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01 – Back In The Saddle |
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01 – Toys In The Attic |
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01 – Toys In The Attic |
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01 – Same Old Song and Dance |
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01 – Make It 3.40 |
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01. Adiemus 3.57 |
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Disc 01 – People Need Love (1972): |
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01. Whats The Matter Here (Live) 5.11 |
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CD 1 CD2 |
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01. Donna [0:02:55.14] |
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01. Donna [0:02:59.32] |
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01. I’m Not In Love (Rework Of Art Mix) [0:05:53.48] |
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01. The Wall Street Shuffle [0:04:49.00] |
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01. Intro [0:01:33.35] |
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01. Woman In Love [0:06:11.40] |
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01. Don’t Ask – 4:04 |
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| 01. One-Two-Five (05:11) 02. Welcome To The World (3:43) 03. How’m I Ever Gonna Say Goodbye (3:40) 04. Don’t Send We Back (3:19) 05. I Took You Home (5:10) 06. It Doesn’t Matter At All (4:02) 07. Dressed To Kill (3:28) 08. Lovers Annonymous (5:07) 09. I Hate To Eat Alone (2:55) 10. Strange Lover (3:41) 11. L.A. Inflatable (4:26) Bonus tracks 12. One-Two-Five (Edited Single Version) (4:04) 13. Only Child (3:13) Produced by 10cc |
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| 1. DREADLOCK HOLIDAY 2. FOR YOU AND I 3. TAKE THESE CHAINS 4. SHOCK ON THE TUBE(DON’T WANT LOVE) 5. LAST NIGHT 6. ANONYMOUS ALCOHOLIC,THE 7. REDS IN MY BED 8. LIFE LINE 9. TOKYO 10. OLD MISTER TIME 11. FROM ROCHDALE TO OCHO RIOS 12. EVERYTHING YOU’VE WANTED TO KNOW ABOUT!!!(EXCLAMATION MARKS) 13. DREADLOCK HOLIDAY(LONG VERSION) 14. NOTHING CAN MOVE ME 15. FOR YOU AND I(DJ EDIT) Personnel: |
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| 01. Dreadlock Holiday (4:30) 02. For You And I (5:21) 03. Take These Chains (2:39) 04. Shock On The Tube (Don’t Want Love) (3:42) 05. Last Night (3:14) 06. The Anonymous Alcoholic (5:42) 07. Reds In My Bed (4:12) 08. Life Line (3:29) 09. Tokyo (4:30) 10. Old Mister Time (4:28) 11. From Rochdale To Ocho Rios (3:44) 12. Everything You’ve Wanted To Know About !!! (Exclamation Marks) (4:26) Produced by Eric Stewart and Graham Gouldman |
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| Tracklist CD1: 01. The second sitting for the last supper [0:05:22.12] 02. You’ve got a cold [0:03:57.58] 03. Honeymoon with B troop [0:03:56.35] 04. Art for arts sake [0:07:14.32] 05. People in love [0:04:11.35] 06. Wall Street shuffle [0:04:12.38] 07. Ships don’t disappear in the night (do they) [0:07:33.42] 08. I’m Mandy fly me [0:06:03.03] 09. Marriage bureau rendezvous [0:04:19.32] Tracklist CD2: |
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| 01. Une Nuit A Paris (8:42) 02. I’m Not In Love (6:04) 03. Blackmail (4:27) 04. The Second Sitting For The Last Supper (4:27) 05. Brand New Day (4:06) 06. Flying Junk (4:12) 07. Life Is A Minestrone (4:44) 08. The Film Of My Love (5:04) Produced by 10cc |
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| 01. The Wall Street Shuffle [0:03:57.48] 02. The Worst Band In The World [0:02:45.72] 03. Hotel [0:04:50.73] 04. Old Wild Men [0:03:20.08] 05. Clockwork Creep [0:02:45.06] 06. Silly Love [0:04:00.21] 07. Somewhere In Hollywood [0:06:38.42] 08. Baron Samedi [0:03:46.03] 09. The Sacro-Iliac [0:02:32.23] 10. Oh Effendi [0:02:51.71] 11. 18 Carat Man Of Means (Bonus Track) [0:03:27.54] 12. Gismo My Way (Bonus Track) [0:03:43.37] 13. The Worst Band In The World (Radio Version, Bonus Track) [0:02:49.26] |
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| 01. The Wall Street Shuffle [0:03:55.25] 02. The Worst Band In The World [0:02:48.17] 03. Hotel [0:04:57.35] 04. Old Wild Men [0:03:23.10] 05. Clockwork Creep [0:02:46.33] 06. Silly Love [0:04:02.12] 07. Somewhere In Hollywood [0:06:41.00] 08. Baron Samedi [0:03:48.58] 09. The Sacro-Iliac [0:02:34.60] 10. Oh Effendi [0:02:50.17] |
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| 01. Johnny Don’t Do It (3:37) 02. Sand In My Face (3:38) 03. Donna (2:56) 04. The Dean And I (3:05) 05. Headline Hustler (3:33) 06. Speed Kills (3:50) 07. Rubber Bullets (5:17) 08. The Hospital Song (2:43) 09. Ships Don’t Disappear (Do They?) (3:06) 10. Fresh Air For My Mama (3:05) Bonus tracks 11. Hot Sun Rock (3:01) 12. 4% Of Something (4:01) 13. Waterfall (3:44) 14. Bee In My Bonnet (2:03) 15. Rubber Bullets (Single Version) (4:09) Produced by 10cc |
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| 01. Rubber Bullets [0:05:16.70] 02. Donna [0:02:55.07] 03. Johnny Don’t Do It [0:03:39.35] 04. Sand In My Face [0:03:38.53] 05. Speed Kills [0:03:50.02] 06. The Dean And I [0:03:04.15] 07. Ships Don’t Disappear (Do They?) [0:03:05.53] 08. The Hospital Song [0:02:43.30] 09. Fresh Air For My Mama [0:03:05.67] 10. Headline Hustler [0:03:32.08] |
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Barón Rojo
Barón Rojo es un grupo español de heavy metal, formado en 1980 y que consiguió un cierto éxito internacional a principios de la misma década.
Barón Rojo nació de la unión de cuatro músicos: los hermanos Armando y Carlos de Castro, José Luis Campuzano, también conocido como «Sherpa», y Hermes Calabria
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Los hermanos Carlos y Armando de Castro permanecieron en el grupo Coz hasta 1980, momento en que las relaciones del grupo se deterioraron y el grupo se dividió en dos. Los hermanos de Castro, junto al cantante y bajista José Luis Campuzano y el batería uruguayo Hermes Calabria, anteriormente en el grupo de rock progresivo Psiglo, fundaron Barón Rojo, mientras que la otra mitad del grupo Coz continuó con su carrera publicando algunos discos más.
Una vez formado, el grupo debuta a comienzos de 1981 con el álbum Larga Vida al Rock’n Roll, publicado por la compañía Chapa/Zafiro. Lanzan como primer single el tema Con botas sucias, cuyas siglas aluden veladamente a CBS, la compañía discográfica que editaba los discos del anterior grupo de los hermanos De Castro (Coz). El disco está dedicado a la memoria de John Lennon, que había sido asesinado recientemente.
El álbum obtiene el disco de oro, lo que les proporciona actuaciones por toda España y comentarios en televisión, radio y prensa.
Gracias a los beneficios del primer LP, el grupo se traslada a Londres, donde graba su segundo trabajo titulado Volumen Brutal. Éste se graba en los estudios Kingsway de Ian Gillan, cantante de Deep Purple, en sólo dos semanas. De este disco existen dos versiones: Una grabada en castellano y otra en inglés con la compañía «Kamaflage», que adquirió los derechos del disco para su venta en Europa. Tanto la versión en castellano como la inglesa triunfan en Inglaterra y en otros lugares de Europa.
Barón Rojo «bombardean» Inglaterra con temas como Los rockeros van al infierno, Incomunicación o Resistiré (Stand Up en inglés), con el que alcanzan el aplauso de parte de la prensa especializada y logran encabezar las portadas de algunas revistas especializadas como Kerrang!. El 27 de agosto de 1982 Barón Rojo actúa junto a Iron Maiden, Gary Moore, Marillion, Twisted Sister y M.S.G. en el «Reading Festival 82». De Volumen brutal merece mención especial el tema Concierto para ellos, dedicado a Bon Scott y otros músicos de rock fallecidos.
