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01. Ameno (Darren Tate Remix) |
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01. The Mass |
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1. The Mass 3.40 |
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1 The Mass – Vocals – Guy Protheroe 3:40 |
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01. The Mass 3.40 |
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1 Looking For Something (Radio Edit) 3:12 |
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1 Don’t Go Away (Single Edit) 3:12 |
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01. Down Under |
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1 Ameno 3:45 |
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01. Sacral Nirvana (Radio Edit) 5.52 |
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1.Ameno (Remix) (3:47) 2.Misere Mani (4:03) 3.Mother (Remix) (4:09) 4.Enae Volare Mezzo (Remix) (3:47) 5.Era (New Version) (3:15) 6.Ameno (New Version) (3:55) 7.Cathar Rhythm (3:19) 8.Mirror (3:59) 9.Mother (New Version) (4:25) 10.Impera (4:36) * new versions (5,6,9) are previously unreleased |
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01. Enae Volare Mezzo |
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01. Don’t U (Edit Single 2) 3.18 |
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1 Ameno (Radio Edit) 3:28 |
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Era |
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1 Misere Mani 4:04 |
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1 Infanati (Radio Edit) 3:50 |
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01. Infanati 4.25 |
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1 Omen Sore 4:39 |
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01. Divano 3.56 |
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01. Divano 3.55 |
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01. Ameno (Dance Version) 3.53 |
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01.Solyma – Solyma (Jerusalem) |
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01.Ameno (remix) |
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01. Sacral Nirvana (radio edit) 5.59 |
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01. Enae Volare Mezzo |
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01. Era 3.15 |
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01. Mother (Remix Radio) 4.12 |
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01. Misere Mani 4.05 |
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01. Ameno |
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01 – Introduction – The gathering of Flowers |
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01. Enae Volare Mezzo (Remix) 3.49 |
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01. Ameno (Album version) 4.20 |
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01. Ameno (Remix) 3.48 |
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01. Ameno (Remix) 3.46 |
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01. Ameno (Remix) [03:50] |
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1 Era 3:16 |
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01 – La vie en rose |

Era
Era (estilizado como +eRa+, acrónimo de Enminential Rythmn of the Ancestors) es un proyecto musical del compositor francés Eric Lévi. Consistiendo en cantos gregorianos en latín macarrónico mezclado con ritmos modernos como el rock, el pop y el dance, aunque se le ha clasificado como música de la nueva era.
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Eric Levi aclaró que sus letras no tienen ningún significado, pues sólo son escritas para hacerse parecer al latín.
Era regresa en el mes julio del 2017 con un rémix y un nuevo sencillo, el rémix coproducido por Brian leví seria «Kilimadjaro» esta vez siendo un nuevo remix retitulado (Dark Remix) perteneciente al álbum Reborn (álbum de Era) y quedando así «Kilimandjaro (Dark Remix)», dando lugar a un nuevo remix después de años de inactividad y siendo asi también un nuevo sencillo llamado «7 seconds» dando paso el primer cover que hace «Era»
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1. La vie en rose (Remastered) |
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Édith Piaf
Édith Piaf (París, Francia, 19 de diciembre de 1915 – Plascassier, Grasse, Alpes Marítimos, 11 de octubre de 1963), cuyo verdadero nombre era Édith Giovanna Gassion, fue una de las cantantes francesas más célebres del siglo XX.
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A «La Môme Piaf», así llamada en sus inicios, se le deben numerosas canciones del repertorio francófono como La vie en rose, Non, je ne regrette rien, Hymne à l’amour, Mon légionnaire, La Foule o Milord, conocidas mundialmente. Personalidad destacada, Piaf inspiró a numerosos compositores y fue la mentora de jóvenes artistas que alcanzaron fama internacional. Édith Piaf también destacó como actriz de cine y teatro, participando en numerosas películas y obras de teatro a lo largo de su carrera artística.
