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Carole King
Carole King (n. 9 de febrero de 1942) es una cantante, pianista y compositora estadounidense. Su época de mayor actividad como cantante fue durante la década de los 70, si bien tanto antes como después ha tenido considerable aceptación como compositora.
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King ha ganado cuatro premios Grammy y ha sido incluida en el Salón de la Fama del Rock (Rock and Roll Hall of Fame) y en el Salón de la Fama de los Compositores (Songwriters Hall of Fame) por su trabajo, junto con su compañero Gerry Goffin.
Con Goffin, King escribió más de dos docenas de éxitos para numerosos artistas durante los años 1960, muchos de los cuales se han convertido en estándares.
Como cantante, ha realizado 25 álbumes en solitario, siendo su álbum Tapestry el más exitoso de su carrera al encabezar la lista de álbumes de EE.UU. durante 15 semanas en 1971, y permanecer en las listas durante más de seis años. Además, Tapestry mantuvo el récord de álbum interpretado por una solista como número uno durante más tiempo, sólo superado por Whitney Houston con El Guardaespaldas y por Adele y su álbum 21.
Tuvo mucho éxito como intérprete en la primera mitad de la década de 1970, a pesar de que fuera una compositora de éxito mucho antes y que después lo haya seguido siendo. Tuvo su primer número 1 en las listas como compositora en 1960 a los 18 años, con «Will You Love Me Tomorrow», que escribió con Gerry Goffin. En 1997, co-escribió «The Reason» de Aerosmith, aunque fue cantada por Celine Dion.
Además ha co-escrito más de 118 éxitos del pop en el Billboard Hot 100 según Joel Withmore que publicó en el 2000 en la revista Billboard, convirtiéndola en la compositora más exitosa entre los años 1955 y 1999.
Carole King nació el 9 de febrero de 1942 en Manhattan, un barrio de Nueva York, pero se crió en Brooklyn en el seno de una familia judía. Su padre era bombero y su madre profesora. Su nombre era Carole Klein. Empezó a estudiar piano y comenzó a cantar, formando parte de un cuarteto vocal llamado The Co-Sines en su instituto, el James Madison de Nueva York.
Pasó a estudiar en el Queens College, donde fue compañera de clase de Neil Sedaka, quién en 1959 le dedicó la canción «Oh, Carol», que fue un gran éxito. Ella, a cambió, le dedicó una canción humorística, llamada «Oh Neil», escrita junto con Gerry Goffin, con quien acababa de casarse y tener una hija. «Oh, Neil» grabada como single junto con «A Very Special Boy» no fue un gran éxito, pero sí lo fue, en cambio, «Will You Still Love Me Tomorrow» (1960) siempre compuesta por la pareja Goffin-King e interpretada por The Shirelles. Mientras estudiaba en el Queens College, también trabó amistad con Paul Simon. Goffin y King además de formar una fructífera asociación en la composición, que devino en matrimonio, cuyo fruto son dos hijas: Louise Goffin y Sherry Goffin Kondor, las cuales también son cantantes.
Mientras trabajaba en el famoso Brill Building, donde actuaron muchas de las estrellas de éxito en la década de los años 1960, la pareja Goffin-King obtuvo su primer éxito con «Will You Still Love Me Tomorrow», grabado por The Shirelles y que entró en las listas de éxito en 1960 y más tarde tuvo diferentes versiones de Dusty Springfield, Laura Branigan, Little Eva, Roberta Flack, y de la misma Carole King. Otros éxitos de la pareja han sido:
«Take Good Care of My Baby» (Bobby Vee y más tarde Dion, Bobby Vinton, Stephen Collins y Smokie)
«The Loco-Motion» (Little Eva, y luego Grand Funk Railroad, Tina Turner, Kylie Minogue y Dwight Yoakam)
«One Fine Day» (The Chiffons y más tarde Aaron Neville, Rita Coolidge y Natalie Merchant así como la propia King, en 1980)
«Pleasant Valley Sunday» (The Monkees)
«Porpoise Song» (The Monkees)
«Some Kind of Wonderful» (The Drifters; no confundir con el éxito de Grand Funk Railroad)
«Up on the Roof» (The Drifters, Laura Nyro, Billy Joe Royal, James Taylor, Neil Diamond, Peter Cincotti y más tarde la propia Carole King )
«Chains» (The Cookies, y luego The Beatles)
«Don’t Say Nothing Bad About My Baby» (Cookies)
«(You Make Me Feel Like) A Natural Woman» (Aretha Franklin y también Mary J. Blige, Laura Nyro, Patti LaBelle, Rod Stewart, Céline Dion, y la propia Carole King).
«Don’t Bring Me Down» (The Animals)
«Hi De Ho» y «Snow Queen» (Blood, Sweat & Tears)
«Oh No Not My Baby» (Maxine Brown, Manfred Mann, y más tarde Rod Stewart y Linda Ronstadt entre otros)
«Wasn’t Born to Follow» (The Byrds)
«Hey Girl» (Freddie Scott, y más tarde Donny Osmond y Billy Joel)
«I’m into Something Good» (Ethel «Earl-Jean» McCrea de The Cookies, luego también Herman’s Hermits)
«Go Away Little Girl» (Steve Lawrence y más tarde Donny Osmond)
«Time Don’t Run Out On Me» (Anne Murray)
«He Hit Me (And It Felt Like a Kiss)» (The Crystals)
Además, en 1965 la pareja Goffin y King escribieron el tema de introducción de la serie de televisión de Sidney Sheldon, I Dream of Jeannie, pero la canción fue rechazada en favor de un tema instrumental compuesto por Hugo Montenegro.
Mientras, la carrera de Carole King como cantante avanzaba lentamente, esperando encontrar su momento. Tuvo un modesto éxito cantando una de sus propias canciones en 1962: «It Might As Well Rain Until September» (que alcanzó el número 22 en las listas estadounidenses y llegó al top 10 en Reino Unido, convirtiéndose más tarde en un éxito en Canadá pero de la mano de Gary & Dave). Sin embargo, «He’s a Bad Boy» sólo llegó al puesto 94 in 1963, y King no volvió a entrar en la lista de los cien singles más vendidos en los ocho años siguientes.
Después de intentar sin éxito lanzar su carrera en solitario, Carole King apoyó a una incipiente discográfica, Tomorrow Records, mientras en lo personal se divorciaba de Goffin y se casaba con Charles Larkey (del grupo Myddle Class).
Trasladados a la costa oeste de su país, Larkey, King y Danny Kortchmar formaron un grupo llamado The City, con el que grabaron un álbum Now That Everything’s Been Said, que fue un fracaso comercial. Entonces King grabó en solitario Writer (1970), que fue otro fracaso en ventas.
Después de intentar sin éxito lanzar su carrera en solitario, Carole King apoyó a una incipiente discográfica, Tomorrow Records, mientras en lo personal se divorciaba de Goffin y se casaba con Charles Larkey (del grupo Myddle Class).
Trasladados a la costa oeste de su país, Larkey, King y Danny Kortchmar formaron un grupo llamado The City, con el que grabaron un álbum Now That Everything’s Been Said, que fue un fracaso comercial. Entonces King grabó en solitario Writer (1970), que fue otro fracaso en ventas.
Después de intentar sin éxito lanzar su carrera en solitario, Carole King apoyó a una incipiente discográfica, Tomorrow Records, mientras en lo personal se divorciaba de Goffin y se casaba con Charles Larkey (del grupo Myddle Class).
Trasladados a la costa oeste de su país, Larkey, King y Danny Kortchmar formaron un grupo llamado The City, con el que grabaron un álbum Now That Everything’s Been Said, que fue un fracaso comercial. Entonces King grabó en solitario Writer (1970), que fue otro fracaso en ventas.
Mientras que en Laurel Canyon, King conoció a James Taylor y Joni Mitchell, así como Toni Stern, con quien colaboraría en las canciones. King hizo y escribió su primer disco en solitario en 1970 para el sello Ode de Lou Adler, con James Taylor tocando guitarra acústica y la disponibilidad coros. Alcanzó el puesto número 84 en el Billboard Top 200. King siguió escribiendo en 1971 con Tapestry, con composiciones en solitario recientes, así como reinterpretaciones de dos canciones Goffin-King, «Will You Love Me Tomorrow» y «(You Make Me Feel Like) A Natural Woman». El álbum fue grabado en una superposición con Taylor Mud Slide Slim que King, Danny Kortchmar y Joni Mitchell apareció como lo hicieron en Tapestry, con los dos álbumes, incluyendo «You’ve Got a Friend», que fue un éxito número 1 de Taylor, dijo King en una entrevista de 1972, que ella «no lo escribió con James o alguien real específico en mente Pero cuando James lo oyó, le gustó mucho y quería grabarlo». Tapestry fue un éxito inmediato. Con numerosos singles de éxito – incluyendo un Billboard No.1 con «It’s Too Late» – Tapestry ocupó el lugar número 1 durante 15 semanas consecutivas, se mantuvo en las listas durante casi seis años, y ha vendido más de 25 millones de copias en todo el mundo. El álbum obtuvo cuatro premios Grammy, incluyendo álbum del año, Mejor Interpretación Vocal Pop, Femenino, Grabación del Año («It’s Too Late», letra de Toni Popa), y Canción del Año, convertida en la primera mujer en ganar el premio («You’ve Got a Friend»). El álbum apareció en la revista Rolling Stone «500 mejores álbumes de todos los tiempos» lista en el número 36. Además, «It’s Too Late», se colocó en el número 469 en la revista Rolling Stone dentro de las 500 canciones más grandes de todos los tiempos.
La publicación de Tapestry fue una inflexión total en su carrera, ya que el álbum fue un gran éxito. Lleva más de 10 millones de copias vendidas y es uno de los 15 álbumes más vendidos de los años 1970. Inmediatamente Tapestry obtuvo el reconocimiento de la crítica y del público, aclamado y considerado como uno de los álbumes que marcó el comienzo de los años 1970 y a una generación. Con numerosos éxitos como singles, Tapestry permaneció en las listas de éxito durante cerca de seis años, vendiendo más de 10 millones de copias y siendo el álbum más popular de King tanto entre sus fans como para la crítica. El álbum ganó cuatro premios Grammy.
Music (1971), Rhymes and Reasons (1972), Fantasy (1973) y Wrap Around Joy (1974) fueron los álbumes que siguieron a Tapestry, que fue situada en el puesto 36 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos por Rolling Stone.
Carole King: Music fue lanzado en diciembre de 1971, disco de oro el 9 de diciembre de 1971. Entró en el top ten a las 8, convirtiéndose en la primera de muchas semanas en que Tapestry y Carole King: Music simultáneamente ocuparon el top 10. A la semana siguiente, se elevó a 3, y por último Nº1 el 1 de enero de 1972, permaneciendo allí durante tres semanas. El álbum también dio lugar a un top 10 hit, «Sweet Seasons» (EE.UU. No.9 y AC # 2). Carole King: Músic quedó en las listas de álbumes pop de Billboard durante 44 semanas y finalmente fue certificado platino.
Rhymes and Reasons (1972) y Fantasy (1973) siguieron, cada uno ganando certificaciones de oro. Rhymes and Reasons produce otro éxito, «Been to Canaán» (EE.UU. No.24 y AC N º 1), y de Fantasy produjeron dos hits, «Believe in Humanity» (EE.UU. # 28) y «Corazón» (EE.UU. No.37 y AC # 5), así como otra canción que trazó en el Hot 100, «You Light Up My Life» (EE.UU. No.68 y C # 6).