En 1983 se publica el tercer disco, titulado Metalmorfosis, grabado también en Londres. Aparecen en él temas como Casi me mato, El malo y Tierra de vándalos, así como el tema más sentimental de la banda: «Siempre estás allí».
En 1984 sale a la venta un disco doble en directo titulado Barón al rojo vivo grabado con los más avanzados sistemas de la época. El disco, incluye cuatro canciones nuevas entre sus hits más conocidos («Campo de concentración», «El mundo puede ser diferente», «Mensajeros de la destrucción» y «Atacó el hombre blanco»), así como una pequeña versión instrumental de «Whole lotta love» de Led Zeppelin («Muchísimo amor») y las instrumentales «Czardas» y «Buenos Aires», esta última dedicada a la capital argentina.
En 1985 presentan el disco En un lugar de la marcha con canciones tan conocidas como Hijos de Caín, en la que colabora José Barta a los teclados, y Cuerdas de acero.
El año 1986 sale a la venta el álbum en vivo Siempre Estáis Allí, en el cual deleitan a sus fans con los temas que no pudieron entrar en el álbum en vivo anterior, Barón Al Rojo Vivo, producido por la misma banda para Chapa Discos.
En 1987, nos entregan su trabajo Tierra de Nadie, producido por Joaquín Torres para Serdisco, el cual fue grabado en «Torres Sonido» de Torrelodones, Madrid, durante los meses de marzo, abril y mayo del mismo año. Con este álbum comienza un período de experimentación en el cuál Barón Rojo busca integrar su estilo compositivo con nuevos elementos. Destacan en este álbum los temas La voz de su amo, Sombras en la noche o la propia Tierra de Nadie, que goza de majestuosas orquestaciones.
El álbum No Va Más, de 1988, nuevamente lanzado por la discográfica Serdisco, está enfocado sobre el tema de las apuestas y sus consecuencias, el mismo muestra a un Barón Rojo que experimenta ampliamente con teclados, apreciable en los temas Cansado de esperar y Mil años luz, encontrándonos también con la experimentación de un curioso violín chino (además del banjo) en el extraño tema Celtas cortos, que hace alusión a una famosa marca de cigarrillos.
Casi un año después llega su nuevo trabajo, Obstinato, nuevamente producido por Barón Rojo para Serdisco. El álbum fue grabado en los estudios Chamber durante marzo y abril de 1989. En él se deja un poco de lado la línea experimental abierta en los dos anteriores, aunque sin abandonarse completamente. Contiene temas como Vampiros y banqueros, Tren fantasma o Pura sangre, así como una nueva versión más tranquila y relajada del tema Herencia letal, aparecido en Metalmorfosis.
Barón Rojo sería la banda de Rock más importante y grandiosa de la historia de España, constituyéndose como emblema del género dentro del país, arrastrando miles de seguidores durante décadas y constituyendo una leyenda nacional dentro de la música rock. Esta formación inicial de Barón Rojo (los hermanos De Castro, Sherpa y Hermes) sería la más célebre, gloriosa y reputada, permaneciendo incólume hasta que Sherpa y Hermes abandonan el grupo en 1990, producto de una suma de factores, tales como mala relación con Carlos y Armando, desilusión causada por una cada vez menor repercusión mediática en España del Heavy metal en general y de Barón Rojo en particular, y agotamiento debido a una década plagada de numerosas giras. A finales del mismo año, Jose Luis Campuzano y Hermes Calabria abandonan la formación, pero los hermanos De Castro deciden continuar con la banda y experimentan con varias formaciones, como la que llevó a Barón Rojo a estar integrado por cinco componentes, al unírseles Pepe Bao al bajo (conocido por bandas como Manzano y, más adelante, O’funk’illo), José Antonio Nogal «Ramakhan» a la batería (de Tritón), y Maxi González (también de Tritón), voz solista en todos los temas.
Álbumes
Larga vida al rock and roll – 1981
Volumen brutal – 1982
Metalmorfosis – 1983
En un lugar de la marcha – 1985
Tierra de nadie – 1987
No va más – 1988
Obstinato – 1989
Desafío – 1992
Arma secreta – 1997
20+ – 2001
Perversiones – 2003
Ultimasmentes – 2006
Tommy Barón – 20128
En directo
Barón al rojo vivo – 1984, formación original.
Siempre estáis allí – 1986, formación original.
Barón en Aqualung – 2001
Desde Barón a Bilbao – 2007 (DVD y 2 CD)
En clave de rock – 2008, en este directo tocan acompañados de la banda sinfónica C.I.M. de Mislata (Valencia), siendo así el primer disco de la banda que se acerca al rock sinfónico.
Recopilatorios
Larga vida al Barón – 1995
Cueste lo que cueste – 1999
Las aventuras del Barón – 2006
Miembros
Formación original (1980 – 1991)
Carlos de Castro (guitarra y voz)
Armando de Castro (guitarra y voz)
José Luis Campuzano “Sherpa” (bajo y voz)
Hermes Calabria (batería)
Formación actual desde 2007:6
Armando de Castro: Guitarra y voz. (Miembro desde 1980)
Carlos de Castro: Guitarra y voz. (Miembro desde 1980)
Rafa Díaz: Batería. (Miembro desde 2007)
En 2011 se unieron para la gira Gira 30 Aniversario los cuatro “barones” originales -Carlos de Castro (guitarra y voz) y Armando de Castro (guitarra y voz), José Luis Campuzano “Sherpa” (bajo y voz) y Hermes Calabria (batería)- están dispuestos a continuar con su reunión también durante 2013, año en el que se estrenará la cinta documental ‘Larga Vida Al Rock And Roll. Barón Rojo: La Película‘.
Miembros anteriores
José Luis Campuzano Sherpa (de 1980 hasta 1989): Bajo y voz.
Hermes Calabria (de 1980 hasta 1989): Batería
Máximo González (1991): Voz
Pepe Bao (de 1990 hasta 1991): Bajo
José Antonio Nogal Ramakhan (de 1991 hasta 1995): Batería
Niko del Hierro (de 1991 hasta 1992): Bajo y coros
José Luis Aragón (de 1993 hasta 1995): Bajo y coros
Valeriano Rodríguez (de 1998 hasta 2005): Batería
Ángel Arias (de 1995 hasta 2007): Bajo y voz
José Martos (de 1996 hasta 1998 y de 2005 hasta 2007): Batería
Tony Ferrer (de 2007 hasta 2008): Bajo
Gorka Alegre (de 2008 hasta 2015): Bajo y coros
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CD1: CD2: |
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Azabache
En 1978 el grupo madrileño Azahar se escinde. Dos de sus cuatro componentes: Antonio Valls y Dick Zappala deciden seguir adelante con el grupo. Los otros dos: Jorge -Flaco- Barral (guitarra acústica y bajo) y Gustavo Ros (teclados) abandonan y comienzan un nuevo proyecto, que denominan Azabache. Con ellos también se irá el productor Gonzalo García Pelayo, que les consigue un contrato con Movieplay, dentro de la serie Gong, que él mismo dirige, en la que ya estaba encuadrado Azahar.
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En principio, completarán el grupo con el guitarrista Daniel Henestrosa y el batería Ricardo Valle. No obstante, muchos pensamos entonces que Azabache era un dúo. Basta ver la foto que acompaña este comentario para apreciar a Gustavo Ros, a la izquierda, y Flaco Barral, a la derecha, ambos en primer plano. Al fondo, muy al fondo, los otros dos componentes. Esta foto, que figura en la contraportada de su primer LP y fue portada de uno de sus singles, deja a las claras quiénes partían el bacalao en la formación.
En 1979 aparecerá su primer disco, el largo “Días de Luna” (Movieplay, 1979) que obtendría unas modestas ventas. Al año siguiente, el batería deja el grupo y el Flaco Barral va a traer un compatriota uruguayo para ocupar el puesto: Hermes Calabria. En ese momento de cambios en el grupo, entrará también Miguel Torres (voz y flauta). Lanzan «No, Gracias» (Movieplay, 1980), este segundo disco, aunque supone una clara evolución respecto al primero, tampoco acaba de funcionar en cuanto a ventas y Azabache pasa a mejor vida a principios de 1981.
