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01. Highway Star 6.49 – Ian Gillan – lead vocals, harmonica |
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CD1 – Original Album, 2012 Remaster CD2 – Roger Glover’s 1997 Mixes CD3 – Original Album QUAD SQ Stereo, 2012 Remaster CD4 – In Concert ’72. Paris Theatre, London, 9th March 1972 – 2012 remix Musicians: |
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01. Highway Star – 6:07 Line-up |
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01. Highway Star 6.07 |
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CD 1 – Remastered CD 2 – Remixes |
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01 – Highway Star |
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01 – Highway Star |
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01 – Highway Star |
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01 – Introduction [2012 Remix] |
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01. Fireball 3.25 |
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01. Fireball 3.25 |
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01. Fireball 3.25 |
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01. Fireball 3.25 |
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01. Fireball 3.25 |
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01. Fireball 3.25 |
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01. Speed King 5:53 |
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01 – Speed King |
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01 – Speed King |
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01. Speed King 5:53 |
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01. Speed King 4.23 |
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01. Speed King [0:04:24.96] |
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CD1 CD2 |
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01 – First Movement: Moderato – Allegro – Jon Lord – keyboards |
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01. First Movement a) Moderato b) Allegro c) Vivace [19:15] – Jon Lord – keyboards |
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01. First Movement (Moderato/Allegro/Vivace) 19.15 – Jon Lord – keyboards |
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01. Chasing Shadows 5.34 |
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01. Chasing Shadows 5:35 |
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01 – Chasing Shadows |
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01. Listen, Learn, Read On 4:05 |
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01. Listen, Learn, Read On 4:05 |
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01. Listen, Learn, Read On [04:04] |
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01 – And the Address |
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01. And The Address 4:39 |
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01. And The Address 4:39 |
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01. And The Address 4.36 – Rod Evans – lead vocals |
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01. And The Address (4:40) |
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01 – Riding With The King |
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01 – I Like To Live The Love |
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01 – Introduction |
Deep Purple
Deep Purple es una banda británica de hard rock formada en Hertford, Reino Unido, en 1968, que está considerada como una de las pioneras del hard rock y el heavy metal, aunque durante su carrera también ha incorporado elementos del rock progresivo, rock sinfónico, rock psicodélico, blues rock y de la música clásica.
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Deep Purple ha vendido más de 120 millones de discos en todo el mundo. Un concierto realizado en el Rainbow Theatre, de Londres, en julio de 1972, hizo que fueran registrados como «la banda más ruidosa del planeta» en los años 70’s por el libro Guinness de los récords. El año 2013 una encuesta realizada por la estación de radio británica Planet Rock clasificó a Deep Purple en el 5º lugar entre las «bandas más influyentes de la historia».
La banda ha sufrido múltiples cambios en su alineación a lo largo de las décadas, aunque permaneció inactiva desde julio de 1976 hasta su reunión, en abril de 1984. Sus cuatro primeras alineaciones son a menudo etiquetadas como «Mark I», «II», «III» y «IV». La «Mark II», formada por Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajo), es considerada la alineación más exitosa, y la que mayores ventas ha cosechado, la cual se mantuvo en activo desde 1969 a 1973, de 1984 a 1989, y nuevamente de 1992 a 1993, cuando la relación entre Blackmore y el resto de los músicos se volvió insostenible. Su alineación actual, que cuenta con Steve Morse en lugar de Blackmore, y con Don Airey en lugar del fallecido Jon Lord, lleva en activo desde 2002.
En 1967, Chris Curtis, el antiguo batería de The Searchers, contactó con Tony Edwards, un empresario londinense, para pedirle si podía ser el representante del nuevo grupo que había ideado, y que iba a llamarse Roundabout, llamado así porque los músicos iban a entrar y salir de él, conformando una suerte de grupo abierto, con cambios cíclicos en su alineación, como si estuvieran en una rotonda (roundabout significa «rotonda» en inglés). Interesado en el plan, Edwards aceptó financiar la banda con dos compañeros de negocios: John Coletta y Ron Hire, con los que formaba HEC Enterprises.
El primer músico en ser reclutado fue el teclista de corte clásico Jon Lord. Lord había tocado en The Artwoods, cuyo líder Art Wood es hermano de Ronnie Wood, el actual guitarrista de los Rolling Stones. El siguiente en unirse al grupo fue Ritchie Blackmore, un guitarrista de sesión al que tuvieron que convencer para regresar de Hamburgo, Alemania, en donde se hallaba para realizar una audición para otra banda. Poco después Curtis abandonó el proyecto, pero tanto HEC Enterprises como Lord y Blackmore decidieron continuar.
Para el puesto de bajista, Lord recomendó a su amigo de la infancia Nick Simper, con quien había coincidido en una banda llamada The Flower Pot Men, y que era también ex-miembro de Johnny Kidd & The Pirates. La alineación se completó con el vocalista Rod Evans y el baterista Ian Paice. El grupo había decidido elegir un nombre después de que cada miembro escribiera uno en un tablero durante los ensayos. Uno de los nombres que barajaron fue Concrete God («Dios de Hormigón»), pero la banda pensó que asumirlo era un poco radical. Tras una pequeña gira por Dinamarca, Blackmore sugirió otro nombre para el grupo: Deep Purple, título de una canción favorita de su abuela.
El primer éxito de la banda llegó en abril de 1968, con la edición del sencillo «Hush», canción original de Joe South que alcanzó el 4° puesto en Estados Unidos y el 2° en Canadá, aunque en el Reino Unido pasó desapercibida. Se realizó una grabación de la canción, en donde los músicos aparecen divirtiéndose en los alrededores de una piscina, la cual se puede considerar como el primer «videoclip» de la banda.4
Tomando como ejemplo al grupo estadounidense Vanilla Fudge, Purple desarrolló un rock psicodélico con influencias -en el teclado de Lord- de la música de Bach y Rimsky-Korsakov. Después del éxito de su primer single la banda lanzó su primer álbum, llamado Shades of Deep Purple, en julio de 1968 en los EE.UU.. En el Reino Unido se publicó en septiembre del mismo año, y fue completamente ignorado. En este álbum debut destacan temas como «Hush», «Prelude: Happiness / I’m So Glad», «Mandrake Root» o «Hey Joe», más una versión de «Help», de los Beatles. Gracias al single «Hush» y al buen recibimiento que también tuvo el disco debut en Estados Unidos, la banda se embarcó en una gira como teloneros de Cream.
El siguiente álbum, The Book of Taliesyn, fue publicado en EE.UU. en diciembre de 1968, para que coincidiese con su gira de promoción, y alcanzó el puesto 38 en este país. En Reino Unido fue publicado en julio del año siguiente y volvió a pasar inadvertido. En este disco sobresalen canciones como «Anthem», la instrumental «Wring That Neck» (también conocida como «Hard Road»), «Kentucky Woman» (de Neil Diamond), o «River Deep – Mountain High», hit compuesto por Phil Spector, Jeff Barry & Ellie Greenwich, originalmente grabado por Ike & Tina Turner, y al cual Deep Purple dotó de una atmósfera épica y grandilocuente.
Su tercer álbum, simplemente titulado Deep Purple, fue editado en junio de 1969 en los EE.UU. Fue publicado en el Reino Unido en noviembre de ese mismo año, pero la crítica de su país natal continuó ignorándolos. La portada del álbum es una sección del panel derecho del tríptico llamado El jardín de las delicias del pintor neerlandés El Bosco. En este álbum son relevantes canciones como la sinfónica y extensa «April», «The Painter», «Blind», «Bird Has Flown», o «Lalena» (de Donovan).
Tras continuas giras por América del Norte la compañía «Tetragrammaton Records», encargada de la edición de sus álbumes en EE.UU, se disolvió por motivos económicos y dejó a Deep Purple con un futuro incierto y sin dinero. Sin embargo, Warner Bros. Records asumió las deudas de Tetragrammaton y publicó los trabajos de la banda en los Estados Unidos durante la década de los 70’s. En enero de 1969 Deep Purple regresó a Gran Bretaña, y grabó una canción llamada «Emmaretta», la cual fue lanzada como single (el título proviene del nombre de una de las bailarinas del musical Hair, a quien Evans trataba de seducir).
Blackmore no estaba satisfecho con el trabajo de Evans como vocalista, y por ello contactó con su amigo Mick Underwood, batería del grupo Episode Six, quien le recomendó a su compañero Ian Gillan. Con el objetivo de contratar a Gillan, Blackmore y Lord acudieron a un concierto de Episode Six. Al finalizar la actuación, ambos miembros fueron a hablar con el vocalista e intentaron convencerle para unirse a Deep Purple, pero Gillan puso como condición que también se incorporase el bajista Roger Glover. Esta proposición encajaba con los planes de Lord y Blackmore, ya que Evans y Simper eran buenos amigos y la salida de uno propiciaría mal ambiente en el seno del grupo. Glover no estaba seguro de qué opción escoger, puesto que era el principal compositor de Episode Six, y su marcha provocaría el fin de la banda. Además, no confiaba en las posibilidades de éxito de Deep Purple, ya que en el Reino Unido no eran aún muy conocidos. Finalmente, Glover decidió unirse a la nueva banda, lo que provocó el final de Episode Six y el despido de Simper de Deep Purple.
El primer trabajo publicado por esta nueva alineación fue el sencillo Hallelujah el cual contó con un videoclip5 que presentaba algunos efectos psicodélicos en la parte final del tema, lo cual era costumbre en esa época.
La nueva formación lanzó un álbum en vivo en diciembre de 1969 en los EE.UU. el cual fue titulado como Concerto for Group and Orchestra. En enero de 1970 este disco es editado en el Reino Unido, y esta vez la banda obtiene un éxito absoluto en su país de origen. Este álbum es un concierto de música clásica compuesto por Jon Lord en tres movimientos. Fue interpretado el 24 de septiembre de 1969 en el Royal Albert Hall, de Londres, con participación de la Orquesta Filarmónica Real dirigida por Malcolm Arnold. Este disco fue uno de los primeros en presentar a una banda de rock tocando con una orquesta, aunque en aquel entonces algunos miembros del grupo (como Gillan y Blackmore) tenían en mente desarrollar un estilo más orientado hacia el Hard rock. A pesar de esto, Lord compuso Gemini Suite, que la banda interpretó en directo en 1970, siendo otra fusión entre rock y música clásica, estilo que Lord desarrollaría a lo largo de los años, mayormente a través de discos en solitario.