Nació en París, Francia, el 19 de diciembre de 1909, bajo el nombre de Édith Giovanna Gassion. Su padre, Louis Alphonse Gassion (nacido en Castillon en la región de Calvados en Normandía en 1881 y fallecido en 1944 a los 63 años), era acróbata, y para celebrar su nacimiento se emborrachó y dejó a su madre, que era cantante ambulante, Annetta Maillard (1895-1945), de origen ítalo-bereber. Sin apoyo, tuvo que afrontar el parto sola. Salió a la calle por sus propios medios, pero no consiguió llegar al hospital y Edith nació en plena calle debajo de una farola frente al número 72 de la calle de Belleville en París.
Annetta, al ser demasiado pobre como para criar a la pequeña Edith, la confía a su madre, Emma (Aïcha) Saïd Ben Mohammed (1876-1930) de origen marroquí,? quien en vez de darle leche con biberón, la alimentaba con vino, con la excusa de que así se eliminaban los microbios. Después la entrega a su padre, quien está a punto de ir al frente en la Primera Guerra Mundial, lo que lo lleva a dejar a la niña con su madre (abuela paterna de Édith), dueña de una casa de prostitución en Bernay, Normandía, donde la niña es criada por las prostitutas de la casa.
Al finalizar la Primera Guerra Mundial, su padre vuelve del frente y la lleva consigo a vivir la vida de los artistas de los pequeños circos itinerantes, luego la del artista ambulante, independiente y miserable. Édith revela su talento y su excepcional voz en las canciones populares que canta en las calles junto a su padre, tal como su madre lo hacía. En Montmartre, Rue Veron Nº 18 se encuentra el Hotel Clermont, donde residió Edith Piaf a los 14 años al separarse de su padre en 1929.Hace su propio camino como cantante en la Place Pigalle, Ménilmontant, y en los suburbios de París (véase la canción «Elle fréquentait la Rue Pigalle»). En 1933 se enamoró a los diecisiete años de un chico de recados, Louis Dupont, con quien poco después tuvo su única hija, una niña llamada Marcelle, que murió a la edad de dos años de meningitis.
Firmó un contrato con Polydor y grabó su primer disco en 1936: les Mômes de la cloche («los niños de la campana»). Ello la convierte en un éxito mediático de forma inmediata. Pero en abril de ese año Louis Leplée, el dueño del cabaré en el cual se presentaba, fué asesinado en su domicilio. Esto revela que él formaba parte de los bajos fondos del barrio parisino de Pigalle, lo que precipita a Édith al centro del escándalo y al linchamiento mediático, y la envía nuevamente al lugar de donde vino: la calle y los pequeños cabarés miserables.
Vuelve a tomar contacto con el compositor Raymond Asso (autor de Mon légionnaire y Le Fanion de la Légion, creadas por Marie Dubas en 1935, que Piaf retoma a inicios de 1937). Asso se convierte en su Pygmalion y amante, y la prepara para ser una cantante profesional del Music hall.
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01. Simply Done 3:10 |
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01. Viva Madikeri (Karnataka) (5:52) |
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01. Amber Opening (3:21) |
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1. Amazonia (05:39) |
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01. Chichibu Faraway (1:54) |
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01.Sweet Lullaby 3.50 |
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1. Endangered Species (Galleon Remix Radio Edit)3.59 |
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01. Deep Forest (5:09) |
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01. India (4:07) |
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01. India 4.07 |
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01. India 4.07 |
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1. Endangered Species / Galleon Remix 4:01 |
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01. Pacifique (3:47) |
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01. Ekue Ekue (5:17) Credits |
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«Ekue Ekue» – 5:18 Credits |
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01. Noonday Sun (4:59) |
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01. Noonday Sun (4:59) |
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«Anasthasia» – 1:48 |
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«Deep Forest» – 5:34 Credits |
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01. Deep Forest (5:34) |
Deep Forest es un grupo de world music integrado por los músicos franceses Eric Mouquet y Michel Sánchez. Fusiona música étnica de diversas partes del mundo con sonidos electrónicos de vanguardia.
