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01. Rubberband Girl |
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01. The Sensual World |
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1. Wuthering Heights (03:00) |
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01. Running Up That Hill (A Deal With God) |
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01. Sat In Your Lap |
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01. Babooshka |
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01. Moving |
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01. Moving |
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01. Symphony In Blue |
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1. Karl Jenkins, Stephen Layton, Abel Selaocoe, Polyphony, Belinda Sykes, Maya Youssef & Catrin Finch – Miserere: Songs of Mercy and Redemption: 1. Principium (04:03) |
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01. Cantilena |
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1 In Caelum Fero |
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01. Cantata Memoria: Pitran, Patran (5:56) |
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01. Cancion amarilla 06:59 |
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01. I. Blessed Are The Peacemakers |
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01. Stella Natalis – I. Celebro |
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01. Sarakiz – I. Allegro |
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01. This Land Of Ours: Cantilena – Ysbryd y Mynyddoedd (Spirit Of The Mountains) |
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01. I. Cantus Lacrimosus |
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I. Introitus |
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1 Solvejgs Lied 6:06 |
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01. Gustav Mahler – Adagietto (Sinfonia No 5) [11:57] |
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01. Gura Mise Tha Gu Dubhach |
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1 There’s Always Sunday 4:09 |
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01. Tchaikovsky: Suite from Swan Lake, Op. 20a: I. Scene. Moderato |
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01. Prince Igor, Act II: Dance of the Polovtsian Maidens |
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01. Mascagni: Cavalleria rusticana – Preludio |
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01 Symphony No. 1 in C Major – I. Largo – Allegro vivo (14:52) |
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Disc 01 |
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01 Bruckner – Symphony No.7 in E major |
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01 Ravel – Bolero (Tempo di Bolero moderato assai) |
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01 Mozart – Requiem in D minor, KV.626 – I. Introitus – Requiem |
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01 Debussy – La Mer (The Sea), Three symphonic sketches – I. From dawn to midday on the sea |
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01 Dvorák – Symphony No.9 in E minor, Op.95 ‘From the New World’ – I |
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01 R.Strauss – Thus Spoke Zarathustra – Introduction |
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CD 1 |
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01 Grieg – Peer Gynt Suite No.1, Op.46 – I. Morning Mood |
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01 Brahms – Concerto for Violin and Orchestra in D major, Op.77 |
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01 Mozart – Great Mass in C minor, KV.427 (417a) – I. Kyrie |
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01 Haydn – Symphony in G major, Hob. I-94 ‘Surprise’ – I |
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01 R.Strauss – An Alpine Symphony, Op.64 – Night |
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01 Holst – The Planets, Op.32 – Mars, the Bringer of War |
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CD1 [74:48] |
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1. Tod und Verklärung Op.24, TrV 158 (27:08) |
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01. Gustav Mahler – Adagietto (Sinfonia No 5) [11:57] |
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Konzert Für Violine Und Orchester D-dur Op. 61 Credits: |
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Symphony Nr. 9 In C Major, D. 944 – The Great – |
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1. Adagio – Allegro Non Troppo – Andante – Moderato Mosso – 18:23 |
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01 – Symphony No. 4 in F Minor, Op.36: I. Andante sostenuto-Moderato con anima |
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Disc 1 |
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1. Richard Strauss (1864 – 1949) – Don Quixote, Op. 35, TrV 184 – 44:08 Personnel: |
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Symphony No. 1 in C major op. 21 Performers: |
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01. Intro: Wagner’s Lohengrin / Point Of Know Return (Live) |
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1 Eleanor Rigby 03:22 |
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01. Icarus II (Live in US 2017) |
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1 With This Heart 4:14 |
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1. Intro |
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CD 1 |
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01 (5:43) Belexes |
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DISC 1: |
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CD 1: Personnel |
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Disc I |
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01. Icarus II 7.17 |
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01. Magnum Opus 2.12 |
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1. «Eleanor Rigby» (Lennon/McCartney) – 3:22 The Band |
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01. I Can Fly 5.21 |
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Disc 1 |
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01. Introduction 1.09 |
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1.»Ghosts» (Walsh, Morse, Bob Ezrin) – 4:18 |
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«Silhouettes in Disguise»- Steve Walsh / Steve Morse 4:26 |
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1 Lonely Wind 4:14 |
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01. Carry On Wayward Son [05:24] |
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01. Fight Fire With Fire 3.42 |
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01. Fight Fire With Fire 3.42 |
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1. «Play the Game Tonight» – 3:26 |
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1. «Play the Game Tonight» – 3:26 |
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1. «Play the Game Tonight» – 3:26 |
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1 Relentless 4:58 |
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1 Relentless 4:58 |
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01. On The Other Side 6.26 |
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01. On The Other Side 6.26 |
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CD 1: |
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CD 1: |
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01. Song For America (7:28) |
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01 Point of Know Return 3:13 |
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01 Point of Know Return 3:13 |
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01 Point of Know Return 3:13 |
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01. Carry On Wayward Son 5.25 |
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01. Carry On Wayward Son 5.25 |
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01. Down The Road 3.43 |
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01. Down The Road 3.43 |
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01. Down The Road 3.43 |
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01. It Takes A Women’s Love (To Make A Man) 3.08 |
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01. It Takes A Women’s Love (To Make A Man) 3.08 |
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01. Can I Tell You 3.32 |
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1. Can I tell you (3:32) |
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01. Can I Tell You (3:32) LINE-UP/MUSICIANS |
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CD1 Aqualung |
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01. Prier |
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01. Le Grec |
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01. Futureless Forever |
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01. Quand je t’aime (Version single) |
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01. Ar a Ghabháil ‘n a ‘Chuain Damh |
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SIDE ONE |
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1 Disappearing Nightly |
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CD 1 |
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1 If I Was A Doo Doo Doo 4:20 |
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1 Ride On Baby |
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1. A Quarter To Three |
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[03:15] 1. Stompin’ at the Savoy |
Kurt Cobain
Kurt Donald Cobain (Aberdeen, Washington; 20 de febrero de 1967-Seattle, Washington; 5 de abril de 1994) fue un cantante, músico y compositor estadounidense, conocido por haber sido el cantante, guitarrista y principal compositor de la banda grunge Nirvana. Cobain es considerado como un ícono y voz de la Generación X, también ha sido considerado uno de los músicos de rock más emblemáticos e influyentes en la historia de ese género.
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Cobain formó Nirvana con Krist Novoselic en su ciudad natal en 1985 y la estableció como parte de la escena musical de Seattle, con su álbum Bleach lanzado por el sello discográfico independiente Sub Pop en 1989. Después de firmar con el sello DGC Records, la banda logró el éxito con «Smells Like Teen Spirit», primer sencillo de su segundo álbum Nevermind (1991). Tras el éxito de Nevermind, Nirvana fue etiquetado como «la banda principal» de la Generación X, y Cobain fue aclamado como «el portavoz de una generación». Cobain, sin embargo, estaba a menudo incómodo y frustrado, creyendo que su mensaje y su visión artística habían sido malinterpretadas por el público, siendo sus problemas personales a menudo objeto de atención de los medios. Él desafió a la audiencia de Nirvana con su álbum de estudio final, In Utero (1993). El álbum no coincidió con las cifras de ventas de Nevermind pero aún fue un éxito crítico y comercial.
Durante los últimos años de su vida, Cobain luchó con depresión, enfermedad y adicción a la heroína. También tenía dificultad para sobrellevar su fama e imagen pública, las presiones profesionales y personales en su vida y de su esposa, la cantautora Courtney Love. El 8 de abril de 1994, Cobain fue encontrado muerto en su casa en Seattle, víctima de lo que oficialmente fue afirmado un suicidio por una herida autoinfligida en la cabeza, el 5 de abril. Las circunstancias de su muerte a los 27 años se han convertido en un tema de fascinación pública y debate. Desde su debut, Nirvana, con Cobain como compositor, ha vendido más de 30 millones de álbumes en los Estados Unidos y más de 95 millones en todo el mundo.
Fecal Matter
Illiteracy Will Prevail (1985)
Nirvana
Bleach (1989)
Nevermind (1991)
Incesticide (1992)
In Utero (1993)
MTV Unplugged In New York (1994)
Live! Tonight! Sold Out!! (1994)
Korgis – The
Los Korgis son una banda de pop británica conocida principalmente por su sencillo » Everybody’s Got to Learn Sometime » en 1980. La banda estaba compuesta originalmente por el cantante / guitarrista / tecladista Andy Davis (nacido Andrew Cresswell-Davis el 10 de agosto de 1949) y cantante / bajista James Warren (nacido el 25 de agosto de 1951), ambos ex miembros de la banda Stackridge de la década de 1970, junto con el violinista Stuart Gordon y el tecladista Phil Harrison.
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Los Korgis lanzaron su primer sencillo «Young ‘n’ Russian» a principios de marzo de 1979 en el sello Rialto Records, propiedad de sus gerentes Nick Heath y Tim Heath. Se unió brevemente al baterista Bill Birks; su siguiente sencillo «If I Had You» fue lanzado poco después y subió al número 13 en la lista de singles del Reino Unido , [1] lo que provocó el lanzamiento de un álbum debut homónimo, The Korgis , en julio de 1979.
El siguiente sencillo muestra un relanzamiento de «Young ‘n’ Russian» y «I Just Can’t Help It» no pudo aparecer en la lista. Sin embargo, el siguiente sencillo, de su segundo álbum Dumb Waiters (1980) fue » Everybody’s Got to Learn Sometime » (1980), un éxito en tres países, alcanzando el número 5 en el Reino Unido [1] , 18 en los Estados Unidos y 11 en Australia El álbum alcanzó el número 40 en el Reino Unido en 1980 y fue seguido por los singles «If It’s Alright With You Baby» y «Rovers Return». Sin embargo, el avance comercial que acompañó el lanzamiento de su segundo álbum y los singles resultantes no fue suficiente para mantenerlos juntos, y Davis abandonó la banda antes de la grabación de su tercer álbum, Sticky George , a pesar de tener varios créditos de composición en el álbum. El sencillo principal de Sticky George , «That Was My My Mistake», fue lanzado bajo el nombre de ‘James Warren & The Korgis’ para denotar el hecho de que Davis y Warren se habían separado. A finales de 1980, Gordon y Harrison también habían abandonado la banda; posteriormente, la banda se vio aumentada por la llegada del guitarrista John Baker, el baterista Roy Dodds y el tecladista Maggie Stewart. Esta alineación promovió «Todos deben aprender» y los singles posteriores en la televisión europea y apariciones promocionales. Al año siguiente, el flautista Steve Buck se unió a la banda y estaba contemplando un show de Korgis Live que finalmente no se materializó; llevando a la banda a disolverse y Warren a ir en solitario en 1982. Sin embargo, el single «Don’t Look Back», originalmente una demostración de las sesiones de Sticky George , fue remezclado por Trevor Horn , en ese momento mejor conocido por su trabajo con The Buggles , Dollar and Yes , y publicado por London Records en el verano de 1982. Se planeó un sencillo de seguimiento con Horn, «Endangered Species», pero nunca se materializó.
