos altos de los polls de la revista de jazz Down Beat y sus temas se encaramaban a las primeras posiciones de ventas de Billboard. Algunos de sus miembros, también consiguieron nominaciones como instrumentistas en los polls y adquirieron bastante prestigio. Su imagen, no obstante, había sufrido un golpe con la gira que se vieron obligados a hacer por los países del Este, de la mano del Departamento de Estado, como contrapartida a la legalización de la situación laboral de Clayton-Thomas. Además, la banda comenzó a acusar las tensiones internas entre las distintas corrientes que albergaba: La comercial y con tendencia al «estilo Las Vegas», que siempre acompañó a Clayton-Thomas; la jazzística, que dominaba entre los metales y Colomby; y la más tradicionalmente rockera, de Katz y Fielder, lo que hizo que su siguiente disco se retrasara tanto como para que Columbia decidiera sacar un Greatest Hits (febrero de 1972), que consiguió el disco de oro en mayo y alcanzó el nº 19 del Billboard 200.
Álbumes originales
Child is father to the man (Columbia, 1968)
Blood, Sweat & Tears (Columbia, 1969)
Blood, Sweat & Tears 3 (Columbia, 1970)
B.S. & T. 4 (Columbia, 1971
New blood (Columbia, 1973)
No sweat (Columbia, 1973)
Mirror image (Columbia, 1974)
New city (Columbia, 1975)
More than ever (Columbia, 1976)
In concert (Live and Improvised) (Columbia, 1977) -Grabado en directo, en 1975-
Brand New Day (ABC Records, 1977)
Nuclear blues (MCA Records, 1980) -Editado en Europa como The Challenge (Astan Music, 1984)-
Blood, Sweat & Tears Live (Rhino Records, 1994) -Grabado en directo, en 1980-
Sail away – Live in Stockholm 1973 (Immortal IMC Music, 2010) -Grabado en directo, en 1973-
Álbumes recopilatorios
Greatest hits (Columbia, 1972)
Blood, Sweat & Tears’ Greatest Hits (Columbia, 1986)
What goes up! – The best of Blood, Sweat & Tears (Sony, 1995)
You’ve made me so happy (Sony, 2001)
The Collection (Sony/Columbia, 2003)
Miembros
Dave Gellis
Glenn McClelland
Bo Bice
Joel Rosenblatt
Carl Fischer
Trevor Neumann
Michael Davis
Ken Gioffre
Jon Ossman
Antiguos miembros
Los fundadores del grupo (1967)
Al Kooper : teclados, cantante (1967-1968)
Randy Brecker : trompeta, fliscorno (1967-1968)
Jerry Weiss : trompeta, fliscorno, coros (1967-1968)
Fred Lipsius : saxo alto, piano (1967-1972)
Dick Halligan : teclados, trombón, trompa, flauta, coros (1967-1972)
Steve Katz : guitarra, armónica, laúd, mandolina, cantante (1967-1973, 2008- )
Jim Fielder : bajo, guitarra, coros (1967-1974)
Bobby Colomby : batería, percusión, coros (1967-1977)
El periodo clásico (1968-1973)
David Clayton-Thomas : cantante, guitarra (1968-1972, 1974-2004)
Lew Soloff : trompeta, fliscorno (sustituye a Brecker, 1968-1974)
Chuck Winfield : trompeta, fliscorno, coros (sustituye a Weiss, 1968-1973)
Jerry Hyman : trombón, trombón bajo (1968-1970)
Dave Bargeron : trombón, tuba, trompa, bajo, coros (sustituye a Hyman, 1970-1978)
Bobby Doyle : cantante, piano (sustituye a Thomas, 1972)
Joe Henderson : saxo tenor (sustituye a Lipsius, 1972)
Lou Marini Jr. : saxos soprano y tenor, flauta (sustituye a Henderson, 1972-1974)