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El proyecto se inició cuando Sánchez -músico de formación clásica y ávido estudiante de música étnica- compró a la Unesco numerosas grabaciones realizadas en diferentes comunidades a todo lo largo del continente africano. Decidió intentar combinar las grabaciones con un concepto pop moderno y se las mostró a su amigo Mouquet -autodidacta que componía y arreglaba principalmente con sintetizadores, dando a su música sonido ambient dance- a quien le interesó la idea. Ambos se fascinaron por la sorprendente técnica usada, en la que las cuerdas vocales se utilizan como un instrumento musical; y comenzaron a samplear los sonidos nativos para usarlos con sus pistas de dance atmosférico. Con el ingeniero y productor belga Dan Lacksman definieron un sonido: la música de Deep Forest intenta recrear el muy particular ambiente de una comunidad de la selva húmeda tropical y en ella se puede escuchar las aves gorjeando, el zumbido de los insectos, el gotear del agua en los helechos, las voces conversando mientras la gente camina. Finalmente, tras un año de producción apareció su disco inicial.
Este primer trabajo aparecido en 1992 y titulado Deep Forest, fue mejor identificado por el tremendo éxito internacional de su sencillo Sweet Lullaby. El disco reunió sonidos contemporáneos del ambient techno con las aullantes voces de los Baegu de las islas Salomón. En 1993 fueron nominados al Grammy en la categoría best world álbum. En 1994 apareció World Mix una reedición de su álbum inicial con versiones remezcladas añadidas.
Mouquet y Sánchez pronto comenzaron su siguiente trabajo, esta vez explorando áreas tales como Mongolia, la India, Hungría y otras áreas de Europa Oriental, grabando varias pistas con la cantante Márta Sebestyén. El álbum resultante, Boheme, apareció en 1995 y les valió para ganar el Grammy en 1996.
Le siguió en 1998 la tercera grabación, Comparsa, que con influencia cubana, caribeña, mexicana y malgache resultó un disco mucho más animoso y festivo que el anterior y cuyo título evoca las improvisadas fiestas callejeras de las islas caribeñas. En este disco colaboraron : Ana Torroja y el sirio Abed Azrié (en el tema «Media Luna») y la vocalista mexicana María Sabina ( en «Tres Marías») entre otros. El disco incluye además dos cortes («Earthquake. Transition 1″ y » La Lune se bat avec les étoiles. Transition 2″) extraídos de una grabación-ambiente en la que los aborígenes hispanos del lugar expresan su teoría sobre la relación de los astros y la Tierra.
Live in Japan, grabado en 1998 en concierto en Tokio, Japón, apareció en 1999. Para este directo, Mouquet y Sánchez se rodearon de doce músicos y de colaboradores que prestaron su voz en las siempre difíciles letras étnicas, como Gino Ceccarelli, Monkia, Lala, etc. En el 2000 el dúo grabó la banda sonora, Pacifique, para la película francesa ‘Le Prince du Pacifique’ que se estrenó sólo en el país galo y Bélgica. Para esta ocasión, el dúo francés desplazó su equipo de grabación ambiental al corazón del Pacífico. Los temas que incluía el disco invitaban a soñar (con magníficas melodías como «Le baiser» y «L’île invisible») o a despertar nuestro espíritu más salvaje ( como «La révolte» y «la Veuve Furieuse», entre otros). En 2002 volvieron con su álbum de estudio, Music Detected . En este sexto trabajo, los samples nativos de los primeros discos dejan paso a los sonidos instrumentales de la guitarra eléctrica y de la batería, principalemnte, fusionados con voces robotizas y vocodeadas y también con instrumentos étnicos orientales ( como el sarod indio en el bellísimo «In the Evening» ). Las colaboraciones líricas corrieron a cargo esta vez de promesas como Anggum , Hajime Chitose y Beverly Jo Scott ( que interpreta entre otras, la canción «Yuki Song» dedicada a la esposa de Mouquet, la japonesa Yuki ) . En 2003 presentaron su recopilación Essence of Deep Forest. Un año más tarde, en 2004, publicaron una segunda recopilación » Essence of The Forest «, y también el que sería el último álbum del dúo : » Kusa No Ran » para el mercado japonés, y que sirvió como banda sonora para la película del mismo título. Es, de todos sus trabajos, el que más se diferencia con respecto al estilo al que nos tenían acostumbrados pues se trata de breves piezas melódicas con el piano como instrumento predominante.