Cuando uno escucha los viejos discos de Azabache, piensa que algo se le escapa, que hay algo que no acaba de comprender en lo que está oyendo. Evidentemente, el punto de partida es el rock progresivo, pero en cada corte el grupo parece querer jugar al despiste con el oyente. Temas de folk instrumental como “Noche de meigas galopantes”, sonoros aldabonazos a la naciente nueva ola en “Cuidado con la Marisol”, música progresiva tópica en “Algún día”, claras referencias a Mick Oldfield en las guitarras, etc. Y esto sólo por referirme a su primer LP. Ese batiburrillo de estilos hace que su primer disco suene indefinido, aunque en él un oyente atento va a encontrar momentos memorables. Tampoco ayuda el hecho de que Azabache carecía de cantante en sentido estricto y las canciones aparecen cantadas indistintamente por cualquiera de los miembros del cuarteto.
Su segundo disco se apunta a un rock urbano y un tanto apocalíptico. Las referencias a los dos estilos, supuestamente antagónicos, que imperaban en el Madrid de 1980: el rock urbano y los primeros trabajos importantes de La Movida aquí se nos presentan entremezclados. Azabache logra en su segunda producción un buen disco de rock, con letras de mensaje más o menos ecologista y una producción mejorable. Las mezclas dejan bastante que desear y el sonido general resulta algo oscuro y plano a pesar de la interpretación llena de matices que realiza la banda. Estas deficiencias técnicas restan posibilidades a un disco que intentaba aunar estilos y que podría haber resultado muy interesante.
Azabache como vino se fue, sin ruido, con actuaciones que casi siempre se desarrollaron en pequeñas salas y dejando tras de sí dos álbumes difícilmente clasificables, con un tono general de medianía, pero con detalles instrumentales y momentos compositivos de alta escuela.
Sus componentes siguieron en la brecha. A Flaco Barral y su bajo lo encontraremos acompañando a Hilario Camacho, formando parte de Labanda y al frente del estudio de grabación Colores, donde grabarían Siniestro Total, Vulpess, 091 y un largo etcétera de grupos de los ochenta. A Hermes Calabria lo veremos solo unos meses después de la desaparición del grupo sentado tras los tambores de Coz y en 1982 formando parte de Barón Rojo.
Carreras Domingo Pavarotti – Los Tres Tenores
Los Tres Tenores es el nombre dado a un espectáculo realizado por los cantantes de ópera Luciano Pavarotti, José Carreras y Plácido Domingo, quienes ofrecieron juntos una serie de conciertos entre 1990 y comienzos del siglo XXI. El repertorio de los Tres Tenores comprendió desde óperas y obras de Broadway hasta canciones napolitanas y éxitos de la música pop.
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El productor italiano Mario Dradi concibió la idea del concierto. El primero se llevó a cabo para recaudar fondos para la Fundació Internacional Josep Carreras per a la Lluita contra la Leucèmia; también fue para los amigos Domingo y Pavarotti, una forma de dar la bienvenida a Carreras en el mundo de la ópera después de haber tenido éxito en su tratamiento de la leucemia. Para el primer concierto de 1990 se planificó tener como escenario a la ciudad de Roma aprovechando el final de la Mundial de Fútbol realizado en Italia,.
El concierto de Roma resultó en un enorme éxito, y las grabaciones del mismo (tanto en discos como en cintas de video) fueron ampliamente vendidas en todo el planeta. El éxito del concierto de 1990 motivó que el espectáculo quedara denominado definitivamente como Los Tres Tenores, quienes continuaron cantando juntos en conciertos producidos por el mánager húngaro Tibor Rudas y otros productores. Así, se planificó un segundo espectáculo en el Dodger Stadium de Los Ángeles antes del partido final de la Copa Mundial de Fútbol de 1994, el cual contó con una masiva asistencia y cuyas grabaciones discográficas y televisivas repitieron el gran éxito de cuatro años antes.
Ante ello, el espectáculo de Los Tres Tenores fue repetido en el Campo de Marte de París, bajo la Torre Eiffel durante la Copa Mundial de 1998, y luego se realizó en Yokohama (Japón) con motivo de la Mundial de Fútbol del 2002. También se reprodujeron conciertos similares en otras ciudades de todo el mundo (Londres, Nueva York, etc.), generalmente presentándose en estadios u otros grandes espacios. En Chile, una presentación similar se hizo, bajo el nombre de «Chile tres tenores cantan a Santiago», inspirado en las actuaciones de Domingo, Pavarotti y Carreras en la final de la Copa Mundial de Italia 1990, EE.UU. 1994, Francia 1998 y Corea Japón 2002.
Los conciertos fueron un gran éxito comercial, y fueron acompañados por una serie de grabaciones de gran éxito, incluyendo «Carreras-Domingo-Pavarotti: Los Tres Tenores en Concierto» (que posee el récord mundial Guinness para el álbum de música clásica más vendido en la historia), «Los Tres Tenores en Concierto 1994», «Los Tres Tenores: París 1998», «Los Tres Tenores Navidad», «Lo mejor de Los Tres Tenores». El director indio Zubin Mehta fue encargado de las actuaciones en 1990 y 1994, mientras que el concierto de París fue dirigido por James Levine.
Los Tres Tenores mantuvieron en todos sus conciertos un amplio repertorio: desde la ópera clásica italiana o alemana hasta canciones de Broadway, incluyendo canciones napolitanas y éxitos de música pop adaptados a la música clásica. Su característica firma incluye el aria Nessun dorma de la ópera Turandot de Giacomo Puccini, y la balada italiana «O Sole Mio».
El fenómeno de los Tres Tenores fue aplaudido por muchos críticos debido a que implicaba presentar la ópera y la música clásica en general a un público más amplio que el tradicional, pero algunos puristas del género condenaron estos espectáculos alegando que la música clásica no podía ser entendida por grandes masas, agregando que era absurdo mezclar música popular y música culta con un simple ánimo de lucro en vista de grandes pagos que los tres cantantes y el director Zubin Mehta percibieron (más de 1 millón de dólares estadounidenses (US $1 000 000) por persona). Algunos críticos alegaron que la presentación de la ópera en estadios como en el Estadio de Wembley, con amplificadores pesados, contribuye muy poco a la comprensión y apreciación de la ópera. «Entiendo las quejas de los puristas,» dijo Plácido Domingo a un entrevistador en 1998, «pero no quiero que los puristas vayan a ver a los Tres Tenores». Estos tres cantantes han dejado una gran y hermosa huella en la historia de la música.
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 01. What To Take You Higher 5.06 02. Pavane 3.46 03. No Time To Live 5.25 04. Maiden Voyage 5.01 05. Listen Here 9.26 06. Adagio Per Archi E Organa 3.30 07. Just You Just Me 6.31 08. Rain Forest Talking (Bonus Track) 4.05 09. Pavane (Demo) (Bonus Track) 3.43 10. Fire In The Mind (Bonus Track) 4.48 |
 01. Dragon Song 4.27 02. Total Eclipse 11.35 03. The Light 4.24 04. On The Road 5.25 05. The Sword 6.35 06. Oblivion Express 7.51 07. Dragon Song (Live ’72) 5.32 |
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Bebe
María Nieves Rebolledo Vila (Valencia, 9 de mayo de 1978), conocida como Bebe, es una cantautora y actriz española que ganó la fama internacional con los sencillos «Malo» y «Ella». Nació en Valencia y con un año de vida se trasladó a Extremadura.
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La cantante Bebe nació el 9 de mayo de 1978 en Valencia, aunque sólo vivió un año en aquella ciudad. Se crió en Zafra, en Montijo y en Mérida.
Creció en un ambiente musical ya que sus padres formaban parte del grupo de folk Suberina. Vivió en San Vicente de Alcántara (Badajoz) en su juventud. Sus padres, según Bebe, «aficionados a la música» le inculcaron desde pequeña el amor por la isma, siempre vivió rodeada de instrumentos musicales y así le surgió la vena musical, comenzando en 1995 su trayectoria como corista en el grupo Vanagloria.3
En 1996, tras terminar sus estudios de COU en Badajoz, se fue a Madrid a estudiar arte dramático. A los pocos meses comenzó a actuar en locales de la capital y en el año 2001 ganó un concurso de cantautores en Extremadura.
Canta con su banda sin dejar de lado actuaciones en solitario y aparece como personaje secundario en dos películas de producción nacional, Al sur de Granada y El Oro de Moscú en 2003, y, en un capítulo de la serie El comisario.