Miembros actuales
Ian Paice – batería, percusión
Roger Glover – bajo
Ian Gillan – voz, percusión y armónica
Steve Morse – guitarra
Don Airey – teclados
Miembros anteriores
Jon Lord – teclados
Ritchie Blackmore – guitarra
Rod Evans – voz
Nick Simper – bajo
Glenn Hughes – bajo y voz
David Coverdale – voz
Tommy Bolin – guitarra, bajo y voz
Joe Lynn Turner – voz
Joe Satriani – guitarra
Discografía
Shades of Deep Purple – 1968 (Blackmore-Evans-Paice-Simper-Lord)
The Book of Taliesyn – 1968 (Blackmore-Evans-Paice-Simper-Lord)
Deep Purple – 1969 (Blackmore-Evans-Paice-Simper-Lord)
In Rock – 1970 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Fireball – 1971 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Machine Head – 1972 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Who Do We Think We Are – 1973 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Burn – 1974 (Blackmore-Coverdale-Paice-Hughes-Lord)
Stormbringer – 1974 (Blackmore-Coverdale-Paice-Hughes-Lord)
Come Taste the Band – 1975 (Bolin-Coverdale-Paice-Hughes-Lord)
Perfect Strangers – 1984 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
The House of Blue Light – 1987 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Slaves & Masters – 1990 (Blackmore-Turner-Paice-Glover-Lord)
The Battle Rages on… – 1993 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Purpendicular – 1996 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Abandon – 1998 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Lord)
Bananas – 2003 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Airey)
Rapture of the Deep – 2005 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Airey)
Now What?! – 2013 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Airey)
Álbumes en vivo
1969 Concerto for Group and Orchestra
1972 Made in Japan
1976 Made in Europe
1977 Last Concert in Japan
1980 Deep Purple in Concert
1982 Live in London
1988 Nobody’s Perfect
1988 Scandinavian Nights
1994 Come Hell or High Water
1996 California Jamming
1997 Live at The Olympia ’96
1999 Total Abandon: Australia ’99
1999 In Concert with the London Symphony Orchestra
2001 Live in Paris 1975
2006 Live at Montreux 1996
2007 Live at Montreux 2006
2011 Phoenix Rising
2011 Live at Montreux 2011
2013 Perfect Strangers Live
2013 The Now What?! Live Tapes
2014 Graz 1975
2014 Celebrating Jon Lord At The Royal Albert Hall
2015 Long Beach 1971
2015 From The Setting Sun… (In Wacken)
2015 …To The Rising Sun (In Tokyo)
Álbumes recopilatorios
1972 Purple Passages
1973 Mark I & II
1975 24 Carat Purple
1977 Powerhouse
1978 The Deep Purple Singles A’s and B’s
1979 The Mark II Purple Singles
1980 Deepest Purple: The Very Best of Deep Purple
1985 The Anthology
1992 Knocking at Your Back Door: The Best of Deep Purple in the 80’s
1998 30: Very Best of Deep Purple
2000 The Very Best of Deep Purple
2005 The Platinum Collection
2011 BBC Sessions 1968–1970
Sencillos
De Shades of Deep Purple
1968 «Hush»
De The Book of Taliesyn
1968 «Kentucky Woman»
1969 «River Deep – Mountain High»
Sin álbum
1969 «Emmaretta»
1969 «Hallelujah»
1970 «Black Night»
De Deep Purple in Rock
1970 «Child in Time»
1970 «Speed King»
Sin álbum
1970 «Strange Kind of Woman»
De Fireball
1971 «Fireball»
De Machine Head
1972 «Never Before»
1973 «Smoke on the Water»
De Who Do We Think We Are
1973 «Woman from Tokyo»
De Burn
1974 «Might Just Take Your Life»
1974 «Burn»
Sin álbum
1980 «Black Night» (en directo)
De Perfect Strangers
1985 «Knocking at Your Back Door»
1985 «Perfect Strangers»
De The House of Blue Light
1987 «Call of the Wild»
1987 «Bad Attitude»
De Nobody’s Perfect
1988 «Hush» (re-grabación)
De Slaves and Masters
1990 «King of Dreams»
1991 «Love Conquers All»
1991 «Fire In The Basement»
De The Battle Rages On
1993 «The Battle Rages On»
De Bananas
2003 «Haunted»
2001 «House of Pain / Contact Lost»
De Rapture of the Deep
2005 «Rapture of the Deep»
De Now What?!
2013 «All the Time in the World»
2013 «Vincent Price»
2013 «Above & Beyond»
2015 «Out Of Hand»
Videografía
1994 Come Hell or High Water
2000 In Concert with the London Symphony Orchestra
2002 Perihelion
2002 Classic Albums – Machine Head
2003 Concerto for Group and Orchestra
2003 Masters From The Vaults
2005 Live in Concert 72/73
2005 Live in California 74
2006 Live at Montreux 1996
2007 They All Came Down to Montreux: Live at Montreux 2006
2009 History, Hits, & Highlights
2011 Phoenix Rising
2011 Live at Montreux 2011
2013 Copenhagen 1972
2013 Perfect Strangers Live
2014 Made in Japan
2014 Graz 1975
2014 Celebrating Jon Lord At The Royal Albert Hall
2014 Live in Verona
2015 From The Setting Sun… (In Wacken)
2015 …To The Rising Sun (In Tokyo)
2016 Live at the NEC
Videos musicales
1968 «Hush»
1969 «Hallelujah»
1970 «Black Night»
1970 «Speed King»
1971 «Strange Kind of Woman»
1973 «Woman From Tokyo»
1974 «Stormbringer»
1975 «You Keep On Movin»
1984 «Perfect Strangers»
1984 «Knocking at your back Door»
1984 «Nobody’s Home»
1987 «Bad Attitude»
1987 «Call Of The Wild»
1988 «Hush ’88»
1990 «Love Conquers All»
1990 «King Of Dreams»
2013 «Vincent Price»
2014 «Smoke on the Water»
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01. Simply Done 3:10 |
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01. Viva Madikeri (Karnataka) (5:52) |
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01. Amber Opening (3:21) |
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1. Amazonia (05:39) |
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01. Chichibu Faraway (1:54) |
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01.Sweet Lullaby 3.50 |
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1. Endangered Species (Galleon Remix Radio Edit)3.59 |
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01. Deep Forest (5:09) |
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01. India (4:07) |
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01. India 4.07 |
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01. India 4.07 |
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1. Endangered Species / Galleon Remix 4:01 |
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01. Pacifique (3:47) |
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01. Ekue Ekue (5:17) Credits |
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«Ekue Ekue» – 5:18 Credits |
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01. Noonday Sun (4:59) |
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01. Noonday Sun (4:59) |
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01. Noonday Sun (4:59) |
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«Anasthasia» – 1:48 |
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«Deep Forest» – 5:34 Credits |
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01. Deep Forest (5:34) |
Deep Forest
Deep Forest es un grupo de world music integrado por los músicos franceses Eric Mouquet y Michel Sánchez. Fusiona música étnica de diversas partes del mundo con sonidos electrónicos de vanguardia.
Leer más ...
El proyecto se inició cuando Sánchez -músico de formación clásica y ávido estudiante de música étnica- compró a la Unesco numerosas grabaciones realizadas en diferentes comunidades a todo lo largo del continente africano. Decidió intentar combinar las grabaciones con un concepto pop moderno y se las mostró a su amigo Mouquet -autodidacta que componía y arreglaba principalmente con sintetizadores, dando a su música sonido ambient dance- a quien le interesó la idea. Ambos se fascinaron por la sorprendente técnica usada, en la que las cuerdas vocales se utilizan como un instrumento musical; y comenzaron a samplear los sonidos nativos para usarlos con sus pistas de dance atmosférico. Con el ingeniero y productor belga Dan Lacksman definieron un sonido: la música de Deep Forest intenta recrear el muy particular ambiente de una comunidad de la selva húmeda tropical y en ella se puede escuchar las aves gorjeando, el zumbido de los insectos, el gotear del agua en los helechos, las voces conversando mientras la gente camina. Finalmente, tras un año de producción apareció su disco inicial.
Este primer trabajo aparecido en 1992 y titulado Deep Forest, fue mejor identificado por el tremendo éxito internacional de su sencillo Sweet Lullaby. El disco reunió sonidos contemporáneos del ambient techno con las aullantes voces de los Baegu de las islas Salomón. En 1993 fueron nominados al Grammy en la categoría best world álbum. En 1994 apareció World Mix una reedición de su álbum inicial con versiones remezcladas añadidas.
Mouquet y Sánchez pronto comenzaron su siguiente trabajo, esta vez explorando áreas tales como Mongolia, la India, Hungría y otras áreas de Europa Oriental, grabando varias pistas con la cantante Márta Sebestyén. El álbum resultante, Boheme, apareció en 1995 y les valió para ganar el Grammy en 1996.
Le siguió en 1998 la tercera grabación, Comparsa, que con influencia cubana, caribeña, mexicana y malgache resultó un disco mucho más animoso y festivo que el anterior y cuyo título evoca las improvisadas fiestas callejeras de las islas caribeñas. En este disco colaboraron : Ana Torroja y el sirio Abed Azrié (en el tema «Media Luna») y la vocalista mexicana María Sabina ( en «Tres Marías») entre otros. El disco incluye además dos cortes («Earthquake. Transition 1″ y » La Lune se bat avec les étoiles. Transition 2″) extraídos de una grabación-ambiente en la que los aborígenes hispanos del lugar expresan su teoría sobre la relación de los astros y la Tierra.
Live in Japan, grabado en 1998 en concierto en Tokio, Japón, apareció en 1999. Para este directo, Mouquet y Sánchez se rodearon de doce músicos y de colaboradores que prestaron su voz en las siempre difíciles letras étnicas, como Gino Ceccarelli, Monkia, Lala, etc. En el 2000 el dúo grabó la banda sonora, Pacifique, para la película francesa ‘Le Prince du Pacifique’ que se estrenó sólo en el país galo y Bélgica. Para esta ocasión, el dúo francés desplazó su equipo de grabación ambiental al corazón del Pacífico. Los temas que incluía el disco invitaban a soñar (con magníficas melodías como «Le baiser» y «L’île invisible») o a despertar nuestro espíritu más salvaje ( como «La révolte» y «la Veuve Furieuse», entre otros). En 2002 volvieron con su álbum de estudio, Music Detected . En este sexto trabajo, los samples nativos de los primeros discos dejan paso a los sonidos instrumentales de la guitarra eléctrica y de la batería, principalemnte, fusionados con voces robotizas y vocodeadas y también con instrumentos étnicos orientales ( como el sarod indio en el bellísimo «In the Evening» ). Las colaboraciones líricas corrieron a cargo esta vez de promesas como Anggum , Hajime Chitose y Beverly Jo Scott ( que interpreta entre otras, la canción «Yuki Song» dedicada a la esposa de Mouquet, la japonesa Yuki ) . En 2003 presentaron su recopilación Essence of Deep Forest. Un año más tarde, en 2004, publicaron una segunda recopilación » Essence of The Forest «, y también el que sería el último álbum del dúo : » Kusa No Ran » para el mercado japonés, y que sirvió como banda sonora para la película del mismo título. Es, de todos sus trabajos, el que más se diferencia con respecto al estilo al que nos tenían acostumbrados pues se trata de breves piezas melódicas con el piano como instrumento predominante.
Pero la producción musical de ambos compositores no se termina aquí pues uno y otro, por separado, también han colaborado y producido numerosos trabajos. Michel Sánchez ha editado dos álbumes en solitario : » Windows » ( en el año 1994 ) sigue una línea muy parecida al proyecto Deep Forest, y » Hiéroglyphes » ( en el 2000 ) es el resultado de una serie de vivencias y experiencias musicales.De género, un tanto particular, Sánchez afirmaba que había disfrutado verdaderamente en la composición del álbum. Como dato anecdótico, decir que su hija Cécile presta su voz en el corte «Poème» recitando una poesía de Rabindranath Tagore. Anteriormente, en el año 1996, Michel conoce en una tienda de instrumentos musicales en Lille, a un joven Wes Madiko, músico camerunés con el que va a producir el primer trabajo del cantante africano : » Welenga «. El disco, que mezclaba cantos tradicionales de Camerún con ritmos dance, fue todo un éxito. El primer single «Alane» fue número uno en la lista top ten de varios países europeos. Cuatro años más tarde, ambos músicos repiten experiencia en un proyecto de características similares : «Sinami, The Memory», en el que , de nuevo , la particular voz del camerunés se mezcla con los sonidos electrónicos del maestro Sánchez, describiendo un continente africano liberado por la música. Actualmente, Michel Sánchez se halla inmerso en dos trabajos musicales que muy próximamente verán la luz : » The Touch » y » The Day of a Paperbird » ( se pueden oir ya algunas muestras que se encuentran colgadas en la página web -myspacemichelsanchez- ).