En 1973, Carole King dio un concierto con entrada libre en Nueva York, en el Parque Central de esta ciudad, batiendo todas las plusmarcas de asistencia en este tipo de eventos, con más de 100.000 personas. (Este récord fue superado posteriormente en 1981 por Simon and Garfunkel, con 500,000 personas.)
En septiembre de 1974, King lanzó su álbum Wrap Around Joy, que fue disco de oro el 16 de octubre de 1974, y entró en el top ten en el puesto 7 el 19 de octubre de 1974. Dos semanas más tarde llegó a 1 y se quedó allí una semana. Ella estuvo de gira para promocionar el álbum. Wrap Around Joy dio lugar a dos hits. «Jazzman» fue un single y llegó al puesto 2 el 9 de noviembre, pero se cayó del top ten en la semana siguiente. «Nightingale», fue sencillo el 17 de diciembre, fue al No.9 el 1 de marzo de 1975.
En 1975, el King obtuvo canciones para la producción animada de TV de Maurice Sendak Really Rosie, lanzado como un álbum del mismo nombre, con letra de Sendak.
Goffin y King se unieron de nuevo para componer Thoroughbred, que vio la luz en 1975, álbum para el que contó con la colaboración de David Crosby, Graham Nash y James Taylor, un viejo amigo de King. Ese mismo año, King compuso varias canciones para Really Rosie, una producción de animación para televisión de Maurice Sendak.
King se casó de nuevo y de nuevo con un compañero en la composición, Rick Evers, tras grabar su siguiente álbum Simple Things en 1977. Rick Evers murió de sobredosis de cocaína un año después.
King se cambió a Atlantic Records para grabar el álbum One to One (1982), y Speeding Time en 1983, que fue una reunión con el productor Tapestry-era Lou Adler. En 1983, ella toca el piano en «Chains and Things» en el álbum de BB King «Why I Sing the Blues». Después de una gira de conciertos muy bien recibida en el año 1984, la periodista Catalina Foster del Christian Science Monitor apoda a King como «la Reina del Rock».
Tras grabar Speeding Time en 1983, se trasladó a Idaho, tomando unas vacaciones en las que destacó como activista en favor del medio ambiente.
Carole volvió a la música tras seis años de retiro, en 1989, grabando City Streets, álbum al que siguió Color of Your Dreams en 1993, en el que colaboró Slash, el guitarrista de los Guns N’ Roses. Por otra parte, su canción «Now and Forever» aparece con los títulos de crédito de la película de 1992 A League of Their Own.
En 1995, un abultado rol de estrellas consagradas de la música rindió homenaje a Carole grabando el álbum Tapestry Revisited: A Tribute to Carole King. De este álbum salieron algunos éxitos en las listas, como la versión de Rod Stewart de «So Far Away» y la que Celine Dion hizo de «A Natural Woman». Otros artistas que aparecieron en el álbum fueron Amy Grant («It’s Too Late»), Richard Marx («Beautiful»), Aretha Franklin («You’ve Got a Friend»), Faith Hill («Where You Lead») o los Bee Gees («Will You Still Love Me Tomorrow?»).
Además de las numerosas versiones con éxito de sus canciones con Gerry Goffin y de Tapestry Revisited, muchas otras versiones de los trabajos de Carole han ido apareciendo a lo largo de los años. Una de las más versionadas es «You’ve Got a Friend» un éxito inolvidable en la voz de James Taylor en 1971 (justo dos semanas antes de que la canción «It’s Too Late», de Carole, fuera número uno durante cinco semanas en el Billboard Hot 100) y de nuevo éxito en las listas cantada por Roberta Flack y Donny Hathaway ese mismo año. Barbra Streisand consiguió entrar en las listas de éxitos dos veces con «Where You Lead» (la primera vez en solitario y la segunda como parte de «Sweet Inspiration»). The Carpenters grabaron la canción de Carole «It’s Going to Take Some Time» en 1972 y alcanzaron el puesto número 12 en las listas del Billboard. Martika llegó al puesto 25 en 1989 con su versión de «I Feel the Earth Move», y «It’s Too Late» fue retomada para entrar de nuevo en las listas de éxitos en 1995 por Gloria Estefan. Celine Dion también grabó «The Reason» en 1997 para su álbum Let’s Talk About Love.
En 1996, se rodó una película basada en su vida, si bien bastante libremente: Grace of My Heart. En esta película, una aspirante a cantante, Denise Waverly (interpretada por Illeana Douglas, sacrifica su propia carrera como cantante para componer canciones de éxito y lanzar las carreras de otros cantantes. Reflejando la vida de Carole King, la película sigue su trayectoria hasta su primer éxito, a través del dolor del rechazo de la industria discográfica y del fracaso de su matrimonio, llegando a un éxito final y la realización del sueño de grabar su propio álbum.
Carole King ha sido muy activa políticamente como simpatizante del Partido Demócrata de su país. En 2003 hizo campaña a favor de John Kerry, visitando casas particulares para contactar con los delegados en las primarias demócratas. El 29 de julio de 2004, hizo un pequeño discurso y cantó en la Convención Nacional de los Demócratas, unas dos horas antes de que Kerry pronunciara su discurso en el que aceptaba el nombramiento de candidato a la presidencia por su partido. Durante la campaña presidencial, King continuó apoyando al candidato demócrata.
La canción «Where You Lead (I Will Follow)», compuesta por King, es el tema de la serie de televisión Las chicas Gilmore. En esta composición, King canta junto con su hija Louise. La propia Carole King ha hecho cameos en la serie, en la segunda, quinta y sexta temporadas, representando el personaje de la propietaria de una tienda de música.
Carole King se embarcó en el «Living Room Tour» (enlazado con su presencia en hogares particulares durante las primarias demócratas) el 15 de julio de 2004, en el Auditorium Theatre de Chicago. Esta actuación, junto con las realizadas en el Greek Theatre de Los Ángeles y en el Cape Cod Melody Tent en Hyannis (Massachusetts) se grabaron para ser editadas como disco en directo con el nombre de The Living Room Tour, que fue editado cómo álbum el 12 de julio de 2005. Durante 2005 la gira «The Living Room Tour» se trasladó a Canadá.
Álbumes
1970: Writer – US #84 (1971)
1971: Tapestry – US #1 / UK #4
1971: Music – US #1 / UK #18
1972: Rhymes and Reasons – US #2 / UK #40
1973: Fantasy – US #6
1974: Wrap Around Joy – US #1
1975: Really Rosie – US #20
1976: Thoroughbred – US #3
1977: Simple Things – US #17
1978: Welcome Home – US #104
1979: Touch the Sky – US #104
1980: Pearls: Songs of Goffin and King – US #44
1982: One to One – US #119
1983: Speeding Time
1989: City Streets – US #111
1993: Color of Your Dreams
1994: In concert – US #160
1994: Time Gone By
1996: Carnegie Hall Concert: June 18, 1971
1997: Time Heals All Wounds
1998: Goin’ Back
2000: Super Hits
2001: Love Makes the World
2005: The Living Room Tour
2010: Live at the Troubadour
2011: A Holiday Carole
2011: The Essential Carole King
2012: The Legendary Demos
Sencillos
«It Might As Well Rain Until September,» 1962, US #22 / UK #3 (en ranking de nuevo en UK #43 en 1972)
«He’s a Bad Boy,» 1963, US #94
«It’s Too Late» / «I Feel the Earth Move,» 1971, US #1 (AC #1), Gold / UK #6
«So Far Away» / «Smackwater Jack,» 1971, US #14 (AC #3)
«You’ve got a friend,» 1972, US # 11 (AC #4)
«Sweet Seasons,» 1972, US #9 (AC #2)
«Been to Canaan,» 1972, US #24 (AC #1)
«Believe In Humanity,» 1973, US #28
«You Light Up My Life,» 1973, US #67 (AC #6) (canción distinta al éxito de Debby Boone)
«Corazón,» 1973, US #37 (AC #5)
«Jazzman,» 1974, US #2 (AC #4)
«Nightingale,» 1975, US #10 (AC #1)
«Only Love Is Real,» 1976, US #28 (AC #1)
«High Out of Time,» 1976, US #76 (AC #40)
«Hard Rock Cafe,» 1977, US #30 (AC #8)
«Simple Things,» 1977, US AC #37
«Morning Sun,» 1978, US AC #43
«One Fine Day,» 1980, US #12 (AC #11)
«One to One,» 1982, US #45 (AC #20)
«City Streets,» 1989, US AC #14
«Now and Forever,» 1992, US AC #18
«Love Makes the World,» 2001
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Carly Simon
Carly Elisabeth Simon (n. 25 de junio de 1945) es una cantante estadounidense. Fue una de las artistas, llamadas confesionales por su estilo musical y sus letras biográficas, más populares de los años 70 y 80. Carly Simon tiene un tipo de voz contraalto.
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Nació el 25 de junio de 1945 en un hogar acomodado de la ciudad de Nueva York. Su padre, Richard Simon, fue cofundador de la editorial Simon and Schuster.
A inicios de los años 60 ella y su hermana, Lucy, formaron un dúo llamado The Simon Sisters, que inicialmente se presentó en los bares de Greenwich Village, en Nueva York. Grabaron dos LP, uno de folk bastante suave y otro con canciones para niños. Solamente tuvieron un sencillo, que estuvo fugazmente en las listas en abril de 1964: «Winkin’ Blinkin’ and Nod».
Las hermanas se separaron a finales de los 60 y Carly Simon decidió empezar una carrera como solista folk. Se puso en contacto con Albert Grossman, quien para entonces era el representante de Bob Dylan; desafortunadamente, el intento no prosperó.
Diferentes productores y ejecutivos conocían sus dotes vocales pero no sabían qué hacer con ella, cómo encajarla en el negocio, y, de una forma natural, decidió dedicarse a la composición junto al crítico de cine Jacob Brackman.
De la mano del sello Elektra las cosas empezaron a funcionar mejor y, en 1971, dos de sus canciones, «That’s The Way I’ve Always Heard It Should Be» y «Anticipation», se convirtieron en éxitos dentro de Estados Unidos. La primera venía en su primer disco, llamado Carly Simon, mientras que la segunda le dio título a su segundo LP. Hizo su aparición en la película del mismo año Taking Off (Juventud sin esperanza).
Con las cosas en un terreno más positivo, Carly Simon se ayudó del talento del productor Richard Perry para producir su tercer LP. En él se incluyó su canción más famosa: «You’re so Vain», de la que se dice habla de Warren Beatty y/o Mick Jagger, que además canta en esa canción. Aun hoy, en todas las entrevistas que se le hacen a Carly Simon se le pregunta sobre quién es el dedicado y la respuesta siempre es una evasiva, que simplemente tiende a enredar más la cuestión.
La canción vendió más de un millón de copias en 1973, llegando al número uno de la revista «Billboard» en el año 1973. Y a inicios de los años 90 se volvió a lanzar en Gran Bretaña después de que apareciera en un anuncio de televisión.
No Secrets, su tercer larga duración, es de lejos su trabajo más reconocido y en él se incluye mucho del mejor material de su carrera; entre ellos, «The Right Thing to do», que llegó al top 40. La calidad del disco le valió el Grammy por ser la mejor artista nueva de aquel año.
Si bien es cierto que el resto de la década fue algo irregular en cuanto a éxitos, Carly Simon mostró una energía casi inagotable que la llevó a participar en conciertos antinucleares y por la paz, además de sus propias giras.