A finales de 2003 le llega la oferta para publicar un álbum. El álbum aparece por fin en marzo de 2004, con el título de Pafuera Telarañas con producción de Carlos Jean. Entre sus canciones más conocidas se encuentran «Ella», «Siempre me quedará», o «Malo», que obtuvo gran éxito en Italia en el verano de 2006[. En el álbum se ofrece una pista extra con la canción «Que nadie me levante la voz», que Bebe interpreta para la serie de Telecinco, Aída.
El 27 de junio de 2006 anunció su retirada temporal del mundo de la música, centrándose en su carrera como actriz, que dio un salto con La educación de las hadas, dirigida por José Luis Cuerda, y Caótica Ana, dirigida por Julio Medem.
En junio de 2009 presentó su nuevo trabajo musical, un disco llamado Y.. Sus sencillos fueron «La bicha», «Me fui», «Pa mi casa» y «Busco me». En la ceremonia de los Grammy Latinos de 2009 confirmó estar embarazada y el 31 de marzo de 2010 dio a luz a su primera hija, de nombre Candela.
Ha colaborado con Los Amaya, Tontxu, Chambao, Luis Pastor, Albert Pla, El Combolinga, Los Delinqüentes, El Tío Calambres, Kultama, Paco Bello, Los Aldeanos, Shinoflow y SYJ, entre otros; y es coautora, junto a Hernán Zin y Carlos Jean, de «César debe morir», la canción central del documental dirigido por Hernán Zin La guerra contra las mujeres estrenado en Televisión Española en noviembre de 2013.
Discografía
2004 Pafuera telarañas
2009 Y.
2012 Un pokito de rocanrol
2015 Cambio de piel
Sencillos
Pafuera telarañas
«Malo»
«Ella»
«Con mis manos»
«Siempre me quedará»
«Como los olivos»
«Que nadie me levante la voz» (Tema de la serie Aída)
Y.
«Me fui»
«La bicha»
«Pa mi casa»
«Busco-me»
«Se fue»
Un pokito de Rocanrol
«K.I.E.R.E.M.E.» (lanzado en iTunes el 25 de noviembre de 2011)
«Adiós»
«Me pintaré»
«Mi guapo»
Cambio de piel
«Respirar»
«Que llueva»
«Ganamos»
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Carl Perkins
Carl Lee Perkins (Ridgely, Tennessee, 9 de abril de 1932 – Jackson, Tennessee, 19 de enero de 1998) fue un músico estadounidense pionero del rockabilly, una mezcla de rhythm and blues y música country, que inició su carrera con la Sun Records en Memphis al comienzo de los años 50.
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De origen humilde, su padre era un granjero arrendatario, Perkins se crio rodeado por la música gospel cantada por los afroamericanos en los campos del algodón.
A la edad de siete años ya jugaba con una guitarra que su padre le hizo con una caja de cigarros y los alambres de embalaje. A los trece, ganó un concurso de nuevos talentos con una canción que él mismo escribió y que la llamó «Movie Magg». Diez años más tarde, Perkins llevaría esa misma canción, renombrada como Sam Phillips, a la Sun Records.
Sus comienzos fueron trabajando en salones de baile country de su pueblo, acompañado por sus hermanos Jay con la guitarra rítmica y Clayton al bajo. De este modo terminaría también su carrera.
En 1955, un desesperadamente pobre y luchador Perkins, escribió la canción «Blue Suede Shoes» (Zapatos de gamuza azul) sobre un viejo saco de patatas. Con Sam Phillips como productor, el disco sería un éxito clamoroso. En los Estados Unidos, alcanzó el número 1 en la Billboard magazine en su sección de música country, el 4 en la sección de música Pop y el 3 en la de rhythm and blues. En el Reino Unido, se convirtió en un éxito de los Top Ten. Fue el primer disco de un artista de la casa Sun que alcanzó un millón de copias, dicho tema sería interpretado posteriormente en 1956 por Elvis Presley con un estilo country más marcado, colocándolo nuevamente como un éxito.
En el momento en que Perkins y Blue Suede Shoes veían la cima del éxito a nivel nacional, éste sufrió un grave accidente de coche. Ocurrió el 21 de marzo de 1956 cuando viajaba junto a su grupo a participar en un programa de televisión de Ed Sullivan que servía de trampolín a muchos artistas. En el accidente, ocurrido en Wilmington, fallecieron su hermano Jay y su manager. Perkins sufrió una fractura de cráneo que lo mantuvo fuera de la música todo un año. Durante su convalecencia, Perkins sólo pudo ver como su amigo, Elvis Presley, obtenía un enorme éxito cantando su misma canción.
Intencionadamente o no, la versión de Elvis robó el éxito inicial de Perkins, y él nunca alcanzó otro nuevo éxito, incluso después de su marcha a la Columbia Records en 1958. Casi a la par Eddie Cochran, grabó una versión de Blue suede shoes a su estilo, más apegada al estilo country de Elvis Presley, pero con el estilo llamado Sonido Cochran.
Sin embargo, sus canciones fueron escuchadas por el público, en la interpretación de otros grupos, como la banda británica The Beatles, que grabaron los temas «Matchbox», «Honey Don’t» y «Everybody’s Trying To Be My Baby».
En 1968, Johnny Cash alcanzó, con la canción escrita por Perkins «Daddy Sang Bass», el número 1 en las listas de música country. Perkins pasaría una década de giras con los Cash. También realizaría giras con sus hijos Stan y Greg.
En 1982, Perkins colaboró en el álbum de Paul McCartney Tug Of War, haciendo dúo con el ex Beatle en la canción «Get It».
Carl Orff
Carl Orff (Múnich, 10 de julio de 1895 – ibídem, 29 de marzo de 1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana y también por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niños (Schulwerk o ‘método Orff’) que ha tenido notables resultados.
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Carl Orff nació en Múnich, el 10 de julio de 1895. Su familia era originaria de Baviera y estaba vinculada al ejército alemán.
Orff comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones de órgano y cello. Sin embargo, se mostró más interesado en la composición que en el estudio orientado a la interpretación instrumental. Por eso mismo, desde muy temprano Orff escribió y puso en escena obras de títeres para su familia, componiendo la música para piano, violín, cítara y glockenspiel para acompañar sus obras. Además, publicó en 1905 un cuento en una revista para niños y comenzó a escribir un libro acerca de la naturaleza mientras, en su tiempo libre, disfrutaba coleccionando insectos.
En 1912, a la edad de 16 años, comenzó a publicar parte de su música. Muchos de sus trabajos de juventud están inspirados en la poesía alemana. Por eso, se pueden clasificar dentro del estilo de Richard Strauss y otros compositores alemanes de la época, pero que ya muestran indicios de lo que sería el distintivo lenguaje musical de Orff.
En 1911-1912 Orff escribió Zaratustra, Op. 14, un amplio trabajo para barítono, tres coros y orquesta, inspirado en la obra filosófica de Friedrich Nietzsche Así habló Zaratustra. En 1913 compuso una ópera o drama musical titulado Gisei, das Opfer (Gisei, el sacrificio). Influenciado también por el compositor impresionista francés Claude Debussy, comenzó a utilizar inusuales y coloridas combinaciones de instrumentos en su orquestación.
El Musik-Lexikon de Moser nos dice que Orff estudió hasta 1914 en la Königlichen Akademie der Tonkunst (Academia de música de Múnich), ahora llamada Hochschule für Musik und Theater. Después sirvió en el ejército durante la Primera guerra mundial. Fue gravemente herido durante un bombardeo de artillería mientras se encontraba en una trinchera. Más adelante ocupó varios puestos en las óperas de Mannheim y Darmstadt y, finalmente, volvió a Múnich para proseguir sus estudios musicales.