Kool & The Gang
Kool & the Gang es un grupo estadounidense de R&B, soul, funk y disco. El grupo se formó en Jersey City, Nueva Jersey, en 1964.
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Los miembros principales del grupo a través de los años han sido Robert ‘Kool’ Bell en el bajo y Ronald Bell en el saxo tenor; George Brown en la batería; Robert Mickens en la trompeta; Dennis Thomas en el saxo alto; Claydes Charles Smith en la guitarra, Clifford Adams en el trombón y Rick Westfield en los teclados.
El padre de Robert y Ronald trabajó con Thelonious Monk y así mismo los hermanos eran amigos de Leon Thomas. En 1964 Robert formó la banda instrumental «The Jazziacs» con cinco compañeros de colegio y después cambiaron su nombre a Kool & the Gang cuando lanzaron un álbum del mismo nombre en 1969.
Entre 1973 y 1978, Kool & The Gang es reconocida como una de las bandas más creativas del jazz-funk. En los últimos años 70, la música disco estaba en pleno apogeo y muchos grupos están recurriendo a la música funk uno menos elaborado y más «pop» para llegar a un público más amplio. Es en este contexto que en 1978 James «JT» Taylor se unió a la banda como cantante y Eumir Deodato como productor: la receta del éxito.
Aunque no llegaron a poner un sencillo en listas, el álbum fue exitoso, lo que les permitió seguir editando álbumes hasta que el de 1973 llamado Wild and Peaceful llegó al reconocimiento general con las canciones «Jungle Boogie» y «Hollywood Swinging». El sonido funk que habían estado cultivando llegó a su máxima expresión en el álbum de 1975 llamado The Spirit of the Boogie y después de éste empieza un cambio radical hacia el sonido disco.
En 1979 se une al grupo el cantante James «J.T.» Taylor en el álbum Ladies’ Night comienza una nueva etapa más comercial y en consecuencia más exitosa, obtuvieron un número 1 con «Celebration» del álbum Celebrate! del año 1980, producido por Eumir Deodato.
«Ladies Night» (vendio más de un millón de discos vendidos en los EE.UU.), «Too Hot», «Hangin ‘Out». Los años 80 fueron los años de gloria del grupo donde varios de sus temas encabezaron distintas listas. En esta época de éxitos como «Celebration» (1980), «Get Down On It» (1981), «Cherish» (1985) o «Fresh» (1984) y «Victoria» (1986). La canción «Celebration» (2 millones de copias vendidas en los EE.UU.) es elegido como el mismo himno de bienvenida al volver a los rehenes estadounidenses en Irán.
A partir de ese éxito lograron muchas más apariciones en listas como «Big Fun», «Get Down on It» y «Joanna». Su álbum de 1984 llamado Emergency les dio cuatro éxitos en el top 20 incluyendo «Fresh» y «Cherish». Su presencia en listas se interrumpió a partir del álbum Forever cuando Taylor y Ronald Bell (quien empezó a llamarse Khalis Bayyan) dejaron el grupo. En 1987 que hay un punto de inflexión, con la salida de Taylor. Oficialmente, se separarían de manera amistosa, pero más tarde algunos de los miembros fundadores acusaron a Taylor de quedarse con varios de sus éxitos.
El nombre del grupo volvió a la actualidad en 1994, cuando la canción Jungle Boogie fue incluida dentro del exitoso filme de Quentin Tarantino, Pulp Fiction en donde actuaban John Travolta, Uma Thurman y Samuel Jackson.
Discografía
Kool & The Gang (1969)
Live at the Sex Machine (1971)
Live at PJ’s (1971)
Music is the Message (1972)
Good Times (1973)
Wild and Peaceful (1973)
Light of Worlds (1974)
Spirit of the Boogie (1975)
Open Sesame (1976)
Love & Understanding (1976)
Behind the Eyes (1976)
The Force (1977)
Ladies’ Night (1979)
Celebrate! (1980)
Something Special (1981)
As One (1982)
In the Heart (1983)
Emergency (1984)
Forever (1987)
Sweat (1989)
Unite (1993)
State of Affairs (1996)
Gangland (2001)
Still Kool (2007)
Extracto de Wikipedia
Klaus Schulze
Klaus Schulze (Berlín, 4 de agosto de 1947) es un intérprete y compositor alemán de música electrónica. Ha utilizado también el pseudónimo de Richard Wahnfried. Fue durante un breve periodo de tiempo miembro de bandas de música electrónica como Tangerine Dream o Ash Ra Tempel antes de iniciar una carrera en solitario que consta de más de 60 álbumes y que abarca cinco décadas.
Leer más ...
Sus inicios en la música comienzan de muy joven, con varios años de estudio de guitarra clásica y la participación al bajo en un grupo de Düsseldorf llamado «Les Barons». Durante sus estudios de filología alemana se demuestra como un compositor moderno y músico cercano a las teorías de la Universidad de Berlín. Es aquí en Berlín donde inicia su carrera como músico profesional, formando parte de grupos pertenecientes a la escena alternativa berlinesa de finales de los años 60 y principios de los 70: Psy Free (1967-1968), Tangerine Dream (1969-1970), Ash Ra Tempel y The Cosmic Jokers, grabaciones con los artistas como Harald Grosskopf, Manuel Göttsching, etc, producto de sesiones llenas de LSD con Rolf-Ulrich Kaiser como productor, discos hoy día muy difíciles de encontrar y en caso de ubicarlos se venden a precios elevados. También formó parte de grupos como Go, con Stomu Yamashita, Steve Winwood, Michael Shrieve y Al Di Meola. Más tarde, comenzó una carrera discográfica dentro del ámbito electrónico que llega a nuestros días y que abarca más de cien títulos propios, colaboraciones, conciertos y producciones.
Los conciertos de Klaus Schulze se basan en composiciones originales que se registran en vivo y posteriormente son editados como álbumes en solitario. En el año 2005 comenzó un intenso programa de reedición de los discos de Schulze en formato CD incluyendo, además de las grabaciones originales, numeroso material adicional como canciones extras, discos adicionales o DVDs. Esta labor ha sido publicada por el sello discográfico Revisited Records (una división de la empresa alemana InsideOut Music 1) y han sido distribuidos por SPV.
Irrlicht (1972)
Cyborg (2 CDs) (1973)
Blackdance (1974)
Picture Music (1975)
Timewind (1975)
Moondawn – The Original Master (1976)
Body Love (Soundtrack) (1977)
Mirage (1977)
Body Love Vol. 2 (1977)
«X» (2 CDs) (1978)
Dune (Soundtack) (1979)
… Live… (1980)
Dig it (CD + DVD) (1980)
Trancefer (1981)
Audentity (2 CDs) (1983)
Dziekuje Poland Live 1983 (2 CDs) (1983)
Angst (Soundtrack) (1984)
Inter*Face (1985)
Dreams (1986)
En=Trance (1988)
Miditerranean Pads (1990)
The Dresden Performance (Live) (2 CDs) (1990)
Beyond Recall (1991)
Royal Festival Hall Vol. 1 (Live) (1992)
Royal Festival Hall Vol. 2 (Live) (1992)
The Dome Event (Live) (1993)
Le Moulin de Daudet (Soundtrack) (1994)
Goes Classic (1994)
Totentag (Opera) (2 CDs) (1994)
Das Wagner Desaster – Live – (Live) (2 CDs) (1994)
In Blue (3 CDs) (1995)
Are You Sequenced? (2 CDs) (1996)
Dosburg Online (1997)
Live @ KlangArt 1 (Live) (2001)
Live @ KlangArt 2 (Live) (2001)
Andromeda (Promo CD) (2003)
Ion (Promo CD) (2004)
Moonlake (2005)
Kontinuum (2007)
Farscape (2 CDs) (2008)
Rheingold (2 CDs y/o 2 DVDs) (2008)
Dziekuje Bardzo (3 CDs y 1 DVD adicional) (2009)
Big In Japan (Japanese Version) (2 CDs y 1 DVD adicional) (2010)
Big In Japan (European Version) (2 CDs y 1 DVD adicional) (2010)
Big In Japan (American Edition) (2 CDs y 1 DVD adicional) (2011)
Shadowlands (2013)
Big in Europe (1 CD y 2 DVDs) (2013)
Stars are Burning (2014)
Silhouettes (2018)
Kitaro
Kitaro (Kitaro), (nacido como Masanori Takahashi Takahashi Masanori) el 4 de febrero de 1953, en Toyohashi, Prefectura de Aichi, Japón), es un músico, compositor y multiinstrumentista japonés. Su nombre artístico le fue dado por sus amigos posteriormente, quienes lo sacaron de un personaje de una serie manga de la televisión japonesa llamado Kitaro, de GeGeGe no Kitaro. Es hijo de una familia de granjeros sintoístas.
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Entre 1983 y 1990 estuvo casado con Yuki Taoka. Yuki es hija de Kazuo Taoka, el padrino de Yamaguchi-gumi, el sindicato Yakuza más grande de Japón. Kitaro y Yuki tienen un hijo, Ryunosuke, que vive en Japón. Ellos se separaron porque Kitaro trabajaba la mayor parte del tiempo en los Estados Unidos y ella vivía y trabajaba en Japón. A mediados de 1990 Kitaro se casó con Keiko Matsubara, una profesional de la música que ha participado en varios de sus álbumes. Kitaro vivió con ella y el hijo de ambos en Ward, Colorado en una extensión de 180 acres (730,000 m²). Construyó en su casa un estudio de 2500 pies cuadrados (230 m²) (es lo suficientemente grande como para albergar a una orquesta de 70 componentes), en el que compuso la obra «Mochi House». Kitaro y Keiko se trasladaron posteriormente a Occidental, California.