Su cuarto álbum, Hotcakes, fue top ten de enero de 1974 y en él venía su versión de «Mockingbird» (original de Inez y Charlie Foxx) y cantada junto a su esposo. El sencillo se convirtió en oro, y detrás de él llegó «Haven’t Got Time for the Pain», que llegó a estar entre las diez canciones más populares.
Playing Possum, de 1975, y Another Passenger, de 1976, fueron dos álbumes que no tuvieron el éxito de sus predecesores, pero ayudaron a mantener viva la figura de Carly Simon lo suficiente como para que, en 1977, fuera contratada para interpretar el tema principal de la película de James Bond La espía que me amó. «Nobody does it Better» vendió más de un millón de copias y estuvo entre las diez más populares de la lista Billboard.
Su siguiente disco, Boys in the Trees, de 1978, también fue disco de oro gracias a «You Belong to me» y a «Devoted to you», cantada a dúo con James Taylor.
Sus siguientes discos Spy, de 1979, y Come Upstair, de 1980, no alcanzaron a vender lo suficiente, a pesar de que en el último venía «Jesse», un sencillo que sí fue disco de oro, pero que no pudo empujar al LP.
En octubre de 1980, Simon tuvo un desmayo por cansancio en medio de una presentación. Después de eso, sus apariciones en concierto han sido escasas.
La primera mitad de los 80 no fueron boyantes para Carly Simon en Estados Unidos, fundamentalmente por las pobres ventas de sus discos. A pesar de ello, canciones como «Why» y «Kissing with Confidence» tuvieron éxito del otro lado del Atlántico, en Inglaterra. Pese a todo, su primer LP de covers, «Torch», de 1981, y un excelente LP de temas originales, «Hello Big Man», de 1983, dedicado a sus padres, no tuvieron la repercusión de trabajos anteriores a pesar de su calidad, especialmente del primero, donde se aprecia la extraordinaria calidad de su poderosa voz.
Su regreso al top 40 en 1986 vino de la mano de «Coming around again», el tema de la película Heartburn. Ese mismo año ganó el Grammy, el Globo de Oro y el Óscar por «Let the River Run» de la película Working Girl, de 1988.
En 1990, Carly Simon lanzó un disco de baladas pop en el que incluía una serie de covers llamado My Romance. Seis meses después puso a la venta Have you seen me Lately?, en el que todo el material era original y uno de sus mejores trabajos desde los 70. A mediados de los 90, con la publicación del magnífico «Letters never sent» 1994 y una completísima entrevista de «Vanity Fair» en 1995, todo daba a entender que volvería en su dimensión más internacional, ya que tenía en mente iniciar su primer tour fuera de EE UU, pues se encontraba en su mejor momento vital en muchos años, madura, sabia y atractiva; fue tentada desde el Reino Unido y España con la ITV y A3 como garantes de los proyectos propuestos «Carly in the United Kingdom» y » Carly in the Kingdom of Spain», ambos pensados para rodar en pequeños clubs y escenarios significativos de Londres, Edimburgo, Dorchester, Madrid, Toledo y Sevilla. El proyecto español fue gratamente acogido por importantes artistas españoles e incluso por las autoridades, pero un inoportuno cáncer de mama, superado posteriormente, dio al traste con estas iniciativas.
Pasado el tiempo, y ante la desilusión de los promotores que eran ajenos al showbiz, y a raíz de una magnífica entrevista en M80 de Cano & Fesser, la idea de verla en directo seguía en la mente de ambos promotores, y, haciéndose eco de sus incondicionales seguidores, Carly Simon se comprometió a fijar una actuación en un mítico teatro del Harlem neoyorquino en una iniciativa del grupo Time Warner con la suficiente antelación, la gira del 95 anunciaba las actuaciones en el mismo día y solo se realizó en la parte norte de la costa este, para que tanto los fans europeos como los americanos de la costa oeste pudieran verla al fin en directo; el evento fue un éxito y gentes de diversas partes de EE UU y Europa vieron por fin realizado su sueño, algo que la sorprendió gratamente y cambió en cierto modo la percepción sobre la intensidad y fidelidad de sus fans. En You tube se puede disfrutar de una jovencísima Carly en 1972, cantando en directo en esos grandes conciertos de la época.
En 2003 graba la banda sonora de La gran película de Piglet para Disney, lo que le da un impulso a su carrera.
Desde entonces hasta la fecha ha producido más de diez discos, entre retrospectivas, canciones para películas y materiales nuevos.
En 1972, Carly Simon se casó con el cantautor James Taylor. A pesar de convertirse en madre su carrera artística nunca se vio afectada. Por el contrario, esa dinámica de vida le ayudó a componer de forma sostenida durante años. Simon y Taylor tuvieron dos hijos, Sarah «Sally» Maria Taylor (nacida el 7 de enero de 1974) y Benjamin «Ben» Simon Taylor (nacido el 22 de enero de 1977), ambos on músicos y activistas políticos. En 1983 se separó de su marido, James Taylor.
Tanto su matrimonio como su separación tuvieron una cobertura amplia en los medios de comunicación norteamericanos, incluso eclipsando las aventuras de Elizabeth Taylor.
Álbums de estudio
1971 Carly Simon
1971 Anticipation
1972 No Secrets
1974 Hotcakes
1975 Playing Possum
1976 Another Passenger
1978 Boys in the Trees
1979 Spy
1980 Come Upstairs
1981 Torch
1983 Hello Big Man
1985 Spoiled Girl
1987 Coming Around Again
1990 My Romance
1990 Have You Seen Me Lately
1993 Romulus Hunt: A Family Opera
1994 Letters Never Sent
1997 Film Noir
2000 The Bedroom Tapes
2005 Moonlight Serenade
2007 Into White
2008 This Kind of Love
2009 Never Been Gone
Recopilatorios
1975 The Best of Carly Simon
1995 Clouds in My Coffee
1999 The Very Best of Carly Simon: Nobody Does It Better
2002 Anthology
2004 Reflections: Carly Simon’s Greatest Hits
2009 Carly Simon Collector’s Edition
2011 Original Album Series
2014 Playlist: The Very Best of Carly Simon
2015 Songs From The Trees: A Musical Memoir Collection
En directo
1988 Greatest Hits Live
1988 Holiday albums
2002 Christmas Is Almost Here
2003 Christmas Is Almost Here Again
Soundtrack albums
1989 Working Girl (Original Soundtrack Album)
1992 This Is My Life (Music From The Motion Picture)
2003 Piglet’s Big Movie (Soundtrack)
2005 The Best of Pooh and Heffalumps, Too
Otros
1980 In Harmony: A Sesame Street Record
1982 In Harmony 2
Singles
1971 «That’s the Way I’ve Always Heard It Should Be»
1971 «Anticipation»
1972 «Legend in Your Own Time»
1972 «I’ve Got to Have You»
1972 «You’re So Vain»
1973 «The Right Thing to Do»/»We Have No Secrets»
1974 «Mockingbird» (with James Taylor)
1974 «Haven’t Got Time for the Pain»
1975 «Attitude Dancing»
1975 «Waterfall»
1975 «More and More»
1976 «It Keeps You Runnin'»
1976 «Half a Chance»
1977 «Nobody Does It Better»
1978 «You Belong to Me»
1978 «Devoted to You» (with James Taylor)
1978 «Tranquillo (Melt My Heart)»
1979 «Vengeance»
1979 «Spy»
1980 «Jesse»
1980 «Take Me as I Am»
1981 «Hurt»
1982 «Why»
1983 «You Know What to Do»
1983 «Kissing with Confidence» (with Will Powers)
1985 «Tired of Being Blonde»
1985 «My New Boyfriend»
1986 «Coming Around Again»
1987 «Give Me All Night»
1987 «The Stuff That Dreams Are Made Of»
1987 «All I Want Is You»
1988 «You’re So Vain» (live version)
1989 «Let the River Run»
1989 «Why» (extended version)
1990 «Better Not Tell Her»
1991 «Holding Me Tonight»
1991 «You’re So Vain» (re-release)
1992 «Love of My Life»
2001 «Son of a Gun (I Betcha Think This Song Is About You)» (with Janet Jackson featuring Missy Elliott)
2005 «Let It Snow»
2006 «Best of Friends» (with Livingston Taylor)
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Carlos Núñez
Carlos Núñez Muñoz (Vigo, Pontevedra, el 16 de julio de 1971) es un músico español, considerado como uno de los mejores gaiteros del mundo. Comenzó con las flautas, y más adelante, a los ocho años, con la gaita gallega. A los trece años fue descubierto por The Chieftains, en el Auditorio de Castrelos, en Vigo, y comenzó su carrera en la música, que aún continua.
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Núñez es considerado un erudito de la música celta. Sus investigaciones siguen básicamente dos líneas relacionadas entre sí: el origen de la música celta y su fusión con las músicas del mundo actuales. Su interés por el tema le ha llevado a recorrer el globo y a relacionarse con músicos y artistas de los países que ha visitado, para luego plasmar sus conocimientos y experiencias en su prolífica discografía.
Nieto del escritor y pedagogo Albino Núñez Domínguez, estudió en el Colegio Martín Codax de Vigo, y en el instituto Álvaro Cunqueiro. A los doce años fue invitado a tocar en la Orquesta Sinfónica de Lorient y en 1989 grabó junto al grupo irlandés The Chieftains la banda sonora de la película La isla del tesoro (1990), con los que seguiría colaborando hasta ser conocido como el séptimo Chieftain. Núñez además completó su formación en la enseñanza académica obteniendo la calificación de Matrícula de Honor y Premio Extraordinario Fin de Carrera (Cum Laude) en el instrumento flauta de pico por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Comienza a tocar las flautas, y a los ocho años, pasa al siguiente paso, como dice el, comenzando con la gaita. En una actuación en el Auditorio de Castrelos, en Vigo, su ciudad natal, donde fue descubierto por The Chieftains, y eso dio comienzo a su carrera musical, cuando fue por primera vez a Irlanda, en el año 1989, a grabar junto a estos la banda sonora de la película La isla del tesoro.
En 1996, publica su primer disco, A Irmandade das Estrelas que supuso el boom de la música celta en España. En este disco, Núñez se centra sobre todo en la exploración de su Galicia natal con aportes irlandeses.
En su siguiente disco, Os amores libres (1999), Núñez presenta una reflexión en torno al concepto celta explorando, entre otras, las conexiones existentes entre la música tradicional gallega y el flamenco. Los textos que acompañan a las canciones de este disco están redactados por el escritor Manuel Rivas.
Ya en 2000 y con la publicación de Mayo Longo, con Núñez ya consagrado como músico de renombre y proyección internacional, el gaitero compuso una canción con el ex Supertramp Roger Hodgson. Este disco es un retorno a la tradición galaica y a la sencillez y destacó principalmente por introducirse en las radiofórmulas musicales del momento.
Su siguiente disco de estudio es Almas de Finisterre publicado en 2003, y en Francia como Un Galicien en Bretagne, con una lista de cortes ligeramente diferente. Este disco es el resultado de una larga permanencia del músico en Bretaña, Francia, en el que se muestran músicas tradicionales bretonas grabadas junto a músicos de renombre de la Bretaña francesa.
Carlos Núñez también ha editado un álbum recopilatorio de grandes éxitos con varios cortes nuevos llamado Todos os mundos y en 2004 editó un CD+DVD conteniendo un concierto grabado en Vigo con el título de Carlos Núñez & Amigos con sus canciones más emblemáticas. Carlos también participa en la banda sonora de la película de Alejandro Amenábar Mar Adentro.