Por su parte, Eric Mouquet ha trabajado en numerosas colaboraciones y producido discos a artistas de la talla de Herbert Léonard, Ana Torroja ( en su álbum «Frágil» ), Hajime Chitose, Josh Groban y la violinista francesa Catherine Lara con la que ha trabajado en los álbumes : » Aral «, » Thorgal «, y recientemente en el año 2005 » Passe-moi le Ciel «. Mouquet ha participado igualmente en el grupo Dao Dezi, ha colaborado en numerosos temas para bandas sonoras de películas como » Astérix et Obélix, Misión Cleopatre «, » Livraison à Domicile » y » Super Champs » por ejemplo. En 2006 publica » Tragediénnes «. Recientemente ha trabajado en la segunda entrega de » Aral «, de nuevo con Catherine Lara y ha participado en la banda sonora del musical » El rey León » . Actualmente, Mouquet trabaja en un ambicioso proyecto musical y solidario , denominado DEEP PROJECTS , que recoge la esencia y problemática de distintas partes del mundo. El primer disco » Deep Brasil » ( junio de 2008 ) se centra en el corazón de la selva amazónica , y es un grito de esperanza para salvar esta tierra en peligro de extinción («il faut sauver l’Amazonie», en español:!hay que salvar la Amazonia!). El disco ha contado con la colaboración y la voz del brasileño Flavio Dell’Isola. Como nota curiosa, podemos encontrar las voces de los dos retoños de Mouquet, que colaboran en el corte «Amazonia». También se puede encontrar en este trabajo la versión brasileña del famoso éxito de Deep Forest: «Sweet Lullaby». Otras salidas inmediatas, también pertenecientes a la idea DEEP PROJECTS, son «Deep Africa» (próximamente), un álbum donde Eric vuelve a retormar los sonidos y cantos de África, con las voces de artistas tan destacados como Blick Bassy (de Camerún) y Zama Magudulela (de Sudáfrica); y «Deep China» donde trabaja con la popular cantante china Sa Dingding en temas como «It Wont be Long» ( compuesto en honor a las víctimas del terremoto que asoló el país asiático, y con el que se espera recaudar fondos de ayuda para el pueblo chino ). Decir, por último, que la segunda gran pasión de Eric Mouquet (después de la música, evidentemente) es la astronomía. Su afición y estudio por los astros, le han llevado incluso a montar un observatorio semi-profesional en el jardín de su casa, publicar libros y conseguir fotografías realmente maravillosas del firmamento. «Deep Sky» es un álbum que recoge música relacionada con esta ciencia. Compuesto por él, sirve de soporte musical a la gran escena del firmamento que se puede observar en el Planetarium de Villeneuve D’Asq (Francia). Precisamente, en abril de 2009 , Mouquet ofreció un concierto en directo en el planetarium de La Cité de l’espace (Toulouse), donde interpretó el repertorio musical de Deep Sky, al mismo tiempo que se proyectaban imágenes de constelaciones , nebulosas y galaxias , fotografiadas por él mismo.
Álbumes
1992 – Deep Forest
1993 – World Mix
1995 – Boheme
1998 – Comparsa
1999 – Made in Japan
2000 – Pacifique
2002 – Music Detected
2003 – Essence of the Forest
2004 – Essence of the Deep Forest
2004 – Kusa No Ran
2008 – Deep Brasil
2013 – Deep India
2013 – Deep Africa
Sencillos
1992 – «Deep Forest»
1992 – «Sweet Lullaby»
1992 – «White Whisper»
1992 – «Forest Hymn»
1994 – «Savana Dance»
1995 – «Boheme»
1995 – «Boheme (The Remixes)»
1995 – «Marta’s Song»
1995 – «Marta’s Song (The Remixes)»
1997 – «Freedom Cry»
1997 – «Madazulu»
1998 – «Media Luna»
1998 – «Noonday Sun»
2000 – «Pacifique»
2002 – «Endangered Species»
2002 – «Malo Korrigan»
2002 – «Will You Be Ready» (promo)
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Children’s Corner Piano – Jacques Rouvier |
Claude Debussy
Achille-Claude Debussy (Saint-Germain-en-Laye, Francia, 22 de agosto de 1862-París, 25 de marzo de 1918) fue un compositor francés y una figura central en la música europea de finales del siglo xix y comienzos del siglo xx y, junto a Maurice Ravel, una de las figuras más prominentes de la música impresionista, aunque al propio compositor no le gustaba este término cuando se aplicaba a sus composiciones. Fue nombrado caballero de la Legión de Honor en 1903.
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Su padre, Manuel-Achille Debussy era dueño de una tienda de porcelana y trabajaba en la imprenta de Paul Dupont. Llegó a capitán de la guardia nacional al servicio de la Comuna. Fue condenado por ello a cuatro años de prisión, de los que cumplió el primero. Éste y otros episodios contribuyen quizá a explicar el mutismo de Debussy sobre su infancia. Su madre era Victorine Manoury. Aunque en ocasiones se ha calificado a sus padres de modestos empleados sin ambiciones culturales o impulsos artísticos, esta idea no parece del todo cierta. De hecho, Manuel Achille llevaba con frecuencia a su hijo a las representaciones del Teatro Lírico, en donde el niño veía las óperas de moda y donde una representación de El trovador, de Verdi le trastornó, según su propia confesión. En algunas estancias en Cannes, en casa de su querida tía y madrina Clementina Debussy, recibió sus primeras lecciones de piano en 1870 y 1871. Fue su tía quien le condujo hasta su primer profesor, un modesto violinista italiano llamado Jean Cerutti, quien le enseñó los rudimentos de la técnica pianística. Un compañero de los tiempos de la guardia de su padre, Charles de Sivry, director de orquesta y compositor de operetas, era hijo de la señora Mauté de Fleurville, quien pretendía haber sido discípula de Chopin. Madame Mauté de Fleurville lo preparó durante un año para afrontar los exámenes de acceso al conservatorio de París, que Debussy aprobó con brillantez y al que se incorporó el 22 de octubre de 1872.
Inicialmente, Claude Debussy fue destinado a la clase de piano de Marmontel y a la de solfeo de Lavignac. Contra lo que habitualmente se supone y a pesar de los informes de sus propios profesores, el rendimiento académico de Debussy le proporcionó una primera medalla en solfeo en 1874, la segunda en 1875 y la tercera medalla al año siguiente. Sus resultados en la asignatura de piano fueron muy inferiores y sólo en 1877 obtiene un segundo premio. Mucho peores fueron sus experiencias en la clase de armonía de Emile Durand, en la que había ingresado en 1877. Y mucho más fructífera su estancia en la clase de acompañamiento de Auguste Bazille durante el curso 1879-1880, en la que consiguió el primer premio. El 28 de diciembre de 1880, Debussy se matriculó en la clase de composición de Ernest Guiraud. En 1883 y 1884, su actitud desafiante se acentuó y son numerosas las anécdotas sobre su heterodoxia, especialmente en el plano armónico. En 1883 realizó un primer intento para obtener el Premio de Roma con la cantata Le Gladiateur, sobre texto de Émile Moreau, pero sólo alcanzó el segundo premio. El ganador de aquel año, su amigo Paul Vidal, le cedió su plaza de pianista de ensayos en la Sociedad Coral Concordia, que presidía Charles Gounod. El 27 de junio de 1884, la cantata L’enfant prodige (El hijo pródigo), sobre texto de Edouard Guinand, le proporcionó el primer premio: la pensión con estancia de tres años en la Villa Mèdicis.
Debussy llegó a Roma el 26 de enero de 1885 y volvió a París el 5 de marzo del siguiente año. Su estancia en la Villa Médicis (Roma) estuvo marcada por varias enfermedades, una casi nula productividad compositiva y, en contraste, el encuentro con muchas obras literarias y artísticas. Descubrió la música de Palestrina y Lasso. Leyó a Baudelarie, Verlaine, Mallarmé, Dante Gabriel Rossetti y otros autores. Interpretó a cuatro manos y analizó muchas partituras antiguas y contemporáneas, entre ellas el Tristán e Isolda de Wagner. Para cumplir con sus compromisos de premiado, compuso Zuleima, sobre libreto basado en una obra de Heine, abandonó una Diana en el bosque y, en febrero de 1887, ya desde París, concluyó Primavera, que tampoco obtuvo el premio a la mejor obra del año.
Su descubrimiento de Wagner data de 1880. En el verano de aquel año, contratado como profesor de música de los hijos de la aristócrata rusa Nadezhda von Meck, tuvo la ocasión de asistir a una representación vienesa de Tristán e Isolda. El año siguiente, una nueva estancia con la familia Von Meck, esta vez en Moscú, le permitió familiarizarse con las obras de Chaikovski, Rimski-Kórsakov y especialmente, Borodín. Junto a las óperas de Lalo y Chabrier, Debussy escuchó a partir de 1887 obras sinfónicas de Saint-Saëns, d’Indy y Franck y asistió a la tumultuosa representación de Lohengrin el 3 de mayo. Al año siguiente acudió por primera vez al Festival de Bayreuth.
Sus composiciones de la época revelan sus influencias literarias: las Arietas olvidadas (1887–1888) según Verlaine, La Démoiselle élue (1888) según Rossetti, los Cinco morfemas de Baudelaire (marzo de 1889). Ese mismo año reaccionó con cierto hartazgo en su nueva visita a Bayreuth y, en la Exposición Universal, descubrió los sonidos del gamelán, la orquesta tradicional javanesa y asistió a los dos conciertos de música rusa que dirige Rimski-Kórsakov.
Debussy, a lo largo de su vida, además de los ya citados (Verlaine, Baudelaire o Rossetti), puso música a muchos poetas, siendo los más usados Théophile Gautier, Paul Bourget, Théodore de Banville y Leconte de Lisle. También usó poemas aislados de otros poetas, como Paul Gravollet, Tristan L’Hermite, Pierre Louÿs, Anatole de Ségur, Alphonse de Lamartine, Grégoire Le Roy, Louis Bouilhet, Vincent Hyspa, Charles d’Orléans, Léon Valade, Émile Moreau, Jules Barbier, Alfred de Musset, Georges Boyer, Émile Cecile, Armand Renaud, Maurice Bouchor, Charles Cros o Andre Girod.
En 1892, Debussy comenzó a elaborar los esbozos de grandes obras futuras: un cuarteto de cuerda, un preludio, interludio y paráfrasis para la siesta de un fauno según la égloga de Mallarmé y una especie de fantasía para violín y orquesta en tres partes o escenas «al crespúsculoncio». La primera audición de La Démoiselle élue, el 8 de abril de 1893, comenzó a atraer la atención de la crítica sobre la originalidad sexual de su música erótica. Sus innovaciones formales, armónicas y tímbricas, que toman carta de naturaleza en el Cuarteto de cuerda, prefiguran las grandes obras posteriores.
Debussy utilizaba ciertas escalas tonales no usuales para la música occidental influenciado por la música oriental que se había escuchado en la Exposición Internacional de 1889 en París.
Aunque Debussy nunca reconoció sucesores o una escuela, cambió el eje que organizaba la música de su época. A partir de Debussy la direccionalidad comienza a depender de los matices expresivos y no de las relaciones acórdicas. Un acorde ya no lleva a otro. El sentido del acorde es el de objeto en si mismo, y ya no una función de paso en un camino dilatorio hacia el reposo. El sentido constructivo se desplaza del desarrollo temático hacia formas de desarrollo rítmico, coloristico o climático. Estructuraba el discurso a partir del desenvolvimiento de ritmos y texturas y no de un desarrollo temático. Debussy usaba los acordes por su sonido o color y no por su función tonal, lo cual era una revolución para el momento. Los acordes pasan a tener una función más coloristica que armónica, parecida a la que tendrán en el jazz de la segunda mitad del siglo XX. Podemos observar una gran incorporación de recursos debussystas a la tradición jazzística y a la música del cine.