Discografía (álbumes)
Kitaro
1978 – Ten Kai, Astral Trip [Astral Voyage]
1979 – Daichi [From The Full Moon Story / Full Moon Story]
1979 – Oasis
1980 – Silk Road [Silk Road Volume 1] (banda sonora)
1980 – Silk Road II [Silk Road Volume 2] (banda sonora)
1980 – In Person [In Person Digital] (en directo)
1980 – Silk Road Suite (London Symphony Orchestra dirigida por Paul Buckmaster)
1981 – Silk Road III Tun Huang [Tunhuang / Tonko] (banda sonora)
1981 – Ki (banda sonora)
1981 – Best Of Kitaro [Best Selection / Best Of Kitaro Volume 1] (recopilación 1979-1981)
1981 – World Of Kitaro (London National Philharmonic Orchestra dirigida por John Lubbock)
1982 – Queen Millennia 1000 [Millennia] (banda sonora)
1982 – Symphonic Suite Queen Millenia (Los Angeles Symphonic Orchestra dirigida por John Lubbock; sólo Japón)
1982 – Kitaro At Budokan (en directo, sólo Taiwán)
1983 – Silk Road IV Tenjiku [Silkroad Ten-Jiku / India] (banda sonora)
1983 – Symphonic Silk Road (NHK Grand Orchestra; sólo Japón)
1983 – Silver Cloud [Hiun / Flying Cloud]
1984 – My Best (recopilación 1979-1981)
1984 – Asia Tour Super Live [Live In Asia / Asia] (en directo)
1984 – Kitaro No Kiseki [World Of Kitaro] (Royal Symphonic Orchestra; sólo Japón)
1985 – Endless Journey [Toward The West / Towards The West]
1986 – Tenku
1987 – The Light Of The Spirit
1988 – Ten Years [The Best Of Ten Years 1976-1986 / These 10 Years] (recopilación doble con regrabaciones de temas antiguos y dos temas nuevos)
1990 – Kojiki
1991 – Live In America (doble en directo)
1992 – Lady Of Dreams (con Jon Anderson en 2 temas, banda sonora del film «15 Girls Adrift Story»; sólo Japón)
1992 – Dream (con Jon Anderson en 4 temas, versión definitiva de Lady Of Dreams)
1993 – Heaven & Earth (banda sonora del film de Oliver Stone)
1994 – Mandala
1995 – Live In U.S.A. – An Enchanted Evening (en directo)
1995 – The Best Of Kitaro (recopilación 1987-1993)
1996 – Peace On Earth (álbum de Navidad)
1997 – Cirque Ingenieux
1997 – The Soong Sisters (junto a Randy Miller, banda sonora)
1998 – Gaia-Onbashira
1999 – Best Of Kitaro Volume 2 (recopilación 1986-1998, primera edición con CD adicional)
1999 – Thinking Of You
1999 – Shikoku 88 Kasho (banda sonora)
1999 – Noah’s Ark (recopilación 1983-1985)
2000 – With The Earth (Photos and Words by Kitaro) (recopilación, libro de fotos con CD)
2001 – Ancient (banda sonora)
2002 – An Ancient Journey
2002 – Mizu Ni Inori Te (recopilación, varios temas nuevos)
2002 – Daylight, Moonlight Live In Yakushiji (en directo)
2003 – Sacred Journey of Ku-Kai
2003 – Best Of Silk Road (recopilación, varios temas regrabados)
2003 – Ninja Scroll – The Series (con Peter McEvilley, banda sonora)
2005 – Sacred Journey Of Ku-Kai, Volume 2
2006 – Kitaro Presents «Spiritual Garden»
2006 – The Kitaro Essential (CD+DVD; recopilación)
2007 – Sacred Journey Of Ku-Kai, Volume 3
2008 – The Definitive Collection (recopilación)
2008 – Toyo’s Camera (banda sonora, recopilación)
2009 – Impressions Of The West Lake (banda sonora de obra escénica)
2010 – Sacred Journey Of Ku-Kai, Volume 4
2010 – 442 – Live With Honor, Die With Dignity (banda sonora en 2 volúmenes, recopilación)
2010 – Grammy Nominated (recopilación)
2012 – Silk Road Journey: The Ultimate Kitaro Collection (box-set antológico con 15 CDs y un DVD)
2013 – Tamayura (banda sonora de obra escénica; CD+DVD)
2013 – Final Call
2013 – The Kitaro Quintessential (CD+DVD; recopilación)
2014 – Symphony Live In Istanbul (en directo)
2017 – Sacred Journey Of Ku-Kai, Volume 5
Maxi-singles especiales
1982 – Utopia [Theme Of Radio House Ginga]
1983 – Portopia ’81
1984 – Four Seasons Of Quality
Recopilaciones adicionales
1985 – The Best
1985 – Silk Road Best
1985 – An Introduction (disco promocional)
1986 – Silk Road (doble, Silk Road I + Silk Road II)
1986 – All The Best
1986 – All The Best II
1986 – Kitaro Special
1987 – Super Best
1988 – Wärme: Cosmic Love (Musik Zur Ruhe-Music For Meditation-Vol.8)
1989 – Best 16 Hits
1989 – Sound Creator
1990 – Kitaro The Greatest
1990 – Best Collection
1991 – The Best (Kitaro-Himekami)
1994 – Tokusen (doble)
1994 – Tokusen II (doble, CD1 recopilación 1983-1985; CD2 en directo «Live in Osaka 1983»)
1997 – Kitaro’s World (box-set con 7 CDs y libreto)
1997 – The Essential Collection
1998 – Six Musical Portraits
1998 – Twin Best (doble)
2001 – Healing Forest
2002 – Ashu Chakan [Asian Cafe]
2005 – NHK Silk Road Master Piece Collection Vol.1 (Royal Symphonic Orchestra)
2005 – NHK Silk Road Master Piece Collection Vol.2 (Royal Symphonic Orchestra)
2005 – NHK Silk Road Master Piece Collection Vol.3 (Royal Symphonic Orchestra)
2006 – The Essential Kitaro Nº2
2009 – From Silk Road To Ku-Kai (box-set recopilatorio con 10 CDs)
2009 – Best Of Kitaro (CCCO FabFour) (estuche recopilatorio con 4 CDs)
2009 – Digital Box Set (descarga digital, 4 volúmenes)
2010 – Osaka-Jo Hall Live In 1983 (en directo, descarga digital)
2011 – Celestial Scenery: Silk Road Legend, Volume 1 (descarga digital)
2011 – Celestial Scenery: Silent Praying, Volume 2 (descarga digital)
2011 – Celestial Scenery: Faraway Land, Volume 3 (descarga digital)
2011 – Celestial Scenery: Eternal Trip, Volume 4 (descarga digital)
2011 – Celestial Scenery: Holy Vibration, Volume 5 (descarga digital)
2011 – Celestial Scenery: Breezing Universe, Volume 6 (descarga digital)
2011 – Celestial Scenery: Fairy Stories, Volume 7 (descarga digital)
2011 – Celestial Scenery: Divine Spirit, Volume 8 (descarga digital)
2011 – Celestial Scenery: Galactic Flight, Volume 9 (descarga digital)
2011 – Celestial Scenery: Heart Beat, Volume 10 (descarga digital)
2011 – Kitaro Golden Best (doble)
2012 – Silk Road Best (doble)
2013 – The Premium Best Kitaro Silk Road No Sekai (doble)
2014 – Kukai No Tabi Series Set (estuche con 4 CDs)
2014 – The Deluxe Audio & Visual Collection (2CDs y DVD)
2014 – Silk Road Best In (SACD)
2014 – Kojiki – A Story In Concert (en directo)
Kitaro con el grupo «Far East Family Band»
1975 – The Cave Down To The Earth
1975 – Nipponjin (producido por Klaus Schulze)
1976 – Parallel World (producido por Klaus Schulze)
Kitaro no participó en los discos «Far Out» (Far Out-1973) y «Tenkujin» (Far East Family Band-1977).
Colaboraciones
1980 – Silk Road Suite (conducida por Paul Buckmaster con la Orquesta Sinfónica de Londres)
1982 – World of Kitaro (conducida por Jeremy Lubbock con National Philharmonic Orchestra)
1988 – Gyuto Monks – Freedom Chants from the Roof of the World (además con Philip Glass y Mickey Hart)
1992 – Marty Friedman – Scenes, producido por Kitaro
1995 – Nawang Khechog – Karuna, producido por Kitaro
1996 – Yu-Xiao Guang – Kitaro’s World of Music (recreaciones de temas originales de Kitaro)
2003 – Peter McEvilley, Rachel Leslie – Ninja Scroll : The Series (banda sonora)
2006 – Ryuta Yoshimura – Hayazaki no Hana (banda sonora)
2012 – Let Mother Earth Speak (además con Dennis Banks)
Kinks – The
The Kinks fue una banda británica de rock originaria de Muswell Hill, al norte de Londres, formada por los hermanos Ray y Dave Davies en 1963. Catalogada en Estados Unidos como una banda de la invasión británica, The Kinks está reconocido como uno de los grupos de rock más importantes e influyentes de todos los tiempos. Su música tiene influencias de una amplia gama de géneros, entre los que se cuentan el R&B, el music hall británico, la música folclórica y el country. Ray Davies (cantante principal, guitarra rítmica) y Dave Davies (guitarra principal, voz) permanecieron en él durante los 32 años de trayectoria del grupo. Los miembros originales Peter Quaife (bajo, voz) y Mick Avory (batería, percusión) se vieron reemplazados por John Dalton en 1969 y Bob Henrit en 1984, respectivamente. Dalton a su vez fue relevado por Jim Rodford en 1978, mientras que el teclista Nicky Hopkins acompañó a la banda durante las sesiones de grabación a mediados de la década de 1960. Más tarde, muchos teclistas, entre los que se incluyen John Gosling e Ian Gibbons, fueron integrantes de la banda.
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The Kinks adquirió fama en 1964 con su tercer sencillo, «You Really Got Me», compuesto por Ray Davies.? Se convirtió en un éxito internacional; llegó a la cima de las listas del Reino Unido e ingresó a los Top 10 de las listas de los Estados Unidos. Entre mediados de la década de 1960 y la de 1970, el grupo lanzó una serie de álbumes y sencillos que gozaron de éxito comercial y de la crítica y se ganaron una reputación por sus canciones y álbumes conceptuales que reflejan la cultura y estilo de vida inglés, gracias al estilo observacional de las composiciones de Ray Davies. Álbumes como Face to Face, Something Else, The Kinks Are the Village Green Preservation Society, Arthur, Lola Versus Powerman and the Moneygoround y Muswell Hillbillies, junto con sus sencillos se cuentan entre los discos más influyentes del período.? A pesar del escaso éxito de los posteriores álbumes conceptuales teatrales, la banda experimentó un resurgimiento a fines de la década de 1970 y a principios de la de 1980, cuando grupos como Van Halen, The Jam, The Knack y The Pretenders realizaron diversas versiones de sus canciones, lo que contribuyó a aumentar las ventas de The Kinks. En la década de 1990, intérpretes de britpop como Blur y Oasis mencionaban a menudo a la banda como una de sus grandes influencias. The Kinks se disolvió en 1996 debido a los fracasos comerciales de sus últimos álbumes así como las tensiones creativas entre los hermanos Davies.
The Kinks tuvieron diez sencillos en la lista estadounidense Billboard Hot 100 y nueve de sus álbumes ingresaron al Top 40. En el Reino Unido, el grupo tuvo 17 sencillos que ingresaron al Top 20 y cinco álbumes que alcanzaron el Top 10. Cuatro de sus álbumes han recibido discos de oro otorgados por la Recording Industry Association of America, y, entre numerosos reconocimientos, han recibido el premio Ivor Novello por sus «sobresalientes aportaciones a la música británica».8? Los miembros originales del grupo ingresaron en el Salón de la Fama del Rock en 1990, el primer año en que eran elegibles, y en noviembre de 2005 en el Salón de la Fama de la Música del Reino Unido.