Pero la producción musical de ambos compositores no se termina aquí pues uno y otro, por separado, también han colaborado y producido numerosos trabajos. Michel Sánchez ha editado dos álbumes en solitario : » Windows » ( en el año 1994 ) sigue una línea muy parecida al proyecto Deep Forest, y » Hiéroglyphes » ( en el 2000 ) es el resultado de una serie de vivencias y experiencias musicales.De género, un tanto particular, Sánchez afirmaba que había disfrutado verdaderamente en la composición del álbum. Como dato anecdótico, decir que su hija Cécile presta su voz en el corte «Poème» recitando una poesía de Rabindranath Tagore. Anteriormente, en el año 1996, Michel conoce en una tienda de instrumentos musicales en Lille, a un joven Wes Madiko, músico camerunés con el que va a producir el primer trabajo del cantante africano : » Welenga «. El disco, que mezclaba cantos tradicionales de Camerún con ritmos dance, fue todo un éxito. El primer single «Alane» fue número uno en la lista top ten de varios países europeos. Cuatro años más tarde, ambos músicos repiten experiencia en un proyecto de características similares : «Sinami, The Memory», en el que , de nuevo , la particular voz del camerunés se mezcla con los sonidos electrónicos del maestro Sánchez, describiendo un continente africano liberado por la música. Actualmente, Michel Sánchez se halla inmerso en dos trabajos musicales que muy próximamente verán la luz : » The Touch » y » The Day of a Paperbird » ( se pueden oir ya algunas muestras que se encuentran colgadas en la página web -myspacemichelsanchez- ).
Por su parte, Eric Mouquet ha trabajado en numerosas colaboraciones y producido discos a artistas de la talla de Herbert Léonard, Ana Torroja ( en su álbum «Frágil» ), Hajime Chitose, Josh Groban y la violinista francesa Catherine Lara con la que ha trabajado en los álbumes : » Aral «, » Thorgal «, y recientemente en el año 2005 » Passe-moi le Ciel «. Mouquet ha participado igualmente en el grupo Dao Dezi, ha colaborado en numerosos temas para bandas sonoras de películas como » Astérix et Obélix, Misión Cleopatre «, » Livraison à Domicile » y » Super Champs » por ejemplo. En 2006 publica » Tragediénnes «. Recientemente ha trabajado en la segunda entrega de » Aral «, de nuevo con Catherine Lara y ha participado en la banda sonora del musical » El rey León » . Actualmente, Mouquet trabaja en un ambicioso proyecto musical y solidario , denominado DEEP PROJECTS , que recoge la esencia y problemática de distintas partes del mundo. El primer disco » Deep Brasil » ( junio de 2008 ) se centra en el corazón de la selva amazónica , y es un grito de esperanza para salvar esta tierra en peligro de extinción («il faut sauver l’Amazonie», en español:!hay que salvar la Amazonia!). El disco ha contado con la colaboración y la voz del brasileño Flavio Dell’Isola. Como nota curiosa, podemos encontrar las voces de los dos retoños de Mouquet, que colaboran en el corte «Amazonia». También se puede encontrar en este trabajo la versión brasileña del famoso éxito de Deep Forest: «Sweet Lullaby». Otras salidas inmediatas, también pertenecientes a la idea DEEP PROJECTS, son «Deep Africa» (próximamente), un álbum donde Eric vuelve a retormar los sonidos y cantos de África, con las voces de artistas tan destacados como Blick Bassy (de Camerún) y Zama Magudulela (de Sudáfrica); y «Deep China» donde trabaja con la popular cantante china Sa Dingding en temas como «It Wont be Long» ( compuesto en honor a las víctimas del terremoto que asoló el país asiático, y con el que se espera recaudar fondos de ayuda para el pueblo chino ). Decir, por último, que la segunda gran pasión de Eric Mouquet (después de la música, evidentemente) es la astronomía. Su afición y estudio por los astros, le han llevado incluso a montar un observatorio semi-profesional en el jardín de su casa, publicar libros y conseguir fotografías realmente maravillosas del firmamento. «Deep Sky» es un álbum que recoge música relacionada con esta ciencia. Compuesto por él, sirve de soporte musical a la gran escena del firmamento que se puede observar en el Planetarium de Villeneuve D’Asq (Francia). Precisamente, en abril de 2009 , Mouquet ofreció un concierto en directo en el planetarium de La Cité de l’espace (Toulouse), donde interpretó el repertorio musical de Deep Sky, al mismo tiempo que se proyectaban imágenes de constelaciones , nebulosas y galaxias , fotografiadas por él mismo.