En mayo de 2005, Carlos Núñez publicó en Francia, Cinema do mar, dedicado a la interpretación de una selección de celebérrimas piezas de la música clásica (como el Bolero de Ravel o el Concierto de Aranjuez) y bandas sonoras de películas, espoleado por su participación en Mar Adentro. La inclusión de bandas sonoras estuvo motivada por los paralelos que encuentra en las piezas seleccionadas y la música gallega. Podemos encontrar una versión de La Misión de Ennio Morricone, de El Padrino de Nino Rota o la ya habitual en el repertorio de The Chieftains «Women of Ireland», de la banda sonora de Barry Lyndon.
En 2006, participó en la banda sonora de la película del Studio Ghibli Cuentos de Terramar del director Gor? Miyazaki, primer largometraje del hijo del conocido cineasta japonés Hayao Miyazaki. Su colaboración en la banda sonora de dicha película junto a su compositor Tamiya Terashima fue elogiada por el público cinéfilo y filarmónico en general y le valió buenas críticas y mayor proyección internacional al artista gallego.
En febrero de 2007, en la misma semana de los Oscar, Carlos Nuñez publicó la versión española de «Cinema do mar», distinta a la francesa. Incluye temas con Ryuichi Sakamoto y Dulce Pontes que no se incluyeron en la versión francesa de 2005.
En 2008, participó en las bandas sonoras de las películas Silk del director François Girard y Mi monstruo y yo del director Jay Russell.
Desde el 2007 aproximadamente, Carlos Núñez ha estado indagando en las conexiones galaicas de la música brasileña. De esta investigación ha surgido su nuevo trabajo discográfico, titulado Alborada do Brasil, puesto a la venta el 16 de junio de 2009.
En 2012 publica Discover, un 2-CD que incluye cuatro temas inéditos así como múltiples colaboraciones con artistas amigos al margen de su propia discografía, que se unifican en este disco y hace balance de estos primeros años de su carrera. Incluye 39 temas en los conecta la música gallega con otras culturas, para lo que cuenta con The Chieftains, Sinéad O’Connor, The Waterboys, Omara Portuondo, Compay Segundo, Los Lobos, Carlinhos Brown, Carmen Linares, Vicente Amigo, Carles Benavent, Montserrat Caballé, Jordi Savall, Luz, Ry Cooder, Jackson Browne, Ryuichi Sakamoto, o Roger Hodgson de Supertramp.
En solitario
A Irmandade das Estrelas (BMG Ariola, 1996)
Os amores libres (BMG Ariola, 1999)
Mayo Longo (BMG Ariola, 2000)
Todos os mundos (BMG Ariola, 2002)
Almas de Fisterra (Sony Music, 2003)
Almas de Fisterra Edición Especial (Sony Music, 2003)
DVD Carlos Núñez & Amigos en casa (Sony/BMG, 2004)
Cinema do mar (Versión francesa, 2005)
Cinema do mar (Versión española, febrero de 2007)
Alborada do Brasil (Sony Music 2009)
Discover (Sony Music 2012)
Inter Celtic (2014)
Colaboraciones
Matto Congrio (1993)
The Chieftains – Santiago (1996)
Alejandro Amenábar – Mar Adentro (2004)
Memories from Gedo Senki (Banda Sonora de la película de anime, Gedo Senki, 2007)
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Barry McGuire
McGuire nació en Oklahoma City, Oklahoma, y se mudó a California en la primera infancia, cuando tenía dos años de edad. A los 16 años se unió a la Marina de los Estados Unidos, pero fue dado de baja diez meses después de ser menor de edad.
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Después de trabajar como pescador comercial, y luego ir a convertirse en un plomero oficial, a los 25 años McGuire consiguió un trabajo cantando en un bar. En 1961, lanzó su primer sencillo llamado «El Árbol», que no fue un éxito.
Formó un dúo con Barry Kane llamado Barry & Barry. El acto dúo folklórico nuevo realizaron su propia marca de folk originales arreglos-notablemente melodías impresionantes atada con armonías ricas-en el Ice House, un club de gente pequeña en Pasadena, CA. antes de pasar a The Troubadour en Hollywood en la primavera de 1962. At The Troubadour ambos se unieron The New Christy Minstrels, un grupo de gente grande realizando allí. Se continuó realizando su acto separado dúo allí, así como la realización de The New Christy Minstrels. Cortaron su primer y único álbum como Barry & Barry llamó «aquí y ahora», que contenía canciones como «Anillo de bodas del oro», «Land Of Odin», el single «Another Man», «El verano es largo», «You Know My Nombre «,» Bull Run Gine «y» Far Side Of The Hill «. También incluye «If I Had A Hammer». libertad tres meses después de la publicación de la misma canción por la gente trío Peter, Paul y Mary. Su LP «Here And Now» en vinilo con el tiempo se agotó, pero desde entonces ha sido digitalmente remasterizado y reeditado en CD.
En 1963, McGuire junto con Randy Sparks (el fundador de The New Christy Minstrels) co-escribió y cantó la voz principal en, primer éxito grande y la Christys ‘single: «. Green, Green» Dejó las Christys en enero de 1965, después de grabar el álbum, indios y vaqueros, sin embargo, en el álbum 1965 Chim Chim Cher-ee, cantó sólo en el corte del título.
Discografía Parcial
Barry Here and Now (1962)
The Barry McGuire Album (1963)
Eve of Destruction (1965)
This Precious Time (1965)
The World’s Last Private Citizen (1967)
McGuire and the Doctor (1971)
Seeds (1972)
Lighten Up (1974)
Narnia (1974)
Jubilation (1975)
To the Bride (1975)
Eve of Destruction (Star Power) (1975)
C’mon Along (1976)
Anyone But Jesus (1976)
Jubilation Two (1976)
Have You Heard (1977)
Cosmic Cowboy (1978)
Inside Out (1979)
Best of Barry McGuire (1980)
Finer Than Gold (1981)
Pilgrim (1989)
Let’s Tend God’s Earth (1991)
When Dinosaurs Walked the Earth (1995)
Ancient Garden (1997)
Frost and Fire (1999)
Eve of Destruction (20 Inspirational Classics) (2000)
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Caravan
Caravan es una banda inglesa del área de Canterbury, fundada por algunos de los miembros del grupo Wilde Flowers: Dave Sinclair, Richard Sinclair, Pye Hastings y Richard Coughlan.
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Tras la disolución de su banda anterior, Wilde Flowers, Dave Sinclair, Richard Sinclair, Pye Hastings y Richard Coughlan formaron Caravan en 1968. Más tarde se une el hermano de Hastings, Jimmy, saxos y flauta, que ha estado en numerosas grabaciones del grupo e incluso en giras. Fueron la primera banda inglesa que firmó para un sello estadounidense, Verve Records, que editó ese año su primer disco, homónimo. Al poco tiempo, Verve cerró su apartado de música rock y pop, lo que obligó a Caravan a cambiarse a Decca Records para editar en 1970 su segundo disco, If I Could Do It All Over Again, I’d Do It All Over You. El grupo apareció en el programa Top of the Tops interpretando la canción que da título al LP. En 1971, Caravan editó en Deram (el sello de Decca especializado en rock progresivo) su tercer disco, In the Land of Grey and Pink.
Dave Sinclair abandonó a continuación el grupo y fue reemplazado por el también teclista Steve Miller, que aportó una mayor influencia jazzística, claramente perceptible en el siguiente disco de la banda, Waterloo Lily (1972), que fue recibido con cierta frialdad. El grupo se separó al poco tiempo, quedando reducido al dúo formado por Hastings and Coughlan. Éstos reclutaron tres nuevos miembros: Geoffrey Richardson (intérprete de viola), el bajista Stu Evans y el teclista Derek Austin. La nueva formación dio numerosos conciertos pero no realizó grabaciones. En 1973, Evans fue reemplazado por John Perry y Dave Sinclair regresó al grupo. Su siguiente álbum, For Girls Who Grow Plump in the Night (1973) se considera una de sus obras más logradas. Con esta formación grabaron el fabuloso álbum en vivo «Caravan with the New Synphonia» en el Teatro Drury Lane en el Covent Garden de Londres con la participación de una Orquesta dirigida por Martín Ford y que entre sus filas estaban músicos como Gavin Bright, Simon Jeffes o Morris Pert entre otros. Perry abandonó poco después el grupo y fue reemplazado por Mike Wedgwood.
La presencia del grupo en las listas de ventas del Reino Unido y EE.UU. fue mínima. Su disco Cunning Stunts alcanzó el puesto 124 en la lista estadounidense y 50 en Reino Unido.
Tras esa grabación nuevamente David Sinclair abandona el grupo y es sustituido por Jan Schelhass con quien graban los dos siguientes álbumes ‘Blind Dog at St. Dunstan’s y «Better by Far», este último producido por Tony Visconti.
En 1977 Richard Sinclair retorna para grabar un nuevo disco que queda sin editado debido a problemas con la compañía discográfica. Finalmente en 1994 salió al mercado como «Cool Water » aunque sólo con las canciones escritas por Pye Hastings, quedando fuera las de Richard Sinclair. Pye Hastings en esa época de 1977-78 estuvo grabando lo que debería haber sido un disco en solitario con músicos como Ian Mosley (posteriormente en Marillion) y Jon Gustafson (Ian Gillan Band, Roxy Music, etc).
Mientras tanto el resto de los músicos, Jan Schelhass y David Sinclair se unen a Richard Sinclair que por entonces ya estaba en Camel y giran y graban con la banda de Andy Latimer. Geoffrey Richardson se une a la Penguin Cafe Orchestra.
En 1980 Caravan retoma las grabaciones y la actividad y graban «The Album» con una formación que incluye a Dek Messecar al bajo y voces, David Sinclair, teclados; Richard Coughlan, batería; Geoff Richardson, viola, guitarras, voz y flauta; y Pye Hastings guitarra y voz. El single extraído «Heartbreaker» devolvió al grupo a las listas en Reino Unido y tuvo algunas apariciones televisivas como en Francia. Aunque esta formación duro poco tiempo ya que en 1982 el grupo se reestructura nuevamente con la formación original y graban en hermoso «Back to Front» con la incorporación de Mel Collins al saxo.
A partir de esa época el grupo entra en un largo periodo de letargo solo interrumpido por alguna actuación esporádica en Televisión hasta su retorno en 1995 con la sustitución de Jim Liverton por Sinclair al bajo y el retorno de Geoffrey Richardson. Juntos graban el fantástico álbum «The Battle of Hastings». Por esta época además graban nuevamente en estudio una revisión actualizada de varías canciones de sus primeros discos bajo el título de «All Over You «, repitiendo de manera acertada en 1999 con otro título llamado «All Over You…Too» incluyendo esta vez temas de los discos de la segunda mitad de los setenta. Desde esta nueva etapa, Caravan ha estado funcionando de manera regular bajo la batuta de su guitarrista Pye Hastings que tras el fallecimiento en 2013 de Richard Coughlan, es el único miembro que queda en de la formación original. David Sinclair mantiene una carrera en solitario de manera intermitente y Richard Sinclair vive en Italia donde toca con grupos de la zona donde reside. El último álbum de Caravan sale en 2014 bajo el título de «Paradise Filter »
Caravan durante todo está larga carrera se ha convertido en un de los referentes del Canterbury Sound y mantiene una buena base de seguidores alrededor del globo. Su disco más conocido es In The Land Of Grey And Pink (1971). De él se ha escrito que «demuestra un agudo sentido de la melodía, un ingenio sutilmente cómico y una mezcla seductoramente suave de rock duro, folk, música clásica y jazz, en la que se entremezclan elementos de fantasía tolkieniana». Prolífica e inventiva, la riqueza de ideas de la banda no produjo sencillos accesibles, aptos para la radio. Las reediciones de sus discos en el siglo XXI aportan largas piezas inéditas, que a pesar de su calidad no llegaron a integrarse en sus álbumes de los 70.