1964: Kinks
1965: Kinks-Size (solo lanzado en Estados Unidos)
1965: Kinda Kinks
1965: Kinkdom (solo lanzado en Estados Unidos)
1965: The Kink Kontroversy
1966: Face to Face
1967: Something Else by The Kinks
1968: The Kinks Are the Village Green Preservation Society
1969: Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire)
1970: Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part One
1971: Muswell Hillbillies
1972: Everybody’s in Show-Biz
1973: Preservation Act 1
1974: Preservation Act 2
1975: Soap Opera
1976: Schoolboys in Disgrace
1977: Sleepwalker
1978: Misfits
1979: Low Budget
1981: Give the People What They Want
1983: State of Confusion
1984: Word of Mouth
1986: Think Visual
1989: UK Jive
1993: Phobia
King Crimson
King Crimson es una banda de rock progresivo fundada en Londres en 1969. Es considerada una de las pioneras y uno de los pilares del género, más allá de su diversificación sonora y mutaciones estilísticas.
La banda ha adoptado diversos sonidos durante su historia, producto de la diversa instrumentación utilizada y ha tenido una gran influencia en muchos artistas de la música contemporánea. Además, ha ganado un gran número de seguidores a pesar de tener poca presencia en la radio, televisión u otros medios de comunicación.
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Aunque originaria de Inglaterra, la banda ha tenido una mezcla de personal de Inglaterra y de Estados Unidos desde su reencarnación de 1981. El grupo se caracteriza también por su constante cambio de miembros, habiendo pasado por sus filas más de dos decenas de músicos, y por largos periodos de inactividad. Robert Fripp, el guitarrista y líder, es el único miembro que ha formado parte de King Crimson durante toda su historia, si bien algunos otros músicos como Bill Bruford, Adrian Belew o Tony Levin tienen una larga trayectoria en el grupo.
El nombre King Crimson (en español Rey Carmesí) fue idea del letrista Peter Sinfield como un sinónimo de Belcebú, príncipe de los demonios. Según Fripp, Belcebú es un anglicismo de la frase árabe B’il Sabab, la cual significa “hombre que ambiciona”.
La alineación debut del grupo fue muy influyente pero de corta duración (duró poco más de un año). Entre 1970 y 1971 King Crimson ya era una banda inestable, con muchos cambios de miembros. En 1972 se alcanzó una mayor estabilidad (con el bajista y vocalista John Wetton) y se desarrolló un sonido que mezclaba hard rock, música clásica y jazz; en 1974 se separan por primera vez. La banda volvió a formarse en 1981 (esta vez influenciados por el new wave y con un estilo completamente diferente), pero volvió a separarse en 1984. Retornó nuevamente después de más de diez años, en 1994, lanzando el álbum THRAK. En el año 2000 y en el 2003, se lanzarían los álbumes The ConstruKction of Light y The Power to Believe, respectivamente. Su última época de actividad dio comienzo en 2014.
Aunque Fripp ha sido el único factor común de todos los discos y todas las alineaciones de King Crimson, él no se considera a sí mismo como el líder del grupo. Para él, King Crimson es “una manera de hacer cosas” y los constantes cambios de sus miembros sólo reflejan ese punto de vista.
En agosto de 1967, los hermanos Michael Giles (batería) y Peter Giles (bajo), contando ya con alguna experiencia musical producto de sus pasos por anteriores grupos, dieron cuenta públicamente de la necesidad de un cantante para su proyecto. Robert Fripp, que no era vocalista, mostró su interés de formar parte del proyecto y así nació Giles, Giles and Fripp.
Greg Lake
Basados en un formato de canciones pop excéntricas e instrumentales complejos, la banda grabó varios sencillos sin éxito y un álbum, The Cheerful Insanity of Giles, Giles and Fripp. La banda se cernía sobre el borde del éxito, con varias sesiones en la radio y una aparición en la televisión, pero nunca logró alcanzar un éxito comercial. El álbum no era más que un éxito de los sencillos, e incluso fue menospreciado por Keith Moon de The Who en una revisión de una revista. En el intento de expandir su sonido, Giles, Giles and Fripp reclutó al multi-instrumentista Ian McDonald, que tocaba teclados, saxos y flautas.
McDonald trajo entonces a su novia, la ex cantante de Fairport Convention Judy Dyble, cuya estadía en el grupo fue breve y terminó al mismo tiempo que su separación sentimental con McDonald. Luego, McDonald trajo al letrista Peter Sinfield, con quien había estado escribiendo canciones. Esa amistad comenzó cuando McDonald le dijo a Sinfield, con respecto a su banda de 1968 (Creation): «Peter, tengo que decirte que tu grupo no tiene remedio, pero escribes grandes letras. ¿Te gustaría escribir juntos un par de canciones?» Una de las primeras canciones que McDonald y Sinfield escribieron juntos fue «The Court of the Crimson King».
Fripp, por su parte, había visto al grupo musical 1-2-3 (más tarde conocido como Clouds) en concierto. Esta banda inspiraría más tarde algunas canciones de Crimson de melodías clásicas, de jazz e improvisación. Es entonces cuando Fripp recomendó a su amigo Greg Lake, un cantante y guitarrista, para que formara parte del grupo. Lake debería reemplazar a Fripp o a Giles. A pesar de que Peter Giles más tarde describiría al hecho sarcásticamente como uno de los «lindos movimientos políticos» de Fripp, él mismo expresó su desilusión con Giles, Giles and Fripp, ya que no había conseguido el éxito esperado. Peter Giles entonces renunció para ser reemplazado por Greg Lake como el bajista y cantante del grupo. En este punto, la banda se transformó en lo que se convertiría en King Crimson.
En 1969 el grupo debutó como telonero de los Rolling Stones en un concierto en el Hyde Park, y grabó su primer disco, In the Court of the Crimson King, en octubre. También realizaron su primera gira por Europa y Norteamérica. A finales de año surgieron tensiones y diferencias creativas que desembocaron en la salida de Michael Giles e Ian McDonald de la banda, quienes al año siguiente grabaron un álbum con el nombre de McDonald and Giles.
Discografía
In the Court of the Crimson King (1969)
In the Wake of Poseidon (1970)
Lizard (1970)
Islands (1971)
Larks’ Tongues in Aspic (1973)
Starless and Bible Black (1974)
Red (1974)
Discipline (1981)
Beat (1982)
Three of a Perfect Pair (1984)
THRAK (1995)
The ConstruKction of Light (2000)
The Power to Believe (2003)
Ketama
Ketama es un grupo musical gitano español de flamenco-fusión. Formado originalmente a principios de la década de los 80 por José Soto «Sorderita» (1961), Ray Heredia (1963-1991) y Juan José Carmona Amaya «El Camborio» (1960), posteriormente, los dos primeros abandonaron el grupo, completándose con la entrada de Antonio Carmona Amaya «Ajillo» (1965) y José Miguel Carmona Niño «Josemi» (1971), hermano y primo respectivamente de Juan José.
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Ketama representó, hasta su disolución en 2004, uno de los representantes más destacados del denominado Nuevo flamenco.
A principios de los años 1980 en España la escena musical estaba dominada por la llamada Movida madrileña. En el contexto de un país que salía de una dictadura de casi cuatro décadas, la eliminación de la censura y las nuevas posibilidades al alcance dieron lugar a una multitud de nuevas formas de expresión y al inicio de la carrera musical de autores con nuevas inquietudes. El flamenco no era la excepción; ya en 1979 Camarón de la Isla había publicado “La leyenda del tiempo”, disco que según la crítica había iniciado la apertura de este género a todo tipo de nuevos ritmos
En el tablado madrileño Los Canasteros trabajaban dos guitarristas, el granadino Juan Carmona El Camborio, hijo de Juan Habichuela, y el jerezano José Soto Sorderita, ambos provenientes de familias gitanas y flamencas antiguas. Para revisar sus amplias y respectivas herencias musicales, y con la compañía del madrileño Ray Heredia, hijo del bailador Josele, como vocalista, formaron Ketama (tomando el nombre de un valle de Marruecos). Pronto se convirtieron en el grupo insignia de la discográfica Nuevos Medios, con una propuesta poco ortodoxa con los cánones establecidos.
Discografía
Ketama (Nuevos Medios, 1985)
La pipa de Kif (Nuevos Medios, 1987)
Songhai (Nuevos Medios, 1988)
Y es ke me han kambiao los tiempos (Universal, 1990)
Karma (recopilatorio) (Nuevos medios, 1990)
Canciones hondas (recopilatorio) (Nuevos medios, 1992)
Pa´ gente con Alma (Polygram, 1992)
El Arte de lo invisible (Universal, 1993)
Songhai 2 (Nuevos medios, 1994)
De akí a Ketama (Universal, 1995)
Konfusión (Universal, 1997)
Sabor Ketama (recopilatorio) (Mercury Records, 1998)
Toma Ketama! (Universal, 2000)
Dame la mano (Universal, 2002)
Nuevos Medios Colección (recopilatorio) (Nuevos medios, 2002)
20 pa’ Ketama (recopilatorio) (Universal, 2004)
Extracto de Wikipedia
Kenny G
Kenneth Bruce Gorelick (5 de junio de 1956, Seattle, Washington, Estados Unidos), más conocido por su nombre artístico, Kenny G, es un saxofonista estadounidense ganador del Grammy.
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Es un destacado instrumentista popular de los años 1980 y 1990. Actualmente, el saxofonista proveniente de Seattle, dedica su tiempo completo a desarrollar giras regionales en Estados Unidos y algunas internacionales, sobre todo Japón y China.
Es uno de los músicos instrumentistas más exitosos en ventas de álbumes.
El instrumento principal de Kenny G es el saxofón soprano, pero también toca a veces el saxofón tenor y el alto. Comenzó a tocar el saxofón cuando tenía 10 años, en 1966. El instrumento que tenía cuando era estudiante era un saxofón alto Buffet-Crampon. Ahora toca con saxofones Selmer Mark VI Soprano, Alto y Tenor. Ha creado su propia línea de saxofones llamados «Kenny G Saxofones».
Su cuarto álbum, Duotones, le llevó al éxito en 1986. En 1997 obtuvo un lugar en el libro Guinness de récords mundiales al haber ejecutado la nota más larga registrada por un saxofón (45’47»). Una de sus últimas participaciones ha sido su contribución en la canción «Last Friday Night (T.G.I.F)» de la cantante estadounidense Katy Perry. En el vídeo oficial, tocó el saxofón actuando como «Uncle Kenny (Tío Kenny)».
Entre las canciones o composiciones más populares del músico, se encuentra «Silhouette».