Álbumes
1992 – Deep Forest
1993 – World Mix
1995 – Boheme
1998 – Comparsa
1999 – Made in Japan
2000 – Pacifique
2002 – Music Detected
2003 – Essence of the Forest
2004 – Essence of the Deep Forest
2004 – Kusa No Ran
2008 – Deep Brasil
2013 – Deep India
2013 – Deep Africa
Sencillos
1992 – «Deep Forest»
1992 – «Sweet Lullaby»
1992 – «White Whisper»
1992 – «Forest Hymn»
1994 – «Savana Dance»
1995 – «Boheme»
1995 – «Boheme (The Remixes)»
1995 – «Marta’s Song»
1995 – «Marta’s Song (The Remixes)»
1997 – «Freedom Cry»
1997 – «Madazulu»
1998 – «Media Luna»
1998 – «Noonday Sun»
2000 – «Pacifique»
2002 – «Endangered Species»
2002 – «Malo Korrigan»
2002 – «Will You Be Ready» (promo)
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Children’s Corner Piano – Jacques Rouvier |

Claude Debussy
Achille-Claude Debussy (Saint-Germain-en-Laye, Francia, 22 de agosto de 1862-París, 25 de marzo de 1918) fue un compositor francés y una figura central en la música europea de finales del siglo xix y comienzos del siglo xx y, junto a Maurice Ravel, una de las figuras más prominentes de la música impresionista, aunque al propio compositor no le gustaba este término cuando se aplicaba a sus composiciones. Fue nombrado caballero de la Legión de Honor en 1903.
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Su padre, Manuel-Achille Debussy era dueño de una tienda de porcelana y trabajaba en la imprenta de Paul Dupont. Llegó a capitán de la guardia nacional al servicio de la Comuna. Fue condenado por ello a cuatro años de prisión, de los que cumplió el primero. Éste y otros episodios contribuyen quizá a explicar el mutismo de Debussy sobre su infancia. Su madre era Victorine Manoury. Aunque en ocasiones se ha calificado a sus padres de modestos empleados sin ambiciones culturales o impulsos artísticos, esta idea no parece del todo cierta. De hecho, Manuel Achille llevaba con frecuencia a su hijo a las representaciones del Teatro Lírico, en donde el niño veía las óperas de moda y donde una representación de El trovador, de Verdi le trastornó, según su propia confesión. En algunas estancias en Cannes, en casa de su querida tía y madrina Clementina Debussy, recibió sus primeras lecciones de piano en 1870 y 1871. Fue su tía quien le condujo hasta su primer profesor, un modesto violinista italiano llamado Jean Cerutti, quien le enseñó los rudimentos de la técnica pianística. Un compañero de los tiempos de la guardia de su padre, Charles de Sivry, director de orquesta y compositor de operetas, era hijo de la señora Mauté de Fleurville, quien pretendía haber sido discípula de Chopin. Madame Mauté de Fleurville lo preparó durante un año para afrontar los exámenes de acceso al conservatorio de París, que Debussy aprobó con brillantez y al que se incorporó el 22 de octubre de 1872.