Larry Willis : teclados (sustituye a Halligan, 1972-1978)
Georg Wadenius : guitarra, coros (toca a la vez que Katz, 1972-1975)
Jerry Fisher : cantante (sustituye a Doyle, 1972-1974)
Tom Malone : trombón, trompeta, fliscorno, saxo alto, bajo (sustituye a Winfield, 1973-1974)
El periodo clásico tardío (1974-1978)
Jerry LaCroix : cantante, saxo alto, flauta, armónica (1974)
Ron McClure : bajo, contrabajo (sustituye a Fielder, 1974-1975, 1976)
Tony Klatka : trompeta, fliscorno (sustituye a Soloff, 1974-1978)
Bill Tillman : saxo alto, flauta, clarinete, coros (sustituye a Marini, 1974-1977)
Joe Giorgiani : trompeta, fliscorno (sustituye a Malone, 1974-1975)
Luther Kent: cantante (sustituye a LaCroix, 1974-1975)
Don Alias : percusión (1975-1976)
Steve Khan : guitarra (sustituye a Wadenius, 1975)
Mike Stern : guitarra (sustituye a Kahn, 1975-1977)
Jaco Pastorius : bajo (sustituye a McClure durante un tiempo, 1975-1976)
Keith Jones : bajo (sustituye provisionalmente a McClure, 1976)
Danny Trifan : bajo (sustituye definitivamente a McClure, 1976-1977)
Forrest Buchtel : trompeta (sustituye a Giorgiani, 1975-1977)
Roy McCurdy : batería (1976-1978)
Jeff Richman : guitarra (suplió a Stern en algunos conciertos, 1976)
Randy Bernsen : guitarra (tocó a la vez que Stern, 1977)
Barry Finnerty : guitarra (sustituye a Stern, 1977-1978)
Neil Stubenhaus : bajo (sustituye a Trifan, 1977-1978)
Gregory Herbert : saxo (sustituye a Tillman, 1977-1978)
Michael Lawrence ; trompeta (sustituye a Buchtel, 1977)
Chris Albert : trompeta (sustituye a Lawrence, 1977-1978)
La banda se separa tras la muerte de Herbert durante la gira por Europa (1978)
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Blackmore’s Night
Blackmore’s Night es un grupo de folk renacentista liderado por Ritchie Blackmore (guitarra clásica y eléctrica) y Candice Night (letras y voz).
Leer más ...
La historia de Blackmore’s Night se remonta a 1990 cuando Ritchie, entonces guitarrista de Deep Purple, conoció a Candice con la que compartía un apasionado interés por el Renacimiento.
Después de abandonar Deep Purple en 1993 y grabar un álbum con Rainbow llamado Stranger in Us All, en el que Candice intervino haciendo los coros, Ritchie comenzó a interesarse en la idea de llevar la música renacentista al público contemporáneo. En 1997 la pareja estaba preparada para empezar un nuevo conjunto. El nombre surgió de la unión de sus dos apellidos.
El álbum del debut, Shadow of the Moon fue un éxito inmediato, especialmente en Europa. Los álbumes siguientes, Fires at Midnight sobre todo, se caracterizaron por un incremento de música rock con guitarra sin perder una base de Folk rock. Con el paso del tiempo, Candice Night ha aumentado su participación, tanto como cantante cómo tocando un amplio abanico de instrumentos del Renacimiento.
El grupo actúa en ferias y festivales renacentistas y medievales. También hace conciertos en solitario en locales característicos ambientados con su estilo. Así, hacen giras por castillos de Europa, donde tocan en ambientes históricos, para una audiencia a menudo vestida de época, como la gira realizada «Castle and dreams» (castillos y sueños).