Destacado en el mundo de la Música, acompañando a decenas de cantantes, como: Michael Bolton, Richard Marx, Aaron Neville, Whitney Houston, Andrea Bocelli, Toni Braxton, Wham, George Michael, David Foster, Stevie Wonder, incluso en habla hispana como participar en un disco musicad de la banda Camila, con el tema: «Es hora de decir adiós».
La destacada participación en los lentos de los años 1980 hicieron que, casi imperceptiblemente, todos los que vivieron esa época, y 1990, escucharan temas de él sin saber quien era, ya que acompañaba instrumentalmente en muchos lentos.
Kenny G tiene una profunda amistad con Michael Bolton, y Richard Marx hace décadas. Tal vez una de las características del saxofonista es su cálida forma de ser, por lo cual, es apreciado tanto por cientos de artistas.
Michael Bolton y Kenny G, en una práctica un día antes de los premios Grammy en la década de los 1980.
La carrera de Kenny G se inició con un trabajo como acompañante para orquesta Amor ilimitado de Barry White en 1973, cuando tenía 17 años y todavía estaba en la escuela secundaria. Continuó tocando profesionalmente mientras estudiaba para obtener una especialización en contabilidad en la Universidad de Washington en Seattle y se graduó. Él tocó con la banda de funk Fría, Bold y Together antes de convertirse en un miembro acreditado de The Jeff Lorber Fusion. Comenzó su carrera en solitario después de su periodo con Lorber.
Álbumes de estudio
1982 – Kenny G
1983 – G Force
1985 – Gravity
1986 – Duotones
1988 – Silhouette
1992 – Breathless
1996 – The Moment
2002 – Paradise
2008 – Rhythm and Romance
2010 – Heart and Soul
2015 – Brazilian Nights
Álbumes en vivo
1989 – Kenny G Live
2006 – Best
Álbumes de grandes éxitos
1994 – The Very Best of Kenny G
1997 – Greatest Hits
2003 – Ultimate Kenny G
2005 – The Greatest Holiday Classics
2006 – The Essential Kenny G
Álbumes de compilaciones
1991 – Montage
1993 – The Collection
2001 – In America
2004 – The Romance Of Kenny G
2006 – The Holiday Collection
Álbumes de covers
1999 – Classics in The Key of G
2004 – At Last… The Duets Album
2006 – I’m in the Mood for Love…The Most Romantic Melodies of All Time
EP
1997 – Six of Heart
Bandas sonoras
1991 – Dying Young
2011 – Last Friday Night (participación como Uncle Kenny)
Keith Richards
Keith Richards (Dartford, Kent, Inglaterra; 18 de diciembre de 1943) es un guitarrista, cantante, actor, compositor y productor británico. Forma parte de la banda de rock The Rolling Stones, estando ininterrumpidamente en la agrupación desde 1962, y junto al cantante Mick Jagger y el baterista Charlie Watts (únicos elementos que permanecen de la formación original) son la asociación más larga en la historia del rock.
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Pese a que casi toda su carrera musical la ha desarrollado como integrante de este grupo inglés, al igual que Jagger, también ha realizado trabajos en solitario y se unió a otros proyectos musicales como The New Barbarians, junto con su compañero stone Ronnie Wood. Sus materiales solistas, del mismo modo que las composiciones de la banda, se centran en temas rock con influencias en el rhythm and blues y el blues.
A partir de mediados de la década de 1960 se convirtió junto a Jagger en el motor creativo de los Stones, componiendo desde esa época casi todas las canciones del grupo, y en algunas ocasiones interpretando la voz principal, como en The Salt of the Earth (1968), You Got the Silver (1969), Happy (1972) y Little T&A (1981). Desde la década de 1970 arrastró grandes diferencias con Jagger, situación que llegó a su punto máximo durante la mitad de la década de 1980, que coincidió con la edición de Talk is Cheap (1988) y posteriormente Main Offender (1992). Fue elegido por la revista Rolling Stone en el puesto número 4 de la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.
Keith Richards, nació el 18 de diciembre de 1943 en el Hospital Livingstone del poblado de Dartford, ubicado en el noroeste del condado de Kent, Inglaterra. Fue el hijo único del matrimonio conformado por Bert Richards, obrero herido durante la Segunda Guerra Mundial, y Doris Dupree Richards. Sus abuelos paternos eran socialistas y líderes cíviles2? mientras que su abuelo materno, Augustus Theodore «Gus» Dupree, fue miembro de la banda de jazz Gus Dupree and his Boys. Su madre le introdujo en la música de Billie Holiday, Louis Armstrong y Duke Ellington, y le compró la que fue su primera guitarra —una Rosetti acústica— por siete libras. Su padre no veía con demasiado agrado que pasara mucho tiempo con su guitarra.
Durante su infancia, junto con su madre, solía visitar a su abuelo Gus, quien le introdujo en la música popular de esos días, como Max Miller, Arthur English y Jimmy James. Su abuelo fue una de las influencias tempranas del guitarrista para convertirse en músico. Dejando el preescolar atrás, ingresó en 1951 a la Wentworth Primary School, la misma donde conoció a su futuro compañero de grupo Mick Jagger. Mick y Keith eran solo conocidos a pesar de que vivían en el mismo vecindario. Richards dejó de frecuentar a Jagger cuando se mudó a otro vecindario.
Desde 1955 asistió a la Dartford Technical School (ahora llamada Wilmington Grammar School),? donde fue parte del coro de la escuela formando parte del trío de sopranos. Durante este tiempo realizó muchas presentaciones, incluso una en la Abadía de Westminster frente a la Reina Isabel II. En 1959 fue expulsado de la escuela por absentismo. Posteriormente se trasladó a Sidcup, municipio de Bexley (Londres), para estudiar en la Sidcup Art College. En aquel lugar Keith tuvo mucho tiempo para desarrollar y mejorar su técnica como guitarrista, al igual que para escuchar a los bluesman americanos Little Walter y Big Bill Broonzy. Durante su estancia en Sidcup conoció a Dick Taylor. Con su nuevo compañero comenzó tempranamente en esta época a experimentar con drogas.
Discografía oficial
Talk is Cheap (1988)
Live At the Hollywood Palladium (1991)
Main Offender (1992)
Vintage Vinos (2010, recopilación)
Crosseyed Heart (2015)
Keith Moon
Keith John Moon (Londres, Inglaterra, 23 de agosto de 1946-ibídem, 7 de septiembre de 1978)? fue un músico inglés, conocido por ser baterista de la banda británica de rock The Who. Se ganó el reconocimiento por su estilo exuberante e innovador en la batería, y su excéntrico comportamiento autodestructivo, lo que le valió el apodo de «Moon the Loon» («Moon el chiflado»). Moon se unió a The Who en 1964. Participó en todos los álbumes y sencillos desde su debut, en «Zoot Suit» de 1964, hasta Who Are You de 1978, álbum que fue lanzado solo tres semanas antes de su muerte.
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Moon fue conocido por su dramática y emocionante forma de tocar la batería—evitando frecuentemente los ritmos básicos, enfocando su técnica en la rapidez, subrayando los redobles a través de los tambores, manejando ambidiestramente el doble bombo y golpeando salvajemente los platillos. Es mencionado en el Salón de la Fama del Rock como uno de los grandes bateristas del rock,? y de manera póstuma, fue incluido en el Rock Hall como miembro de The Who en 1990.
El legado de Moon, como miembro de The Who, como solista y como una excéntrica personalidad, sigue cosechando premios y elogios. Los lectores de la revista Rolling Stone, lo posicionaron en el segundo lugar entre «Los Mejores Bateristas de Todos los Tiempos» en 2011,? casi 35 años después de su muerte.
Keith Jarrett
Keith Jarrett (Allentown, Pensilvania, 8 de mayo de 1945) es un pianista y músico de jazz estadounidense.
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Se trata de uno de los maestros del jazz de vanguardia, cuya producción más sobresaliente es una serie de piezas improvisadas grabadas en directo en Colonia, París, Milán, Viena, Tokio y otras ciudades. Probablemente estos sean sus trabajos más famosos, pero es sin duda un enorme virtuoso. Muy versátil, Keith ha interpretado lo mismo música de autores del barroco europeo como Johann Sebastian Bach o Georg Friedrich Händel, solo o en diversas alineaciones que incluyen, entre otros, a la virtuosa de la flauta barroca Michala Petri, autores minimalistas contemporáneos como Arvo Pärt o jazzistas contemporáneos como Miles Davis, con quien inició propiamente su carrera, Chick Corea, Jan Garbarek, Gary Peacock, Charlie Haden y Jack DeJohnette entre otros.
También interpreta piezas para piano clásico, clavicordio, clavecín y órgano. Ha grabado varios discos de música clásica, interpretando obras de Johann Sebastian Bach, Händel, Mozart y Shostakovich, entre otros.
Jarrett tiene la reputación de ser un perfeccionista excéntrico y, mientras toca, suele vocalizar de forma expresiva. Su agente musical es Steven Cloud.
Keith Jarrett nació el 8 de mayo de 1945, en Allentown, Pensilvania, de una madre de ascendencia húngara y un padre de ascendencia francesa o escocesa-irlandesa. Creció en el suburbio Allentown con la exposición temprana significativa a la música. Jarrett posee el oído absoluto, y mostró prodigiosos talentos musicales de niño pequeño. Comenzó clases de piano justo antes de su tercer cumpleaños, y a los cinco años apareció en un programa de talentos de televisión organizado por el líder de la banda de swing, Paul Whiteman. Jarrett dio su primer concierto formal de piano a la edad de siete años, tocando obras de compositores como Mozart, Bach, Beethoven y Saint-Saëns, y terminando con dos de sus propias composiciones. Animado especialmente por su madre, Jarrett tomó clases intensivas de piano clásico con una serie de maestros, incluyendo a Eleanor Sokoloff del Instituto Curtis.
En su adolescencia, como estudiante en la Escuela Secundaria Emmaus en Emmaus, Pensilvania, Jarrett aprendió jazz y rápidamente se hizo competente en él. En sus adolescencia desarrolló un interés fuerte en la escena contemporánea del jazz; con Dave Brubeck de inspiración temprana. En un momento dado, tuvo una oferta para estudiar composición clásica en París con la famosa profesora Nadia Boulanger – una oportunidad que satisfizo a la madre de Jarrett pero que Jarrett, inclinándose ya hacia el jazz, decidía rechazar.
Después de su graduación de la High School secundaria de Emmaus en 1963, Jarrett se trasladó de Allentown a Boston donde asistió al prestigioso Berklee College of Music y tocó el piano en los clubs locales. Después de un año se mudó a Nueva York donde tocó en el mítico Village Vanguard.
Swinging Big Sound, (Don Jacoby and the College All-Stars), 1962
Buttercorn Lady, (Art Blakey and the New Jazz Messengers), 1966.