En Debussy tampoco aparecen rasgos folclóricos pero la utilización fluida de lo modal, la flexibilidad rítmica, el uso preferente de frases melódicas asimétricas y los acentos puestos en el color orquestal, las convierten en obras originales y muy francesas ya que esos rasgos van a convertirse en los característicos de la música francesa.
Discografía básica
Debussy: Orchestral Music. Koninklijk Concertgebouworkest (Royal Concertgebouw Orchestra); Bernard Haitink y Eduard Van Beinum (directores). Philips (Dúo), 1994. 00289 438 7422.
Debussy: Piano Works, Volumen 1. Werner Haas (piano). Philips (Dúo), 1993, 00289 438 7182.
Debussy: Complete piano music, volumen 2. Werner Haas (piano), Noël Lee (piano). Philips (Dúo), 1994. 438721
Claude Debussy: Intégrale de l’oeuvre pour deux pianos et piano à quatre mains. Christian Ivaldi et Noël Lee. Arion, 1990. ARN 268128. Contiene las primeras grabaciones realizadas de la Obertura Diane, el Andante (cantabile), Divertissement e Intermezzo
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1. The Believers |
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01. Bethlehem Begins 4.06 |
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01. Dignity (Album Version) (04:00) |
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«Rae» (Ross, Prime, MacDonald)– 4:46 |
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«Which Side Are You On» (F. Reece) – 2:59 |
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01. Dignity (R. Ross) 1987 4.01 |
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CD 1: CD 2: |
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«Your Town» – 5:21 |
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Disc 1: Expanded LP (originally released as CBS LP 468550 (U.K.), 1991) Disc 2: Bonus |
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«James Joyce Soles» – 3:50 |
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«Queen of the New Year» (Ross, Prime) – 3:36 |
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«Born in a Storm»– 1:33 |
Deacon Blue
Deacon Blue es una banda de rock pop escocés formado en Glasgow en 1985. La alineación de la banda está compuesta por cantantes Ricky Ross y Lorena McIntosh, el teclista James Prime y el batería Dougie Vipond.
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La banda lanzó su álbum debut, Raintown, el 1 de mayo de 1987 en el Reino Unido y en los Estados Unidos en febrero de 1988. Su segundo álbum, cuando el mundo sabe su nombre (1989), encabezó la lista de álbumes del Reino Unido durante dos semanas, y incluido «real Gone Kid», que se convirtió en su primer top ten Reino Unido solo.
Deacon Blue lanzó su cuarto álbum, Lo que usted dice, no diga nada en 1993. Tras la decisión de Vipond para dejar el grupo a favor de una carrera en la televisión, se separaron en 1994. Cinco años más tarde, la banda realizaron un espectáculo de reunión, y esto conducido a un nuevo álbum, Corta vuelta a casa, con la banda que ahora trabaja en una base a tiempo parcial. La banda lanzó otro álbum, Nostálgico, en 2001. A pesar de Graeme Kelling murió de cáncer de páncreas en 2004, la banda ha seguido y 2006 vio Deacon Blue de volver al estudio para grabar tres nuevas canciones para un álbum de solteros – incluyendo la pista «más grande que Dinamita». El siguiente álbum de Deacon Blue fue The Hipsters, en 2012. más reciente álbum de la banda, una nueva casa, fue lanzado en septiembre de 2014.
A partir de 2012, las ventas totales de discos de Deacon Blue situó en seis millones, con doce UK Top 40 Singles, junto con dos álbumes número uno del Reino Unido.
Studio albums
Raintown (1987)
When the World Knows Your Name (1989)
Fellow Hoodlums (1991)
Whatever You Say, Say Nothing (1993)
Walking Back Home (1999)
Homesick (2001)
The Hipsters (2012)
A New House (2014)
Believers (2016)
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01. The Final Miles |
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01. A Clear Day (St Swithun’s Day) 4.34 |
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01. Rise Again [04:18] |
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01. Heart To Heart [03:01] |
David Knopfler
David Knopfler (Glasgow, Escocia, 27 de diciembre de 1952) es un influyente guitarrista, pianista, cantante y compositor británico, miembro y co-fundador de la banda de rock británica Dire Straits y hermano del guitarrista Mark Knopfler.
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Después de dejar la banda, se embarcó en una carrera en solitario como cantante, contando en su haber con más de 12 discos en solitario junto a Harry Bogdanovs, exhibiendo una disposición en la estructura musical de sus composiciones un sonido armónico con toques ingeniosos de jazz, plácidas melodías y folk suave.
David Knopfler creció en Newcastle (Inglaterra), junto con su hermana Ruth Knopfler y su famoso hermano Mark Knopfler, David Knopfler es el hijo más pequeño de María Luise y Erwin Knopfler, húngaro-judío que huyo por la amenaza de los nazis.
En Newcastle asistió a la Gosforth Grammar School. David Knopfler desarrolló un temprano interés en la música. A la edad de 11 años, tocaba varios instrumentos el órgano y en particular la guitarra y el piano, fueron importantes en su vida, ya por la edad de 14 años en su adolescencia desempeño sus propias canciones en los clubes, esto era ya en la década de los 60 y actuó en centros comunitarios y escuelas locales. Después de asistir a la Politécnica de Bristol , se convirtió en trabajador social en Londres, donde compartió un apartamento con John Illsley. David Knopfler pasó tres años con Dire Straits. Después de salir de la banda, se embarcó en una carrera en solitario como cantante, y trabajó haciendo música para cine.
David Knopfler también ha publicado un libro de poesía. El contacto con su hermano se ha limitado a eventos privados, desde la ruptura en 1980. David se casó con la escritora Anna Perera en marzo de 1984. Tienen un hijo, nacido en agosto de 1985. Anna y David se divorciaron en 2010. Actualmente tiene una relación con la profesora de arte Leslie Stroz.
David Knopfler presentó al bajista John Illsley a su hermano mayor, Mark Knopfler, y que (junto con el batería Pick Withers) se convirtieron en los fundadores de Dire Straits.
Un amigo de Mark Knopfler decidió el nombre, en referencia a la situación financiera de los componentes del grupo en esos momentos, sin embargo, David afirma en su sitio web que «la idea de que la banda literalmente, estuviera en esta situación se debe en gran retrospectiva al mito y no es sostenible». Todos tenían puestos de trabajo hasta que un día teníamos un gran avance de Polygram. David Knopfler fue guitarra rítmica y apareció con Dire Straits en los dos primeros álbumes Dire Straits de (1978) y Communiqué (1979). Inicia las grabaciones de su tercer disco con la banda titulado Making Movies de 1980, pero éste lo dejó, para iniciar su carrera en solitario.
Cuando el álbum de Dire Straits Brothers in Arms fue lanzado en 1985, se pensó que Mark Knopfler había escrito la primera canción del álbum titulada «So Far Away» en su desesperación ante el rumor de pelea con su hermano David Knopfler.
Después de salir de Dire Straits, Knopfler se dedicó a las grabaciones de lo que sería su primer álbum, titulado Release (1983). Mark Knopfler y John Illsley participan en dos de las canciones del álbum, Madonna’s Daughter y Soul Kissing respectivamente. El single de lanzamiento fue Soul Kissing, el single fue un éxito comercial en Inglaterra y Alemania, el álbum fue lanzado bajo el sello de Peach Records en la edición canadiense y Paris Records en la edición inglesa.
Knopfler lanza su segundo LP Behind The Lines (1985). El cual los singles lanzados fueron Heart to heart y Shockwave. El álbum tuvo un fuerte sonido de sintetizadores muy característicos de la música de la época, el álbum fue publicado por Paris Records en Inglaterra y Polydor en Alemania. Después publicó Cut the wire (1986), con el single de lanzamiento The hurricane y Freakshow, el álbum fue lanzado por Paris Records en Inglaterra y por Zafiro en España. Y ya en 1988 publica si disco Lips Against the Steel en los EE.UU para Cypress Records. Tubo de sencillo Heat Come Down.
Con Dire Straits
1978 Dire Straits
1979 Communiqué
1980 Making Movies
1988 Money for Nothing
1995 Live at the BBC
1998 Sultans of Swing: The Very Best of Dire Straits
En solitario
1983 Releases
1985 Behind The Lines
1986 Cut The Wire
1988 Lips Against the Steel
1991 Lifelines(álbum de David Knopfler)|Lifelines
1993 The Giver
1994 Small Mercies
2001 Wishbones
2004 Ship of Dreams
2006 Songs for the Siren
2011 Acoustic (con Harry Bogdanovs)
2013 Made in Germany (con Harry Bogdanovs)
Recopilatorios
2008 The Compilation
2009 The Anthology 1983-2009
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CD1 CD2 |
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1. 5 A.M. Personnel: |
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01 – 5 A.M. Personnel: |
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01 – 5 A.M. Personnel: |
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1 Until We Sleep – Written-By – D. Gilmour* Créditos |
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Disc 1: Disc 2: |
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DISC 1 – CD DISC 2 – CD DISC 3 – DVD DISC 4 – DVD DISC 5 – CD |
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DISC 1: DISC 2: |
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CD Bonus CD DVD (David Gilmour – Live And In Session) |
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01. Castellorizon 3.54 |
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01. Until We Sleep 5.15 |
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01. Until We Sleep 5.15 |
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01. Until We Sleep 5.15 |
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01. Mihalis 5.58 |
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01. Mihalis 5.58 |
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01. Mihalis 5.58 |
David Gilmour
David Gilmour, CBE ( Reino Unido, 6 de marzo de 1946) es un músico británico conocido por ser el vocalista, guitarrista, multi-instrumentalista y compositor principal junto a Roger Waters de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd tras el abandono de Syd Barrett.
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Junto con su trabajo en esta banda, Gilmour ha colaborado en otras publicaciones como productor y ha estado envuelto activamente en ONG a lo largo de su carrera.
En el año 2003 fue nombrado comendador de la Orden del Imperio Británico. En el último listado de los 100 mejores guitarristas, por la revista Rolling Stone, está posicionado en el decimocuarto lugar (entre Albert King y Freddy King), y en el puesto número 8 de la lista «los 100 mejores guitarristas», de la revista Total Guitar. En el 2006 la revista estadounidense Guitar World incluyó tres de sus canciones entre «los 100 mejores solos de todos los tiempos».
En 1996, Gilmour fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Pink Floyd, y en agosto de 2006, su solo en «Comfortably Numb» fue votado por los espectadores de la estación de radio Planet Rock como el mejor solo de guitarra de la historia jamás grabado. Su particular estilo, unido al inmenso éxito comercial y crítico de Pink Floyd han convertido a Gilmour en uno de los guitarristas más representativos e influyentes del panorama musical.
Aunque Gilmour es básicamente conocido por su trabajo como guitarrista, también es un competente multi-instrumentalista, puesto que toca el bajo, los teclados, la batería, la armónica y el saxofón.
Su estilo de ejecución de la guitarra se puede resumir en dos grandes características: por un lado, sus emotivas ejecuciones, y lo complejo de su equipamiento.
En cuanto a la ejecución en sí, Gilmour se caracteriza por lograr muy emotivos solos a partir de escalas. En sus solos puede apreciarse el uso casi exclusivo de la escala pentatónica con las blue’s notes, en combinación con escalas mayores (ver como ejemplos, «Coming Back to Life»; «Another Brick in the Wall», parte II; «Sorrow»). Gilmour también gusta de improvisar sus solos muy a menudo, apartándose de las grabaciones. Gilmour tiene fraseos muy característicos, que además de su singular sonido, lo apartan del resto de los guitarristas. También se caracteriza por la no rapidez de sus solos y por el uso exhaustivo de Bends. Gilmour utiliza mucho la palanca de trémolo de su guitarra, lo cual permite darle más vida y color a sus impresionantes string bendings (estiramientos de cuerdas).