Miembros actuales
Ritchie Blackmore – Guitarras, mandolina, domra, zanfoña
Candice Night – Voz, chanter, cornamusa, shawm, rauschpfeife, pandereta
Bard David of Larchmont (David Baranowski) – Teclados (desde mayo de 2003)
Squire Malcolm of Lumley (Malcolm Dick) – Batería, percusiones (desde agosto de 2001)
Gypsy Rose (Elizabeth Cary) – Violín (desde octubre de 2007)
Earl Grey of Chimay (Mike Clemente) – Bajo, mandolina y guitarra rítmica (desde abril de 2008)
Ex-Miembros
Sisters of the Moon: Lady Madeline and Lady Nancy (Madeline y Nancy Posner) – Coros (julio de 2002 – octubre de 2007)
Lord Marnen of Wolfhurst (Marnen Laibow-Koser) – Violín, flauta travesera, flauta dulce (julio de 2002 – diciembre de 2003)
Chris Devine – Violín, flauta, guitarra (julio de 2000 – mayo de 2002)
Carmine Giglio – Teclados (abril 2000 – agosto de 2002)
Mike Sorrentino – Percusión (abril 2000 – agosto de 2001)
Sir Robert of Normandie (Robert Curiano) – Bajo, guitarras (octubre de 2000 – octubre de 2007)
Tudor Rose (Tina Chancey) – Violín, flauta (mayo de 2004 – octubre de 2007)
Mick Cervino – Bajo (julio de 1997 – agosto de 2000)
Marci Geller – Teclados y coros (junio de 1999 – mayo de 2001)
Adam Forgione (septiembre de 1998 – enero de 2000)
Alex Alexander (septiembre de 1998 – enero de 2000)
Jessie Haynes – Guitarras, flauta dulce y coros (julio de 1997 – octubre de 1998) www.jessiehaynes.com
Lady Rraine (Lorraine Ferro) – Coros (abril de 2002 – octubre de 2007)
Baron St James (abril de 2007 – marzo de 2008)
John O’Reilly (julio de 1997 – diciembre de 1997)
Joseph James – Teclados (julio de 1997 – diciembre de 1997)
Rachel Birkin – Violín (septiembre de 1998 – octubre de 1998)
Marci Geller – Teclados y voz (junio de 1999 – mayo de 2001)
Jim Hurley – Violín (junio de 1999 – mayo de 2000)
Vita Gasparro (Lady Vita) – Guitarra y voz (julio de 2001 – diciembre de 2001)
Músicos de sesión en estudio
Pat Regan – Instrumentos de cuerda (1997–2008)
Kevin Dunne – Batería (1998–1999)
Álbumes
Shadow of the Moon – 1997
Under a Violet Moon – 1999
Fires at Midnight – 2001
Ghost of a Rose – 2003
The Village Lanterne – 2006
Winter Carols – 2006
Secret Voyage – 2008
Autumn Sky – 2010
Dancer and the Moon – 2013
all our yesterdays – 2015
Álbumes en directo
Past Times with Good Company – 2002
Paris Moon – 2007
A Knight in York – 2012
Recopilaciones
Minstrels and Ballads – 2001
Beyond the Sunset: The Romantic Collection – 2004
The Beginning – 2013
DVD
Castles and Dreams – 2005
Paris Moon – 2007
A Knight In York – 2012
The Beginning – 2013
Singles
«Wish You Were Here» – 1997
«Shadow of the Moon» – 1997
«No Second Chance» – 1997
«The Times They Are a Changin'» – 2002
«Home Again» – 2003
«All Because of You» – 2004
«Way to Mandalay» – 2004
«I’ll Be There (Just Call My Name)» – 2005
«Christmas Eve» – 2006
«Olde Mill Inn» – 2006
«Streets of London» – 2006
«Hark the Herald Angels Sing» – 2006
«Locked Within the Crystal Ball» – 2008
«Highland» – 2010
«The Moon is Shinning (Somewhere over the sea)» – 2013
«Dancer and the Moon» – 2013
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The Black Crowes
The Black Crowes es un grupo de Hard rock que recibe sus influencias de la música rock de los 60 y 70 y del Blues de Estados Unidos.
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La agrupación se formó en 1986 por los hermanos Chris Robinson y Rich Robinson, bajo el nombre de «Mr. Crowe’s Garden». En 1990 editan su álbum debut, llamado Shake Your Money Maker, logrando un éxito considerable, sobre todo a partir de la edición del single «Hard To Handle», original del cantante de soul Otis Redding, y del lanzamiento del sencillo «She Talks to Angels».