Dream Weaver, (Charles Lloyd Quartet), 1966.
The Flowering of the Original Charles Lloyd Quartet Recorded in Concert, (Charles Lloyd Quartet), 1966.
Charles Lloyd in Europe, (Charles Lloyd Quartet), 1966
Forest Flower: Charles Lloyd at Monterey, (Charles Lloyd), 1967
Love-In, (Charles Lloyd Quartet), 1967
Charles Lloyd in the Soviet Union, (Charles Lloyd), 1967
Life Between the Exit Signs, 1967, (Vortex)
Restoration Ruin, 1968, (Vortex)
Somewhere before, 1968, (Atlantic)
The Mourning of a Star, 1971, (Atlantic)
Facing You, 1971, (ECM)
Birth, 1972, (Atlantic)
El Juicio (The Judgement), 1972, (Atlantic)
Expectations, 1972, (Columbia/Legacy)
Ruta and Daitya, 1973, (ECM)
Fort Yawuh, 1973, (Impulse)
Solo Concerts: Bremen and Lausanne [live], 1973, (ECM)
In the Light, 1973, (ECM)
Luminessence, 1974, (ECM)
Treasure Island, 1974, (Impulse)
Belonging, 1974, (ECM)
Hamburg 74 1974, (DIME)
Backhand, 1974, (Impulse)
Death and the Flowers. 1975, (Impulse)
Backhand, 1975, (Impulse)
The Köln Concert [live], 1975, (ECM)
Shades, 1975, (Impulse)
Mysteries, 1976, (Impulse)
The Survivor’s Suite, 1976, (ECM)
Arbour Zena, 1976, (ECM)
Staircase, 1977, (ECM)
Bop-Be, 1977,(Impulse)
My Song, 1977, (ECM)
Byablue, 1977, (Impulse)
Silence, 1977, (Impulse)
Ritual, 1977, (ECM)
Sun Bear Concerts Piano Solo. 1978, (ECM)
Eyes of the Heart, 1979, (ECM)
Nude Ants [live], 1979, (ECM)
Invocations – The Month and the Flame, 1979, (ECM)
Sacred Hymns, (1980), (ECM)
Celestial Hawk (1981), (ECM)
Concerts, 1982, (ECM)
Standards, Vol. 1. 1983, (ECM)
Changes. 1984, (ECM)
Standards, Vol. 2, 1985, (ECM)
Spheres, 1985, (ECM)
Spirits, 1986, (ECM)
Book of Way (1986), (ECM)
Still Live (1986), (ECM)
Changeless (1987), (ECM)
Dark Intervals , 1988 (ECM)
J.S. Bach: Das Wohltemperierte Klavier Buch I, 1988, (ECM)
Goldberg Variations, 1989, (ECM)
Personal Mountains, 1989, (ECM)
Works by Lou Harrison, 1989, (New World)
Tribute [live], 1989, (ECM)
Paris Concert, 1990, (ECM)
Bye Bye Blackbird, 1991, (ECM)
Bach:French Suites 1991, (ECM)
J.S. Bach: Das Wohltemperierte Klavier Buch II, 1991, (ECM)
The Cure, 1991, (ECM)
Vienna Concert 1992, (ECM)
Dmitri Shostakovich: 24 Preludes and Fugues Op. 87, 1992, (ECM)
Flutes Sonata (Keith Jarrett – Michala Petri), 1992, (ECM)
Sonatas for Recorder and Continuo (Keith Jarrett – Michala Petri), 1992, (ECM)
The French Suite 1993, (ECM)
3 Sonaten für Viola da Gamba und Cembalo [Kashkashian/Jarrett] 1994, (ECM)
Bridge of Light 1994, (ECM)
At the Deer Head Inn 1994, (ECM)
Händel – Suites for Keyboard 1995, (ECM)
Standards in Norway 1995, (ECM)
Piano Concertos K. 467, 488, 595, Masonic Funeral Music K. 477, Symphony in G Minor K 550 – Jarrett – Stuttgarter Kammerorchester – Davies 1996, (ECM)
La Scala [live], 1997, (ECM)
Tokyo ’96 [live], 1998, (ECM)
Piano Concertos K.271,453,466,Adagio and Fugue K. 546 – Jarrett – Stuttgarter Kammerorchester – Davies, 1998, (ECM)
The Melody at Night, with You 1999, (ECM)
Whisper Not [live], 2000, (ECM)
Inside Out [live], 2001, (ECM)
Always Let Me Go : Live in Tokyo (2002), (ECM)
Up for It: Live in Juan-Les-Pins [live], 2003, (ECM)
The Out-of-Towners (2004), (ECM)
Radiance [live], 2005, (ECM)
Carnegie Hall [live], 2006, (ECM)
My Foolish Heart – Live in Montreux, 2007 (ECM)
Paris/London – Testament, 2008 (ECM)
Yesterday 2009, (ECM)
Jasmine, 2010, (EMC) Keith Jarret (piano) / Charlie Haden (contrabajo).
Rio, 2011, (ECM) Keith Jarrett (piano).
Somewhere Keith Jarrett, Gary Peacock, Jack DeJohnette 2013 (ECM)
Last Dance, 2014, (ECM) , Keith Jarrett (Piano) / Charlie Haden (Contrabajo)
Creation, 2015, (ECM) , Keith Jarrett (Piano)
A Multitude of Angels, 2016, (ECM), Keith Jarrett
After the Fall , 2018, Keith Jarrett (Piano),Gary Peacock ,Jack DeJohnette , (ECM)
La Fenice, 2018, Keith Jarrett (Piano), (ECM)
Keith Emerson
Keith Noel Emerson (Todmorden, Yorkshire del Oeste, 2 de noviembre de 1944-Santa Mónica, California, 11 de marzo de 2016) fue un músico, pianista y compositor británico.
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Comenzó su carrera integrando el grupo The Nice (que en principio eran los acompañantes de P. P. Arnold en los inicios de su carrera en solitario) y después pasó a formar parte de Emerson, Lake & Palmer (ELP), uno de los primeros supergrupos de los años setenta. Con dicho grupo, publicó una serie de LP de gran calidad, tanto en lo que se refiere a la composición, con temas de una gran complejidad y duración, fusionando rock, jazz y música contemporánea, en los que el protagonista era Emerson, y baladas en las que el peso lo llevaba el bajista Greg Lake, como en la interpretación de una gran sensibilidad y fuerza, y con un virtuosismo que coloca tanto a Emerson como al baterista Carl Palmer entre los grandes instrumentistas de la historia del Rock, habiendo sido ambos ganadores en numerosas ocasiones de los rankings del Melody Maker en la categoría de instrumentistas. Asimismo, realizaban versiones de composiciones clásicas o contemporáneas de autores como Johann Sebastian Bach, Bela Bártok, Modest Músorgski, Piotr Ilich Chaikovski, Alberto Ginastera, Gaspar Sanz, Aaron Copland o Henry Mancini.
Sus primeras cinco grabaciones con Lake y Palmer son clásicos del rock progresivo, destacándose el ya clásico ostinato en 5/4 de Tarkus en el cual Emerson dobla el piano y el Hammond en la mano izquierda obteniendo una textura que luego seria imitada por muchos tecladistas.
Brain Salad Surgery, grabado en 1973, es una de las cumbres del rock progresivo y sinfónico. Es de destacar la versión que la banda realiza del tercer concierto para piano de Ginastera denominada «Tocatta» y la obra conceptual Karn Evil 9, plena de fuerza, poesía en las letras y virtuosismo instrumental con uno de los mejores solos de piano de Emerson en la segunda y tercera impresión.
La culminación de este período puede considerarse California Jam, concierto realizado el 6 de abril de 1974 con la participación de las mejores bandas del momento como Deep Purple que tocó antes que Emerson, Lake and Palmer cerrara la presentación.
Emerson se retiró durante tres años a las Bahamas para descansar y componer, preparándose para iniciar una carrera solista. Este silencio hizo que los fans y la crítica los llevaran nuevamente a los estudios donde grabaron un álbum doble que marca un giro en su carrera Works vol I en el que Emerson registra su concierto para piano y orquesta con la Sinfónica de Londres y una obra que en principio estuvo destinada para la película Los perros de la guerra basado en la novela de Frederick Forsyth Piratas.
Realizan una gira mundial con una orquesta sinfónica dirigida por Godfrey Salmon que se encuentra registrada en un disco y DVD. Esta es la última muestra de ELP en todo su poderío, ya que tras un disco bastante discutible grabado por obligaciones contractuales con el sello Atlantic (Love Beach) se separan en 1979.
Keith Emerson también ha destacado como realizador de música para el cine contándose entre sus mejores bandas sonoras la que realizó para la producción de Sylvester Stallone Nighthawks (1981) y la música para el film Inferno (1980), obra de culto del director italiano Dario Argento, entre otras.
Keane
Keane es una banda inglesa de rock alternativo procedente de Battle, East Sussex, en el sureste de Inglaterra. Hasta ahora todos sus materiales discográficos, Hopes and Fears (2004), Under The Iron Sea (2006), Perfect Symmetry (2008), Night Train (2010) y Strangeland (2012), fueron directos al número 1 de la lista británica de ventas UK Albums Chart, inmediatamente después de su lanzamiento consiguiendo cerca de 10 millones de discos vendidos en total. Estuvieron separados de manera temporal desde 2014 hasta enero de 2019.
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Los miembros de Keane son Tim Rice-Oxley como compositor y teclista, Tom Chaplin como vocalista y guitarrista, Richard Hughes en la batería, y Jesse Quin en el bajo, este último se uniría en 2007. Dominic Scott era el guitarrista del grupo hasta que abandonó en 2001, fue vocalista de la banda hasta 1997, cuando se unió Tom Chaplin.
Keane es conocido por usar el piano como su principal instrumento en lugar de guitarras durante sus dos primeros álbumes, Hopes and Fears y Under The Iron Sea, al contrario de muchas bandas de rock. Sin embargo, hacen uso de pedales de efectos y sintetizadores, dándoles un gran rango de sonidos no limitados al tradicional sonido del piano. Pero, a partir de su tercer álbum, Perfect Symmetry, la banda incluyó las guitarras entre sus instrumentos, caso similar en su más reciente álbum de estudio Strangeland. La voz de Tom Chaplin es considerada uno de los factores en el éxito del grupo.
El representante de Keane es Adam Tudhope, amigo de Rice-Oxley desde la universidad y que está involucrado en la producción de películas a través de su compañía White House Pictures. Ha contribuido con películas británicas como Love Actually.
En 2008 se incluyeron dos de sus discos, Hopes and Fears y Under The Iron Sea, en la lista Q de los 50 mejores discos británicos de todos los tiempos, siendo, junto a Radiohead, Oasis y The Beatles, los únicos grupos en tener al menos dos discos entre los 20 primeros puestos.