Respecto de su equipamiento, Gilmour utiliza una gran cantidad de efectos de sonido, el cual puede resumirse en una perfecta mezcla de la tecnología clásica con la moderna. Siguiendo los discos de Pink Floyd, la técnica como el set de efectos de Gilmour se va mejorando y en cierta medida, expandiendo. A modo de resumen, puede caracterizarse los distintos set de efectos de Gilmour en 4 grandes períodos:
Hasta Dark Side of the Moon, Gilmour utilizaba un set bastante sencillo, que constaba de un wah-wah Vox, un booster Colorsound, un Dallas Arbiter Fuzz-face y un delay a cinta Binson Echorec, todo ello a través de sus típicos amplificadores Hiwatt DR103 con cabinetes WEM 4X12, de los cuales ya no se despojaría. Aquí incursiona con el pedal Uni-vibe, típico de la canción «Breathe».
Ya en Wish You Were Here su sonido comienza a complicarse, con el añadido de los pedales phasers de MXR. En el disco Animals este sonido es llevado al extremo con el pedal Phase100 de MXR. Aquí hace incursión del que seria su pedal insiginia, que todavía utiliza: el Big Muff V2 «Ram´s Head» de Electro-Harmonix. Pedal que popularizó y que se le relaciona directamente a Gilmour.
En la gira de Animals terminaría de complicarse su sonido de fines de los setenta, con el añadido del mencionado Big Muff en reemplazo del Fuzz-face y el también célebre Electric-Mistress de Electro-Harmonix. Gilmour explota al máximo el uso de los compresores como el Dynacomp de MXR. Tampoco se despoja del Booster Colorsound, el cual utilizaría como overdrive también. Este fue el sonido típico de The Wall, de The Final Cut y del primer y segundo disco solista de Gilmour.
Tras un período de experimentación y renovación, la cual puede apreciarse en el disco A Momentary Lapse of Reason, Gilmour comienza a reeemplazar sus viejos pedales por los modernos pedales Boss, así deja el Colorsound para utilizar el Superoverdrive de Boss, los delays digitales, suma el compresor CS-3 de Boss, cambia los flangers por los Chorus, utiliza el HM-2 de Boss, dándole un uso similar al Big-Muff, el cual conservaría. El set de Gilmour comienza a tomar dimensiones gigantes y su sonido alcanza su máxima calidad en el disco Delicate sound of thunder y P•U•L•S•E, en gran parte gracias a su ingeniero de sonido Phil Taylor.
Actualmente, Gilmour ha optado por volver a utilizar sus efectos clásicos y dejar de lado el equipamiento tan sofisticado que ha desarrollado hasta fines de los 90.
Respecto de su afinidad por los efectos de pedal, Gilmour ha manifestado ser «un guitarrista limitado técnicamente, por lo cual los efectos ayudaron a darle a su sonido una mayor complejidad».
Al comienzo de su carrera con Pink Floyd, Gilmour tocó con multitud de guitarras de marca Fender, aunque uno de sus solos más populares («Another Brick in the Wall», parte II) fue grabado con una Gibson Les Paul Goltop equipada con pastillas P-90 y puente Bigsby. Gilmour posee una gran colección de guitarras, la cual incluye una gran variedad de guitarras Grestch, Gibson acústicas, Taylor, Martin, y diversas Stratocaster de Fender, entre ellas la célebre Stratocaster con el número de serie 0001.
Un buen ejemplo del enfoque guitarrístico de Gilmour se puede encontrar en su solo clásico de «Another Brick in The Wall», parte II. Manteniéndose principalmente dentro de la escala pentatónica menor de re (D: D, F, G, A, C) Gilmour cautiva al oyente con inquietantes estiramientos de blues, barridos de cuerda dramáticos y paradas dobles (combinaciones de dos notas) Se da tiempo a sí mismo en todo el solo y hace uso deliberado del silencio y la repetición melódica. Particularmente convincente es la forma en que Gilmour adorna sus frases con una voz natural, como el vibrato. «Se estira una nota, se mantiene y luego se agita», explica Gilmour: «Es como lo hacen los cantantes de formación clásica, mantienen una nota durante un par de segundos, a continuación, añaden un vibrato. Siempre he disfrutado a los guitarristas que hacen esto bien».
Una gran cantidad de guitarristas jóvenes de hoy tienen vibratos horribles. Son demasiadamente y ridículamente amplios o demasiado rápidos y suenan nerviosos. Alguien una vez describió el vibrato de Eric Clapton como «culto» este tipo de vibrato siempre me ha gustado. «Nunca lo he analizado o practicado conscientemente. Sólo hay una manera en que se siente bien para mí y una manera que se siente mal».
En 1996, Gilmour fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Pink Floyd. En agosto de 2006, su solo en «Comfortably Numb» fue votado por los espectadores de la estación de radio Planet Rock como el mejor solo de guitarra de la historia jamás grabado.
David Gilmour contrajo matrimonio en 1975 con la modelo Virginia «Ginger» Hasenbein. De esta unión nacieron cuatro hijos , Alice (nacido en 1976), Clare (nacido en 1979), Sara (nacido en 1983), y Mateo (n. 1986). Los niños originalmente asistieron a una Escuela Waldorf, pero Gilmour llamó su educación allí «horrible». En 1994, se casó con la periodista Polly Samson, la pareja tiene cuatro hijos, Charlie (hijo de Samson con Heathcote Williams a quien Gilmour ha adoptado), Joe, Gabriel y Romaní. David ha trabajado también con varias ONG, entre las que se encuentran Oxfam, Crisis, la Asociación Europea de Salud y Enfermedad Mental, Greenpeace y Amnistía Internacional.
Además de su talento para la música, Gilmour ha desarrollado también su pasión por la aviación, llegando a fundar su propia compañía aérea, Intrepid Aviation, que acabó vendiendo.
Discografía como solista
David Gilmour (1978)
About Face (1984)
On an Island (2006)
Rattle That Lock (2015)
Videos
David Gilmour in Concert (2002, DVD)
Remember That Night (2007, DVD)
Live in Gda?sk (2008, DVD)
Participaciones
The Madcap Laughs (Syd Barrett) (1970) (produce y toca en varios temas)
Barrett (Syd Barrett) (1970) (produce y toca el bajo)
Blue Pine Trees (Unicorn) (1974) (produce y toca en varios temas)
HQ (Roy Harper) (1975) (toca en The Game)
Back To The Egg (The Wings) (1979) (toca en Rockestra Theme y So Glad To See You Here)
The Dreaming (Kate Bush) (1982) (pone voces en Pull Out The Pin)
Give My Regards To Broad Street (Paul McCartney) (1984) (toca en No More Lonely Nights)
Profiles (Nick Mason-Rick Fenn) (1985) (voz y guitarra en Lie For A Lie)
Brother Where You Bound (Supertramp) (1985) (guitarra en Brother Where You Bound)
So Red The Rose (Arcadia) (1985) (toca en The Promise)
White City (Pete Townshend) (1986) (toca en White City y Give Blood)
Slave To The Rhythm (Grace Jones) (1987) (toca en varios temas sin figurar en los créditos)
The Dream Academy (The Dream Academy) (1988) (toca en Bound To Be y The Party)
Flowers in the Dirt (Paul McCartney) (1989) (toca en We Got Married)
The One {Elton John} (1992) (guitarra en Understanding Women)
Run Devil Run (Paul McCartney) (1999) (toca en todo el disco)
A Valid Path (Alan Parsons) (2004) (Guitarra en Return to Tungunska)
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01. Dismal Day 2.22 |
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1 Avenue Of Love 3:43 Personnel |
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01. Itïs you 3.36 |
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01. «Can I Call You» (03:46) (David Gates) |
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01. Can I call you 3.35 |
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01. Goodbye Girl 2.49 |
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01. Never Let Her Go 3.03 |
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01. Never Let Her Go 3.03 |
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01. Never Let Her Go 3.03 |
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01. Sail Around The World 3.19 |
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01. Sail Around The World 3.19 |
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01. Sail Around The World 3.19 |
David Gates
David Gates (Tulsa, 11 de diciembre de 1940) es un cantante y compositor estadounidense, mejor conocido como el cantante líder del grupo Bread, el cual tuvo mucho éxito en los años setenta, lanzando numerosas canciones mundialmente reconocidas.
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Este grupo está ahora en Salón de la Fama de Grupos Vocales.
Gates es hijo de un director de banda y profesor de piano y como tal desde niño gustó de la música. Tocaba piano, bajo y guitarra cuando se enroló en la Escuela Will Roger´s de Tulsa (Oklahoma). Siendo adolescente se unió a bandas locales cereca de Tulsa. En 1957, la banda de su secundaria acompañó a Chuck Berry en un concierto. Más tarde, Gates lanzó su primer sencillo, hit local, «Jo-Baby». La canción fue escrita por la novia de Gates, Jo Rita, con quien más tarde se casó en 1958 cuando aún estaba estudiando en la Universidad de Oklahoma.
Gates y su familia se mudaron a Los Ángeles en 1961 donde él se convirtió en compositor y llegó a involucrarse en la producción de discos. Trabajó como músico de estudio y productor de muchos artistas incluido Pat Boone. El éxito pronto le llegó con su composición para The Murmaids «Popsicles and Icicles» que alcanzó el número 3 en la 100 Calientes en 1963. Otra canción «Saturday’s Child», fue grabada por The Monkees. A finales de los años sesenta, había trabajado con muchos artistas incluyendo a Elvis Presley, Brian Wilson, Phil Spector, Bobby Darin y Merle Haggard. En 1965 produjo el hit de Glenn Yarbrough «Baby, the rain must fall». En 1966 produjo dos sencillos en A&M Records para Captain Beefheart y The Magic Band que fueron éxitos en el área de Los Ángeles.
Entre tanto, Gates había lanzado sencillos bajo diferentes sellos. «Manchester 101», «There’s a heaven/She don’t cry 196?», «Mala 413», «You’ll be my baby/What’s this I hear», «Mala 418», «The happiest man alive / A road that leads to love» (ambos en 1960). «Mala 427», «Jo Baby/Teardrops in my heart» (en 1961). «Planetary 103», «Little Miss stuck up / The brighter side», «Planetary 108», «Let you go/Once upon a time».
Bajo el pseudónimo Del Asley en 1965 & «Del-Fi 4206» «No One Really Loves A Clown/You Had It Commin’ To Ya». En 1965 también lanzó un sencillo bajo el nombre The Manchesters con el sello Vee Jay.
En 1967, Gates produjo e hizo arreglos del álbum debut de la banda The Pleasure Fair, la cual contaba con Robb Royer entre sus integrantes. Poco menos de un año después, Gates y Royer se juntaron con Jimmy Griffin para formar el grupo Bread. El grupo fue firmado por Elektra Records, donde se mantuvieron ocho años. Su primer álbum, Bread, fue lanzado en 1969, alcanzando el #127 en Billboard 200. El primer sencillo, «Dismal Day,» escrito por Gates, fue lanzado en junio de 1969 sin venderse bien.
El segundo álbum de Bread, On the Waters, con un nuevo miembro, el baterista Mike Botts, fue lanzado en 1970 con mucho éxito, incluyó el sencillo #1 «Make It with You» y fue el primero de siete álbumes consecutivos de Bread en alcanzar el Disco de Oro en Estados Unidos. Sus siguientes tres álbumes, Manna (1971), Baby I’m-a Want You (1972) (con Larry Knechtel reemplazando a Royer) y Guitar Man (1972) fueron también exitosos.
Desde 1970 hasta 1973, Bread colocó 11 sencillos en la Billboard Hot 100, todas escritas y cantadas por Gates, lo cual causó antagonismo entre Gates y Griffin, quien contribuyó significativamente en los álbumes de Bread como cantante y compositor. Para sorpresa de los fans y la industria musical, Bread se separó en 1973.