Conocidos por su visión personal de la escena musical y los polémicos comentarios del cantante, su segundo disco, The Southern Harmony and Musical Companion, editado en 1992, no iguala en ventas a su antecesor, mostrando nuevos matices en el fondo musical de la banda. En esta ocasión, presentan un nuevo guitarra solista, Marc Ford, procedente de la banda Burning Tree, sustituyendo a Jeff Cease, que fue despedido de forma poco amistosa. El teclista Eddie Harsch también entra como miembro fijo en el grupo.
1994 es el año para editar su tercer disco, Amorica, el más experimental de todos, en el que la psicodelia toma gran protagonismo y abre el espectro musical de la banda. El 25 de enero de 1996 actúan como teloneros de Jimmy Page y Robert Plant, ofreciendo un mini recital en el estadio de Ferrocarril Oeste, Argentina. Three Snakes and One Charm es su cuarto y más intimista álbum, editado en 1996 y le sigue un disco mucho más enérgico como es By Your Side (1998).
Con nueva formación para el directo y tras la gira correspondiente a este disco, inician un tour como banda acompañante de Jimmy Page, guitarrista de los desaparecidos Led Zeppelin. Esta gira da como fruto el disco en directo Live at the Greek, editado en el año 2000 y producido por Kevin «The Caveman» Shirley.
En el siguiente año vuelven al estudio para facturar un nuevo álbum que sale ese mismo año, bajo el nombre de Lions (2001). Tras este disco, publican un nuevo directo, ya solo de la banda, llamado Live (2002) y los hermanos Robinson se toman un descanso para iniciar sus respectivas carreras en solitario. Chris Robinson publica bajo el nombre de New Earth Mud un disco homónimo en el año 2002 y This Magnificent Distance en el año 2004. Por su parte, Rich Robinson publica el disco Papers.
En 2005 volvieron a los escenarios para realizar una gira por América. En 2007 se reunieron definitivamente con nuevos miembros para grabar en estudio el disco Warpaint. En Julio de 2007 sale a la venta el disco en directo Live at the Roxy con el sello Eagle Rock Entertainment, que contiene antiguo y nuevo material de la banda y versiones, tomadas de un show en Los Ángeles en 2006.
La banda lanzó «Goobye Daughters of the Revolution» como primer single del nuevo disco, que llegó a las tiendas online en marzo de 2008 y fue lanzado por el sello Megaforce Records. Warpaint fue un éxito de crítica y llegó al puesto #5 de la lista Billboard, además la banda comenzó una gira que les llevó por Australia, Nueva Zelanda y Europa y que terminó con cinco noches en San Francisco.
En 2009 fueron los grandes protagonistas del Azkena Rock Festival de Vitoria-Gasteiz junto a Soul Asylum, Alice Cooper, Fun Lovin’ Criminals, Toy Dolls, The Breeders y Juliette Lewis, entre otros.
n 2010 lanzan al mercado el álbum Croweology, una colección de sus más representativos éxitos a lo largo de su carrera, en versiones acústicas. En 2011, en grupo se toma su segunda pausa.
En diciembre de 2012, la banda vuelve de su pausa temporal para hacer 5 shows en el Reino Unido, seguido de una gira de 21 fechas en Estados Unidos que duraría de abril hasta mayo. El álbum fue grabado durante una serie de concierto que el grupo hizo en el año 2010. En julio de ese mismo año, el grupo realizó una gira, con el grupo Tedeschi Trucks Band. En diciembre de este mismo año, el grupo vuelve a tomarse una pausa indefinida. En vez de Luther Dickinson, esta vez el guitarrista del grupo es Jackie Greene.
El 19 de marzo de 2013, el grupo lanza su cuarto álbum en vivo llamado Wiser For The Time. El álbum fue lanzado se puede adquirir mediante la descarga digital, o en su versión de 4 vinilos. En julio de este mismo año, el grupo realizó una gira con Tedeshi Trucks Band. En diciembre de 2013, el grupo vuelve a tomarse una pausa.
El 15 de enero de 2015 Rich Robinson anunció la separación del grupo, debido a un desacuerdo con su hermano Crhis sobre el nombre del grupo, haciendo de esta su tercera separación.