Álbumes de estudio
2004 Hopes and Fears
2006 Under the Iron Sea
2008 Perfect Symmetry
2010 Night Train
2012 Strangeland
2019 Cause and Effect
EP
2008 Retrospective EP 1: Everybody’s Changing
2010 Night Train
2010 Retrospective EP 2: Sunshine
Álbumes en vivo
2005 Live Recordings 2004
2006 Live In the UK 2006
2008 Live Recordings European Tour 2008
2010 iTunes Festival London 2010
Álbumes recopilatorios
2013 The Best of Keane
Kate Bush
Catherine Bush, CBE, mejor conocida como Kate Bush (Bexleyheath, Kent, Reino Unido, 30 de julio de 1958) es una cantante, compositora y productora británica.
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Debutó en 1978 con el sencillo «Wuthering Heights», que fue número uno en las listas musicales británicas durante cuatro semanas. Fue la primera mujer cantautora en llegar al número 1 en Billboard3? y también la primera mujer en ingresar a las listas de música en el Reino Unido. Ha lanzado 25 sencillos que han llegado al Top 40 de las listas británicas, incluyendo los éxitos «The Man with the Child in His Eyes», «Babooshka», «Running Up That Hill», «Don’t Give Up» y «King of the Mountain».
Sus discos también han ingresado a los listados británicos, incluyendo «Never for Ever» (1980), «Hounds of Love» (1985) y «The Whole Story» (1986).
Es considerada una de las máximas referentes del art pop.
Catherine Bush nació el 30 de julio de 1958 en Bexleyheath, en Kent, Reino Unido, en el seno de una familia de clase media (su padre era médico). Pasó los años de su niñez en St. Joseph’s Convent School, donde estudió violín y piano.
Carrera musical
A la edad de 16 años fue descubierta por David Gilmour de Pink Floyd, quien quedó asombrado con el talento de la joven Cathy. Logró entonces, por mediación de Gilmour, grabar algunas de sus canciones, de manera que pronto la discográfica EMI se interesó por sus composiciones. Sin embargo, una vez que Cathy, desde ahora Kate, firmó un contrato con la casa de discos, no se sumergió directamente en la grabación de su primer trabajo: durante tres años recibió clases de mimo, danza y canto, de manera que pudo desarrollar con creces sus aptitudes y lograr un conocimiento musical profundo.
Álbumes:
1978: The Kick Inside
1978: Lionheart
1980: Never for Ever
1982: The Dreaming
1985: Hounds of Love
1989: The Sensual World
1993: The Red Shoes
2005: Aerial
2011: Director’s Cut
2011: 50 Words for Snow
Recopilatorios:
1986: The Whole Story
Sencillos:
«Wuthering Heights»
«The Man with the Child in His Eyes»
«Hammer Horror»
«Wow»
«Breathing»
«Babooshka»
«Army Dreamers»
«Sat in Your Lap»
«The Dreaming»
«There Goes a Tenner»
«Suspended in Gaffa»
«Running Up That Hill»
«Cloudbusting»
«Hounds of Love»
«The Big Sky»
«The Sensual World»
«This Woman’s Work»
«Love and Anger»
«Rubberband Girl»
«Eat the Music»
«Moments of Pleasure»
«The Red Shoes»
«And So is Love»
«King of the Mountain»
«Deeper Understanding (versión Director’s Cut)»
«Wild Man»
«Running Up That Hill (A Deal with God) (2012 Remix)»
Otros sencillos promocionales:
«Them Heavy People»
«Moving»
«Strange Phenomena»
«Symphony in Blue»
«December Will Be Magic Again»
«Ne t’enfuis pas»
«Night of the Swallow»
«Experiment IV»
«Lyra»
«This Woman’s Work (versión Director’s Cut)»
Colaboraciones:
«Don’t Give Up» (dueto con Peter Gabriel)
«Rocket Man» (Elton John and Bernie Taupin)
«The Man I Love» (dueto con Larry Adler)
Karl Jenkins
Karl Jenkins, CBE (Penclawdd, Gower, Gales, 17 de febrero de 1944) es un compositor y músico británico.
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Karl Jenkins nació y creció en Penclawdd, Gower, Gales, al Oeste de Swansea. Su padre, profesor de la escuela local, organista y director de coro, le dio su primera instrucción musical. Karl comenzó su variada carrera musical como intérprete de oboe en la Orquesta Infantil Nacional del Reino Unido. Continuó sus estudios musicales en el University College de Cardiff y en la Academia Real de Música. Fue conocido por el conjunto de su carrera como músico de jazz y rock, uniéndose primero a la banda Nucleus, de Jazz Rock, liderada por Ian Carr, pasando después a la banda de rock progresivo de Canterbury Soft Machine en 1972 y posteriormente liderándolos durante varios años, ganando el primer premio en el Festival de Jazz de Montreaux, en Suiza. El grupo desafió el ser categorizado, y tocó en sitios tan diversos como el Proms, el Carnegie Hall, y el Festival de Jazz de Newport.
Ha creado un buen número de canciones para anuncios, ganando por dos veces el premio de la industria en ese campo. Quizás su más famosa pieza sea el tema clásico usado por la empresa de diamantes De Beers para su famosa campaña de publicidad en televisión que se centraba en las joyas vestidas por gente de la que solo se muestran sus siluetas. Posteriormente la incluyó como pieza principal en una compilación de trabajos variados que llamó Diamond Music, editado en 1996, y finalmente creó Palladio, usándolo como tema del primer movimiento. También es muy conocido el tema Adiemus, utilizado en un anuncio de la aerolínea Delta Airlines, incluido después en una recopilación de música chillout y cuyo éxito llevó a Jenkins a decidirse a crear el proyecto Adiemus, de cuyo primer disco, Songs of sanctuary, es esa canción el primer tema.
Su aparición como compositor sucedió con un innovador proyecto multigénero, Adiemus. Jenkins ha dirigido este proyecto en Japón, Alemania, España, Finlandia, Holanda y Bélgica, así como en el Royal Albert Hall y la estación eléctrica de Battersea en Londres. El primer disco de Adiemus, Songs of Sanctuary, (1995) se vendió lo suficientemente bien (encabezando las listas de música clásica) como para hacer surgir una serie de sucesores, cada uno de los cuales gira en torno a un tema central distinto.
Además de Diamond Music, ha realizado más trabajos en solitario, fuera del proyecto Adiemus. En 1998 publicó Imagined Oceans, disco de catorce temas creados a partir de lo que los nombres de trece mares de la Luna evocaban en la imaginación de Jenkins (la primera pista es una versión corta de la última, Mare Crisum). En 1999 publicó The Armed Man: A Mass for Peace en el que hace apología del fin de las guerras, cuyo «Agnus Dei» ha pasado ya a ser un clásico contemporáneo, y por último en 2005 publicó Requiem/In These Horizons Stones Sing, disco de 18 canciones, siendo las 13 primeras un réquiem dedicado a su padre. Es destacable que para este último disco contó con la Orquesta Occidental de Kazajistán, siendo la primera vez que una orquesta de este país actúa en el exterior.
Fue galardonado con la Orden del Imperio Británico en la lista de Honores del Nuevo Año para 2005.
Discografía:
con Nucleus
1970: Elastic Rock
1971: Solar Plexus
1971: We’ll Talk About It Later
con Soft Machine
1972: Softstage: BBC In Concert (en vivo)
1972: Six
1973: NDR Jazz Workshop (en vivo)
1973: Seven
1974: Bundles
1974: Floating World Live (en vivo)
1975: British Tour ´75 (en vivo)
1976: Softs
1977: Alive & Well (en vivo)
1980: Land of Cockayne
Adiemus
1995: Songs of Sanctuary
1996: Adiemus II: Cantata Mundi
1998: Adiemus III: Dances of Time
2001: Adiemus IV: The Eternal Knot
2002: Adiemus Live (en vivo)
2004: Adiemus V: Vocalise
2013: Adiemus Colores
2017: Symphonic Adiemus
En solitario
1977: Rubber Riff
1989: Cuts for Commercials Vol. 3 (con Mike Ratledge)
1996: Palladio
1996: Diamond Music
1998: Imagined Oceans
2001: The Armed Man: A Mass For Peace
2005: Requiem
2006: Tlep
2007: River Queen (banda sonora)
2008: Stabat Mater
2008: This Land of Ours
2008: Quirk: The Concertos
2009: Stella Natalis
2010: Gloria / Te Deum
2012: The Peacemakers
2014: Motets
2016: Cantata Memoria for the children
2019: Piano
2019: Miserere: Songs of Mercy and Redemption
Karl Bhöm
Karl August Leopold Böhm (Graz, 28 de agosto de 1894 – Salzburgo, 14 de agosto de 1981) fue un director de orquesta austriaco de gran relevancia en el repertorio germánico, mayormente en obras de Mozart, Beethoven, Richard Wagner y Richard Strauss con las orquestas filarmónicas de Viena, Berlín y Dresde. Durante la década de 1960, apogeo del LP, rivalizó en cantidad de grabaciones con Georg Solti y Herbert von Karajan
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Karl Böhm nació en el seno de una familia acomodada. Si bien desde sus primeros años la música fue su verdadera vocación, siguiendo los deseos de su padre, que era abogado y que deseaba para él una profesión segura, estudió inicialmente derecho, obteniendo el doctorado en dicha materia. Al igual que sucedió con Strauss y con Furtwängler, los músicos alemanes no se dirigían a él como “Herr Generalmusikdirektor”, sino como “Herr Doktor”.
Con posterioridad a su doctorado, estudió música en el conservatorio de Graz y tras ello, teoría de la música, en Viena, con Eusebius Mandyczewski, gran amigo de Johannes Brahms y fue también discípulo de Karl Muck, que había sido un excelente y exigente director de la Orquesta Filarmónica de Viena, a la que se dice dirigió “con batuta de acero”. Estos dos maestros le introdujeron en el mundo del sonido de Wagner y de Brahms, si bien Böhm encontró más tarde por sí mismo otros caminos, fundamentalmente el de Mozart.
Tras haber trabajado como director asistente en la ópera de su ciudad natal, en 1921 y por recomendación de Muck, que reconoció de inmediato el talento de su alumno, fue contratado por Bruno Walter para trabajar en la Ópera Estatal de Baviera. En Múnich se desempeñó bajo la tutela de Walter, primero como cuarto director debutante, encargado del coro, pero en pocos años llegó a primer director. Posteriormente, en 1927 fue contratado por la Orquesta de Darmstadt, donde a pesar de su formación, comprensión y profundo amor por las obras clásicas, puso en escena obras de vanguardia de Alban Berg y de Paul Hindemith. En 1931 fue contratado por la Orquesta de Hamburgo, donde entró en contacto con Richard Strauss, cuyas óperas ya había dirigido en Múnich y Darmstadt. La situación de las orquestas en Alemania, tras la llegada al poder del Partido Nazi, se podía considerar como caótica, como consecuencia del abandono del país por parte de sus directores, ante la alternativa a tener que afrontar discriminaciones de carácter político o racial. Tras el abandono del país, por estas razones, de Fritz Busch, Böhm fue llamado para sustituirle en la dirección de la Ópera de Dresde, entonces segunda en importancia de Alemania, tras la de Berlín. En ella dirigió varias orquestas, pero fundamentalmente la Staatskapelle, titular del teatro. Permaneció en el cargo cerca de nueve años y fue durante este tiempo cuando desarrolló su profunda amistad y colaboración con Richard Strauss, del que estrenó muchas de sus obras y del que ha sido considerado un extraordinario intérprete.