Gates grabó y produjo su álbum en solitario First en 1973. El sencillo «Clouds», una sección de la pista del álbum «Suite Clouds and Rain», alcanzó el #47 en Billboard. Un segundo sencillo, «Sail Around The World», alcanzó el #50. El álbum llegó a #107 en Billboard.
En 1975 Gates lanzó el álbum Never let her go. El sencillo con el mismo título alcanzó el #29 en las 100 Calientes.
Bread se reunió en 1976 para un álbum, Lost without your love, lanzado a finales de 1976. El título principal, nuevamente escrito y cantado por Gates, alcanzó el #9 en Billboard Hot 100. Bread se separó de nuevo y a finales de 1977, Gates lanzó lo que sería su más exitoso sencillo en solitario, «Goodbye Girl,» del filme del mismo nombre de 1977, éste subió hasta el #15 en Billboard en 1978. Para capitalizar ese éxito, un álbum fue lanzado en 1978 que contenía material de los dos primeros álbumes en solitario de Gates mezclado con nuevo material. Logró otro sencillo, «Took The Last Train». Botts y Knechtel de Bread continuaron grabando y viajando con Gates. Uno de estos viajes en el cual se hicieron llamar «David Gates & Bread» generó una demanda de parte de Griffin y un interdicto contra el uso del nombre Bread. La disputa fue resuelta en 1984.
Gates lanzó los álbumes Falling in love again en 1979 y Take me now en 1981. Grabó a dúo con Melissa Manchester, «Wish We Were Heroes», incluido en el álbum de esta Hey Ricky de 1982. Gates estuvo menos activo en la música durante los 1980’s, se concentró en el manejo de un rancho al norte de California, regresó a la música en 1994 lanzando Love is always seventeen, su primer álbum después de 13 años.
Gates y Griffin dejaron sus diferencias y se reunieron para una gira final de Bread en 1996-1997 con Botts y Knechtel.
En 2002 fue lanzado The David Gates Songbook, que contiene los primeros sencillos y nuevo material.
David Gates actualmente vive en California.
Las canciones de David Gates han sido grabadas por muchos artistas: Telly Savalas, #1 en el Reino Unido con «If» in 1975, Boy George, #1 con «Everything I Own» en el Reino Unido en 1987, Vesta Williams con su versión de «Make It With You» de 1988, la banda CAKE con «The Guitar Man» en 2004 y Ray Parker Jr quien también grabó «The Guitar Man» en 2006.
Discografía
1973 First
1975 Never Let Her Go
1978 Goodbye Girl
1979 Falling in Love Again
1981 Take Me Now
1994 Love is Always Seventeen
2002 The David Gates Songbook
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1. So Much Love. 3.10 |
David Garrick
David Garrick (12 septiembre 1945 a 23 agosto 2013) fue una cantante Inglés, mejor conocido por su 1966, «Estimada señora Applebee»
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Nacido Philip Darryl Core, como un adolescente Garrick cantó en un coro de la iglesia de Liverpool, pero se interesó en la ópera y tuvo éxito en la obtención de una beca para formarse como un cantante de ópera en Milán (Italia) . Volvió a Liverpool después de dos años, donde se encuentra con frecuencia en el famoso Cavern Club y una vez improvisó un extracto de la ópera de Pagliacci , dejándolo apellido «El cantante de la ópera» en el club. Los Kinks gerente ‘, Robert Wace, invitó Core para venir a Londres para grabar su primer sencillo. Tomó el nombre de David Garrick como nombre artístico, después de la famosa del siglo 18 el actor y dramaturgo.
Sus dos primeros sencillos «Go» (1965) y «Una pequeña sonrisa» (1965) se mantuvieron sin éxito. En 1966 Garrick publicó una portada de The Rolling Stones canción » Lady Jane «, que tiene algo de cobertura radiofónica en el Reino Unido, alcanzó el número 28 en el UK Singles Chart, pero curiosamente alcanzó el puesto número 5 en el Países Bajos . Más tarde ese mismo año se cubrió «Estimada señora Applebee», una canción estadounidense relativamente desconocida, primero registrada por el cartucho del tirón, y escrita por Billy meshell y Phil Barr. La versión de Garrick fue un éxito en los Países Bajos (número 3), Flandes (número 3) y Alemania (número 1), pero no obtuvo mayor que el número 22 en la carta del Reino Unido.
En los años siguientes, Garrick lanzado numerosos sencillos y álbumes, pero nunca logró ningún éxito notable de nuevo. En Alemania tuvo dos éxitos menores en 1967. En 1970 se fue a vivir a Sudáfrica y Egipto desde hace algunos años. En la década de 1990, regresó a Europa para intentar una remontada sin éxito, se centró principalmente en Alemania. En 1999, grabó «Apassionata», producido por Mal Jefferson en Mastersound Studios, Aurora, que fue lanzado el Prestige Records. Él continuó a lo largo de la década de 1990 para presentarse en festivales en Alemania, donde tuvo un público fiel.
Albums
A Boy Called David (1967)
Don’t Go Out into The Rain Sugar (1967)
Blow Up (Live, 1968)
Apassionata – A Tribute to Lanza (1999)
Singles
1965 «Go»
1965 «One Little Smile»
1966 «Lady Jane»
1966 «Dear Mrs. Applebee»
1967 «Please Mr. Movingman»
1967 «Don’t Go Out into The Rain»
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01. Things We Do For Love (4:15) |
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1. What’s Broken 3.49 |
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CD1 CD2 CD3 |
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DISC 1: DISC 2: Personnel: David Crosby, Jeff Pevar (vocals, guitar); James Raymond (vocals, piano, keyboards). |
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01. Tracks In The Dust 6.10 |
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01. Tracks In The Dust |
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01. In My Dreams |
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01. In My Dreams |
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1. «Drive My Car» (Crosby) 3:34 Personnel |
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01. Hero 4.39 |
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01. Hero 4.39 |
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01. Music Is Love 3.22 |
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1. Music Is Love 3:22 |
David Crosby
David Van Cortlandt Crosby (Los Ángeles, California, 14 de agosto de 1941) es un conocido guitarrista y cantautor. Fue miembro fundador del grupo The Byrds y de Crosby, Stills, Nash & Young (CSNY).
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Es miembro del Rock and Roll Hall of Fame por su trabajo con The Byrds y con Crosby, Stills, Nash & Young.
Sus padres eran Aliph Van Cortlandt Whitehead y Floyd Crosby, ganador de un Oscar al mejor director de fotografía. Ambos se divorciaron en 1960, cuando Crosby tenía 19 años.
A principios de 1964, Crosby tocó en algunos clubes con Roger McGuinn (entonces conocido como Jim) y Gene Clark con el nombre de Jet Set. Pronto cambiaron su nombre a The Byrds, y se sumaron el bajista Chris Hillman y el baterista Michael Clarke (a quien supuestamente descubrió Crosby tocando bongos en la playa). De alguna manera ellos obtuvieron un demo de la canción de Bob Dylan Mr. Tambourine Man y grabaron su propia versión, con McGuinn usando una guitarra de 12 cuerdas mientras Crosby y Clark acompañaban con las armonías vocales. La canción fue un gran éxito, y llegó al número 1 en los charts.
Si McGuinn era el encargado de dar un sonido característico con su Rickenbacker 360/12 (idea que sacó de la guitarra que George Harrison usaba en A Hard Day’s Night), Crosby era el responsable de las altas y bellas armonías vocales y, a menudo, fraseo en sus canciones.
En 1966, Gene Clark, que en ese entonces era vocalista y compositor principal, se retiró del grupo debido al estrés. Esto llevó a que McGuinn y Crosby fueran los cantantes principales. Crosby tuvo la oportunidad de afinar su oficio, y pronto se convirtió en un prolífico y talentoso cantautor. Entre sus aportes se encuentra la canción de 1966 Eight Miles High, escrita conjuntamente con Clark y McGuinn, y su otra cara, Why, co-escrita con McGuinn, que muestra a Crosby en su mejor y más dura faceta. También es conocida su versión de la canción Hey Joe después de haber sido retomada por Dino Valente. Dio a conocer la canción a Bryan MacLean y Arthur Lee de la banda pop Love, que luego le enseñó a los miembros de The Leaves. Dado que se sentía responsable de haber popularizado la canción, Crosby convenció a los demás miembros de The Byrds para que hicieran una versión en el disco Fifth Dimension. Para el álbum Younger Than Yesterday de 1967, Crosby empezó a encontrar su propia marca y estilo.
Acaba de salir un adelanto de su próximo disco, que se titulará «Lighthouse» y se publicará el 21 de octubre de 2016. La canción se titula «Things we do for love» que David Crosby dedica a su mujer.
Discografía
1971 «If I Could Only Remember My Name» (Atlantic)
1989 «Oh, Yes I Can!» (Atlantic)
1993 «Thousand Roads» (Atlantic)
1994 «It’s All Coming To Me Now!» (Live)(Atlantic)
1996 «Live On The King Biscuit Flower Hour» (Live) (King Biscuit)
2006 «Voyage» (Box-Set) (Rhino)
2014 «Croz» (Blue Castle)
2016 «Lighthouse»(Ground Up)
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01. …Into The Light [1:16] |
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01. Mistreated [0:07:27.31] |
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01. Keep On Giving Me Love 5.16 |
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01. Lady 3.47 |
David Coverdale
David Coverdale (Saltburn-by-the-Sea, North Yorkshire, Inglaterra, 22 de septiembre de 1951) es un músico y compositor británico. Fue el vocalista de la banda Deep Purple durante el período 1973-1976 y, posteriormente, llegó a formar su propia banda Whitesnake, con la cual logró gran éxito.
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Su sonido Hard rock con influencias del blues británico se hizo popular en los ochenta con éxitos como «Still of the Night», «Bad Boys», «Is This Love», «Here I Go Again», «Crying in the Rain» y «Fool For Your Loving», junto a la banda Whitesnake.
David Coverdale nació en Saltburn, Yorkshire, Gran Bretaña. Creció en una atmósfera familiar donde se escuchaba una variedad de bandas y de artistas locales. Sus influencias musicales eran bandas de blues y soul, y cantantes como Otis Redding, Wilson Pickett y Joe Cocker. Comenzó tocando la guitarra pero decidió hacerse cantante y foguearse por los distintos bares locales.
Por esa época, David se ganaba la vida trabajando en boutiques, en donde vendía pantalones, antes de contestar a un anuncio anónimo en el que encubiertamente, se pedía vocalista para la banda Deep Purple, en reemplazo del ex-miembro Ian Gillan. Increíblemente, tomaron a este total desconocido para ellos, que según se cuenta solo había enviado un demo, grabado en pésimas condiciones, pero de acuerdo con el tecladista Jon Lord, «había cinco segundos, en los que su voz se elevaba y demostraba ‘algo'». Corría el año 1973. En 1974, Deep Purple era una de las bandas más populares en América. Sin embargo, después de tres álbumes grabados (Burn, Stormbringer y Come Taste The Band) y varios en vivo que no se declararon oficiales hasta mucho después, la banda se disolvió por la difícil relación entre los músicos.
Durante 1976 y 1977 Coverdale publicó dos discos en solitario: «David Coverdale… Whitesnake» y «Northwinds». En febrero de 1978 Whitesnake fue formada por David Coverdale y el guitarrista Micky Moody, que había colaborado con Coverdale en sus dos discos solistas. El resto de la formación incluía al guitarrista Bernie Marsden, el bajista Neil Murray, el batería David Dowle y el teclista Brian Johnston (luego remplazado por Pete Solley). En abril de ese mismo año, saldría su primer álbum «Snakebite» con el nombre de David Coverdale’s Whitesnake. El primer álbum propiamente dicho de Whitesnake, saldría el mismo año, bajo el nombre de «Trouble». El teclista del disco era un ex-compañero de David Coverdale en años en Deep Purple, Jon Lord. Entre los temas del álbum, saldrían clásicos como «Take me with you», «Trouble», «Lie down» y una buena versión del tema de The Beatles «Day Tripper»…
Mayor éxito llegaría con el álbum de 1979, «Lovehunter», que contenía temas como «Walking In The Shadow Of The Blues», «Medicine Man» y el tema que da nombre al disco. Aunque el álbum más legendario de esta época fue sin duda «Ready an’ willing» de 1980, en el que el baterista David Dowle, ya no estaría presente; en su lugar entra otro ex-compañero de Coverdale en Deep Purple: Ian Paice. Con este disco llegaron a lo más alto de las listas, con temas como «Fool for your loving» y «Blindman».