Discos de estudio
Shake Your Money Maker (1990)
The Southern Harmony and Musical Companion (1992)
Amorica (1994)
Three Snakes and One Charm (1996)
By Your Side (1999)
Lions (2001)
Warpaint (2008)
Before the Frost…Until the Freeze (2009)
Croweology (2010)
Discos en directo
Live at the Greek (con Jimmy Page) (1999)
Live (2002)
Freak ‘n’ Roll…Into the Fog (2005)
Warpaint Live (2009)
Wiser For The Time (2013)
Recopilatorios
Greatest Hits 1990-1999: A Tribute to a Work in Progress (2000)
The Lost Crowes (2006
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Black
Black, seudónimo del cantautor Colin Vearncombe (Liverpool, Inglaterra, 26 de mayo de 1962 – Cork, Irlanda, 26 de enero de 2016),1 fue un músico británico. De 1981 a 1988 lideró una banda llamada «Black» que también incluía a Dave «Dix» Dickie, y con la cual alcanzó su mayor éxito.
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El primer lanzamiento de Black fue Human Features con la discográfica Rox Records en 1981. Le siguió otro disco en 1982 con More Than The Sun (Wonderful World Of Records), después del cual Black firmó con la discográfica WEA Records. Su primer álbum con esta discográfica fue Hey Presto (1984), que lo catapultó al éxito fuera del Reino Unido: el video clip de esta canción se emitió en el canal por satélite Music Box, y el single se distribuyó en Australia. El segundo single con WEA Records fue una re-edición de More Than The Sun. Después de esto, la discográfica abandonó su proyecto.
1985 fue un año especialmente melancólico para el cantante de Black, Colin Vearncombe, quien entonces escribió una canción clave, irónicamente titulada «Wonderful Life» (‘Vida maravillosa’). Lanzada independientemente al principio, esta canción llamó la atención de la discográfica A&M Records, que firmó con Black y su carrera artística despegó. Al principio, los sencillos «Everything’s Coming Up Roses» y «Sweetest Smile» tuvieron un éxito moderado solo en el Reino unido, pero el tercer sencillo, un relanzamiento de «Wonderful Life», fue un éxito rotundo en todo el mundo. El álbum del mismo nombre, editado en 1987, cosechó un gran éxito comercial y de los críticos musicales.
Más tarde, Black siguió vendiendo más dos millones de discos por todo el mundo con Comedy 1988 y Black 1991. En este tiempo, la vida personal de Vearncombe cambió cuando se casó con la excantante sueca Camilla Griehsel, de la banda One 2 Many. Desilusionado por tener que negociar con una discográfica grande, Colin Vearncombe, único miembro que quedaba de Black, fundó su propia marca discográfica Nero Schwarz y lanzó un álbum (Are We Having Fun Yet?, 1993). Vearncombe volvió en 1999 para sacar una serie de grabaciones muy aplaudidas en su propio nombre. Un nuevo disco llamado Between Two Churches se sacó a la venta el 7 de noviembre de 2005.
El 10 de enero de 2016 sufrió un grave accidente de tráfico que se produjo en las inmediaciones del aeropuerto irlandés de Cork, cerca del pueblo de Schull, donde residía desde hacía más de una década. Se lo mantuvo en coma inducido en el Hospital Universitario de Cork debido a la gravedad de sus lesiones, de las que falleció dos semanas más tarde, el 26 de enero de 2016.
Álbumes
1987 Wonderful Life
1988 Comedy
1991 Black
1993 Are We Having Fun Yet?
2005 Between Two Churches
2010 Water on Stone
2015 Blind Faith
Recopilaciones
1996 Master Series
1996 Collection
2000 Millennium Edition
Sencillos
1981 Human Features
1982 More Than The Sun
1984 Hey Presto
1984 More Than The Sun
1985 Wonderful Life
1986 Everything’s Coming Up Roses
1987 Sweetest Smile
1987 Wonderful Life
1987 I’m Not Afraid
1988 Paradise
1988 The Big One
1988 You’re A Big Girl Now
1989 Now You’re Gone
1991 Feel Like Change
1991 Here It Comes Again
1991 Fly Up To The Moon (duet with Sam Brown)
1993 Don’t Take The Silence Too Hard
1993 Wishing You Were Here
1993 Just Like Love
1994 Wonderful Life
2016 Not the Last One
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Björk
Björk Guðmundsdóttir (Reikiavik, Islandia, 21 de noviembre de 1965), conocida simplemente como Björk, es una cantautora, multiinstrumentista, compositora y productora islandesa.