Karen Matherson
Karen Matheson OBE (nacida el 11 de febrero de 1963) es una cantante folk escocesa que frecuentemente canta en gaélico . Es la cantante principal del grupo Capercaillie y fue miembro del grupo de Dan Ar Braz , L’Héritage des Celtes , con quien a menudo cantaba las voces principales, ya sea sola o con Elaine Morgan . Ella y Morgan cantaron juntas en la canción bretona «Diwanit Bugale», la entrada francesa en el Festival de Eurovisión de 1996 . Ella hizo un cameo en la película de 1995 Rob Roy cantando la canción » Ailein duinn «.
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Ella creció en el pequeño pueblo de Taynuilt en la región de Argyll , al oeste de Escocia. Fue nombrada OBE en la lista de honores de Año Nuevo 2006. Matheson también apareció como músico invitado en el álbum de 1997 de Spirit of the West , Weights and Measures . Matheson realizó un solo en la canción de Secret Garden «Prayer» en el álbum de 1999 Dawn of a New Century . Está casada con Donald Shaw , miembro de Capercaillie, y tienen un hijo llamado Héctor y una hija llamada Kate.
El 16 de octubre de 2015, Karen Matheson lanzó su cuarto álbum en solitario, Urram , en Vertical Records. En apoyo del nuevo álbum, Karen Matheson planeó 7 shows en Escocia en diciembre de 2015 y enero de 2016, un show en enero en Dublín, Irlanda y 5 espectáculos en el Reino Unido en febrero de 2016 (como parte de las sesiones transatlánticas).
En su sitio web oficial, Karen Matheson anunció en marzo de 2016 que se embarcaría en una gira de 11 fechas por la primavera de 2016 en el Reino Unido, visitando principalmente Escocia, comenzando el 15 de abril de 2016 en Perth, Escocia y terminando el 18 de junio de 2016 en Kirkcaldy , Escocia.
Karen Matheson anunció el 1 de julio de 2016 que presentaría un espectáculo el 19 de julio de 2016 en Ionad Cois Locha, Dún Lúiche , Irlanda, junto con sus viejos amigos y socios musicales Donald Shaw y Manus Lunny (ambos de Capercaillie ), durante el Trad Trathnona («Tarde tradicional»), el verano de las sesiones tradicionales del condado de Donegal (que se realiza todos los martes de julio y agosto).
Después de realizar dos espectáculos los días 26 y 28 de agosto de 2016 en el Shrewsbury Folk Festival , Karen Matheson se embarcaría en una gira de 9 fechas en otoño de 2016 en el Reino Unido, que comenzará el 15 de septiembre en el Beacon Arts Centre en Greenock , Reino Unido, y finalizará el 29 de septiembre en el Bush Hall de Londres, Reino Unido.
Discografía en solitario
El mar de los sueños (1996)
Tiempo de caer (2002)
Río abajo (2005)
Urram (2015)
Extracto de Wikipedia
Karajan
Herbert von Karajan (Salzburgo, 5 de abril de 1908-Anif, cerca de Salzburgo, 16 de julio de 1989) fue uno de los más destacados directores de orquesta del periodo de la posguerra y, en general, del siglo XX. Dirigió la Orquesta Filarmónica de Berlín durante treinta y cinco años.
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Fue el hijo menor del matrimonio formado por el doctor Ernst von Karajan y Martha Kosmac, de ascendencia eslava. Su familia paterna pertenecía a la alta burguesía de Salzburgo y tenía ancestros griegos. Su tatarabuelo, Georg Johannes Karajanis, nació en Kozani, en la época en que pertenecía al Imperio otomano (hoy Macedonia Griega) y se mudó a Viena en 1767, para finalmente trasladarse a Chemnitz (Sajonia). Él y su hermano fueron fundadores de la industria textil sajona, tarea por la que recibieron sendos títulos nobiliarios por Federico Augusto I el 1 de junio de 1792 (de ese modo se añadió el «von» a su nombre familiar). Así, el apellido Karajanis se convirtió en von Karajan.
En julio de 1938 se casó con la cantante de opereta Elmy Holgerloef, de quien se divorció en 1942. El 22 de octubre de ese mismo año, contrajo segundas nupcias con Anna Maria «Anita» Gütermann, heredera de la industria textil Gütermann, de quien se divorció en 1958. Ese mismo año contrajo matrimonio por tercera vez con Eliette Mouret, con quien tuvo dos hijas, Isabel y Arabel. Eliette lo acompañó hasta sus últimos días.
Murió en su casa a los 81 años.
Kansas
Kansas es una banda estadounidense de rock progresivo, AOR y hard rock que alcanzó la popularidad en la década de los años 1970, con éxitos como «Carry On Wayward Son» y «Dust in the Wind». Gracias a esto, Kansas se ha convertido en un número fijo de las radioemisoras de rock clásico, y suele dar giras por Europa y los Estados Unidos.
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Fue fundada en 1970 por el bajista Dave Hope, el baterista Phil Ehart y el guitarrista Kerry Livgren, a quienes se unieron el vocalista Lynn Meredith, los teclistas Don Montre y Dan Wright, y el saxofonista Larry Baker. Después de una serie de cambios en su formación, el grupo se asienta con Hope, Ehart, el violinista Robby Steinhardt, el tecladista y vocalista Steve Walsh y el guitarrista Rich Williams. Esta alineación grabó los mayores éxitos de la discografía de Kansas, que constituyeron además los mayores éxitos de público que incluyeron las mencionadas canciones «Carry On Wayward Son» o «Dust in the Wind».
De, cuando tres muchachos de Kansas decidieron rebautizarse con el nombre de su estado y abandonar su antiguo apelativo de White Clover.
El trío original, residente en Topeka, estaba compuesto por el guitarrista Kerry Livgren, el bajista David Hope y el batería Phil Ehart. A ellos y justo antes de cambiar de nombre se les unió el cantante y teclista Steve Walsh, el violinista Robert Steinhardt y el guitarra Richard Williams.
Su primer LP homónimo publicado en 1974 recibía la influencia de grupos de rock progresivo británico como Genesis, ejecutados desde el sentimiento del rock clásico americano. Este trazo progresivo continuó en su segundo disco grande titulado «Song for America» (1974), que aunque no vendió demasiado sí consiguió popularizar su nombre y llenar sus conciertos.
Más exitosos fueron «Masque» (1975) y sobre todo, «Leftoverture» (1976), disco que contenía su single «Carry On Wayward Son», y «Point of Know Return» (1977), álbum con sonidos AOR en el cual incluían el magnífico sencillo «Dust in the Wind», canción mítica para la banda que llegó al número 1 en todo el mundo, convirtiendo a Kansas en uno de los grupos rock de mayor éxito de su época reflejado en sus multitudinarias actuaciones en directo. Tras llegar a la cima de su popularidad y la adopción de un sonido más comercial (ya lejos de sus principios progresivos), Kansas publicó el directo «Two for the Show» (1978), y los irregulares discos en estudio «Monolith» (1979) y «Audio-Visions» (1981), antes de que Steve Walsh decidiera iniciar una carrera en solitario que no le reportó demasiados triunfos.
Su sustituto en la banda fue John Elefante, quien debutó con «Vinyl Confessions» (1982), álbum que como el siguiente, titulado «Drastic Measures» (1983), no alcanzó las ventas de sus trabajos anteriores y que proseguía con la senda poco comercial de «Monolith» y «Audio-Visions».
Poco después de la publicación de «Drastic Measures», la banda de Topeka se separaría, retomando Kerry Livgren su carrera en solitario iniciada en 1980 con «Seeds of Change» y marcada por una elevada religiosidad y un sonido más acerado. Junto al bajista David Hope formaría AD, un grupo hard que practicaba rock con temática cristiana.
Con posterioridad diversos componentes recuperarían el nombre Kansas grabando discos de mediana calidad, entre ellos «Somewhere to Elsewhere» (2000), un disco realizado por el sexteto original tras veinte años sin trabajar juntos.
Bandas como Dream Theater, Stardust Reverie, Magellan y músicos como Lana Lane o Bertín Osborne se han declarado fanes de la banda y han colaborado con sus miembros o han versionado sus temas.
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CD1 |
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01. In Your Blue Eyes 4.10 |
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01. Your Wildest Dreams 4.07 |
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1 I Heard It 5:36 |
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1. Take Your Chances (3:51) Line-Up: |
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1 Night Flight 5:14 |
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1 Night Flight 5:14 |
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1. «Tightrope» (Justin Hayward) – 4:49 Personnel |
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1. Tightrope 4.51 |
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1. Tightrope 4.51 |
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1. This Morning (5:55) Line-up |
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1. This Morning (5:55) Line-up |
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1. This Morning (5:55) Line-up |
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01. Red Beans And Rice (Live: ORTF TV Studio, Paris, France Dec 1967) |
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CD 1 |
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01. Don’t Do It No More |
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01 This Wheel’s On Fire |
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1. I Know You Love Me Not (Godding) – 2:26 |
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01. New Awakening 3.49 The Players: |
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01. New Awakening 3.49 |
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CD1 Personnel |
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01. Tropic Of Capricorn |
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01. Hi-Heel Sneakers |
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01. John Mayall & The Bluesbreakers & Eric Clapton – Key To Love (Mono) |
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CD1 |
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01. Radetzky March, op. 228 |
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1 – Fool (If You Think It’s Over) |
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CD 1 |
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CD 1 |
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[01:41] 01. You’re No Good (Remastered) |
The 10CD set includes Dylan Live from 1974 to the early 1990s. |
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CD1 |
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Disc I |
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01. Rebel King 5:50 |
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1 Now You’re In Heaven 3:37 |
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001-Bebop 1985 |
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1. Everything Changes 4:08 |
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1 Day After Day 4:19 |
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01. Rebel King 5:50 |
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1 Now You’re In Heaven 3:37 |
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01. Stick Around [04:05] |
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01. Stick Around [04:05] |
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01. Valotte [04:17] |
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01. Valotte [04:17] |
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01. Mambo Chillun |
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CD1 |
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CD1 |
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CD1 |
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CD 1 |
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A1. Afro Dite |
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Disc 1 |
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CD1 |
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CD 1 |