Con la gira de «Ready an’ willing», se atreverían a sacar un doble disco en directo, grabado en el Hammersmith de Londres en noviembre de 1978 y junio de 1980. En el disco combinarían todas sus grandes canciones de la época.
En 1981 editaron otro gran álbum: «Come an’ get it», muy del estilo de «Ready an’ willing», con canciones como «Don’t break my heart again», «Come an’ get it»… Al año siguiente graban un álbum, que se editó finalmente a mediados de 1982, «Saints & Sinners», con el que consiguieron uno de sus más grandes éxitos: «Here I go again», el cual se convirtió en un clásico del grupo. En este momento las diferencias entre los integrantes y la enfermedad de la hija de Coverdale provocan un impasse en la banda.
Cuando regresan ya no está el guitarrista Bernie Marsden, que fue el primero en marcharse, seguido del baterista Ian Paice y el bajista Neil Murray. En octubre del mismo año 1982 presentarían la nueva formación, el guitarrista sería Mel Galley (ex Trapeze), el bajista Colin Hodgkinson y a la batería entraría el legendario Cozy Powell (ex-Jeff Beck, Rainbow, Black Sabbath y muchas más…), durante los últimos meses de 1982 y primeros de 1983 realizarían la gira del «Saints & Sinners» y ya a finales de 1983 y principios de 1984 grabarían «Slide it in» (que contenía temas como «Love Ain’t No Stranger» y el mismísimo «Slide it ‘in»).
Antes de empezar la gira el guitarrista Micky Moody abandonaría también la banda y sería sustituido por John Sykes (ex-Thin Lizzy). Durante la gira volvería Neil Murray y con la formación renovada, Whitesnake se presenta en el primer Rock In Rio, el de 1985, arrasando con las críticas. Para finales de 1986, la banda estaba compuesta por John Sykes en la guitarra, Aynsley Dunbar en la batería y el reingresado Neil Murray en el bajo. Con el agregado de Don Airey en los teclados, grabarían en 1987 «Whitesnake», el álbum más conocido y vendido de su historia, editado ese año. Whitesnake consigue el tan deseado megaestrellato en Estados Unidos, pero su estilo musical vira unos grados en dirección del hard rock más comercial de la época y en la misma medida se aleja de sus raíces más blueseras.
A pesar del rotundo éxito de «Whitesnake», las cosas a lo interno de la banda no andaban bien. Luego de las sesiones de grabación del álbum durante 1987, Coverdale decidió expulsar a John Sykes. Versiones nunca confirmadas especularon que los motivos eran la disputa del protagonismo escénico, aspecto que aparentemente molestó al líder vocalista.
Mientras tanto, sus restantes compañeros Neil Murray y Aynsley Dunbar no respaldaron la decisión, sumado a otros problemas personales y se marcharon ese mismo año antes de que se publicara el álbum, con lo que la agrupación debió ser renovada en su casi totalidad.
En consecuencia y para desazón de los fans y la prensa, Coverdale despidió a su guitarrista estrella John Sykes e ingresaron Adrian Vandenberg y Vivian Campbell (ex-Dio) en su reemplazo, Rudy Sarzo (ex-Quiet Riot) se hizo cargo del bajo y Tommy Aldridge de la batería. En 1989, grabarían «Slip of the Tongue», en el que Steve Vai (ex-Alcatrazz y David Lee Roth) reemplaza a Campbell. Steve Vai grabó las partes de guitarra del álbum «Slip of The Tongue», ya que el guitarrista Adrian Vandenberg se lesionó realizando unos ejercicios, provocando estos tendinitis.
Al finalizar la gira en 1990, la banda prácticamente se desmembró.
A fines de 1993 David Coverdale y el emblemático guitarrista de Led Zeppelin, Jimmy Page, editan un álbum llamado simplemente «Coverdale-Page», fue lanzado el 15 de marzo de 1993, alcanzando el puesto Nº 4 en las listas de Gran Bretaña, y el Nº 5 en el Billboard 200 americano, álbum del cual fueron extraídos 5 singles de promoción: «Pride and Joy», «Shake My Tree», «Take Me for a Little While», «Take a Look at Yourself» y «Over Now».
El disco fue en principio certificado oro por la RIAA, en razón de 500.000 copias vendidas en EE.UU, alcanzando luego la certificación platino.
Un álbum recopilatorio llamado «Greatest Hits» se publica en 1994; en él se encuentra una nueva versión de «Here I go again». La banda retomaría la actividad con Warren DeMartini (ex-Ratt) y Adrian Vanderberg en guitarras, Rudy Sarzo en bajo, Paul Misckovick en teclado y Denny Carmassi en batería.
En 1997, publicarían «Restless heart», que causó un impacto mínimo en comparación con las expectativas y ni siquiera fue editado en los Estados Unidos. Este disco originalmente iba a ser un álbum de David Coverdale en solitario, pero la presión ejercida por la compañía discográfica lo obligó a publicarlo bajo el nombre de Whitesnake.
El álbum llegó al número 34 en el UK Albums Chart del que se extrajeron singles potencialmente comerciales como «Don´t Fade Away» y «Too Many Tears». A pesar de ello, es uno de los discos de la banda más infravalorados por parte del público y la crítica.
El holandés Adrian Vandenberg es el único músico conocido con la agrupación en este álbum, junto con su líder Coverdale. Posteriormente, se publicó un acústico titulado «Starkers in Tokio», interpretado por Coverdale y Adrian Vandenberg únicamente, que contenía temas de toda la época de Whitesnake más «Soldier of Fortune» de Deep Purple. Coverdale decidió desarmar la banda y continuar su carrera como solista. La «Farewell Tour» (gira de despedida) terminó en Argentina, en el estadio de Ferro Carril Oeste (12 de diciembre de 1997) de manera muy emotiva pero bajo una lluvia de críticas acerca del bajo rendimiento vocal del cantante.
En septiembre de 2000 salió álbum solista de David Coverdale titulado «Into the Light», que tampoco obtuvo buenos comentarios.
En 2003 Whitesnake se reagrupó para la gira de conmemoración de su 25 aniversario. La banda sigue realizando giras, ha editado un DVD en vivo en 2005 y un par de recopilatorios en 2006.
La formación actual consiste de integrantes no británicos (a excepción de su líder): David Coverdale en voz, Doug Aldrich (ex-Bad Moon Rising y Dio) y Reb Beach (ex-Winger y Dokken) en guitarras, y los menos conocidos Brian Tichy en la batería, Michael Devin en bajo y Timothy Drury en teclados.
En 2008 se publicó un nuevo álbum de Whitesnake registrado con esta formación (con la salvedad de Tichy y Devin, participaron en la batería Chris Frazier y en el bajo Uriah Duffy), llamado Good to Be Bad el cual a diferencia de los anteriores, cosechó buenas críticas y restableció parcialmente el nombre de la banda en el rock internacional.
En 2011 bajo el sello Frontiers Records, se publica el undécimo y hasta el momento último álbum de Whitesnake, llamado Forevermore, en el que nuevamente se modifica su formación, integrada por Doug Aldrich y Reb Beach (guitarras), Brian Tichy (batería) y Michael Devin (bajo).
Solo
White Snake (1977)
Northwinds (1978)
«The Last Note Of Freedom» – canción incluida en la banda sonora de Days of Thunder (1990)
Into the Light (2000)
Con Deep Purple
Burn (1974)
Stormbringer (1974)
Come Taste the Band (1975)
Con Whitesnake
Snakebite EP – editado como «David Coverdale’s Whitesnake» (1978)
Trouble (1978)
Lovehunter (1979)
Ready an’ Willing (1980)
Come an’ Get It (1981)
Saints & Sinners (1982)
Slide It In (1984)
Whitesnake (1987)
Slip of the Tongue (1989)
Restless Heart (1997) – editado como «David Coverdale & Whitesnake»
Good to Be Bad (2008)
Forevermore (2011)
The Purple Album (2015)
Con Coverdale Page
Coverdale Page (1993) US Platinum, UK Silver
Como invitado
1974 – Roger Glover & Friends – The Butterfly Ball & The Grasshopper’s Feast («Behind the Smile»)
1974 – Eddie Hardin – Wizard’s Convention («Money To Burn»)
1974 – Jon Lord – Windows («2nd Movement, Gemini»)
1989 – Steve Vai – Passion and Warfare («For the Love of God»)
2000 – Bernie Marsden – And About Time Too [reissue] («Who’s Fooling Who», live)
2003 – Tony Franklin – Wonderland («Sunshine Lady»)
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01. And When I Die 4.16 |
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01. Mercy Lord Above (4:34) (David Clayton-Thomas) Personnel: |
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Too Many Dirty Dishes 5.18 Créditos |
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Harmony Junction (3:13) (Clayton-Thomas/Smith) |
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I Could Just Boogie All Night (Clayton-Thomas) |
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01. Magnificent Sanctuary Band 3.29 |
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01. Magnificent Sanctuary Band 3.29 |
David Clayton-Thomas
David Henry Thomsett, conocido como David Clayton-Thomas, es un cantante y guitarrista de rock y pop, de origen canadiense, nacido en Surrey (Reino Unido), el 13 de septiembre de 1941, aunque se trasladó muy pequeño a Toronto.
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Comenzó tocando solo en clubes, bajo la influencia de bluesmen como Sonny Terry y Brownie McGhee o, sobre todo, John Lee Hooker. En 1964 formó su primera banda de rhythm & blues, The Shays, con quienes grabó en un sello canadiense (A go-go, Roman Records, 1964). Su siguiente banda, The Bossmen, también editó disco en la misma compañía (Like it is, 1966) que incluía el single jazz-rock Brainwhased, que obtuvo bastante éxito en Canadá. Con algunos miembros de estas bandas, Clayton-Thomas formó, en 1968, The Clayton-Thomas Combine, que grabó un single con su tema Spinning wheel, aunque se deshizo muy pronto.
En 1969 fue invitado por Bobby Colomby a integrarse en Blood, Sweat & Tears, sustituyendo como cantante a Al Kooper, que había abandonado el grupo. El primer disco que editaron juntos (Blood, Sweat & Tears, segundo de la banda), le proporcionó tres Premios Grammy, entre ellos el de Mejor Interpretación Vocal Masculina. Uno de los singles del disco, que obtuvo el disco de oro, fue una versión de su tema Spinning wheel. Clayton-Thomas permaneció con BS&T, hasta 2005, aunque en el período 1971-1974 abandonó la banda para desarrollar su propia carrera, especialmente en los circuitos de Las Vegas. En 1972, participó en el Festival de la Canción de Río de Janeiro, donde empató en la final con Nino Bravo. Tras su regreso, mantuvo viva la formación, aunque las disputas con Bobby Colomby por el control del nombre, impidieron que, a partir de 1981, se editaran discos bajo su denominación.
En 1996, fue incluido en la Music Hall of Fame de Canadá. En 2004, regresa a Toronto y, dos años más tarde, en 2006, su tema Spinning wheel es incluido en la Hall of Fame de los Compositores Canadienses.