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Pasó sus primeros años en Reikiavik, donde se convirtió en vocalista profesional a los once años al publicar su primer álbum, Björk. El álbum fue exitoso en Islandia, pero no fue publicado fuera del país. Tras haber formado algunas bandas post-punk, Björk saltó a la fama como una de las cantantes principales del grupo de rock alternativo The Sugarcubes, manteniendo un seguimiento de culto en Estados Unidos y Reino Unido. Tras la desintegración del grupo, Björk se mudó a Londres, donde comenzó una carrera en solitario. Debut, su segundo álbum, lanzado en 1993, no sólo estableció su nueva dirección artística, sino que también se convirtió en un éxito internacional. Debut Tour fue su primera gira internacional, en 1993-1994. Siguió lanzando una serie de álbumes en los que adoptó diversos géneros musicales, desde el jazz hasta la electrónica y la música experimental, obtuvo la aclamación de la crítica y siguió trabajando con importantes diseñadores de moda, productores y fotógrafos. Sus videos musicales, dirigidos por reconocidos directores como Michel Gondry, también han sido aclamados por la crítica. Sus mayores éxitos incluyen temas como «It’s Oh So Quiet», «Human Behaviour», «Hyper-ballad», «Army of Me», «Violently Happy», «Big Time Sensuality», «Pagan Poetry», «Hidden Place» y «Bachelorette».
Björk protagonizó la película Dancer in the Dark (2000), de Lars von Trier, la cual ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Su interpretación le valió el premio a la mejor actriz de dicho festival y una nominación al Globo de Oro a la mejor actriz. Sin embargo, decidió no volver a actuar, optando por centrarse exclusivamente en la música.
Su disco Biophilia se convirtió en el primer álbum de la historia en ser lanzado en formato «App-Álbum», el cual es un eBook con objetos 3D interactivos, películas, animaciones y diagramas basado en datos científicos reales, con imágenes de la NASA, la Agencia Espacial Europea y la Agencia Japonesa de Exploración Aeroespacial.
En 2011, la revista Wired informó que la cantante había vendido más de 20 a 40 millones de copias en todo el mundo de sus primero 6 álbumes de estudio. Ha ganado cuatro Premios Brit, cuatro MTV Video Music Awards, un premio MOJO, tres UK Music Video Awards y, en 2010, el Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música en reconocimiento por su «música y letras profundamente personales, sus arreglos precisos y su voz única». En 2001, Björk recibió la Orden Nacional del Mérito francesa. Además, ha sido nominada a un Premio Óscar y Globo de Oro a la mejor canción original. Ocupó el puesto veintinueve en «Las 100 mujeres más grandes en la música» de VH1, el octavo lugar en «22 mejores voces de la música» de MTV, y el sexagésimo puesto de las «100 más grandes cantantes de todos los tiempos» de la revista Rolling Stone. En agosto del 2016, Björk anunció un espectáculo adicional (en el Hammersmith Apollo, el 24 de septiembre del 2016) a su presentación, el 21 de septiembre de ese año, en el Royal Albert Hall, en Londres.
Considerada como una de las figuras más importantes en la música contemporánea, Björk es conocida por su música ecléctica, videos provocadores y sentido de la moda extravagante. Cada uno de sus álbumes incluye una estética y mensaje propios y únicos,1 y su voz ha sido elogiada por su habilidad para el scat, estilo vocal único y entrega.
Björk nació en el barrio de Oslin en Reikiavik. Su madre es Hildur Rúna Hauksdóttir, una conocida ecologista en Islandia y su padre, Guðmundur Gunnarson, un electricista. Sus padres se separaron cuando Björk tenía dos años. Su padrastro, Svævar Árnason, guitarrista del grupo local Pops y conocido como «el Eric Clapton islandés», la alentó a estudiar música y a componer.