Estudio
Caravan (1968)
If I Could Do It All Over Again, I’d Do It All Over You (1970)
In The Land Of Grey And Pink (1971)
Waterloo Lily (1972)
For Girls Who Grow Plump in the Night (1973)
Cunning Stunts (1975)
Blind Dog at St. Dunstans (1976)
Better by Far (1977)
The Album (1980)
Back to Front (1982)
Cool Water (1994)
«The Battle of Hastings» (1995)
» All Over You (1996)
«All Over You…Too» (2000)
The Unauthorised Breakfast Item (2003)
Paradise Filter (2014)
En vivo
Caravan and the New Symphonia (1974)
BBC Radio 1 Live in Concert (1991)
Live in Holland: Back on the Tracks (1992)
Live 1990 (1992)
Songs for Oblivion Fishermen (1998)
Ether Way (1998)
Live: Canterbury Comes to London (1999)
Surprise Supplies (1999)
Bedrock in Concert (2002)
Green Bottles for Marjorie: The Lost BBC Sessions (2002)
Live at the Fairfield Halls, 1974 (2002)
A Night’s Tale (2003)
Nowhere to Hide (2003)
With Strings Attached (2003)
The Show of Our Lives – Caravan at the BBC 1968–1975 (2007)
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Capercaillie
Capercaillie es una banda de música tradicional de Escocia, fundada en los años ochenta por Donald Shaw y liderada por Karen Matheson.
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La banda grabó su primer álbum de estudio, Cascade, en 1984. Su sencillo de 1992 A Prince Among Islands fue la primera canción en gaélico escocés que entró en la lista de los 40 mejores sencillos del Reino Unido, ocupando el puesto 39. Otro de sus sencillos, Ailein Duinn, alcanzó el puesto 65. El álbum Secret People quedó en el puesto 40 y To the Moon en el puesto 41. Este grupo ha popularizado canciones y melodías tradicionales gaélicas con modernas técnicas de producción, mezclando a menudo letras tradicionales con instrumentación eléctrica moderna.
Desde sus inicios Karen y Donald (casados en la actualidad) han estado al frente de la banda acompañados por varios intérpretes de instrumentos tradicionales y modernos del folclore celta, habiendo pequeños cambios a lo largo del tiempo.
Miembros actuales
Karen Matheson: voz
Donald Shaw: teclados, acordeón
Charlie McKerron: violín
Michael McGoldrick: flauta, tin whistle, Uilleann pipes
Manus Lunny: bouzouki, guitarra
Ewen Vernal: bajo
Che Beresford: batería
David Chimp Robertson: percusión
Ex-miembros del grupo
Marc Duff: bodhrán, flauta, sintetizador de viento y rauschpfeife
John Saich: guitarra y bajo
James Mackintosh: batería
Shaun Craig: guitarra, bouzouki
Martin MacLeod: bajo, violín
Joan Maclachlan: violín, voz
Álbumes de estudio
Cascade (1984)
Crosswinds (1987)
The Blood is Strong (1988)
Sidewaulk (1989)
Delirium (1991)
Get Out (1992)
Secret People (1993)
Capercaillie (1994)
To The Moon (1996)
Beautiful Wasteland (1997)
Glenfinnan (Songs of the ’45) (1998)
Nàdurra (2000)
Choice Language (2003)
Roses and Tears (2008)
At the Heart of It All (2013)
Álbumes recopilatorios y en directo
Dusk Till Dawn: The Best Of Capercaillie (1998)
Capercaillie Live in Concert (2002)
Grace and Pride: The Antology 2004-1984 (2004)
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Bob Welch
Robert Lawrence Bob Welch, Jr. (Los Ángeles, 31 de agosto de 1945 – Antioch, 7 de junio de 2012) fue un músico estadounidense. Fue miembro de Fleetwood Mac.
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Welch tuvo una breve carrera de éxitos en solitario a finales de los setenta. Sus discos sencillos incluyeron los temas «Hot Love, Cold World», «Ebony Eyes», «Precious Love», y «Sentimental Lady»
Welch nació en Los Ángeles (California), y creció en Beverly Hills. Su padre era el productor de películas y guionista Robert L. Welch, y trabajó para Paramount Pictures en los años cuarenta y cincuenta, produciendo películas protagonizadas por Bob Hope o Bing Crosby. También trabajó como productor de televisión y fue responsable de la serie The Thin Man en 1958 y 1959.
La madre de Bob era la cantante y actriz Templeton Fox. Participó en películas y series de televisión entre 1962 y 1979.
De niño Welch aprendió a tocar el clarinete y cambió a la guitarra en su adolescencia. Le regalaron su primera guitarra a los 8 años. El joven Welch se interesó por el jazz, rhythm and blues, y el rock.
Después de graduarse en la escuela superior evitó ir a la Georgetown University, donde había sido aceptado, para ir a París y estudiar en la Universidad de la Sorbona.
En una entrevista a la revista People (de 1979) Welch afirmó: «La mayor parte del tiempo la pasé fumando hachís con barbudos 5 años mayores que yo». Pasó más tiempo sentado en el café Les Deux Magots que acudiendo a clase y finalmente retornó a California, donde estudió francés en la UCLA.
Abandonó la universidad de UCLA antes de graduarse y en 1964 se unió como guitarrista al grupo vocal interracial The Seven Souls. En la banda ocupó el lugar de Ray Tusken, un guitarrista que llegó a ser vicepresidente de A&R para Capitol Records.
La composición inicial de The Seven Souls incluía al vocalista Ivory Hudson, al saxo y cantante Henry Moore, al baterista Ron Edge y al bajo Billy Diez. Los componentes posteriores Bobby Watson y Tony Maiden más tarde formaron la banda funk Rufus con Chaka Khan.
En 1967, el lanzamiento de I’m No Stranger / I Still Love You (OKeh 7289) no tuvo repercusión. Sin embargo, la cara B contenía «I Still Love You», que se convirtió en un himno del northern soul.
Los componentes de The Seven Souls se separaron en 1969.
Welch volvió a París y formó el trío Head West que no tuvo éxito.
Bob Welch participó en bandas marginales hasta 1971, cuando fue invitado a unirse a Fleetwood Mac, que en unos meses había perdido a dos de sus tres miembros principales: Peter Green y Jeremy Spencer.
Junto con la recién llegada teclista y vocalista Christine McVie y su marido el bajo John McVie, Bob cambió el rumbo de la banda hacia una línea más melódica en 1972 después de que la abandonara el guitarrista/compositor/cantante Danny Kirwan.
En el verano de 1971 los miembros de Fleetwood Mac hicieron audiciones para un guitarrista que sustituyera a Spencer. Judy Wong era amiga de la banda y a veces les hacía de secretaria. Judy recomendó a su amigo del instituto Bob Welch que estaba viviendo en París por entonces.
La banda se reunió con Welch y decidió contratarle como apoyo al guitarrista principal Danny Kirwan. Creían que teniendo a un americano en la banda podrían tener más atractivo en los Estados Unidos.
Welch fue a vivir en la casa comunitaria de la banda, una mansión llamada Benifold, que estaba en Hampshire.
Usando equipos portátiles la banda grabó 4 álbumes en Benifold: Future Games, Bare Trees, Penguin y Mystery to Me.
En septiembre de 1971 la banda lanzó el primer álbum de Fleetwood Mac con Bob Welch. Era Future Games y la canción del título estaba escrita por Welch. Este álbum era radicalmente diferente a todo lo que habían hecho hasta entonces. La elección de Welch parecía estar pagando réditos porque muchos seguidores americanos se estaban interesando por la banda.
En 1972, seis meses después, la banda lanzó el álbum Bare Trees, que contenía la canción de Welch Sentimental Lady. Esta canción sería un éxito mayor cuando la regrabó para su álbum en solitario French Kiss, donde tuvo la colaboración de Mick Fleetwood, Christine McVie, y Lindsey Buckingham.
La banda se llevaba bien en el estudio, pero sus giras eran problemáticas. Danny Kirwan tenía dependencia del alcohol. En la gira americana de agosto de 1972 Kirwan abandonó el escenario después de discutir violentamente con Welch. Antes de un concierto en la gira estadounidense de 1972 Kirwan y Welch se pelearon por la afinación de los instrumentos y Kirwan destrozó su guitarra y se negó a subir al escenario. Se lastimó al golpearse la cabeza contra la pared y volvió a la cabina de sonido donde presenció el concierto en el que la banda trató de cubrir su ausencia. Después del fiasco de concierto criticó a la banda.
Mick Fleetwood despidió a Kirwan en parte por recomendación de Welch. Entonces la dirección artística de la banda quedó en manos de Bob Welch y Christine McVie.
Los siguientes dos años y medio lanzaron 3 álbumes cambiando músicos, pero manteniendo un núcleo con Mick Fleetwood, Christine McVie, John McVie y Bob Welch.
Kirwan fue sustituido por Savoy Brown, Dave Walker y Bob Weston.
Tanto Walker y Weston aparecieron en el álbum Penguin, lanzado en enero de 1973 y que llegó al número 49 en el «Billboard Top 200 album chart» en Estados Unidos. El estilo de Walker no encajaba con Fleetwood Mac y fue despedido amistosamente y ya no participó en Mystery to Me.
Mystery to Me contenía la canción de Welch «Hypnotized». El á?bum llegó al número 67 en Estados Unidos.
Las tensiones internas causadas por los cambios de músicos, las giras y el derrumbamiento del matrimonio de Christine y John McVie, debilitaron la banda.
El guitarrista Bob Weston tuvo una aventura con Jenny Boyd, que era la esposa de Mick Fleetwood. Mick quedó destrozado por la revelación de la aventura y despidió a Bob Weston. La tensión de Mick le hizo cancelar la gira en los Estados Unidos, que era su mercado más importante.
El representante de la banda Clifford Davis decidió no cancelar la gira y como decía que poseía el nombre Fleetwood Mac montó una banda que no tenía a ninguno de los músicos que habían encarnado a Fleetwood Mac hasta entonces.
Davis anunció que Welch y John McVie habían abandonado Fleetwood Mac y puso a girar la «falsa Mac» en Estados Unidos diciendo que Mick Fleetwood y Christine McVie se unirían a la banda más adelante.
Los miembros de Fleetwood Mac obtuvieron una orden judicial que prohibía la gira de la «falsa Mac». Los litigios derivados de la gira abortada pusieron fuera de servicio a la Fleetwood Mac real durante casi un año.
Durante este periodo Bob Welch permaneció en Los Ángeles y consultó con abogados. Pronto se dio cuenta de que estaban siendo descuidados por Warner Bros. y por Reprise Records. Llegó a la conclusión de que tendrían que cambiar su base de operaciones a Los Ángeles para obtener un mejor trato de Warner Bros. El promotor de conciertos Bill Graham escribió a Warner Bros. para convencerles de que los auténticos Fleetwood Mac eran Mick Fleetwood, Bob Welch, John McVie y Christine McVie. Aunque esto no terminó la batalla legal les permitió seguir grabando como Fleetwood Mac.
Los juzgados dictaminaron que el nombre Fleetwood Mac pertenecía a Mick Fleetwood y John McVie. Ellos crearon su propia empresa de gestión Seedy Management.