Álbums
1972 David Clayton-Thomas
1972 Tequila Sunrise
1973 Harmony Junction
1977 Clayton
1998 Blue Plate Special
2005 Aurora
2006 In Concert: A Musical Biography
2010 Soul Ballads.
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Side One |
David Cassidy
David Bruce Cassidy (nacido el 12 de abril de, 1950) es un actor, cantante, compositor y guitarrista.
David Cassidy
Es ampliamente conocido por su papel como Keith Partridge, el hijo de Shirley Partridge (interpretado por su madrastra Shirley Jones ), en la década de 1970 musical-comedia The Partridge Family , que le llevó a convertirse en uno de la cultura pop más célebres ‘s ídolos adolescentes y cantantes pop de la década de 1970. Desde entonces, ha tenido una carrera tanto en la actuación y la música. Durante y después de la familia de la perdiz, él y Danny Bonaduce , que jugó su hermano más joven de la serie, se han mantenido amigos cercanos.
Cassidy nació en el quinto hospital Flor Avenue en la ciudad de Nueva York, en 1950, el hijo de la cantante y el actor Jack Cassidy y actriz Evelyn sala . Su padre era de media irlandesa y media alemana ascendencia, y su madre era en su mayoría de América colonial descenso, junto con cantidades más pequeñas de Irlanda y Suiza. Algunos de los antepasados de su madre estaban entre los fundadores de Newark, Nueva Jersey .
Como sus padres eran frecuentemente de gira en la carretera, pasó sus primeros años siendo criados por sus abuelos maternos en un barrio de clase media en West Orange, New Jersey. En 1956, se dio cuenta de los niños de los vecinos de que sus padres se había divorciado durante más de dos años y no le había dicho. Los padres de David habían decidido porque estaba en una edad tan joven, que sería mejor para su estabilidad emocional para no hablar de ello en ese momento. Se habían ido a menudo con obras de teatro y la vida familiar sigue siendo el mismo.
En 1956, su padre se casó con la cantante y actriz, Shirley Jones, y nacieron tres hermanastros: Shaun (1958), Patrick (1962) y Ryan (1966). En 1968, después de completar una sesión final de la escuela de verano para obtener los créditos necesarios para obtener un diploma de escuela secundaria, David se trasladó a la casa de alquiler de Jack Cassidy y Shirley Jones en Irvington, Nueva York, donde sus medio hermanos también residían. David permaneció allí en busca de fama como actor / músico a la vez que trabaja media jornada en la sala de correo de una empresa textil. Se trasladó a cabo cuando su carrera comenzó a florecer.
El padre de Cassidy Jack se acredita con el establecimiento de su hijo con su primer manager. Después de firmar con Universal Studios en 1969, Jack le presentó al ex campeón de tenis de mesa y amigo cercano Ruth Aarons , que más tarde se encontró su nicho como un agente de talentos, dada su experiencia en el teatro. Aarons había representado a Jack y Shirley Jones desde hace varios años antes, y más tarde se representará el medio hermano de Cassidy Shaun . Aarons se convirtió en una figura de autoridad y amigo cercano de Cassidy, y demostraría ser la fuerza de combate de su éxito en pantalla. Después de hacer pequeños salarios de Screen Gems por su trabajo en The Partridge Family durante la primera temporada, Aarons descubrió una laguna en su contrato y renegociado con términos muy superiores, y una duración de cuatro años, una estipulación rara en el momento.
Álbums
1972 Cherish
1972 Rock Me Baby
1973 Dreams are Nuthin’ More than Wishes
1974 Cassidy Live!
1975 The Higher They Climb
1976 Home Is Where the Heart Is
1976 Getting It in the Street
1985 Romance
1986 His Greatest Hits – Live
1990 David Cassidy
1991 Best of David Cassidy
1992 Didn’t You Used to Be?
1998 Old Trick New Dog
2008 Live in Concert
Recopilatorios
1974 Greatest Hits
1975 David Cassidy Forever
1977 Bravo präsentiert David Cassidy
1998 David Cassidy’s Partridge Family Favorites
1996 When I’m a Rock ‘n’ Roll Star
2001 Then and Now
2003 A Touch of Blue
2006 Could It Be Forever – The Greatest Hits
2007 David Cassidy Part II – The Remix
Sencillos
1971: » Cherish » (US #9, AU #1)/ All I Wanna Do (Is Touch You) (B-side non-LP)
1972: «Could It Be Forever» (US #37, UK #2, AU #11)/ Blind Hope
1972: » How Can I Be Sure » (US #25, UK #1, AU #16, DE #33)/ Ricky’s Tune
1972: «Rock Me Baby» (US #38, UK #11, AU #15, DE #9)/ Two Time Loser
1973: «I Am a Clown» / «Some Kind of A Summer» (UK #3, AU #32, DE #12)
1973: «Daydream» / Can’t Go Home Again» (AU #98)
1973: » Daydreamer » / » The Puppy Song » (UK #1, GR #27, AU #10, ZA #1)
1974: «If I Didn’t Care» (UK #9, DE #43, AU #20) / «Frozen Noses» (A-side from «Greatest Hits»; B-side non-LP)
1974: » Please Please Me » (UK #16, AU #43)/ «CC Rider Blues/Jenny Jenny»
1975: » I Write the Songs » / «Get It Up for Love» (UK #11, AUS #85, ZA #7)
1975: «Darlin'» (UK #16, GR #38, ZA #1)/ «This Could Be The Night»
1976: «Tomorrow» / «Half Past Our Bedtime» (ZA #10)
1976: «Breakin’ Down Again» / «On Fire»
1976: «Gettin’ It in the Streets» / «I’ll Have To Go Aw
1977: «Saying Goodbye Ain’t Easy (We’ll Have to Go Away)» / «Rosa’s Cantina»
1978: «Strengthen My Love» Partridge Family/My Three Sons Thanksgiving reuinion single
1979: » Hurt So Bad » / «Once A Fool» (both from the Curb album Best of David Cassidy )
1985: «The Last Kiss» (UK #6, DE #10, AU #60)
1985: «Romance (Let Your Heart Go)» (UK #54, DE #41)
1985: «Someone»
1985: «She Knows All About Boys / Tenderly» (Pan European #1)
1986: «Live EP»
1990: «Lyin’ to Myself» (US #14)
1992: «For All the Lonely»
1998: » I Think I Love You » (new version)
1998: «No Bridge I Wouldn’t Cross» (US #21 [AC])
2011: «UFO (You Fine One).
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01. Sticky (Fernando Arbex) 03:57 Musicians: |
Alacrán
Alacrán, como grupo, es una muestra del hartazgo que tenían tanto Fernando Arbex como Iñaki Egaña y Óscar Lasprilla del anquilosado sistema musical español.
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Todos ellos habían estado en dos de los grupos más famosos de los 60, como fueron Los Brincos y Los Buenos, y ya conocían por dentro cómo funcionaba todo el mecanismo. «Alacrán» (Zafiro, 1971), como disco, es una de esas cosas que ocurren de vez en cuando, un trabajo notable pero que sin apenas publicidad pasa inadvertido en su época y tras un período de hibernación algún despistado lo descubre por casualidad y, si tiene suerte, lo empiece a reivindicar. Este último peaje todavía este disco no lo ha traspasado.
Fernando, Óscar e Iñaki entraron en los estudios Celada de Madrid para grabar lo que a la postre sería su único disco. Para ello no contaron con mucha ayuda, trabajaron juntos en la composición de los temas y, para que nadie interfiriera demasiado, también se hicieron cargo de la producción. Zafiro tampoco les apoyó demasiado, ya que no les hizo ninguna campaña de publicidad para darles a conocer, seguramente porque pensaron que poca rentabilidad económica le iban a sacar a este trabajo.
En Estados Unidos, a finales de los 60, emergían nuevos sonidos que empezaban a llamar la atención del gran público, como eran el rock latino y el funk, que ya comenzaba a hacerse un hueco en las pistas de baile. Ambos, junto con el rock progresivo, son los elementos que utilizaron Alacrán para elaborar este trabajo.
El disco comienza con la vibrante «Sticky», irresistible ritmo funky marcado por los bongos y la batería junto con el sonido desgarrador de la guitarra, es de lo mejor del disco. Tema firmado por Fernado Arbex en solitario, al igual que «Son (America, America)», la canción donde más se nota la influencia del rock latino, sobre todo de grupos como Santana; y «San Francisco (California)», tema psicodélico donde marcan el ritmo los teclados y donde cantan a esa tierra de los sueños como parecían ser los Estados Unidos («My soul will cross the sky / My soul will never die»). Esta temática también aparece en «My soul (suddenly)», compuesto por Fernando Arbex e Iñaki Egaña, canción de rock progresivo donde dejan claro que lo que ellos quieren ser, es ser libres.
Iñaki Egaña, por su parte, compuso solo la cara B del único single que sacaron, «Take a look around you, baby», canción que se inicia con un ritmo obsesivo de guitarra y que sólo es interrumpido cuando canta Iñaki. La aportación de Óscar Lasprilla en la composición, junto con Iñaki, es «Will you keep my love forever», medio tiempo influenciado por la música negra y perfecto para finalizar.
En definitiva, una entrega notable de un grupo notable, que podían haber hechos grandes cosas juntos, pero que por azares del destino tuvo poco tiempo de vida. Fernando e Iñaki seguirían por esta vía en su nuevo grupo Barrabás.
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CD 1 CD 2 |
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01. I’m Eighteen (02:59) |
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01. Blackstar 9.57 |
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01. Blackstar 9.57 |
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Disc: 1 Disc: 2 Disc: 3 Disc: 4 |
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Disc: 1 Disc: 2 |
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01. The Next Day |
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01. The Next Day (3:27) |
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Disc: 1 Disc: 2 |
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01 – The Next Day |
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CD1 CD2 DVD |
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CD1 CD2 |
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CD1 CD2 DVD tracklist: |
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01. Life on Mars? [03:50] |
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CD1 – The Best Of David Bowie 1969-1974: CD2 – The Best Of David Bowie 1974-1979: CD3 – The Best Of David Bowie 1980-1987: |
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Disc 1 (Blue CD) Disc 2 (Violet CD) Disc 3 – Club Bowie – Rare And Unreleased 12? Mixes |
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01. Never Get Old 3.39 |
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01. The Scumfrog VS David Bowie / Loving The Alien 8.21 09. Video Of David Bowie / Let’s Dance (Club Bolly Mix) |
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01. Slow Burn 4.41 |
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01. New Killer Star [4:40] Musicians: |
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CD1 Bonus CD |
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01 – New Killer Star |
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01 – New Killer Star |
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01. Little Wonder [6:02] |
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01 – Sunday |
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01. Sunday 4:45 Musicians: |
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CD1 CD:2 |
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CD1 CD:2 |
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01 – A New Career In A New Town |
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Disc One – Live * recorded New York, Radio City Music Hall, 15-10-97 Disc Two – Remixes |
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1. Little Wonder (Censored Single Edit) |
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1. I’m Afraid Of Americans (V1) |
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1. Little Wonder(live) |
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1. The Hearts Filthy Lesson (live) |
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01. Survive (Live) 4.11 |
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01. Survive (Marius de Vries Mix) 4.18 |
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CD1: CD2: Bonus CD: Personnel includes: |
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CD1: CD2: Bonus CD: Personnel includes: |
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01. Thursday’s Child (Rock Mix) 4.28 |
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01. Thursday’s Child (Radio Edit) 4.26 |
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01. Thursday’s Child [5:23] Musicians: |
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01. Thursday’s Child [0:05:22.06] |
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01. Thursday’s Child [0:05:22.06] |
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01. Thursday’s Child [0:05:22.37] |
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Contenido |
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01. Thursday’s Child [0:05:22.37] |
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01. Rubber Band (Single version) 2.05 |
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01. Rubber Band (Single version) 2.05 |
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01. Little Wonder [6:02] |
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01. Little Wonder [6:02] |