A la edad de tres años empezó a cantar piezas del musical The Sound of Music (conocido entre el público hispanohablante como Sonrisas y lágrimas y La novicia rebelde).
Tras el nacimiento de su hermano Árnar (Björk tiene seis hermanos, tres de ellos varones), la familia se mudó a Breiðholt, en las afueras de Reikiavik para llevar un estilo de vida hippie.
Desde pequeña Björk mostró un fuerte interés por las ciencias naturales y la física, coleccionaba insectos y sus ídolos eran Albert Einstein y el antropólogo británico David Attenborough.
Su infancia estuvo expuesta a las influencias de diferentes estilos musicales como el rock de Jimi Hendrix, Janis Joplin y Eric Clapton, por parte de su padrastro, así como Simon & Garfunkel, por parte de Hildur y la música clásica y el jazz por parte de abuelos. Cumplidos los 5 años ingresó al conservatorio, graduándose a los 15 como pianista clásica.
A los nueve años estuvo interesada en el dúo estadounidense Sparks cuyo disco Kimono My House, junto al álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, de los Beatles se convirtieron en sus primeras adquisiciones discográficas. Para este momento también demostró interés por los hermanos Johnny y Edgar Winter así como en Yoko Ono.
Su carrera musical comenzó a la edad de once años cuando en una fiesta escolar interpretó la canción de I Love To Love y uno de sus instructores envió la grabación a Radio One, una emisora de radio de Islandia. La grabación fue transmitida por todo el país; al escucharla un representante de la compañía discográfica Skífan se puso en contacto con los padres de Björk, pero al ver que la compañía no ofrecía las garantías deseadas, firmaron con Fálkinn.
Con la ayuda de su padrastro en guitarra junto a Björgvin Gíslason, Pálmi Gunnarson en el bajo y Sigurdur Karlsson en batería, grabó en 1977 su primer álbum, llamado escuetamente Björk, el cual contenía una selección de versiones en islandés de canciones de artistas como los Beatles y Stevie Wonder, así como también temas de canto y música. Al salir a disgusto con la discográfica decidió romper el contrato y comprar un piano de cola, alejándose temporalmente de la escena musical.
La música punk empezó a tener influencia sobre Björk; a los catorce años creó una banda de punk íntegramente femenina con el nombre de Spit and Snot, un precedente de la ideología riot grrl, pero más independiente. «¡Teníamos canciones de verdad! Y estábamos muy cansadas de las feministas negativas que siempre se estaban compadeciendo y lamentándose».
En Spit and Snot, Björk ocupó el lugar de la batería. Brevemente le siguió una banda de jazz de fusión llamada Exodus en 1979 en la que se encontraban Ásgeir Sæmundsson y Þorvaldur Þorvalsson con los que logró una grabación casera y una aparición en la televisión islandesa, el tipo de música de Exodus era básicamente punk con elementos pop. La banda que le siguió fue Jam-80, pero su duración fue muy breve ya que solamente dieron una sola presentación. En 1980, a la edad de quince años, se graduó de la escuela de música como pianista clásica, siendo la única alumna en completar el curso de 10 años.
En 1981 junto al ex bajista de Exodus Jakob Magnússon formaron otra banda, Tappi Tíkarrass , y lanzaron un álbum en 1982 con el título de Bítið Fast Í Vítið. Su álbum Miranda fue lanzado en 1983.
El grupo desarrolló un estilo after-punk con referencias a Siouxsie and the Banshees y la primera etapa de The Cure.
Björk entró en otra banda en 1983. Después de componer y ensayar por dos semanas se presentaron con el nombre de KUKL (Hechicero, en islandés). Aunque el estilo de KUKL era de un tipo de rock gótico oscuro con el estilo de Killing Joke y referencias vanguardistas del after-punk de The Fall. Björk lo definió más tarde, no sin humor, como «jazz-punk-hardcore existencial».
Mientras realizaban una gira en Islandia se presentaron con la banda británica Crass, y visitaron posteriormente el Reino Unido en una serie de presentaciones con Flux of Pinks Indians.