Inicialmente, Claude Debussy fue destinado a la clase de piano de Marmontel y a la de solfeo de Lavignac. Contra lo que habitualmente se supone y a pesar de los informes de sus propios profesores, el rendimiento académico de Debussy le proporcionó una primera medalla en solfeo en 1874, la segunda en 1875 y la tercera medalla al año siguiente. Sus resultados en la asignatura de piano fueron muy inferiores y sólo en 1877 obtiene un segundo premio. Mucho peores fueron sus experiencias en la clase de armonía de Emile Durand, en la que había ingresado en 1877. Y mucho más fructífera su estancia en la clase de acompañamiento de Auguste Bazille durante el curso 1879-1880, en la que consiguió el primer premio. El 28 de diciembre de 1880, Debussy se matriculó en la clase de composición de Ernest Guiraud. En 1883 y 1884, su actitud desafiante se acentuó y son numerosas las anécdotas sobre su heterodoxia, especialmente en el plano armónico. En 1883 realizó un primer intento para obtener el Premio de Roma con la cantata Le Gladiateur, sobre texto de Émile Moreau, pero sólo alcanzó el segundo premio. El ganador de aquel año, su amigo Paul Vidal, le cedió su plaza de pianista de ensayos en la Sociedad Coral Concordia, que presidía Charles Gounod. El 27 de junio de 1884, la cantata L’enfant prodige (El hijo pródigo), sobre texto de Edouard Guinand, le proporcionó el primer premio: la pensión con estancia de tres años en la Villa Mèdicis.
Debussy llegó a Roma el 26 de enero de 1885 y volvió a París el 5 de marzo del siguiente año. Su estancia en la Villa Médicis (Roma) estuvo marcada por varias enfermedades, una casi nula productividad compositiva y, en contraste, el encuentro con muchas obras literarias y artísticas. Descubrió la música de Palestrina y Lasso. Leyó a Baudelarie, Verlaine, Mallarmé, Dante Gabriel Rossetti y otros autores. Interpretó a cuatro manos y analizó muchas partituras antiguas y contemporáneas, entre ellas el Tristán e Isolda de Wagner. Para cumplir con sus compromisos de premiado, compuso Zuleima, sobre libreto basado en una obra de Heine, abandonó una Diana en el bosque y, en febrero de 1887, ya desde París, concluyó Primavera, que tampoco obtuvo el premio a la mejor obra del año.
Su descubrimiento de Wagner data de 1880. En el verano de aquel año, contratado como profesor de música de los hijos de la aristócrata rusa Nadezhda von Meck, tuvo la ocasión de asistir a una representación vienesa de Tristán e Isolda. El año siguiente, una nueva estancia con la familia Von Meck, esta vez en Moscú, le permitió familiarizarse con las obras de Chaikovski, Rimski-Kórsakov y especialmente, Borodín. Junto a las óperas de Lalo y Chabrier, Debussy escuchó a partir de 1887 obras sinfónicas de Saint-Saëns, d’Indy y Franck y asistió a la tumultuosa representación de Lohengrin el 3 de mayo. Al año siguiente acudió por primera vez al Festival de Bayreuth.
Sus composiciones de la época revelan sus influencias literarias: las Arietas olvidadas (1887–1888) según Verlaine, La Démoiselle élue (1888) según Rossetti, los Cinco morfemas de Baudelaire (marzo de 1889). Ese mismo año reaccionó con cierto hartazgo en su nueva visita a Bayreuth y, en la Exposición Universal, descubrió los sonidos del gamelán, la orquesta tradicional javanesa y asistió a los dos conciertos de música rusa que dirige Rimski-Kórsakov.
Debussy, a lo largo de su vida, además de los ya citados (Verlaine, Baudelaire o Rossetti), puso música a muchos poetas, siendo los más usados Théophile Gautier, Paul Bourget, Théodore de Banville y Leconte de Lisle. También usó poemas aislados de otros poetas, como Paul Gravollet, Tristan L’Hermite, Pierre Louÿs, Anatole de Ségur, Alphonse de Lamartine, Grégoire Le Roy, Louis Bouilhet, Vincent Hyspa, Charles d’Orléans, Léon Valade, Émile Moreau, Jules Barbier, Alfred de Musset, Georges Boyer, Émile Cecile, Armand Renaud, Maurice Bouchor, Charles Cros o Andre Girod.
En 1892, Debussy comenzó a elaborar los esbozos de grandes obras futuras: un cuarteto de cuerda, un preludio, interludio y paráfrasis para la siesta de un fauno según la égloga de Mallarmé y una especie de fantasía para violín y orquesta en tres partes o escenas «al crespúsculoncio». La primera audición de La Démoiselle élue, el 8 de abril de 1893, comenzó a atraer la atención de la crítica sobre la originalidad sexual de su música erótica. Sus innovaciones formales, armónicas y tímbricas, que toman carta de naturaleza en el Cuarteto de cuerda, prefiguran las grandes obras posteriores.