En 1975 Welch formó la banda Paris, formada por Glenn Cornick (exbajista de Jethro Tull) y Thom Mooney (ex baterista de Todd Rundgren). La banda Paris lanzó dos álbumes: Paris y Big Towne 2061.
En septiembre de 1977 Welch lanzó su primer álbum en solitario French Kiss , que era una colección de pop con participaciones de sus antiguos compañeros Mick Fleetwood y Christine McVie. Este lanzamiento fue el mayor éxito de Welch porque vendió un millón de copias hasta el 1 de mayo de 1978. Contenía una versión actualizada de Sentimental Lady, Ebony Eyes y Hot Love, Cold World.
La canción Ebony Eyes fue un gran éxito en la que combinaba el pop y el rock sinfónico. Contenía un riff pegadizo dentro de una estructura musical muy elaborada.
En 1979 lanzó el álbum Three Hearts que combinaba la fusión de rock y disco. Alcanzó el Disco de Oro el 23 de febrero de 1979 según RIAA
Presentó el programa de música Hollywood Heartbeat.
En los ochentas lanzó los álbumes en solitario The Other One, Man Overboard, Bob Welch, y Eye Contact con ventas decrecientes. También se convirtió en adicto a la heroína.
Después de desengancharse en 1986 abandonó las grabaciones y se centró en escribir canciones para otros, como Kenny Rogers, Sammy Hagar y The Pointer Sisters.19
En los noventas se mudó a Phoenix, Arizona, donde montó un grupo llamado Avenue M, que tocaba con él en actuaciones y que grabó una canción para una compilación de grandes éxitos. Más tarde se mudó a Nashville, Tennessee.
En 1999 Welch lanzó un álbum de jazz experimental Bob Welch Looks at Bop. Continuó en 2003, con His Fleetwood Mac Years and Beyond, que contenía nuevas grabaciones de canciones que había grabado con Fleetwood Mac, y algunos éxitos en solitario. En 2006 lanzó His Fleetwood Mac Years and Beyond 2, que mezclaba media docena de nuevas composiciones con otras versiones de canciones de Fleetwood Mac o de su época en solitario.
Estuvo casado con Wendy Armistead Welch desde 1985. La pareja residía en Nashville.
El 7 de junio de 2012 Welch se suicidó en su casa de Nashville hacia las 12:15. Su esposa le encontró con un disparo en el pecho autoinfligido. Había dejado una nota de suicidio. Welch fue operado de la columna vertebral 3 meses antes y según su esposa los médicos le habían dicho que no mejoraría. Él no quería que su esposa cuidara de un inválido.
Head West
1970 Head West
Fleetwood Mac
1971 Future Games
1972 Bare Trees
1973 Penguin
1973 Mystery to Me
1974 Heroes Are Hard to Find
1992 25 Years – The Chain
París
1976 Paris
1976 Big Towne, 2061
Solo
1977 French Kiss
1979 Three Hearts
1979 The Other One
1980 Man Overboard
1981 Bob Welch
1983 Eye Contact
1991 The Best of Bob Welch
1994 Greatest Hits
1999 Bob Welch Looks at Bop
2003 His Fleetwood Mac Years & Beyond
2004 Live at The Roxy
2006 His Fleetwood Mac Years and Beyond, Vol. 2
Sencillos en solitario
«Big Towne, 2061» / «Blue Robin» (1976).
«Ebony Eyes» / «Outskirts» (1977).
«Sentimental Lady» / «Hot Love, Cold World» (#8, 1977).
«Ebony Eyes» / «Dancin’ Eyes» (#14, 1978).
«Hot Love, Cold World» / «Danchiva» (#31, 1978).
«I Saw Her Standing There» / «Church» (1979).
«Precious Love» / «Something Strong» (#19, 1979).
«Church» / «Here Comes The Night» (#73, 1979).
«Church» / «Don’t Wait Too Long»
«Three Hearts» / «Oh Jenny» (1979).
«Rebel Rouser» / «Spanish Dancers» (1979).
«Don’t Let Me Fall» / «Oneonone» (1980).
«Don’t Rush The Good Things» / «Reason» (1980).
«Those Days Are Gone» / «The Girl Can’t Stop» (1980).
«Two To Do» / «Imaginary Fool» (1981).
«Sentimental Lady» / «Ebony Eyes» (1981).
«Remember» / «You Can’t Do That» (1982).
«‘Fever» / «Can’t Hold Your Love Back» (1983).
«Can’t Hold Your Love Back» / «S.O.S.» (1983).
«I’ll Dance Alone» / «Stay» (1983).
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Bruce Ruffin
Bruce Ruffin (Bernardo Constantino Balderamus, 17 de febrero de 1952, St. Catherine, Jamaica) es un artista rocksteady y reggae.
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Ruffin comienza con Byron Lee y los Dragonaires brevemente, antes de que en 1967 uniendose a Techniques, uno de los grupos vocales rocksteady más exitosas de la década de 1960. Allí cantó junto a Pat Kelly, Winston Riley y Menns junior. Fue uno de varios cantantes con talento a la deriva a través de las filas de Techniques, pero su estancia con el grupo fue destacada por varios éxitos rocksteady que escribió, el más notable de los cuales fue «Love Is Not a Gamble».
Inquieto, Ruffin dejó Techniques un año más tarde, regresando en 1969 como solista con la canción de reggae upbeat, «Long About Now».
Su mayor éxito llegó en la década de 1970 como solista reggae-pop y escritor. Continuó grabando con varios productores de discos (Leslie Kong, Herman Chin Loy, Lloyd encantadores) y tuvo cierto éxito con versiones de temas, entre ellos «Cecilia» de Paul Simon. Sin embargo, fue una canción de José Feliciano, «Rain», que daría a su impulso carrera en solitario, grabado en Trojan Records, que era un número 19 de REINO UNIDO 19 en 1971 – el b-side de los cuales fue el karaoke «Geronimo».
En 1972 consiguió un crossover golpeado con «Mad About You», que contó impares coros y cuerdas disposición. Fue lanzado en el sello Rhino (que no debe confundirse con Rhino Records), y le dio su mayor éxito de venta, alcanzando el número 9 en la lista de singles del Reino Unido. Para el resto de la década, Ruffin continuó lanzando pulido reggae-pop que tuvo una fuerte audiencia en el Reino Unido y Europa. Por la década de 1980, Ruffin estaba concentrado en escribir y publicar. Con el tiempo se alejó de la música para estudiar derecho, convirtiéndose en un asesor jurídico a otros artistas de reggae.
Ruffin es ahora el CEO de las compañías de música BRM.
Albums
1971 Rain
1972 Bruce Ruffin
Johannes Brahms
Johannes Brahms (Hamburgo, 7 de mayo de 1833 – Viena, 3 de abril de 1897) fue un pianista y compositor alemán del Romanticismo.
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A Brahms se le considera el más clásico de los compositores románticos, manteniéndose fiel toda su vida al clasicismo romántico y conservador influenciado por Mozart, Haydn y en especial Beethoven. Fue posiblemente el mayor representante del círculo conservador en la “Guerra de los románticos”. Sus oponentes, los progresistas radicales de Weimar, estaban representados por Franz Liszt, los miembros de la posteriormente llamada Nueva Escuela Alemana, y por Richard Wagner.
Nació en Alemania, donde su obra romántica, conservadora y con un clasicismo muy contenido no fue bien recibida. Debido a esto, en 1862 se autoexilió en Viena, donde creó lo mejor de su repertorio sinfónico y de conciertos para instrumentos solistas diversos.
Las expresiones Las tres bes o La santa trinidad (frase acuñada por Hans von Bülow) se refieren a Bach, Beethoven y Brahms como tres de los mayores compositores de la historia de la música. Algunos opinan, sin embargo, que von Bülow incluyó a Brahms en dicha «trinidad» por despecho y para perjudicar a Wagner, con quien estaba enemistado desde que su esposa le abandonó para casarse con el otro compositor.
Era hijo del contrabajista Johann Jakob Brahms (quien le dio sus primeras lecciones de música) y de Hersika Cristina Nissen. Su familia era pobre, y su infancia transcurrió en los suburbios de Hamburgo. Comenzó a estudiar piano a la edad de siete años con el profesor Otto Cossel, y pronto se reveló como pianista aventajado, por lo que, siendo aún adolescente, contribuyó a los ingresos familiares con el dinero que ganaba impartiendo clases, tocando el piano en cafés, bares e incluso burdeles.
Brahms dio recitales de piano en público a partir de los diez años, interpretando sobre todo música de cámara. Sus dotes para el piano desde niño fueron tales que un empresario le ofreció la oportunidad de ganar dinero haciendo giras por América, lo que fue rechazado por sus padres. También a esta edad empezó a estudiar con un prestigioso profesor de Hamburgo, Eduard Marxsen, y comenzó a componer, aunque durante un tiempo tampoco consiguió que el público mostrase interés por sus obras. En 1853 realizó una gira de conciertos como acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. Durante el viaje tuvo ocasión de conocer a Joseph Joachim, que sería amigo suyo durante toda su vida, y que le presentó a Robert Schumann. Este último, además de compositor era editor de una revista prestigiosa de música, y atrajo la atención de los críticos y empresarios de música sobre el joven Brahms, lo que contribuyó notablemente a que Brahms se convirtiese en un compositor conocido y apreciado.
Aunque la relación entre Robert Schumann y Brahms duró hasta el fin de los días de Schumann, y Schumann le elogió y llegó a llamarle «El elegido», augurándole un brillante futuro en la música, el vínculo más destacable fue el que tuvo con la esposa de éste, Clara Schumann, una pianista reconocida en aquellos momentos, compositora también y con la que estableció una larga y profunda amistad que tuvo rasgos de amor platónico. Brahms solía presentarle a Clara sus obras antes de estrenarlas; muchas veces Clara Schumann fue la encargada de estrenar algunas de las obras pianísticas de Johannes. Brahms se integró en el círculo familiar de los Schumann, por lo que sufrió junto con Clara el intento de suicidio de Schumann y su posterior muerte en 1856. Durante esta época viajó frecuentemente por ciudades alemanas, trabajando como músico en la corte de Detmold. También mantuvo un breve romance con la cantante Agathe von Siebold.
Bob Geldof
Robert Frederick Zenon «Bob» Geldof, KBE (honorario) (* el 5 de octubre de 1951 en Dún Laoghaire) es un cantante, compositor, actor y activista político irlandés.
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Fue el líder y vocalista entre 1975 y 1986 de la banda The Boomtown Rats, con la que consiguió un par de números uno en ventas británicos con los singles «Rat Trap» (1978) y «I Don’t Like Mondays» (1979), esta última canción lo lanzó a la fama internacional.
En 1982 participó en la película The Wall de la banda inglesa de rock psicodélico y rock progresivo Pink Floyd, interpretando el papel de Pink, el personaje principal de la película, una importante estrella de rock con conflictos existenciales.
En 1985 creo la fundación «Band Aid Trust», que se financiaría a través de dos conciertos realizados en Estados Unidos e Inglaterra, llamados Live Aid. En el 2005, veinte años después del Live Aid, Geldof impulsó una serie de conciertos para pedirle al G8 que redujera la deuda de los países africanos, y que se comprometiera a ayudar en el combate de la pobreza; el Live 8. Fue nombrado caballero comendador de honor de la Orden del Imperio Británico en 1986 por la Reina Isabel II.
En 1992, actuó en el Concierto en Tributo a Freddie Mercury, vocalista del grupo Queen.