Para ese momento Björk había estado saliendo con el guitarrista Þór Eldon Jónsson y estaba embarazada, por lo que el ajetreado estilo de vida de KUKL se convirtió en una tarea muy intensa.
La banda se separó y Björk acompañó a Gulli Óttarsson bajo el nombre de The Elgar Sisters, nombre adoptado en honor al compositor clásico Edward Elgar.
Grabaron 11 canciones para un álbum, pero éste quedó en la nada. Mientras tanto, en el verano boreal de 1986 varios miembros de KUKL dieron lugar a la formación de The Sugarcubes, con la excepción de Óttarsson.
Discografía de Björk como solista (1977-presente)
1993 – Debut (One Little Indian)
1995 – Post (One Little Indian)
1997 – Homogenic (One Little Indian)
2001 – Vespertine (One Little Indian)
2004 – Medúlla (One Little Indian)
2007 – Volta (One Little Indian)
2011 – Biophilia (One Little Indian)
2015 – Vulnicura (One Little Indian)
Otros álbumes de Björk
1977 – Björk (Fálkinn)
1990 – Gling-Gló (con Tríó Guðmundar Ingólfssonar) (One Little Indian)
1996 – Telegram (Remixes de Post) (One Little Indian)
2000 – Selmasongs (BSO de Bailando en la oscuridad) (One Little Indian)
2002 – Family Tree (Recopilatorio con contenidos extras) (One Little Indian)
2002 – Greatest Hits (Recopilatorio de Grandes Éxitos) (One Little Indian)
2005 – Drawing Restraint 9 (BSO de Drawing Restraint 9) (One Little Indian)
2009 – Voltaïc (Set en vivo de la gira de Volta, más videos de los singles de ese disco, más re-grabaciones de los temas en estudio, más mixes de los singles) – (One Little Indian)
2010 – Mount Wittenberg Orca (Extended Play)
2012 – Bastards (Remixes de Biophilia)
Videografía
1990 – The Video (Polygram)
1992 – Á Guðs Vegum (Smekkleysa)
1992 – Murder and Killing in Hell (Windsong International Video)
2000 – Free Tibet (Ryko Distribution – primera edición en 1999, formato VHS)
2001 – MTV Unplugged / Live&Loud (One Little Indian)
2001 – Live in Cambridge (One Little Indian)
2001 – Live at Shepherd’s Bush Empire (One Little Indian)
2002 – Live at the Royal Opera House (One Little Indian)
2002 – Greatest Hits – Volumen 1993-2003 (One Little Indian)
2002 – Volumen Plus (One Little Indian)
2003 – Vessel (One Little Indian)
2003 – Inside Björk (One Little Indian)
2003 – Live Zabor (One Little Indian)
2003 – Later with Jools Holland (One Little Indian)
2003 – Minuscule (One Little Indian)
2004 – The Sugarcubes – the DVD (One Little Indian)
2004 – The Sugarcubes – Live Zabor (One Little Indian)
2005 – Greatest Hits / DVD (Compilación de videos: Human Behaviour, I Miss You…) (One Little Indian)
2007 – Volta (One Little Indian)
2009 – Voltaic – Live in Paris & Reykjavik (Boxset del disco Volta)
2011 – Moon (One Little Indian)
2011 – Crystalline (One Little Indian)
2012 – Hollow (One Little Indian)
2013 – Mutual Core (One Little Indian)
2015 – Lionsong (One Little Indian)
2015 – Stonemilker
2015 – Black Lake
Películas
1987 – The Juniper Tree, personaje: Margit. (Rhino Home Video)
1994 – Prêt-à-Porter, participación como modelo.
1994 – El profesional (Léon), Banda Sonora (Venus As A Boy)
1998 – X-Files . Banda Sonora Hunter
2000 – Dancer in the Dark, personaje: Selma Jezkova. (Zentropa Entertainment)
2005 – Drawing Restraint 9. (Matthew Barney)
2007 – Anna and the Moods. (Sjón)
2011 – Sucker Punch . Banda Sonora
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