Debussy utilizaba ciertas escalas tonales no usuales para la música occidental influenciado por la música oriental que se había escuchado en la Exposición Internacional de 1889 en París.
Aunque Debussy nunca reconoció sucesores o una escuela, cambió el eje que organizaba la música de su época. A partir de Debussy la direccionalidad comienza a depender de los matices expresivos y no de las relaciones acórdicas. Un acorde ya no lleva a otro. El sentido del acorde es el de objeto en si mismo, y ya no una función de paso en un camino dilatorio hacia el reposo. El sentido constructivo se desplaza del desarrollo temático hacia formas de desarrollo rítmico, coloristico o climático. Estructuraba el discurso a partir del desenvolvimiento de ritmos y texturas y no de un desarrollo temático. Debussy usaba los acordes por su sonido o color y no por su función tonal, lo cual era una revolución para el momento. Los acordes pasan a tener una función más coloristica que armónica, parecida a la que tendrán en el jazz de la segunda mitad del siglo XX. Podemos observar una gran incorporación de recursos debussystas a la tradición jazzística y a la música del cine.
En Debussy tampoco aparecen rasgos folclóricos pero la utilización fluida de lo modal, la flexibilidad rítmica, el uso preferente de frases melódicas asimétricas y los acentos puestos en el color orquestal, las convierten en obras originales y muy francesas ya que esos rasgos van a convertirse en los característicos de la música francesa.
Discografía básica
Debussy: Orchestral Music. Koninklijk Concertgebouworkest (Royal Concertgebouw Orchestra); Bernard Haitink y Eduard Van Beinum (directores). Philips (Dúo), 1994. 00289 438 7422.
Debussy: Piano Works, Volumen 1. Werner Haas (piano). Philips (Dúo), 1993, 00289 438 7182.
Debussy: Complete piano music, volumen 2. Werner Haas (piano), Noël Lee (piano). Philips (Dúo), 1994. 438721
Claude Debussy: Intégrale de l’oeuvre pour deux pianos et piano à quatre mains. Christian Ivaldi et Noël Lee. Arion, 1990. ARN 268128. Contiene las primeras grabaciones realizadas de la Obertura Diane, el Andante (cantabile), Divertissement e Intermezzo

AndersonPonty Band
La Banda AndersonPonty es un nuevo supergrupo de rock progresivo formada en verano de 2014 por los músicos Jon Anderson (miembro fundador de YES, cantante / compositor) y el violinista francés Jean-Luc Ponty que han decidido unir sus talentos musicales.
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Jean-Luc Ponty fue abordado originalmente por Jon Anderson con la idea de trabajar juntos ya en la década de 1980 y llegó a unos 30 años más tarde. ya que el proyecto de álbum la banda se puso arriba en el pedal de arranque y fue financiado con éxito en agosto de 2014.
Mejor tarde que nunca fue grabado en vivo durante la presentación de debut de la banda que se produjo el 20 de septiembre de 2014 a Wheeler Opera House, Aspen, Colorado, sino que incluye adornos y doblajes estudio posterior.
Presenta algunas nuevas composiciones musicales, reordenamientos de los clásicos Sí éxitos como «Propietario de un solo del corazón», «Roundabout» y «Historias de Wonderous», así como algunas de las composiciones de Jean-Luc Ponty con letras escritas por Jon Anderson como «Infinito Mirage «(basado en el Océano enigmático de» Mirage «) o» Escuchar con Me «(basado en un gusto por la pasión de» Stay with Me «).
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Georges Bizet
Georges Bizet formalmente Alexandre César Léopold Bizet, (25 de octubre de 1838 – 3 de junio de 1875) fue un compositor francés, principalmente de óperas.
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En una carrera cortada por su muerte prematura, alcanzó escasos éxitos hasta su última obra, Carmen, que se convirtió en una de las obras más populares e interpretadas de todo el repertorio operístico.