A mediados de la década de 1920 Orff comienza a formular un concepto que llamó elementare Musik (música elemental) que estaba basado en la unidad de las artes, simbolizado por las antiguas musas griegas (vocablo del cual proviene el nombre Música), involucrando al tono, la danza, la poesía, la imagen, el diseño y el gesto teatral. Como muchos otros compositores de la época, se vio influenciado por el émigré (emigrante) Ruso-Francés Igor Stravinsky. Pero mientras otros seguían el estilo neoclásico «fresco y balanceado» de algunos trabajos de Stravinsky, a Orff le interesaron más otras obras como Las bodas, una evocación cuasi-folclórica a los antiguos ritos de boda. Entonces él comenzó a adaptar obras musicales de eras tempranas para la representación teatral en su tiempo, incluyendo la ópera de Claudio Monteverdi Orfeo (1607). La versión alemana de Orff, Orpheus, fue puesta en escena en 1925 en Mannheim, Alemania bajo la dirección del propio Orff y usando algunos de los instrumentos utilizados en la ejecución original de 1607. Esta apasionada y declamada ópera de Monteverdi era prácticamente desconocida en los años 1920; sin embargo, la producción de Orff se encontró con reacciones que iban desde la incomprensión hasta la ridiculización.
Tras fundar junto a Dorothee Günther en 1924 la Escuela Günther para gimnasia, música y danza en Múnich, Orff fue jefe de departamento de dicha escuela hasta el fin de su vida. Allí trabajó con alumnos principiantes y desarrolló sus teorías en educación musical, teniendo un contacto constante con los niños. En 1930, Orff publicó un manual titulado Schulwerk, donde comparte su método educativo. Antes de escribir los Carmina Burana, Orff editó óperas del siglo XVII.
The Cardigans
The Cardigans es una banda sueca formada en la ciudad de Jönköping en 1992. El estilo de su música ha variado de álbum en álbum. En sus comienzos se los podría encuadrar dentro del indie, pasando por un pop más inspirado en los años 1990 y el rock.
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Cada una de sus grabaciones abrió nuevos mercados y atrajo la atención de nuevas audiencias. El álbum Emmerdale (1994) les dio una sólida base en su país natal y en algunos otros países, especialmente en Japón. Pero no fue antes de su segundo álbum Life (1995) que la audiencia y críticos internacionales respondieron. La banda hoy en día es muy conocida en el extranjero por su sencillo «Lovefool», del álbum First band on the moon (1996). Este sencillo fue incluido en la banda sonora de la película Romeo + Julieta del director Baz Luhrmann, asegurándoles popularidad a los miembros de la banda. Tienen gran éxito en Europa, Japón y América. Otras de sus canciones más populares son «My favourite game» conocido por su aparición en el juego de Gran Turismo 2 para Playstation y «Erase/Rewind», ambos pertenecientes a Gran turismo lanzado en 1998. En el 2003, tras 4 años sin lanzar un álbum, se lanza Long gone before daylight. En el 2005 lanzan Super extra gravity. Han vendido cinco millones de discos a nivel mundial.
The Cardigans es un grupo nacido en Suecia. Se formó el 31 de octubre de 1992 en la pequeña ciudad de Jönköping, al sudoeste de Suecia.
Su primer disco fue Emmerdale y fue lanzado en 1994. De este álbum, el primer sencillo que se lanzó fue «Rise & shine». Esta canción se convirtió rápidamente en una de las favoritas de las radios suecas, y Slitz, la revista de música más importante del país, calificó el disco como el mejor del año.
Después de una larga serie de exitosos conciertos, The Cardigans volvieron a entrar en los Tamborine Studios de Malmö y junto con Tore Johansson, el productor de su primer disco, empezaron a componer las canciones del que sería su nuevo álbum, Life que saldría a la venta en marzo de 1995. Este álbum, editado por Stockholm Records y distribuido por Polygram, la banda recupera algunas canciones de Emmerdale, como «Rise & shine». En este nuevo disco además, se incluye una versión de «Black Sabbath (Sabbath bloody Sabbath)». Pero el sencillo que dio a conocer este álbum fue «Carnival».
Álbumes de estudio
1994: Emmerdale.
1995: Life.
1996: First band on the moon.
1998: Gran turismo.
2003: Long gone before daylight.
2005: Super extra gravity.
Compilaciones
1997: The other side of the moon.
2005: iTunes Originals – The Cardigans.
2008: Best of
Bandas sonoras
1996: Romeo + Julieta.
Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán
Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, también conocidos por sus siglas, CRAG, es un cuarteto español de música pop, intermitentemente en activo desde los años 1970, formado por los músicos Juan Robles Cánovas, Rodrigo García, Adolfo Rodríguez y José María Guzmán.
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Los cuatro juntos han publicado solamente tres elepés y, aunque en su momento no tuvieron prácticamente éxito, ni de público ni de crítica, con el tiempo han sido reivindicados por su música, sus letras y sus armonías vocales y han sido comparados con la banda estadounidense Crosby, Still, Nash and Young, hasta el punto de que su elepé Señora azul está considerado uno de los mejores de la historia del pop español.
Los cuatro componentes del grupo se unieron en 1974 provenientes de otras bandas que ya habían tenido éxito: Cánovas había sido el batería de la banda de rock progresivo Módulos y del grupo Franklin; Rodrigo provenía de Los Pekenikes; Adolfo había sido vocalista y guitarrista de Los Íberos; y Guzmán, junto con Rodrigo y los hermanos José y Manuel Martín, habían pertenecido al grupo Solera, que el año anterior había grabado su único disco, llamado como el grupo.
El mismo año de su formación el grupo sacó su primer elepé, Señora Azul, con la compañía discográfica Hispavox y producido por Rafael Trabucchelli. El disco incluía los temas Señora azul, Sólo pienso en ti, con un elegante arreglo orquestal, Carrusel, en el que destaca el uso del sintetizador, El río, Don Samuel Jazmín, Si pudieras ver, Nuestro problema, Buscando una solución, Supremo director, María y Amaranta, una historia sobre una relación lésbica y El vividor.
Señora azul, que se ha convertido en el tema más conocido de CRAG, ha tenido varias interpretaciones. Según algunos era una crítica contra el franquismo y, más concretamente, contra la censura imperante en aquellos años, aunque los integrantes del grupo desmintieron este punto y señalaron que el tema estaba dedicado a los críticos musicales.
El disco apenas tuvo éxito en su época pero su influencia no ha hecho sino crecer con los años. La revista especializada Rockdelux lo situó en 2004 en el puesto número 11 entre «Los mejores 100 discos españoles del siglo XX».
Tras el fracaso comercial de su primer disco, los cuatro músicos trabajaron como banda de acompañamiento para la cantante Karina y sólo volvieron a grabar una década después, publicando en 1984 el álbum Queridos compañeros y, al año siguiente, CRAG 1985, ambos con la compañía Polygram, y ambos grabados y copodrucidos por José Antonio Álvarez Alija. De esta época trata la primera aparición del grupo con sus cuatro integrantes, ya que hasta entonces, en los escasos conciertos que dieron, siempre lo hicieron como trío, Cánovas, Adolfo y Guzmán o Rodrigo, Adolfo y Guzmán. Esta aparición tuvo lugar en octubre de 1984 en el programa de Televisión Española La tarde.
En los años siguientes, los cuatro miembros siguieron sus carreras en solitario. Guzmán formó en los años 80 el grupo Cadillac, tachado por la crítica de comercial y previsible, que participó con el tema Valentino en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1986, tras el que se disolvieron después de siete años en activo. Posteriormente, ya en solitario, Guzmán editó cuatro discos.
En 1994, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, sin Cánovas, publicaron un nuevo disco, Rodrigo, Adolfo y Guzmán.
El 28 de junio de 2005 se presentó, con el nombre de Gran Reserva 30 años, un disco recopilatorio del grupo en la sala Manuel de Falla de la Sociedad General de Autores y Editores, en Madrid. El trabajo incluía un CD con la reedición de Señora azul; otro con los mejores temas de sus otros discos, una maqueta inédita de 1978, y temas de los grupos Solera, Los Pekenikes, Los Íberos, Módulos y Cadillac; y un DVD con sus escasas apariciones televisivas y un pequeño documental sobre el grupo. Durante la presentación, los cuatro músicos interpretaron los temas Los blues, Sólo pienso en ti, Señora azul y Queridos compañeros.
El 6 de octubre de ese mismo año, el cuarteto dio en la Sala Galileo Galilei de Madrid su primer concierto público en treinta años, en un acto organizado a través de la Fundación Autor por la SGAE, dentro de la VII Semana de Autor. Posteriormente, los días 13 y 14 de diciembre, en una pequeña gira, actuaron en el Teatro del Mercado de Zaragoza y en el Teatro del Matadero de Huesca.