El 7 de abril de 2014 fallece su hija, Peaches, a la corta edad de 25 años. Tenía dos hijos: Astala (nacido en 2012) y Phaedra (nacido en 2013).
Discografía
Con The Boomtown Rats
The Boomtown Rats (1977)
A Tonic for the Troops (1978)
The Fine Art of Surfacing (1979)
Mondo Bongo (1981)
V Deep (1982)
In the Long Grass (1984)
Solo
Deep in the Heart of Nowhere (1986)
The Vegetarians of Love (1990)
The Happy Club (1993)
Sex, Age & Death (2001)
How to Compose Popular Songs That Will Sell (2011)
Blind Faith
Blind Faith era un supergrupo británico de blues; formado por Eric Clapton (The Yardbirds, Cream), Ginger Baker (Graham Bond Organization, Cream), Steve Winwood (Spencer Davis Group, Traffic) y Ric Grech (Family).
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Tan solo publicaron un álbum, Blind Faith, en agosto de 1969. Se les puede comparar estilísticamente a las bandas que Winwood y Clapton habían tenido anteriormente, Traffic y Cream respectivamente. La banda ayudó en la fusión del rock & roll y el blues.
Blind Faith nació a mediados de 1968 mientras el grupo Cream se disolvía. El supergrupo alcanzó un gran éxito en ventas en muy pocos años, lo que se tradujo en un gran éxito financiero. A pesar de este panorama, los conflictos entre Jack Bruce y Ginger Baker complicaban las relaciones dentro del grupo. Eric Clapton, que actuaba como mediador en estos conflictos, también se sentía obligado y cansado de tocar un blues comercial, sin la posibilidad de experimentar con nuevos sonidos.
Steve Winwood enfrentaba problemas similares con The Spencer Davis Group, donde había sido cantante durante tres años. Winwood buscaba fundir elementos del jazz en la música blues, pero abandonó al grupo debido a sus marcadas diferencias musicales, formando una nueva banda — Traffic — en 1967. Esta banda se separó temporalmente en 1969, y Winwood comienzó a trabajar con su amigo Eric Clapton tocando en sesiones de improvisación en Surrey, Inglaterra. Winwood y Clapton habían trabajado previamente en la grabación de Clapton «Powerhouse».
Clapton, complacido con las jam sessions piensa seriamente en la posibilidad de formar un trio con Winwood, pero necesitaban un baterista. Ginger Baker se presentó ante ellos en 1969, tomando el puesto de forma definitiva. Pero Clapton cuestionó la llegada de Baker, porque él había prometido a Jack Bruce que si volvieran a reunirse lo miembros de Cream, los tres tendrían que participar. Además, Clapton no se quería reunir con Cream apenas neve semanas de la disolución. Pero Winwood finalmente persuadió a Clapton a formar parte de la banda, con Baker en la batería, argumentando lo difícil que sería para ellos encontrar a un baterista igualmente talentoso.
En mayo de 1969 Ric Grech, bajista de Family, fue invitado a participar en el grupo (dejando a Family en medio de una gira). Ellos hicieron la mayor parte de su álbum en Olympic Studios, bajo la supervisión del productor Jimmy Miller. Por ese entonces ya se hacían llamar «Blind Faith» (en español Fe ciega), debido a la visión que tenía Clapton de su nuevo grupo.
Miembros
Ginger Baker
Eric Clapton
Ric Grech
Steve Winwood
Discografía
1969: Blind Faith
Georges Bizet
Georges Bizet formalmente Alexandre César Léopold Bizet, (25 de octubre de 1838 – 3 de junio de 1875) fue un compositor francés, principalmente de óperas.
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En una carrera cortada por su muerte prematura, alcanzó escasos éxitos hasta su última obra, Carmen, que se convirtió en una de las obras más populares e interpretadas de todo el repertorio operístico.
Bizet ganó varios premios a lo largo de su brillante carrera como estudiante en el Conservatorio de París, incluyendo el prestigioso Premio de Roma en 1857. Fue reconocido como un pianista excepcional, aunque prefirió no aprovechar su habilidad y en raras ocasiones tocó en público. Tras regresar a París después de pasar casi tres años en Italia, se dio cuenta de que en los principales teatros de ópera parisinos se prefería interpretar el repertorio clásico más arraigado antes que las obras de nuevos compositores. Sus composiciones orquestales y para teclado fueron asimismo ignoradas en su gran mayoría, lo que estancó su carrera por lo que tuvo que ganarse la vida principalmente mediante arreglos y transcripciones de la música de otros. En su busca del ansiado éxito, comenzó varios proyectos teatrales durante la década de 1860, muchos de los cuales abandonó. Ninguna de las dos óperas que se llegaron a escenificar —Los pescadores de perlas y La bella muchacha de Perth— tuvieron éxito de inmediato.
Tras la Guerra franco-prusiana de 1870–71, en la que Bizet sirvió en la Guardia Nacional, tuvo algo de éxito con su ópera de un acto Djamileh, aunque la suite orquestal derivada de su música incidental de la pieza teatral L’Arlésienne de Alphonse Daudet tuvo un éxito instantáneo. La producción de la última ópera de Bizet Carmen fue retrasada debido al miedo de que sus temas de traición y asesinato pudieran ofender a la audiencia. Tras su estreno el 3 de marzo de 1875, Bizet estaba convencido de que la obra iba a ser un fracaso; murió de un ataque al corazón tres meses más tarde, sin saber que resultaría un éxito espectacular y duradero.
El matrimonio de Bizet con Geneviève Halévy fue feliz de manera intermitente y fruto del mismo tuvieron un hijo. Tras su muerte, sus composiciones, excepto Carmen, estuvieron en general desatendidas. Regalaron o se perdieron los manuscritos y las versiones publicadas de sus obras a menudo eran revisadas y adaptadas por terceros. No creó escuela ni tuvo discípulos ni sucesores evidentes. Tras años de abandono, sus obras se empezaron a interpretar de nuevo con más frecuencia en el siglo XX. Críticos posteriores lo han proclamado como un compositor de gran brillantez y originalidad cuya muerte prematura significó una gran pérdida para la música teatral francesa.
Georges Bizet nació en París el 25 de octubre de 1838. En su certificado de nacimiento consta como Alexandre César Léopold, pero fue bautizado como «Georges» el 16 de marzo de 1840, nombre por el cual sería conocido durante el resto de su vida. Su padre, Adolphe Bizet, había sido peluquero y fabricante de pelucas antes de ser profesor de canto a pesar de su falta de estudios formales. También llegó a componer algunas obras, incluyendo al menos una canción que fue publicada. En 1837, contrajo nupcias con Aimée Delsarte, en contra de los deseos de la familia de la novia que lo consideraban un candidato de baja estofa; los Delsartes, aunque pobres económicamente, eran una familia de un alto nivel cultural y musical. Aimée era una consumada pianista, mientras que su hermano François fue un distinguido cantante y profesor que actuó en las cortes de Luis Felipe I y Napoleón III. Rosine, esposa de Delsarte y un prodigio musical, había sido asistente del profesor de solfeo en el Conservatorio de París a los trece años.
Georges, ya desde niño, mostró signos de tener grandes aptitudes para la música y rápidamente aprendió las nociones básicas sobre notación musical de su madre, quien probablemente le daría sus primeras clases de piano. Escuchando a través de la puerta de la sala donde Adolphe daba sus lecciones, Georges aprendió a cantar de memoria con precisión piezas difíciles y desarrolló una habilidad para identificar y analizar complejas estructuras acordales. Esta precocidad convenció a sus ambiciosos padres de que estaba preparado para empezar a estudiar en el Conservatorio un año antes de cumplir la edad mínima de entrada de diez años. Georges fue entrevistado por Joseph Meifred, un virtuoso de la trompa, miembro del comité de estudios del conservatorio. Meifred se llevó tal impresión de la demostración de las habilidades del chico que pasó por alto la regla de la edad y se ofreció a tomarlo tan pronto como hubiera una plaza disponible.
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Phil Sawyer
Beautiful World es el proyecto vital de Phil Sawyer. Phil Sawyer nació el 8 de marzo de 1947 en Londres. Creció en esta ciudad y a los 14 años comenzó su carrera musical como guitarrista de varias bandas: Fleur de Lys y Shotgun Express (que, con el tiempo, se convirtieron en Fleetwood Mac).
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En 1970 dejó el rock para concentrarse en la música clásica, estudiando composición, armonía, y orquestación. Después de trabajar como compositor y productor para varios artistas (Florie Palmer, Sandie Shaw), comenzó a escribir para anuncios de televisión y radio, y para algunas películas y documentales.
En 1992, Sawyer escribía la música para dos anuncios comerciales de champú Timotei en Kenia, y trabaja por primera vez con coros vocales. Mientras traducía el Swahili para el anuncio, encontró gran cantidad de poesía en este idioma; este hallazgo se reflejó profundamente en su música y su vida.
Pronto comenzó a trabajar en el sonido de su proyecto musical Beautiful World, de tal suerte que las 13 pistas del primer álbum, In Existente (1994), reflejan de manera notable, puntos de inflexión en el viaje de la vida de Sawyer: ve sus canciones como meditaciones en visiones de la vida de un mundo sin miedos, donde la gente existe en armonía con la naturaleza y, sobretodo, con sí mismos. La música de “In Existence” entreteje las texturas, imágenes y paisajes de África, una visión musical ambiental concisa, misticismo del este, francés, inglés y las voces en Swahili, cantadas por los indios Hopi (hay incluso un ocasional baile pop).
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Barry Ryan
Barry Ryan (Leeds, Yorkshire Gran Bretaña); 24 de octubre de 1948) es un cantante de pop británico, que llegó al éxito mundial con el tema «Eloise».
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Barry nació en Leeds en 1948, hijo de la cantante pop Marion Ryan y de Lloyd Sapherson. Entrados los 60’s, Barry se lanzó como cantante y compartió en un inicio el escenario con su hermano Paul, un talentoso compositor.
El dúo Ryan logró un modesto éxito en su inicio con temas como «Don’t Bring Me Your Heartaches», pero pronto comienza a llegar la fama, con temas como «Have Pity on the Boy» y «Missy, Missy» (1966). Sin embargo la presión a la que están sometidos causa que Paul salga del dúo; el estrés al que está sometido es muy grande y sus ataques de ansiedad y nerviosismo lo llevan a convertirse en el compositor de su hermano.
Barry gozó de gran aceptación en Alemania, grabó varios temas en alemán y probablemente sea el país donde tuvo mayor éxito (más que en Gran Bretaña incluso).
A mediados de los 70’s Barry Ryan se retira de la música; el grupo The Damned interpretó una versión de «Eloise», el tema más famoso de Barry. El cantante pop español Tino Casal haría lo propio en 1987 (Álbum, lágrimas de cocodrilo), reportándole igualmente un gran éxito.
En 1990 se lanza un disco con los grandes éxitos de Barry compuestos por su hermano Paul, que falleció en 1992 a causa de cáncer.
Barry participó en una gira por Gran Bretaña en 2003 y fue ésta su última actuación, ya que desde entonces se ha retirado por completo del negocio musical.
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Babyface
Kenneth Brian Edmonds (nacido el 10 de abril de 1959 en Indianápolis, Indiana), conocido profesionalmente como Babyface, es un exitoso cantante afroamericano de R&B y pop, compositor de canciones, productor musical y cinematográfico, guitarrista y empresario.