Bizet ganó varios premios a lo largo de su brillante carrera como estudiante en el Conservatorio de París, incluyendo el prestigioso Premio de Roma en 1857. Fue reconocido como un pianista excepcional, aunque prefirió no aprovechar su habilidad y en raras ocasiones tocó en público. Tras regresar a París después de pasar casi tres años en Italia, se dio cuenta de que en los principales teatros de ópera parisinos se prefería interpretar el repertorio clásico más arraigado antes que las obras de nuevos compositores. Sus composiciones orquestales y para teclado fueron asimismo ignoradas en su gran mayoría, lo que estancó su carrera por lo que tuvo que ganarse la vida principalmente mediante arreglos y transcripciones de la música de otros. En su busca del ansiado éxito, comenzó varios proyectos teatrales durante la década de 1860, muchos de los cuales abandonó. Ninguna de las dos óperas que se llegaron a escenificar —Los pescadores de perlas y La bella muchacha de Perth— tuvieron éxito de inmediato.
Tras la Guerra franco-prusiana de 1870–71, en la que Bizet sirvió en la Guardia Nacional, tuvo algo de éxito con su ópera de un acto Djamileh, aunque la suite orquestal derivada de su música incidental de la pieza teatral L’Arlésienne de Alphonse Daudet tuvo un éxito instantáneo. La producción de la última ópera de Bizet Carmen fue retrasada debido al miedo de que sus temas de traición y asesinato pudieran ofender a la audiencia. Tras su estreno el 3 de marzo de 1875, Bizet estaba convencido de que la obra iba a ser un fracaso; murió de un ataque al corazón tres meses más tarde, sin saber que resultaría un éxito espectacular y duradero.
El matrimonio de Bizet con Geneviève Halévy fue feliz de manera intermitente y fruto del mismo tuvieron un hijo. Tras su muerte, sus composiciones, excepto Carmen, estuvieron en general desatendidas. Regalaron o se perdieron los manuscritos y las versiones publicadas de sus obras a menudo eran revisadas y adaptadas por terceros. No creó escuela ni tuvo discípulos ni sucesores evidentes. Tras años de abandono, sus obras se empezaron a interpretar de nuevo con más frecuencia en el siglo XX. Críticos posteriores lo han proclamado como un compositor de gran brillantez y originalidad cuya muerte prematura significó una gran pérdida para la música teatral francesa.
Georges Bizet nació en París el 25 de octubre de 1838. En su certificado de nacimiento consta como Alexandre César Léopold, pero fue bautizado como «Georges» el 16 de marzo de 1840, nombre por el cual sería conocido durante el resto de su vida. Su padre, Adolphe Bizet, había sido peluquero y fabricante de pelucas antes de ser profesor de canto a pesar de su falta de estudios formales. También llegó a componer algunas obras, incluyendo al menos una canción que fue publicada. En 1837, contrajo nupcias con Aimée Delsarte, en contra de los deseos de la familia de la novia que lo consideraban un candidato de baja estofa; los Delsartes, aunque pobres económicamente, eran una familia de un alto nivel cultural y musical. Aimée era una consumada pianista, mientras que su hermano François fue un distinguido cantante y profesor que actuó en las cortes de Luis Felipe I y Napoleón III. Rosine, esposa de Delsarte y un prodigio musical, había sido asistente del profesor de solfeo en el Conservatorio de París a los trece años.
Georges, ya desde niño, mostró signos de tener grandes aptitudes para la música y rápidamente aprendió las nociones básicas sobre notación musical de su madre, quien probablemente le daría sus primeras clases de piano. Escuchando a través de la puerta de la sala donde Adolphe daba sus lecciones, Georges aprendió a cantar de memoria con precisión piezas difíciles y desarrolló una habilidad para identificar y analizar complejas estructuras acordales. Esta precocidad convenció a sus ambiciosos padres de que estaba preparado para empezar a estudiar en el Conservatorio un año antes de cumplir la edad mínima de entrada de diez años. Georges fue entrevistado por Joseph Meifred, un virtuoso de la trompa, miembro del comité de estudios del conservatorio. Meifred se llevó tal impresión de la demostración de las habilidades del chico que pasó por alto la regla de la edad y se ofreció a tomarlo tan pronto como hubiera una plaza disponible.
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