El 13 de octubre de 2014, celebrando la reedición del álbum Señora Azul, que cumplía 40 años, Cánovas, Adolfo y Guzmán, sin Rodrigo, volvieron a llenar la sala Galileo Galilei de Madrid.
Miembros
Juan Robles Cánovas
Rodrigo García
Adolfo Rodríguez
José María Guzmán
Discografía
Señora azul (1974). Hispavox.
Queridos compañeros (1984). Polygram.
CRAG 1985 (1985). Polygram.
Rodrigo, Adolfo y Guzmán (1994). J.J. Record’s.
Gran Reserva 30 Años (2005). Emi.
Los Canarios
Los Canarios fue un grupo de rock español de las décadas 60s y 70s. Se formaron en las Las Palmas de Gran Canaria, en 1964, alrededor de su cantante Teddy Bautista, quien más tarde sería presidente de la SGAE, hasta su imputación judicial en 2011.
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El que fuera guitarrista de la banda en sus últimos tiempos, Salvador Domínguez, incluye los datos históricos de la banda en su libro Bienvenido Mr Rock. Inicialmente se hacían llamar «Los Ídolos», aunque al iniciar el viaje que realizaron a Estados Unidos (1967), decidieron cambiarse el nombre a «The Canaries», grabando allí su primer LP «Flying High With The Canaries».
A la vuelta españolizaron su nombre, y grabaron una serie de singles de rock con metales con muchas influencias soul, que tuvieron bastante proyección. Su primer sencillo en esta línea, fue «The incredible Miss Perryman» para la película Pepermint Frappé, de Carlos Saura, protagonizada por Geraldine Chaplin y José Luis López Vázquez. Pero su mayor hit lo obtendrían con su siguiente single, «Get On Your Knees», producido por Alain Milhaud y grabado en Londres, que se convirtió en la canción del verano en 1968.
La formación en esta época era la siguiente:
Teddy Bautista (cantante, armónica, guitarra de ritmo) -Gibson Les Paul custom-
Germán Pérez (guitarra solista) -Fender Telecaster-
Graham Bircumshaw (órgano)
Álvaro Yébenes (bajo) -Fender Jazz Bass-
Tato Luzardo (batería)
Feliciano «Nano» Muñoz (trompeta)
Alfredo Máiquez (trombón)
Vicente Máiquez (saxo)
A lo largo de este tiempo fueron pasando por el grupo varios músicos, entre ellos Félix Sierra, que sustituyó a Graham Bircumshaw al órgano, y el cantante madrileño Pedro Ruy-Blas, que fue el encargado de suplir la ausencia del líder del grupo, Teddy Bautista, durante su servicio militar (posteriormente participó en el interesante grupo Dolores, que desarrolló un sonido de jazz fusión con influencias aflamencadas, además de una prolongada carrera en solitario). Con la reincorporación de Teddy Bautista, evolucionaron hacia un sonido menos negro y más jazz-rock, como el que hacían en los EEUU grupos del tipo de Chicago o Blood, Sweat & Tears. En esta línea, menos cercana al soul pero manteniendo los metales, grabarían varios singles y dos LP, Libérate y Canarios Vivos.
En 1973, Bautista decidió rehacer el grupo con nuevos componentes, eliminando la sección de viento, para grabar un disco de rock progresivo o sinfónico, llamado Ciclos, basado en Las cuatro estaciones de Vivaldi.
Cuatro de los miembros de la banda que no encajaban en este cambio formaron entonces el grupo Alcatraz, que grabó un LP, y del que ha derivado la Orquesta Alcatraz, aún operativa.
Su tema «Free Yourself» ha sido usado en la película Al final del camino.
La mayor parte de los discos editados por la banda, no se encuentran actualmente disponibles en el mercado: «Ciclos» es el único disco de Los Canarios que es posible encontrar hoy comercialmente.
LP
1967: Flying High With The Canaries (Primer LP grabado y editado sólo en EEUU. En España lo editó en 1985 el sello Cocodrilo).
1968: Lo mejor del clan! (LP) (Recopilatorio de singles compartido con Pop-Tops)
1969: Lo mejor del clan Vol. II (LP) (Recopilatorio de singles compartido con Pop-Tops y Mike Kennedy)
1970: Libérate! (LP)
1972: Canarios Vivos (LP) (No contiene Revival, pues se editó como single)
1974: Ciclos (LP doble)
Singles
1967 The incredible miss Perryman-Peppermint Frappe / Keep on the Right Side
1967: Get on Your Knees / Trying So Hard
1967: Three-Two-One-Ah / Pain (editado también en Reino Unido por el sello «Major Minor»)
1968: Child / Requiem for a Soul
1970: Free Yourself / I wonder what freedom means
1971: Extra-extra / Reaching out
1971: Reacción / Señor estoy preparado
1972: Revival / Chaos
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Contenido |
 01. Hear It 1.49 02. Shades Of Truth 4.01 03. All Fantastic Images 2.08 04. The Biggest Killer In American History 2.14 05. No Substance 3.04 06. Raise Your Voice! 2.55 07. Sowing The Seeds Of Utopia 2.01 08. The Hippy Killers 3.01 09. The State Of The End Of The Millennium Address 2.22 10. The Voracious March Of Godliness 2.38 11. Mediocre Minds 1.56 12. Victims Of The Revolution 3.17 13. Strange Denial 3.02 14. At The Mercy Of Imbeciles 1.34 15. The Same Person 2.49 16. In So Many Ways 3.04 |
 01. Universal Cynic 2.17 02. Markovian Process 1.31 03. New From The Front 2.23 04. Leaders And Followers 2.42 05. Dream Of Unity 2.51 06. Tested 3.05 07. The Answer [Live] 3.11 08. The Dodo 2.12 09. Follow The Leader 4.26 Guest vocals on track «6» featuring Campino from Die Toten Hosen. |
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Infected 1 01. Infected 4.09 02. Incomplete [BBC Radio 1 Session] 2.29 03. The Handshake [KROQ Radio] 2.42 04. Recipe For Hate [KROQ Radio] 2.07 |
Infected 2 01. Infected [BBC Radio 1 Session] 3.22 02. 21st Century (Digital Boy) [MTV’s Most Wanted] 2.52 03. Stranger Than Fiction [KROQ Radio] 2.13 04. Struck A Nerve [KROQ Radio] 3.25 |
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21st Century (ver.1) 01. 21st Century (Digital Boy) 2.48 02. American Jesus [Live at The Palladium] 3.12 03. No Control [Live at The Palladium] 1.56 04. We’re Only Gonna Die [Live at The Palladium] 2.28 |
21st Century (ver.2) 01. 21st Century (Digital Boy) 2.50 02. Leaders And Followers 2.40 03. Mediocrity 2.46 04. American Jesus [Live at The Palladium] 3.13 |
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Contenido del Dos en Uno |
1962 – Surfin’ Safari 01. Surfin’ Safari 2.08 02. County Fair 2.17 03. Ten Little Indians 1.29 04. Chug-A-Lug 2.02 05. Little Girl (You’re My Miss America) 2.06 06. 409 2.01 07. Surfin’ 2.13 08. Heads You Win, Tails I Lose 2.20 09. Summertime Blues 2.10 10. Cuckoo Clock 2.11 11. Moon Dawg 2.03 12. The Shift 1.55
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1963 – Surfin’ USA 13. Surfin’ USA 2.31 14. Farmer’s Daughter 1.52 15. Misirlou 2.06 16. Stoked 2.02 17. Lonely Sea 2.25 18. Shut Down 1.52 19. Noble Surfer 1.54 20. Honky Tonk 2.05 21. Lana 1.43 22. Surf Jam 2.14 23. Let’s Go Trippin’ 2.00 24. Finders Keepers 1.43 Bonus 25. Cindy, Oh Cindy 2.10 26. The Baker Man 2.35 27. Land Ahoy 1.38 |
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Andrés Segovia
Andrés Segovia Torres, I marqués de Salobreña (Linares, Jaén, 21 de febrero de 1893 – Madrid, 3 de junio de 1987) fue un guitarrista clásico español, considerado como el padre del movimiento moderno de la guitarra clásica.
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Muchos estudiosos creen que, sin los esfuerzos de Segovia, y pese a la noble historia de dicho instrumento (derivado a su vez de la vihuela), la guitarra seguiría estando considerada como un instrumento meramente popular.