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Edmons, el quinto de seis hermanos, asistió al instituto North Central de Indianápolis, y durante su tímida juventud comenzó a escribir canciones para así expresar sus sentimientos. Edmons más tarde tocaría con la superestrella del funk Bootsy Collins, autor del apodo «Babyface» con el que se le comenzaría a conocer al joven cantante. También actuó con grupos como Manchild (quienes alcanzaron el éxito con el single «Especially for You» en 1977) y el grupo de R&B y funk The Deele (grabaron tres álbumes en la década de los 80). Hacia el final de la carrera de Deele, Babyface firmó un acuerdo con Solar Records, lanzando su álbum debut Lovers en 1986. Babyface está también asociado con los grupos de R&B After 7 y Milestone, en los que forman parte sus hermanos Kevon y Melvin, respectivamente.
En 1989, Babyface fundó el exitoso sello discográfico de R&B y hip hop LaFace Records con Antonio «L.A.» Reid. Dos de los primeros artistas firmados, Toni Braxton y TLC, alcanzaron un éxito masivo. El álbum debut de Braxton de 1993, titulado igual que ella, vendió más de ocho millones de copias, y ganó un Grammy como «Mejor Artista Nuevo» del año 1994. Mientras tanto, los dos álbumes de TLC en LaFace (Ooooooohhh…. On the TLC Tip en 1992 y CrazySexyCool en 1994) se combinaron para vender más de 15 millones de copias y CrazySexyCool ganó el Grammy al «Mejor Álbum R&B» de 1996.
Edmons también está detrás de algunos de los mayores éxitos del R&B contemporáneo. Escribió y produjo los singles de Boyz II Men «End of the Road» y «I’ll Make Love To You», canciones que establecieron récords de permanencia más larga en el número uno de la lista de Billboard Hot 100. En el éxito #1 «Take A Bow» de Madonna (1995), colaboró en los vocales de fondo, y además ha producido y escrito música para artistas como Michael Jackson, Janet Jackson, Whitney Houston, Patti LaBelle, Céline Dion, Mary J. Blige, Mariah Carey, Eric Clapton, Madonna, Aretha Franklin, Caprice Angel, Pink y Melanie Rios entre otros, y ha recibido tres premios Grammy consecutivos al «Mejor Productor del Año» en 1996, 1997 y 1998.
A mediados de los 90, Edmons y su esposa Tracey Edmonds crearon la compañía cinematográfica «Edmonds Production Company», y produjeron películas como Soul Food (1997) y Josie and the Pussycats (2001). Ellos son los productores ejecutivos actuales de las reality series College Hill, de la televisión por cable BET. Babyface también colaboró con David Foster para componer el tema oficial de los Juegos Olímpicos de Atlanta de 1996, cantado por CELINE DION.
En octubre de 2005, Edmons y su esposa Tracey anunciaron que ponían fin a su matrimonio de trece años. Tienen dos hijos.
Babyface está participando en un single benéfico compuesto y producido por Michael Jackson. Se ignora si aparecerá en los vocales o como productor. El título del tema es «I Have This Dream».
Discografía
1986: Lovers #28 R&B
1989: Tender Lover #14 US, #1 R&B (US 2x Platino)
1991: A Closer Look
1993: For The Cool In You #16 US, #2 R&B (US 3x Platino)
1996: The Day #6 US, #4 R&B (US 2x Platino)
1997: Babyface MTV Unplugged NYC (Directo) #106 US, #33 R&B (US Oro)
1998: Christmas With Babyface #101 US, #34 R&B
2001: Face2Face #25 US, #8 R&B
2003: Cool In Love
2004: A Love Story
2005: Grown And Sexy #10 US, #3 R&B
2007: Playlist
2013: Love, Marriage & Divorce (with Toni Braxton) #4 US, #1 R&B
2015: Return Of The Tender Lover #39 US, #5 R&B
Singles
1986 «Lovers» #42 Lovers
1987 «I Love You Babe» #8 Lovers
1987 «If We Try» ? Lovers
1987 «Mary Mack» #29 Lovers
1989 «Love Saw It» (con Karyn White) #1 A Closer Look
1989 «It’s No Crime» #1 Tender Lover
1989 «Tender Lover» #1 Tender Lover
1990 «Whip Appeal» #2 Tender Lover
1990 «My Kinda Girl» #3 Tender Lover
1990 «Love Makes Things Happen» (con Pebbles) #1 A Closer Look
1992 «Give U My Heart» (con Toni Braxton) #2 Boomerang soundtrack
1993 «For The Cool In You» #10 For The Cool In You
1993 «Never Keeping Secrets» #3 For The Cool In You
1994 «And Our Feelings» #8 For The Cool In You
1994 «When Can I See You» #6 For The Cool In You
1994 «Dream Away» (con Lisa Stansfield) – The Pagemaster BSO
1995 «Someone To Love» (con Jon B) #7 Jon B’s Bonafide
1996 «This Is For The Lover In You» (con Jody Watley & LL Cool J) #2 The Day
1997 «Every Time I Close My Eyes» (con Mariah Carey) #5 The Day
1997 «How Come How Long» (con Stevie Wonder) – The Day
1998 «Fire» (con Des’ree) – Hav’ Plenty soundtrack
2000 «Reason For Breathing» – A Collection of His Greatest Hits
2001 «There She Goes» #10 Face 2 Face
2001 «What If» #28 Face 2 Face
2004 «The Loneliness» – Grown & Sexy
2005 «Sorry for the Stupid Things» #65 Grown & Sexy
2005 «Grown & Sexy» #70 Grown & Sexy
2007 «Fire and Rain» – Playlist
2013 «Hurt You» #1 Love, Marriage & Divorce
2013 «Where Did We Go Wrong» – Love, Marriage & Divorce
2015 «We’ve Got Love» – Return Of The Tender Lover
2015 «Exceptional» – Return Of The Tender Lover
Antonio Machín
Antonio Lugo Machín, conocido como Antonio Machín (Sagua la Grande, Cuba, 11 de febrero de 1903 – Madrid, España, 4 de agosto de 1977), fue un cantante cubano de boleros y de música popular en general. Basó su repertorio en la música cubana y la balada romántica.
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Intérprete de reconocido prestigio en el ámbito hispanohablante, es famoso por sus recreaciones, entre otras, de temas como El manisero, Dos gardenias, Angelitos negros. Su disco El manisero, grabado en 1930 acompañado por la orquesta de Don Aspiazu para la compañía Victor de Nueva York, constituyó el primer éxito millonario en ventas de la música cubana.
Miembro de una familia pobre (de unos quince hermanos) de la localidad cubana de Sagua la Grande, Antonio trabajó de niño en diversos oficios. Fueron sus padres un emigrante español, José Lugo Padrón, y una negra cubana, Leoncia Machín. Su abuela paterna era canaria. El artista recuerda haber sido feliz en su familia, que no era «ni muy rica ni muy pobre». Muy pronto se manifiesta su afición al canto. Alternaba su trabajo de joven albañil con el canto en la iglesia, en los teatros y tras la pantalla del cine mudo de su ciudad. Llega a unirse hasta tres veces con grupos de músicos ambulantes que pasan por su ciudad camino de La Habana. En 1911, el párroco de Sagua le pone a cantar en su altar mayor. En cierta ocasión, con motivo de una fiesta benéfica, interpreta el Ave María de Schubert subido a una silla: se gana el aplauso de toda la población. Al cumplir veinte años manifiesta su deseo de estudiar bel canto y ópera, pero comprende que, dado su color, su repertorio quedaría reducido a Otelo. Mientras su madre le inculcaba el amor al canto, el padre veía su actividad como propia de individuos de vida irregular y rayana en lo inmoral.
No sin dificultades llega a La Habana en 1926, donde se inicia como solista en los cafetines acompañado del guitarrista Manuel Zaballa. La reputación del dúo llega a oídos de la burguesía habanera, que ya no duda en contratarlos. Por azar del destino llega a cantar a una emisora en la que coincide Don Azpiazu, quien lo contrata como segundo cantante de su orquesta. Sería, pues, el primer cantante negro que actuara en el Casino Nacional de La Habana, lugar de la burguesía más racista y excluyente, ya como todo un profesional. Sin dejar a Aspiazu, funda un sexteto que hace sus primeras grabaciones en 1929 y a partir de los medios de la época, es decir, las victrolas de cuerda y la radio que empezaba a desarrollarse. El éxito fue inmediato con Aquellos ojos verdes, al que siguió El manisero. En 1930 deja Cuba (adonde no volvería hasta 1958). En abril de 1930 llega a Nueva York, integrando la orquesta de Don Azpiazu. Estuvo cuatro años en la gran metrópoli, formando parte de otras muchas agrupaciones (José Escarpenter y su Orquesta, Orquesta Antillana de Rafael Hernández, Julio Roque y su Orquesta, Armando Valdespí y su Orquesta, además de las dirigidas por él mismo: la Orquesta Machín y el Cuarteto Machín).
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Ana Torroja
Ana Torroja Fungairiño (Madrid, 28 de diciembre de 1959) es una cantante pop española. Fue la vocalista del grupo Mecano, junto a los hermanos José María y Nacho Cano, con quienes consiguió un éxito espectacular en España y otros países.
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Debutó en 1997 como solista, pero se consolidó como tal en 2000. Es conocida por su «voz» atípica, que transmite sensibilidad y equilibrio, infantil para muchos (con Mecano), asimilando de forma figurada a la de una sirena o un ángel. Sin duda ha plasmado su manera de interpretar en la memoria musical de habla hispana. Sus mayores éxito son «A contratiempo», «Ya no te quiero», «Veinte mariposas», «No me canso», «Sonrisa» y los duetos «Corazones», «Duele el amor» e «Hijo De La Luna».
Ana es la mayor de una familia numerosa de seis hermanos. Tiene dos hermanas (Celia y Laura) y tres hermanos (Yago, Javier y Carlos). Su padre José Antonio Torroja Cavanillas es un prestigioso ingeniero de caminos al igual que su abuelo, Eduardo Torroja Miret, Primer Marqués de Torroja y quizá el mayor especialista mundial en su tiempo de construcción en hormigón. Su madre María del Carmen Fungairiño Bringas a la que Ana estaba muy unida era hermana del conocido fiscal Eduardo Fungairiño y murió el 26 de septiembre de 1985 cuando Ana tenía 25 años y Mecano estaba en la cima de su éxito. Ana Torroja comenzó su etapa escolar en un liceo bilingüe en El Viso (barrio de Madrid) relativamente cercano a su casa familiar de entonces en la calle Raimundo Fernández Villaverde.
Posteriormente estudió en un colegio religioso de Teresianas. Siendo una niña cuenta que cantaba, a cambio de una galleta, el «frère Jacques». Su padre toca bien el piano y en general se puede decir que los Torroja estaban en contacto con la música a través de sus padres y abuelos. Ana y José María Cano se conocieron en una fiesta que se celebraba en los apartamentos Tiuna cerca del madrileño paseo de la Habana hacia el año 1974, siendo ambos adolescentes (14-15 años aproximadamente). En un principio José María se sintió más atraído por la hermana menor de Ana, Celia. Sin embargo, al poco tiempo de conocerse, Ana y José María comenzaron a vivir una relación amorosa de adolescentes que duró unos 3 años según ambos han manifestado en algunas entrevistas, probablemente hasta el traslado de José María a Valencia después del verano de 1977. Tras ese verano del 77 Ana comenzó la carrera de Económicas que posteriormente abandonó hacia 1980 tras dos cursos académicos coincidiendo con los orígenes de su carrera musical.
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