Conoció la guitarra desde niño, probablemente en la localidad de Villacarrillo (Jaén), próxima a la ciudad de Linares, donde nació pero que abandonó muy pronto y a la que no regresó hasta la década de 1950. Fue bautizado en Jaén, y a una edad indeterminada se trasladó a Villacarrillo. Posteriormente marchó a estudiar guitarra a Granada. Es posible, si bien esto no puede afirmarse con seguridad a falta de más datos, que su primera incursión en el mundo de la guitarra viniera de la mano del flamenco. Sin embargo, muy pronto, desde su temprana adolescencia, optó por explorar otras posibilidades por formarse como autodidacta en la tradición de la guitarra española clásica.
Realizó su primera aparición pública en Granada a los catorce años y, con pocos más, ofreció en Madrid su primer concierto, en el que interpretó, entre otras piezas, transcripciones para guitarra de Francisco Tárrega.
Sabiendo que los concertistas de piano en ocasiones alquilan el instrumento, y deseoso de encontrar un instrumento que se ajustara a sus propósitos, acudió en Madrid para dar ese concierto al establecimiento del constructor de guitarras Manuel Ramírez, con intención de proponerle al dueño que le alquilara un instrumento. Después de probarlo y de ensayar durante un tiempo la música que había preparado para el recital, el asombrado Ramírez le rogó que aceptara la guitarra elegida a modo de obsequio.
Segovia continuó con sus estudios de guitarra durante toda su vida, aún a pesar de aquellos que trataron de disuadirlo por no confiar en el futuro de dicho instrumento para la música clásica.
Fueron muchos los músicos que creyeron que la guitarra de Segovia no sería aceptada por la comunidad clásica ya que, según sus creencias, la guitarra no se podía considerar como un instrumento capaz de interpretar a los clásicos. Sin embargo, la técnica de Andrés Segovia asombró al público. A partir de entonces, la guitarra dejó de considerarse un instrumento meramente popular y se aceptó también como instrumento de concierto.
Ben Harper
Ben Harper (Pomona, California, 28 de octubre de 1969) es un músico estadounidense.
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Creció entre Claremont y Pomona, ambas situadas en la región de Inland Empire, en una familia de músicos de orígenes muy diversos: su abuela paterna era medio negra medio india cherokee y su bisabuela materna era rusa judía, procedente de Lituania. Fue a ella a quien dedicó su álbum Welcome to the cruel world.
Creció escuchando soul, folk, blues, r&b, reggae, hip hop, jazz y country entre otros, dándole un estilo muy particular a su música. Su evolución le ha llevado a introducir ritmos urbanos y sonidos étnicos, llegando a grabar versiones de Led Zeppelin, The Verve o Marvin Gaye. En lo que a sus influencias se refiere, podemos encontrar entre ellas grupos musicales y artistas tan diversos como Bob Marley, Robert Johnson, David Lindley, Chris Darrow, Led Zeppelin, Queen, Pink Floyd, Nirvana, Pearl Jam y Jeff Buckley, sin olvidar la influencia del blues de Jimi Hendrix y de bandas del jam como los Blues Traveler o Hootie & The Blowfish. También cabe decir que fue alumno de los cantautores negros de los años 1970 Bill Withers y Curtis Mayfield. Sus letras abordan temas como la paz, Dios y la religión, el medio ambiente o la política, a nivel conflictivo y con connotación reivindicativa.
Harper firmó con Virgin Records en 1992, año en el que grabó Pleasure and pain junto con Tom Freund, álbum que se limitó a 1.500 copias en vinilo. En 1994 publicó Welcome to the cruel world, que no recibirá la atención de la crítica hasta dos años más tarde. En 1995, el político Fight for your mind sale a la luz. Su tercer álbum, en 1998, fue The will to live, que se orientó hacia el blues y el folk alternativo, empezando a sonar en varias radios y contando con la aparición de su grupo de apoyo: los Innocent Criminals. Mientras tanto, escribió para otros artistas, colaborando con Beth Orton, John Lee Hooker y Government Mule.
En 1997 y 1999 tocó en los Tibetan Freedom Concerts y se convirtió en telonero de grupos como R.E.M., Radiohead, Metallica, Pearl Jam y The Fugees. En 1999 publicó Burn to shine, colección de canciones que se pasean entre el jazz, el funk y el folk. En 2000 se convirtió en telonero de la gira de Dave Matthews Band y a comienzos de 2001 publicó Live from Mars, directo acústico y eléctrico de la gira del año anterior.
En 2003 sacó Diamonds on the inside y en 2004 se unió a los Blinds Boys of Alabama en el álbum There will be a light. En 2005 y también junto con los Blinds Boys of Alabama salió a la venta Live at the Apollo, álbum en directo.
En 2006 publicó su séptimo álbum de estudio, un doble CD que llevó por título Both sides of the gun. En 2007 salió a la venta en España Lifeline, álbum grabado en el Studio Gang de París nada más terminar la gira europea del año anterior, en tan sólo siete días y junto a la banda The Innocent Criminals. Lifeline fue grabado íntegramente con una clásica mezcladora analógica de 16 pistas, sin utilizar ordenadores ni pro-tools en ningún momento del proceso de la grabación. Éste último álbum fue concebido, y sus canciones compuestas, practicamente durante la gira de conciertos de su anterior álbum. El album recoge once temas, y tuvo como primer sencillo «In the colours».
En 2009 Ben Harper dejó aparcada su banda The Innocent Criminals para sacar a la luz su décimo álbum, White lies for dark times, junto con la banda Relentless 7, dando así un giro genuinamente rockero a su carrera. Compuesto por otros once temas, el primer sencillo fue «Shimmer and Shine».
En enero de 2013 apareció el disco Get Up!, en el que Ben Harper está acompañado por el célebre armonicista de blues Charlie Musselwhite.
Discografía
1994 Welcome to the Cruel World
1995 Fight for Your Mind
1997 The Will to Live
1999 Burn to Shine
2003 Diamonds on the Inside
2004 There Will Be a Light
2006 Both Sides of the Gun
2007 Lifeline
2009 White Lies for Dark Times
2011 Give Till It’s Gone
2013 Get Up!
Live albums
2001 Live from Mars
2005 Live at the Apollo
2007 Live at Twist & Shout
2010 Live from the Montreal International Jazz Festival
2013 Live from the Granada Theater: Dallas, Texas September 10, 2013
Álbumes virtuales
iTunes Originals – Ben Harper
iTunes Must Haves – Ben Harper
Sencillos
«Like A King / Whipping Boy» (1994)
«Ground on Down» (1995)
«Excuse Me Mr.» (1996)
«Gold to Me» (1996)
«Faded» (1997) #43 Australia, #54 Reino Unido40
«Jah Work» (1997)
«Glory & Consequence» (1997)
«Please Bleed» (1999)
«Burn to Shine» (1999)
«Forgiven» (2000) #50 Australia
«Steal My Kisses» (2000) #15 Estados Unidos Adult Top 40
«With My Own Two Hands» (2003)
«Diamonds On the Inside» (2003) #31 Estados Unidos Adult Top 40, #68 Australia
«Brown Eyed Blues» (2004)
«Wicked Man» (2004)
«There Will Be a Light» (2004)
«Better Way» (2006)
«Both Sides Of The Gun» (2006)
«Morning Yearning» (2006)41
«Fight Outta You» (2007) #61 Hot Canadian Digital Charts
«Boa Sorte/Good Luck» (2007) (con Vanessa da Mata) #1 Portugal; #1 Brasil
«In The Colors» (2008)
«Fool For A Lonesome Train» (2008)
«Shimmer & Shine» (2009)
«Fly One Time» (2009)
«Lay There & Hate Me» (2010)
«Skin Thin» (2010)
«The Word Suicide» (2010)
«Never Tear Us Apart» (con INXS) (2010)
«Rock N’ Roll Is Free» (2011)
«Don’t Give Up on Me Now» (2011, Solo en Italia)
«I Don’t Believe A Word You Say» (2012)
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Buika
Concha Buika o Buika (Palma de Mallorca, España, 11 de mayo de 1972), de nombre completo María Concepción Balboa Buika, es una cantante española residente en los Estados Unidos.
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Nació en las Islas Baleares donde vivía su familia, exiliados políticos de Guinea Ecuatorial. Es hija del expolítico y escritor guineano Juan Balboa Boneke. La comunidad gitana del humilde barrio de Palma de Mallorca donde se crió fue para ella un segundo hogar, y encontró en el flamenco un modo de expresión auténtico y la salida ideal para escapar de una dura realidad de pobreza y marginalidad.
Su primer disco, Mestizüo, salió en 2000.
En 2008 colaboró con la cantante de fado portuguesa Mariza en un dúo incluido en su disco Terra (Pequeñas Verdades) y con Elefthería Arvanitáki en el tema Mírame.
En 2008 su cuarto disco, Niña de Fuego, catapultó su carrera internacional. Tras unos pocos conciertos en Los Ángeles, Miami y Nueva York, el disco recibió dos nominaciones a los premios Grammy Latinos de 2008, como «Álbum del Año» y «Mejor Producción». Una edición especial del disco se puso a la venta acompañado de un libro de poemas de Buika ilustrados por autorretratos.
En septiembre de 2009 salió al mercado una colaboración realizada con Nelly Furtado, en el tema llamado Fuerte, todo un himno a la fuerza de la mujer. Cantó junto a Tomeu Penya en su tema Ho feim.
El 20 de octubre de 2009 salió a la venta mundialmente su disco El último trago, un homenaje a Chavela Vargas y a Bebo Valdés en sus 90 cumpleaños, grabado en directo en Cuba en los Estudios Abdala con Chucho Valdés y su cuarteto. El álbum le valió su primer premio Grammy al mejor álbum de música tradicional tropical.
Dos canciones suyas, Por el amor de amar y Se me hizo fácil, fueron elegidas por Pedro Almodóvar para la banda sonora de su película La piel que habito.
El 5 de noviembre de 2010 un artículo publicado online en la publicación npr.com la definió como la «Voz de la libertad» agrupándola con otras 50 voces en una lista llamada 50 Great Voices.
En 2011, fue invitada especial de Chick Corea en un concierto en el club de jazz Blue Note, en Nueva York.
En 2011 se instaló en Miami para poder atender la fuerte demanda de conciertos en los Estados Unidos, y también porque todavía era considerada una extranjera en España.
Discografía
Mestizüo, 2000, junto al pianista Jacob Sureda
Buika, 2005
Mi niña Lola, 2006
Mi niña Lola, 2006 (Edición especial CD+DVD)
Niña de fuego, 2008
Niña de fuego, 2008 (Edición de lujo: 2cd’s + Libro de poemas)
El último trago, 2009 junto al pianista Chucho Valdés
En mi piel, 2011 (Primer recopilatorio)
La noche más larga, 2013
Vivir sin miedo, 2015
Azahar
Azahar se forma en Madrid en 1977 con músicos de diversa procedencia. Es una mezcla de culturas e inquietudes poco usual en otros grupos españoles de la época. El ejemplo está en su vocalista, Dick Zappala, egipcio (nacido en El Cairo) con una voz muy carismática; y el bajista, Jorge «Flaco» Barral, que llegaba desde Uruguay, donde ya había tenido sus experiencias con Opus Alpha y Días de Blues. Junto a ellos, dos músicos madrileños igualmente de gran calibre.
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Cabe destacar que Dick Zappala antes de incorporarse a Azahar ya había participado en la gira del «Ciclos» de Los Canarios e interpretó el papel de Herodes en la adaptación española de Jesucristo Superstar, que produjo Camilo Sesto, junto a un buen puñado de artistas nacionales.
Por su parte, Flaco había sido el bajista del cantautor Hilario Camacho, participando en la autoría de muchos temas de “La estrella del alba”.
Mucha gente se pregunta si Azahar hacia exactamente rock andaluz o no. La respuesta no es fácil, ya que el grupo estaba establecido en Madrid y las influencias que proponían al nivel musical eran varias, con matices que llegaban de distintos estilos y lugares. Lo que sí está claro es que se
incorporaron perfectamente al movimiento rock andaluz, ya que tuvieron gran éxito en Andalucía, donde participaban en eventos con los grupos de la tierra.
Lo que está claro es que la proximidad era grande y consiguieron una marca de mucha calidad que caló en el público de forma especial.
Su formación inicial era peculiar e inusual, ya que no llevaban batería. Era un grupo basado en sonidos más electrónicos e innovadores.
Hicieron dos discos magistrales, especialmente el primero “Elixir”, con un contenido musical muy denso y compacto, y con una presentación exquisita, ya que incluía un encarte con un comic alegóricos al grupo impregnado en azahar, olor que podía apreciarse claramente. Los diseños del logo del grupo, el comic y el disco fueron de Flaco.
“Elixir” es un disco etéreo y sinfónico, de esos que te deja llevar al escucharlo, con teclados envolventes y matices árabes que le dan un toque muy personal y único. Y, sobre todo, la voz peculiar de Dick Zappala, a veces con gran sentimiento y serenidad, y otras veces con impulsivos desgarros. Los temas del álbum fueron compuestos y arreglados por todo el grupo, que hizo un esfuerzo por hacer un trabajo muy laborioso.
Estamos ante un grupo arriesgado e inconformista con letras reivindicativas y continuas invitaciones a la evasión. Claro ejemplo de ello lo tenemos en los temas “¿Qué malo hay sr. juez?” con letras como: -Tenía yo dos amigos que fumaban humo de reír pa’ cuando estaban muy caídos les volvieran las ganas de vivir. Un día me los ligaron por fumar el regalito de dios. Al que resistió lo mataron y al otro el juez lo encarceló- o el tema “Viaje a Marruecos” con otra estrofa insinuante cantada en árabe y cuya traducción es: -hermano, pásame la pipa y las cerillas-.
Cantaban a la legalización de la marihuana y a los beneficios del ácido, y lo hacían precisamente en un momento de convulsión política en España. A eso hubo que sumar que Dick tenía sus papeles de residencia caducados lo cual terminó provocando su expulsión del país, a quien se le aplicó la ley de extranjería y fue deportado a Italia, país del que retornó poco tiempo después de forma ilegal con la ayuda de Antonio Valls.
Su disco de debut es místico, peculiar e impactante, marcando diferencias respecto a lo que se hacía en aquella época.
Dos años después llega su segundo disco, titulado como el propio grupo “Azahar” y con algunos cambios en la formación. Se marcharon «Flaco» Barral y Gustavo Ros, para poner en marcha el proyecto Azabache, con el que hicieron otros dos discos más, e incorporaron a otro teclista, un batería y la colaboración de dos bajistas, aunque no formaban parte de la formación.
Los nuevos miembros fueron Manolo Manrique a los teclados y Willy Trujillo a la batería. Suplieron la ausencia de bajista con la colaboración en el disco
de dos bajistas: Julio Blasco, procedente de la banda madrileña Granada, y Enrique Carmona, un guitarrista que llegó a grabar con Triana y Vega.
Con esta nueva estructura se mantuvo el mismo carisma, aunque el sonido cambió sustancialmente con otras sonoridades.
El segundo disco es mucho más próximo al rock andaluz con un sin fin de ritmos y melodías muy cercanas a grupos como Mezquita, Cai o Imán. Temas como “La naranja y el limón”, “Noche de primavera”, “Zahira” o “Bulerías de lujo” así lo demuestran.
El grupo desarrolló la mayor parte de sus conciertos en Andalucía, lo que supuso que se les aceptara y se les considerase como uno más de los grupos de rock andaluz que en aquellos días poblaban nuestros escenarios, participando también en numerosos festivales.
Tristemente Antonio Valls falleció en el año 2004, haciéndolo también Dick el 5 de Diciembre del 2009 al sufrir un fallo cardiaco.
Azahar es, por tanto, un libro abierto con sabor y un intercambio profundo y cultural entre la península (con su rica historia musical) y esos pellizcos magrebíes que son capaces de incorporar con gran maestría. El grupo contribuyó indiscutiblemente a escribir una página de la música española, aportando su sello propio dentro y fuera del rock andaluz con dos obras imprescindibles.
Formación original:
Dick Zappala – voz
Antonio Valls – guitarras y mandolina
Gustavo Ros – teclados
Jorge “Flaco” Barral – bajo y percusión
Segunda formación:
Dick Zappala – voz
Antonio Valls – guitarras y mandolina
Manolo Manrique – teclados
Willy Rodríguez de Trujillo – batería y percusión
Fuente: Arabiandrock
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